WALTER HILL: CAIN: Once you’re in the dark… I’m the boss

Manuel García de Mesa
-
0
WALTER HILL: CAIN: Once you’re in the dark… I’m the boss

Fans of director, producer and screenwriter Walter Hill have good reasons to celebrate. On December 6, 2023, Dark Horse Books published the graphic novel named Cain in the US. The filmmaker’s fourth illustrated adventure, is the first one published in his native land, which is based on a script and a story he created, as can be immediately recognized.

Cain is, like Roy Nash or Frank Kitchen, other comic characters created by the Long Beach filmmaker, a hitman, with the peculiarity that he is blind, and specializes in killing despicable human beings. He enjoys it. Gangsters, corrupt politicians and traffickers of girls taken from Africa with the sole purpose of pleasing the depraved people who pay astronomical amounts of money (in what would be the last phase in the colonization process of the black continent, like someone says). This entire gallery of human misery falls like flies before their relentless automatic pistols that spit death in abundance.

Between briefcases plenty of money and accurate shots in the dark, the murderer occasionally decides to reestablish a bit of order and justice in the universe, although such decisions do not constitute economic profits at all. To fall on his target, and any sicario who gets in the way, Cain always takes advantage of the ‘element of surprise’, which as Cain says ‘…usually carries the day’. Whenever he can, he leads his enemies into darkness. ‘…Once you’re in the dark, I’m the boss’, stands his reflective voice off-screen, a narrative resource that Hill uses as anyone does.

The hitman is a sex addict, a circumstance he explains by stating that he has always been tremendously attractive to women. He travels to different places on the planet. In Macau, which he considers Hong Kong’s Las Vegas replica, we see him on a killer’s shoes for the first time, in a sequence that is a tribute to the choreographed action scenes of Hong Kong film director John Woo (you even can imagine the slow motion sequence reading the comic book); Paris and its Latin quarter, in the fifth arrondissement, serves the purpose of meeting Garance, a high-level prostitute, and the former Spanish police officer Esteban, who knows the Parisian underworld pretty well, and where the main character decides to take down a pervert influent person. A real big shot whose death is current new on television; In Madrid, after a boring museum session, he makes the decision to go to the controversial Montera Street, the famous perpendicular of Gran Vía towards Puerta del Sol, and carry out one of his acts of poetic justice, releasing a prostitute, a young woman from Málaga, from the clutches of his violent pimp.

Among his hedonistic activities, like the legendary character Wild Bill Hickok, in Walter Hill‘s 1994 film, the (anti)hero goes to his favorite opium den, in China, to smoke from a pipe, experiencing sensory journeys, in what he calls ‘…trying to send myself into the fourth dimension’.

Cain’s blindness is not a problem, nor a disability to function, since he has an important sensory ability. The sound that comes from the movement of the bodies draws in his mind the silhouette of the people who usually move around him. Cain is also undisputed in hand-to-hand combat, thanks to the training of CIA agent Eva, who took him from an orphanage and trained him in the art of war. All these factors appear in the construction of the character intermingled with a piece of integrity in the path undertook by the hero, an honesty quality that is very appreciated by the Californian film director and screenwriter in his own stories.

PASSION FOR COMICS

Walter Hill‘s passion for graphic novels is well known and dates back to his childhood. Since he was an asthmatic child (had to spend a lot of time alone, without going to school), he devoured the comics that fell into his hands (from Flash Gordon to Roy Rogers), as well as those films that forged his own imagination, such as Stagecoach (USA, 1939), directed by John Ford, or High Sierra (USA, 1941), by Raoul Walsh, probably his favorite American classic film director. His script for The Gateway (USA, 1972), directed by Sam Peckinpah, is dedicated to the memory of Mr. Walsh. Of course, also the great novels of universal literature, like Borges, Homer, and Hemingway (especially his laconic short stories), made an appearance in Hill’s imaginative mind in childhood and early youth. All these artistic expressions, opened the filmmaker’s mind to different levels and ways of telling his own stories, which always reflect the purity of his childhood tastes, which remain amazingly intact beyond 80 years of age.

IMAGES WITH VIGNETTE AROMA

That specific passion of Walter Hill for the language of comics remains perfectly exposed in some samples of his cinema, without too much efforts. The aesthetics of The Warriors (USA, 1979), especially in the 2009 cut, where an introduction appears in vignette images (which serve as support for the director’s own voice over, explaining the parallelism of the story to be told with Xenophon’s Anabasis). Throughout the film, seven other static drawn images make up as illustrated panels, which transition from one sequence to another. These fresh ideas, incorporated, as we say, in 2009 to the 1979 film, don’t leave much room for doubt, regarding the director’s taste for the graphic novel.

The transitional effects that can be seen in some moments of Streets of Fire (USA, 1984), increasing the sense of acceleration to the already frenetic pace, also provide some evidence of that passion. Last Man Standing (USA, 1997), his particular adaptation to Akira Kurosawa’s universe, establishes a straight dialogue with the concise “language” of the graphic novel’s narrative, as demonstrated by certain thematic similarities and historical location of this film with the comic The Triggerman (known in France and Spain as Balles Perdues and Balas Perdidas, respectively, that means lost bullets, a title full of poetics and fatalism).

In his film The Assignment (USA, 2016), Hill reiterates the idea he used in the 2009 version of The Warriors of including the aforementioned comic panels, which link the end of some image with the beginning of the following one. He also made an extremely interesting and enriching decision. The filmmaker decided that this 2016 film would dialogue with a version in graphic novel format. His film Bullet to the Head (USA, 2013) is, on the other hand, the film adaptation of the comic by Wilson and Alexis Nolent (known as Matz), of the same title. Hill met Nolent while both were promoting the 2013 film in New Orleans. As a result of that meeting, a friendship and a fruitful professional collaboration arose, which has led to the creation of three graphic novels, some already mentioned, for the French publishing house Rue de Sèvres.

THE THREE STORIES TRANSFORMED INTO VIGNETTES FOR THE FRENCH PUBLISHER RUE DE SÈVRES

The Triggerman introduces Roy Nash to the audience, a hitman in Prohibition era, who is taken from Joliet prison, a very harsh condition and antique penitentiary located in Illinois, where he is serving a life sentence, to find a mafia money that was stolen by three small-time crooks. The ultimate argument to recruit Nash has to do with an important fact: the great love of his life, he has a photograph in his pocket watch, is dating with one of the three scoundrels.

This comic was published in the US by Titan Books, in an edition that contains additional images with a marked pulp tone, more typical of the time in which it takes place, early 30’s, pictures not published in other markets. In Spain, Norma Editorial produced a commendable hardcover edition, which includes a brief interview with the creator, like French edition.

Bodies and Souls constitutes, as has been said, a comic version with some interesting variations regarding the film The Assignment (shares its title in US publishing) which tells the story of the hitman Frank Kitchen, who undergoes a sex change against his will, as a revenge carried out for a little unbalanced doctor female who has lost her brother, terminated by the tomboy (original title for the screen story, back in the 70’s). The comic explores aspects such as the sex change of the protagonist, or his relationship with the young nurse, in a different way than the film, although in essence it’s a story told on the old fashion way: murderers, gangsters, gunshots, tobacco smoke, revenge, economic interests and dilemmas that test the integrity of the protagonist. This sensational work has also been published in Spain by Norma Editorial.

Le Spécimen, for its part, is a science fiction plot set in the snowy landscape of Siberia, whose protagonist is Dr. Irina Danko. Bridging the gap, it shares with the film The Thing (USA, 1982), by John Carpenter, as well as with the classic original film, The Thing (USA, 1951), by Christian Nyby and Howard Hawks, the desolate snowy landscape, surrounding an isolated built environment, and a science fiction plot with a creature, although this time it is not such monstrous shape. As a differentiating element, the plot of Le Spécimen is completed with some leaps on time and space, namely to other centuries, like Central Europe, in 1880, Paris, 1840, Berlin, 1928, or Rome, 1st century BC. This fascinating piece of sci-fi work is conceived by Hill in a genre rarely approached, with the exception of his contribution (with his longtime companion David Giler) to the Alien saga, or his willingly uncredited participation in Supernova (USA, 2000), by Thomas Lee. Le Spécimen is not published except in the French market, up to now.

THE ELEMENT OF SURPRISE USUALLY CARRIES THE DAY

Walter Hill‘s fourth work for the comic language, constitutes, as we said, his editorial debut in his country after his three French adventures. Opening wide is Dark Horse Comics, an independent, autonomous production company, founded in 1986 by Mike Richardson, but with great weight in illustrated publishing. The firm has an enormously personal history in the world of graphic novel. Super heroes like Hellboy, the creation of Mike Mignola, graphic novels like Sin City, by Frank Miller, comics that explore film sagas like Alien, Predator, Terminator, or the Netflix series Stranger Things, stablish an important part of its legacy.

In 1992, Dark Horse Entertainment was created to produce films mainly based on its comics, and they participated in the development of the two Hellboy films directed by Guillermo del Toro, as well as the two crossover films of the Alien and Predator sagas. In 2004, DH Press appeared with a range of novelizations of its most popular comics.

Well, the remarkable graphic novel that Dark Horse put into circulation in the US at the end of 2023, creates an alliance between Hill and screenwriter Mike Benson, author of other remarkable comic works about superheroes such as Punisher, Luke Cage, Wolverine, or Moon Knight and for television in shows like Big Wolf on Campus or Entourage, among others.

Cain also puts the Long Beach filmmaker in contact with two Spanish artists based in the American market. Born in Valladolid, the illustrator Beni R Lobel is the author of graphic prequels to films such as After Earth or Avatar. His style between chiaroscuro and realism can be seen on the cover of the comic, which is an important part of his creation. The name of the protagonist, which contains numerous bullet holes, moves between the pink neon light of pink Chinese characters and complete darkness goes towards the right of the cover. The silhouette of the protagonist, in greenish color (as the result of the reflection of a light from outside), carrying one of his automatic weapons, runs from left to right across the cover, parallel to his name.

The Spanish designer and colorist, Jordi Escuin Llorach, trained at the Llotja Higher School of Design and Art, also participates in the creation of this comic, by deciding the color range in the images.

Finally, in the creation bunch of Cain we have the graphic novel letterer and also screenwriter, Frank Cvetkovic, the fifth essential name in the authorship of graphic novel Cain. Cvetkovic is in charge of the design, size and location of the letters with the images. A perfect example of the admirable coordination of the aforementioned artists and their way of acting as a spearhead, can be checked and appreciated in the unforgettable segment that takes place in Paris, France. It begins with the image of Garance sitting on a stool, wearing a short dress and legs crossed, back to the bar, looking at Cain (sitting at a table, drinking and wearing his sunglasses) in a bar-restaurant located in the Parisian Latin neighborhood. The set piece finish at the Gare Du Nord station, where the blind hitman takes the bullet train to Spain. The illustrated French sub plot is visually constructed with an imaginative melting pot of color tones and language variations, ranging from an apparently banal conversation, to the illustration of the central character’s thoughts, to a fashion show, unbridled physical action, or the sexual sodomy that the high-class prostitute is willing to provide to her demanding clients. A marked dark light that seems to have come out of a Caravaggio canvas reigns in the texture of the vignettes in this unbeatable segment.

THE HERO’S PATH TO THE PANTHEON

The journey proposed by the story created by Walter Hill for Dark Horse Books constitutes a story with noir aesthetics, where people smoke and drink in abundance, have sex without major dilemmas, and where we meet again with tremendously tough characters in front of to the greatest vulnerabilities wielded by some figures that fall like evergreen leaves. Aspects such as violence, loyalty and betrayal, and of course, dealing with death, come running in a story that is constructed in some aspects as a nostalgic ballad, seasoned with smell and flavour of great genres, such as western or the thriller. It is unavoidable, while reading, thinking about characters like Daredevil, the blind lawyer protagonist of his own Marvel comic series, and in particular in his version scripted by Frank Miller (a character also taken to film and television), or the murderer blind man who works for the “High Table”, in John Wick 4 (USA, 2023), directed by Chad Stahelski, who is called Caine, played by Donnie Yen, one of the most popular Asian actors and martial artists of all time. However, the personality of the Californian Walter Hill delimits and leads the high personality of Cain character to his glorious pantheon of upright heroes in one piece, where Cain shall share the stage with such characters as The Driver, the mercenary Tom Cody, the gang member Swann, the robber Johnny Sedley or the murderer John Smith, among others.

Cain fits, in a very consistent way, in the Hill’s universe of tough guys, faced with important moral crossroads. You only have to pay attention at the decisions that the blind character makes regarding the young Asian woman Noi Tran (‘she is a lost soul who has given up all hope’), whom he first rescues by shooting from the triad (the Chinese mafia), but then he must return her to the mob, because, as the young woman has established, they will kill her family in Vietnam if she doesn’t return. Another rescue takes place in Los Angeles. In this case, Carmen, a young Latina female, girlfriend of the head of a street gang called Calle León, from the multicultural neighborhood of Boyle Heights, whose leader hires Cain to rescue her, as she is a prisoner in the hands of a Culiacan cartel, as a consequence of a territorial and percentage dispute.

Cain‘s texts are, as always in their author, sparse, sober, simple, never banal, laconic, straight and very powerful in terms of launching some ideas about the mail character and his reflections, his voiceover, as well as regarding the crucial decision-making, in a world where violence reigns. In the construction of the voice over, which as always conveys the hero’s disenchantment, in the Spartan use of words, loaded with irony and great forcefulness, or in the integration of the action with the personality of its protagonist, it calls the attention as Hill remains intact, as we say, from the distant times in which he devised his first scripts, back in the late 60s.

Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics
Cain. Dark Horse Comics

TO BE CONTINUE…

The universe of this blind assassin who has the ability to sense the world around him, transcends a single volume. The story clearly continues beyond the end of the pages. This occurs for the first time in the filmmaker’s career as a comic book writer. The three previous stories published in France are conclusive. The current editorial fashion about publishing stories for two or three volumes goes a long way. Either way, long stories, which expand the universe of their protagonist, constitute a novelty in the director’s way of conceiving stories, which always tend towards containment and brevity.

Along these grounds, reading Cain, the fresh new graphic novel written by Walter Hill, published by Dark Horse Books, constitutes a complete sensory delight, which awakens a whole component of evocation and nostalgia for genre stories, which turns reading it into a very exciting and astonishingly experience.

Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics
Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics

WALTER HILL: CAÍN. En la oscuridad, yo estoy al mando

Manuel García de Mesa
-
0
WALTER HILL: CAÍN. En la oscuridad, yo estoy al mando

Los fans del realizador, productor y guionista Walter Hill están de enhorabuena. El 6 de diciembre de 2023 la editorial Dark Horse Books publicó en EEUU la novela gráfica Cain. Cuarta aventura ilustrada del cineasta, primera editada en su tierra natal, que parte de un guion y una historia suya, como puede reconocerse inmediatamente.

Caín es, como Roy Nash o Frank Kitchen, otros personajes de viñetas ideados por el cineasta de Long Beach, un asesino a sueldo, con la peculiaridad de que es invidente, y está especializado en acabar con seres despreciables. Disfruta con ello. Gánsteres, políticos corruptos y traficantes de niñas extraídas de África con el mero propósito de complacer a los depravados que pagan sumas astronómicas (en lo que sería el último eslabón del proceso colonizador del continente negro), caen como moscas ante sus implacables pistolas automáticas que escupen muerte a raudales.

Entre maletines de dinero y certeros disparos en la oscuridad, el asesino de vez en cuando se decanta por reestablecer un poco de orden y de justicia en el universo, aunque tales decisiones no constituyan beneficios económicos. Para caer encima de su objetivo, y de cualquier sicario que se interponga, Caín aprovecha siempre el factor sorpresa, que normalmente, como dice, suele imponerse. Siempre que puede, conduce a sus enemigos a la oscuridad. «… Once you’re in the dark, I’m the boss», afirma su reflexiva voz fuera de campo, un recurso que Hill maneja como pocos.

El hitman es un adicto al sexo, circunstancia que explica afirmando que siempre ha sido tremendamente atractivo para las mujeres. Viaja por diferentes lugares del planeta. En Macao, a la que considera la réplica de Las Vegas de Hong Kong, le vemos actuar por vez primera, en una secuencia que constituye todo un homenaje a la coreografiada acción del realizador hongkonés John Woo; París y su barrio latino en el quinto distrito, sirve al propósito de conocer a Garance, una prostituta de alto nivel y al expolicía español Esteban, que conocen muy bien el submundo del vicio y del hampa parisino y donde el personaje decide acabar con un pervertido pez gordo cuya muerte es noticia televisada; en Madrid, después de una aburrida sesión museística, toma la decisión de ir a la polémica calle Montera, la famosa perpendicular de la Gran Vía hacia la Puerta del Sol, y llevar a cabo uno de sus actos de justicia poética, liberando a una prostituta natural de Málaga de las garras de su violento chulo madrileño.

Entre sus actividades hedonistas, como el legendario personaje Wild Bill Hickok, en el filme de Hill de 1994, el (anti) héroe acude a su antro favorito en China, para fumar opio en pipa, experimentando viajes sensoriales, en lo que llama “enviarse a sí mismo a la cuarta dimensión”.

La ceguera de Caín no constituye un problema, ni una discapacidad para desenvolverse, puesto que posee una importante habilidad sensorial. El sonido que desprende el movimiento de los cuerpos, dibuja en su mente la silueta de las personas que suelen agitarse a su alrededor. Caín es imbatible en la lucha cuerpo a cuerpo igualmente, gracias al entrenamiento de la agente de la CIA Eva, que lo sacó de un orfanato y lo formó en el arte de la guerra. Todos estos factores aparecen en la construcción del personaje entremezclados con cierta integridad en el camino que el héroe emprende, honestidad tan del agrado del realizador y guionista californiano en sus historias.

PASIÓN POR EL CÓMIC

La pasión de Walter Hill por la novela gráfica, es de sobras conocida y se remonta a su niñez. Fue un niño asmático, lo que hizo que pasase mucho tiempo solo, sin ir a la escuela. En esa época devoraba las historietas y tebeos que caían en sus manos (desde Flash Gordon a Roy Rogers), como también aquellas películas que forjaron su propio imaginario, como La Diligencia (Stagecoach, EEUU, 1939), de John Ford o El Último refugio (High Sierra, EEUU, 1941), de Raoul Walsh, probablemente su realizador clásico preferido. A Walsh le dedica el guion de La Huida (The Gateway, EEUU, 1972), de Sam Peckinpah. Por supuesto, también las grandes novelas de la literatura universal, con Borges, Homero y Hemingway (especialmente sus lacónicos relatos cortos), a la cabeza, hicieron acto de presencia en la imaginativa mente de Hill en su infancia y primera juventud. Todas estas expresiones artísticas, abrieron la mente del cineasta a diferentes niveles y maneras de contar sus propias historias, que reflejan siempre la pureza de sus gustos infantiles, que se mantienen asombrosamente intactos superados los 80 años de edad.

IMÁGENES CON AROMA DE VIÑETA

Esa específica pasión de Walter Hill por el lenguaje del cómic, permanece perfectamente expuesta en algunas muestras de su cine, sin demasiado esfuerzo. La estética de The Warriors, los Amos de la Noche (The Warriors, EEUU, 1979), especialmente en el montaje de 2009, donde aparece una introducción en imágenes de viñetas (que sirven soporte de la voz del propio realizador, explicando el paralelismo de la historia que se va a contar con el Anábasis de Jenofonte). A lo largo del filme, otras siete imágenes estáticas dibujadas, componen otros tantos paneles ilustrados, que dan el paso de unas secuencias a otras. Estas nuevas ideas, incorporadas como decimos, en 2009 al filme de 1979 no deja mucho margen para la duda en torno al gusto de su realizador por la novela gráfica. Los efectos transicionales que pueden verse en algunos instantes de Calles de fuego (Streets of fire, EEUU, 1984), creando la sensación de aceleración al ya de por sí frenético ritmo, también arrojan algunas evidencias de esa pasión. El Último hombre (Last man standing, EEUU, 1997), dialoga directamente con el conciso “idioma” de la viñeta, como lo demuestran ciertas similitudes temáticas y de ubicación histórica de este filme con el cómic Balas Perdidas.

En el filme Dulce Venganza (The assignment, EEUU, 2016), Hill repitió la idea que hace valer en la versión de The Warriors de 2009 de incluir los citados paneles de cómic, que enlazan el final de unas imágenes con el comienzo de otras. También tomo una decisión sumamente interesante y enriquecedora. El cineasta decidió que este filme de 2016 dialogaría con una versión en formato de novela gráfica. Su filme Una bala en la cabeza (Bullet to the head, EEUU, 2013), constituye, por otra parte, la adaptación al cine del cómic de Wilson y Alexis Nolent (más conocido como Matz), del mismo título. Hill conoció a Nolent durante la promoción del filme de 2013 en Nueva Orleans. Fruto de ese encuentro surgió una amistad y una colaboración profesional fructífera, que ha dado la realización de tres comics, algunos ya mencionados para la editorial francesa Rue de Sèvres.

LAS TRES HISTORIAS TRANSFORMADAS EN VIÑETAS PARA LA EDITORIAL FRANCESA RUE DE SÈVRES

Balas Perdidas nos presenta a Roy Nash, un asesino a sueldo en los tiempos de la ley seca, al que sacan de una prisión en Illinois donde cumple cadena perpetua, para que encuentre un botín de la mafia que fue robado por tres delincuentes de poca monta. Terminan de convencerlo cuando le cuentan que el amor de su vida, respecto de quien lleva una fotografía en su reloj de bolsillo, está con uno de ellos.

Este cómic se editó en EEUU por la editorial Titan Books, en una edición que contiene unas imágenes de marcado tono pulp, más propio de la época en que transcurre, que permanecen inéditas en otros mercados. En España, Norma editorial realizó una meritoria edición en tapa dura, que incluye una breve entrevista con el realizador.

Cuerpos y Almas, constituye, como se ha dicho, una versión con algunas interesantes variaciones respecto al filme Dulce Venganza, que cuenta la historia del asesino por dinero Frank Kitchen, que sufre un cambio de sexo contra su voluntad, como venganza de una doctora un poco desequilibrada que ha perdido a su hermano, exterminado por el hitman. El cómic explora de una manera diferente al filme aspectos como el cambio de sexo del protagonista, o su relación con la joven enfermera, aunque en el fondo sea una historia contada al viejo estilo: asesinos, gánsteres, disparos, humo de tabaco, venganzas, intereses económicos y dilemas que ponen a prueba la integridad del protagonista. Esta sensacional obra también ha sido editada en España por Norma editorial.

Le Spécimen, por su parte, constituye una trama de ciencia ficción ambientada en el nevado paraje de Siberia, cuya protagonista es la doctora Irina Danko. Salvando las distancias, comparte con el filme La Cosa, el Enigma de otro Mundo (The Thing, EEUU, 1982), de John Carpenter, así como con el clásico film original, El Enigma de Otro mundo (The Thing, EEUU, 1951) de Christian Nyby y Howard Hawks, el desolador paraje nevado, en un entorno edificado aislado, y una trama de ciencia ficción con criatura, aunque esta vez no lo sea de apariencia monstruosa. Como elemento diferenciador, la trama se completa con algunos saltos en el tiempo y espacio a otras épocas, como Europa Central, en 1880, París en 1840, Berlín, 1928, o Roma en el Siglo I antes de Cristo. Por el momento este interesante trabajo del californiano en un género como el de ciencia ficción, tan poco transitado por él, si excluimos su contribución a la saga Alien, y su participación sin acreditar en Supernova (El fin del universo) (Supernova, EEUU, 2000), de Thomas Lee, no está editado en ninguna parte, salvo en el mercado francés.

EL FACTOR SORPRESA SUELE IMPONERSE

La cuarta obra de Walter Hill para el medio, constituye, como decíamos, el debut editorial a su país después de sus tres aventuras francesas. Se le abre de par en par Dark Horse Comics, productora independiente, autónoma, fundada en 1986 por Mike Richardson, pero de gran peso en la publicación ilustrada. La firma posee una trayectoria enormemente personal en el mundo de la imagen de papel, frente a las todopoderosas Marvel y DC. Super héroes como Hellboy, creación de Mike Mignola, novelas gráficas como las de Sin City, de Frank Miller, cómics que exploran sagas fílmicas como la de Alien, Predator, Terminator, o la serie de Netflix Stranger Things, configuran una parte importante de su legado.

En 1992 se creó Dark Horse Entertainment para producir films principalmente basados en sus cómics, e intervienen en el desarrollo de los dos films de Hellboy dirigidos por Guillermo del Toro, así como en los dos filmes crossover de las sagas de Alien y Predator. En 2004 aparece DH Press con una gama de novelización de sus cómics más populares.

Pues bien, el inmenso trabajo que Dark Horse ha puesto en circulación en EEUU a finales del año 2023, crea una alianza entre Hill y el guionista Mike Benson, autor de otras obras gráficas en torno a superhéroes como Punisher, Luke Cage, Lobezno o Moon Knight y para televisión en shows como Big Wolf on Campus o Entourage. Caín pone igualmente en contacto al cineasta de Long Beach con dos artistas españoles afincados en el mercado estadounidense. Nacido en Valladolid, el ilustrador Beni R Lobel, es autor de precuelas gráficas de films como After Earth o Avatar. Su estilo entre claroscuro y realista puede verse en la portada del cómic, que es creación suya. El nombre del protagonista, que contiene numerosos agujeros de balas, transita en la entre la luz rosada del neón de caracteres chinos y la oscuridad plena, hacia la derecha de la portada. La silueta del protagonista, en color verdoso (fruto del reflejo de una luz fuera de campo), portando una de sus automáticas, recorre de izquierda a derecha la cubierta, en paralelo a su nombre.

El diseñador y colorista también español, Jordi Escuin Llorach, formado en la Escuela superior de diseño y arte Llotja, también participa en la creación de este cómic decidiendo las gamas de color en las imágenes.

Finalmente, tenemos en la creación de Caín al rotulista de novelas gráficas y también guionista, Frank Cvetkovic, el quinto nombre esencial en la autoría de este ejemplar gráfico, encargado del diseño, tamaño y ubicación de las letras con las imágenes. Un perfecto ejemplo de la admirable coordinación de los artistas mencionados y de su manera de actuar como punta de lanza, puede comprobarse en el inolvidable segmento de la historia que transcurre en París. Comienza con la imagen de Garance sentada en un taburete, con vestido corto y las piernas cruzadas, de espaldas a la barra mirando a Caín (sentado en una mesa, bebiendo y provisto de sus gafas de sol) en un bar-restaurante del barrio latino parisino, hasta la estación de Gare Du Nord, donde el personaje tomará el tren de alta velocidad con destino a España. La set piece ilustrada, se construye visualmente con un imaginativo crisol de tonos de color y de variaciones de lenguaje, que van desde una aparentemente banal conversación, a la ilustración del pensamiento del personaje central, a una pasarela de moda, la desenfrenada acción física, o la sodomía sexual que la prostituta de alto standing está dispuesta a proporcionar a sus clientes. Un marcado claro oscuro que parece salido de un lienzo de Caravaggio, reina en la textura de las viñetas en este inmejorable segmento.

EL SENDERO DEL HÉROE HACIA EL PANTEÓN

El trayecto que propone la historia creada por Walter Hill para Dark Horse constituye, en definitiva, un relato de estética noir, donde se fuma y se bebe a raudales, se practica el sexo sin grandes dilemas, y donde nos reencontramos con personajes tremendamente duros frente a las mayores vulnerabilidades esgrimidas por algunos personajes que caen como hojas perenes. Aspectos como la violencia, la lealtad y la traición, y por supuesto la muerte, se dan cita a raudales en un relato que se construye en algunos aspectos como un canto a la nostalgia, aderezado con aromas de los grandes géneros, como el western o el thriller. Inevitable resulta durante la lectura, pensar en personajes como Daredevil, el abogado ciego protagonista de sus propias series de cómics Marvel, y en particular en su versión guionizada por Frank Miller (personaje también llevado al cine y la televisión), o en el asesino invidente que trabaja para la “Alta mesa”, en John Wick 4 (EEUU, 2023), de Chad Stahelski, que se llama Caine, y que está interpretado por Donnie Yen, uno de los actores y artistas marciales asiáticos más populares de todos los tiempos. Sin embargo, la personalidad del californiano Walter Hill delimita y conduce a su personaje a su glorioso y personal panteón de héroes íntegros y de una pieza, donde compartirá palco con personajes como el conductor, el mercenario Tom Cody, el pandillero Swann, el atracador Johnny Sedley o el asesino John Smith, entre otros.

Caín, en definitiva, encaja de una manera muy consecuente en el universo de tipos duros, enfrentados a importantes encrucijadas morales. No hay más que ver las decisiones que el personaje invidente toma respecto a la joven asiática Noi Tran (un alma perdida que ha desistido de toda esperanza), a quien, primero rescata a tiros, pero luego debe devolverla a la triada (la mafia china), porque, como la joven le ha dicho al protagonista, matarán a su familia en Vietnam si no lo regresa. Otro rescate tiene lugar en Los Ángeles. En este caso el de Carmen, una joven latina, novia del jefe de una banda callejera llamada Calle León, oriunda del barrio multicultural de Boyle Heights, cuyo líder contrata a Caín para su rescate, al estar prisionera en manos de un cartel de Culiacán, como consecuencia de una disputa territorial y de porcentajes.

Los textos de Caín son, como siempre en su autor, parcos, sobrios, sencillos, que no simples, lacónicos, directos y muy contundentes a la hora de lanzar ideas sobre el personaje central y sus reflexiones, así como respecto a la crucial toma de decisiones, en un mundo donde la violencia impera. En la construcción de la voz en off, que como siempre transmiten el desencanto del héroe, en el uso espartano de las palabras, cargadas de ironía y de mucha contundencia, o en la integración de la acción con la personalidad de su protagonista, llama la atención como Hill se mantiene intacto, como decimos, desde los ya lejanos tiempos en los que ideó sus primeros guiones, allá por finales de los años 60.

Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics
Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics

CONTINUARÁ…

El universo de este asesino ciego que tiene la habilidad de sentir el mundo a su alrededor, trasciende a un solo volumen. La historia claramente continúa más allá del final de las páginas. Esto ocurre por primera vez en la carrera del cineasta como guionista de cómics. Las tres historias anteriores publicadas en Francia, son conclusivas. La moda editorial actual, de publicar las historias para el medio entre dos y tres volúmenes, de alguna manera, obligan. En cualquier caso, las historias largas, que expanden el universo de su protagonista, constituyen toda una novedad en la manera del realizador de concebir las historias, que siempre tienden a la contención y brevedad.

En esta línea, la lectura de la novela gráfica de Walter Hill publicada por Dark Horse Books constituye un todo un deleite sensorial, que despierta todo un componente de evocación y nostalgia por las historias de género, y convierte la lectura de las imágenes más recientes concebidas por el veterano artista, en toda una experiencia de lo más apasionante.

Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics
Caín, de Walter Hill y Mike Benson. Dark Horse Comics

Leer versión en inglés de este artículo de Manuel García de Mesa: WALTER HILL: CAIN: Once you’re in the dark… I’m the boss

Llega la Medianoche a SUNDANCE 2024

Vanesa Bocanegra
-
0
Llega la Medianoche a SUNDANCE 2024

Del 18 al 28 de enero se celebra en Park City (Utah, Estados Unidos) una nueva edición del Festival de Sundance, el mayor madrugador entre los certámenes de cine de referencia, con una sección clave dedicada al género de terror que siempre sirve para tomar el pulso de las tendencias y de los nuevos creadores. De su programa Midnight de 2023, llegó la aterradora Háblame, el filme sorpresa de los gemelos youtubers Danny y Michael Philippou que causó sensación en todo el mundo. Ocho propuestas llegan este año con la misma ambición.

KRAZY HOUSE (Steffen Haars y Flip van der Kuil)

Precisamente este 2024 una de las propuestas del catálogo está firmada por otro dúo de éxito, Steffen Haars y Flip van der Kuil, reconocidos guionistas y directores de los Países Bajos. Su quinto proyecto cinematográfico, Krazy House, supone su debut en lengua inglesa, una delirante comedia alrededor de Bernie, interpretado por Nick Frost, su alegre y traviesa esposa (a quien da vida Alicia Silverstone) y su típica familia de sitcom, cuando unos buscados criminales rusos aparecen en su hogar.

Kidnapping Inc., de Bruno Mourral.
Kidnapping Inc., de Bruno Mourral.

KIDNAPPING INC. (Bruno Mourral)

También pondrá humor a la medianoche del Festival el filme Kidnapping Inc., explosivo primer largometraje del director Bruno Mourral, coguionista junto a Jasmuel Andri y Gilbert Mirambeau Jr. Coproducción entre Francia, Canadá y Haití, se trata de un trepidante thriller sobre dos desafortunados secuestradores que reciben lo que parece un sencillo encargo, pero terminan en medio de una peligrosa conspiración política a través de las calles de Puerto Príncipe.

I SAW THE TV GLOW (Jane Schoenbrun)

De la cineasta y escritora no binaria Jane Schoenbrun llega I saw the TV glow, secuela de We’re all going to the World’s Fair, una original propuesta que presentó en Sundance 2021. Su nuevo trabajo, que cuenta con Emma Stone como productora, sigue a dos adolescentes que se unen por su gusto compartido por un show de televisión nocturno, pero el programa se cancela misteriosamente. Está protagonizada por Justice Smith (Jurassic World: El reino caído) y Brigette Lundy-Paine (Bill y Ted salvan el universo).

Love lies bleeding, de Rose Glass.
Love lies bleeding, de Rose Glass.

LOVES LIES BLEEDING (Rose Glass)

Por su parte, Rose Glass, responsable de la aclamada Saint Maud que llamó la atención en su estreno en la sección ‘Midnight Madness’ del Festival Internacional de Cine de Toronto 2019, regresa con el oscuro thriller romántico Loves lies bleeding, con Kristen Stewart y Katy M O Brian al frente del reparto.

It's what's inside, de Greg Jardin.
It’s what’s inside, de Greg Jardin.

IT’S WHAT’S INSIDE (Greg Jardin)

Destaca también el debut como director de largometrajes de Greg Jardin, aplaudido realizador de vídeos musicales, spots y cortometrajes, y artista de referencia para las promociones de programas como Así nos ven y Cowboy Bebop para Netflix. Inmensamente entretenida, tensa y original, It’s what’s inside está ambientada en la fiesta previa a una boda, que se convierte en una pesadilla absoluta cuando un amigo separado irrumpe con una extraña maleta.

In a violent nature, de Chris Nash.
In a violent nature, de Chris Nash.

IN A VIOLENT NATURE (Chris Nash)

El canadiense Chris Nash, autor de Z is for Zygote para la antología de terror ABCs of Death 2, presentará en Sundance su primer largometraje, titulado In A Violent Nature. Nash cambia la fórmula y le da vuelta al género con un efecto inquietante. Si habitualmente el espectador acompaña a las víctimas en una remota cabaña en medio de un bosque mientras algo o alguien les acecha, en la atmosférica In A Violent Nature, se invierte la perspectiva y el público va de la mano del asesino maníaco y encapuchado.

THE MOOGAI (Jon Bell)

Por otra parte, se podrá ver The Moogai, el primer largometraje de Jon Bell, uno de los guionistas indígenas más experimentados de Australia, creador de la galardonada serie dramática The Gods of Wheat Street. Con su cortometraje homónimo logró en 2021 el Gran Premio del Jurado Midnight Shorts en el Festival de Cine South by Southwest de Austin y el de Mejor Director en el Festival de Cine de Terror de Brooklyn. Ahora llega esta versión larga de su historia de terror sobrenatural sobre una pareja aborigen que afronta la llegada a casa de un segundo bebé, de la mano de los productores de Babadook y Háblame.

Your Monster, de Caroline Lindy.
Your Monster, de Caroline Lindy.

YOUR MONSTER (Caroline Lindy)

Para cerrar esta medianoche, hay que señalar el primer trabajo de la cineasta neoyorquina Caroline Lindy, Your Monster, una deslumbrante fantasía musical que desafía el género moviéndose entre las situaciones más retorcidas y las más románticas. En esta fábula que recuerda a La Bella y la Bestia, la actriz mexicana Melissa Barrera (Sam Carpenter en las últimas entregas de la saga Scream) brilla como Laura, quien después de ver su vida desmoronarse, vuelve a encontrar su lugar cuando conoce a un monstruo aterrador, pero extrañamente encantador, que vive en su armario.

LA SOCIEDAD DE LA NIEVE, ya en Netflix

Redacción
-
0
LA SOCIEDAD DE LA NIEVE, ya en Netflix

Tras su paso por algunos cines en el mes de diciembre, la esperada nueva película de J. A. Bayona, La sociedad de nieve, está disponible en Netflix desde este jueves 4 de enero. Es una de las favoritas de la próxima edición de los Premios Goya, contando con 13 nominaciones, incluyendo las categorías de Mejor Película y Mejor Dirección.

Está basada en el libro homónimo de Pablo Vierci y cuenta como protagonistas con Enzo Vogrincic, Matías Recalt (nominado al Goya en la categoría de Mejor Actor Revelación) y Agustín Pardella.

Sobre LA SOCIEDAD DE LA NIEVE

En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrelló en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta, deberán recurrir a medidas extremas para seguir vivos.

Cartel de La sociedad de la nieve, de J. A. Bayona. (c) Netflix
Cartel de La sociedad de la nieve, de J. A. Bayona. (c) Netflix

Sobre J.A. Bayona

J.A. Bayona, cineasta español de renombre internacional, debutó como director con El orfanato (2007) en Cannes, ganando numerosos premios, entre ellos siete Goyas. Su siguiente película, Lo imposible (2012), supuso su entrada en el cine anglosajón con cinco premios Goya, incluido el de mejor director. Otros de sus títulos son Un monstruo viene a verme (2016), Jurassic World: El reino caído (2018); productor ejecutivo de El secreto de Marrowbone (2017) y I Hate New York (2018).

Figura destacada de la televisión, Bayona también ha dirigido episodios de Penny Dreadful (2014-2016) y El Señor de los Anillos: Los Anillos del Poder (2022). La sociedad de la nieve es su quinto largometraje, y el primero que rueda en español en 16 años.

CRÍTICA | AQUAMAN Y EL REINO PERDIDO. El caos reina

Manuel Díaz Noda
-
0
CRÍTICA | AQUAMAN Y EL REINO PERDIDO. El caos reina

Aquaman nunca fue el héroe favorito de los lectores de cómics. Ya en Big Bang Theory dejaban claro que era complicado encandilar a los lectores con un superhéroe cuyos poderes sólo tenía eficacia bajo el agua y que, además, mientras Batman tenía todo tipo de vehículos espectaculares y Wonder Woman un avión invisible, él tenía que cabalgando en un caballito de mar. Escoger a Jason Momoa como la encarnación cinematográfica del Rey de Atlantis suponía aportarle al personaje algo del salvajismo y la masculinidad del Khal Drogo de Juego de Tronos. Lástima que ni Zack Snyder, ni Josh Whedon, ni, posteriormente, James Wan hayan sabido cogerle el pulso al personaje.

REY A SU PESAR

La primera entrega en solitario del personaje iba a la deriva con un guion caótico y una película resuelta de manera muy pop por Wan para desviar la atención de las fugas de agua. Sin embargo, si ya la primera entrega había tenido una producción desastrosa, en la segunda entrega las resistencias se incrementaron aún más, afectando de manera aún más grave al resultado final.

Partimos con el hecho de no saber qué hacer con el personaje. Momoa en esta entrega se olvida de actuar y prefiere hacer de sí mismo, no llegando al nivel de histrionismo de Fast X, pero cerca. Hay ocasiones que uno no sabe si estamos ante una película de superhéroes o una cuarta entrega de Resacón en Las Vegas. Tampoco Warner sabía qué hacer con la película. El declive del cine de superhéroes y la saturación y desafección del público era evidente. La división entre el Snyderverso y el Warnerverso no ha hecho más que generar un cisma en el universo cinematográfico DC que no ha beneficiado a ninguna de las partes. Si a esto sumamos que Aquaman y El Reino Perdido es una película que fue producida ya a sabiendas de que ese DCU no iba tener continuidad, la huelga de actores y guionistas y el juicio Depp/ Heard, cualquier atisbo de coherencia es pura casualidad.

LA CASA POR EL TEJADO

La película evidencia muchos de estos problemas de producción y, sobre todo, las derivas y cambios de dirección con respecto a la trama y los personajes, convirtiéndose todos casi que en comodines sustituibles e intercambiables según hacia dónde se moviera la corriente.

Falta profundidad en la relación de los personajes, especialmente Arthur y Orm, pese a que, una vez más, Patrick Wilson vuelve a ser lo mejor de la función (nos seguimos reafirmando en que él era el actor más adecuado para interpretar a Aquaman). Con ese Reino Perdido del título, la cinta ha querido enlazar a Lovecraft con Tolkien y con Edgar Rice Burroughs, pero incapaz de dar una consistencia al conjunto y quedando una trama muy leve y estereotipada.

Si Yahya Abdul-Mateen II como Manta Negra era de lo peor de la primera entrega (Aquaman, 2019), en esta, aunque mejora considerablemente, sigue resultando un villano de escasa enjundia. En cuanto a otros secundarios como Mera (Amber Heard), Atlanna (Nicole Kidman), el Rey Nereus (Dolph Lundgren) o Tom Curry (Temura Morrison), su presencia es demasiado anecdótica como para tener un verdadero peso en la película.

DIRECTOR SIN BATUTA

En esta ocasión, James Wan ha quedado totalmente anulado en medio de juntas de ejecutivos decidiendo la orientación de la película según sonaran los vientos. A la puesta en escena le falta personalidad y le falta valentía. Todo es muy rutinario para poder amoldarse a cualquier cambio de rumbo nuevo que viniera impuesto desde el estudio. Aún así, hay un esqueleto de lo que podría haber sido la película y resulta una pena que no se haya querido aprovechar esos cimientos. Vuelve a haber saturación de efectos digitales, acercando más la película a una cinta de animación que a imagen real. En ocasiones estos efectos sobresalen (sobre todo cuando buscan rescatar el tono pop de la primera), pero en su gran mayoría evidencian premura y falta de tiempo para un desarrollo adecuado.

La partitura de Rupert Gregson-Williams (otro de los punto a favor de la primera entrega) vuelve a ser aquí uno de los valores destacados, aunque encontramos abuso del tema principal y otros leitmotivs de la primera. Aún así, hay momentos como la entrada en la batalla final o el epílogo donde el compositor consigue que la película llegue a emocionar.

ADIÓS DCU

Y así, sin fuerza, sin épica, ni glamour, casi por aburrimiento y a la chita callando, se despide el DCU, con una previsible debacle en taquilla y con serias dudas sobre el nuevo rumbo que James Gunn y Peter Safran quieren darle a la próxima generación de películas. Y, ante todo esto, uno lo que se pregunta es “¿tan mala era “Batgirl” para que Warner decidiera borrar esa película de la existencia sin siquiera estrenarla y no ésta?”.

Trece de terror para 2024

Vanesa Bocanegra
-
0
Trece de terror para 2024

El cine de terror no deja de sorprender tanto al público general como a sus seguidores más fieles y entusiastas y después de disfrutar en 2023 de títulos como Háblame, Hermana muerte, M3gan, Skinamarink, Llaman a la puerta, Posesión infernal: El despertar y El Exorcista: Creyente; Scream VI, Insidious 5, La monja 2 y Saw X; o Renfield y El último viaje del Demeter, nos encontramos ante un prometedor nuevo año.

CUANDO ACECHA LA MALDAD (Demián Rugna)

La mejor película de la Sección Oficial Fantàstic del pasado Festival de Sitges, Cuando acecha la maldad, llegará el 19 de enero a nuestras pantallas. Dirigida por Demián Rugna, quien logró llamar la atención de Guillermo del Toro en 2017 con Aterrados, es un relato de posesiones demoníacas tenso y turbador que promete mantenernos pegados al asiento.

LA PISCINA (Rod Blackhurst y Bryce McGuire)

El 26 del mismo mes, será el turno de dos títulos destacados. Por un lado, el nuevo thriller sobrenatural de Atomic Monster y Blumhouse, La piscina. Basada en el aclamado corto de 2014 de Rod Blackhurst y Bryce McGuire, cuenta con un reparto encabezado por Wyatt Russell (Monarch: El legado de los monstruos) en el papel de Ray Waller, una estrella del béisbol obligada a retirarse prematuramente a causa de una enfermedad degenerativa que se muda a una nueva casa con piscina. Pero un oscuro secreto del pasado desatará una fuerza malévola que arrastrará a toda la familia a las insondables profundidades del terror más asfixiante.

La piscina, de Rod Blackhurst y Bryce McGuire. (c) Universal Pictures
La piscina, de Rod Blackhurst y Bryce McGuire. (c) Universal Pictures

VIVE DENTRO (Bishal Dutta)

También se estrenará el terror juvenil visto en noviembre en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera Vive dentro (It lives inside), de Bishal Dutta, sobre una adolescente india-estadounidense que intenta encajar en su instituto cuando una antigua entidad demoniaca irrumpe en su vida, se incorpora también a la programación a concurso.

VERMIN: LA PLAGA (Sébastien Vanicek)

Además, el 2 de febrero se podrá “disfrutar” otro título que participó en el festival canario y logró el Premio Especial del Jurado en Sitges, Vermin: La plaga, la ópera prima de Sébastien Vanicek sobre la invasión de unas arañas asesinas en una localidad francesa.

Vermin: La Plaga
Vermin: La Plaga

THE FIRST OMEN (Arkasha Stevenson)

El 5 de abril traerá The First Omen, precuela de uno de los grandes clásicos del género, La Profecía de Richard Donner, dirigida por Arkasha Stevenson y basada en los personajes creados por David Seltzer.

Escalofriante avance de ‘The First Omen’, precuela de ‘La profecía’ de Richard Donner.
Escalofriante avance de ‘The First Omen’, precuela de ‘La profecía’ de Richard Donner.

THE WATCHERS (Ishana Shyamalan)

El 7 de junio es otra fecha clave en 2024 para los amantes del cine fantástico, por el estreno de The Watchers, debut en la dirección de Ishana Shyamalan, hija del director de El sexto sentido, que cuenta la historia de Mina (Dakota Fanning), una artista que queda atrapada en un bosque, junto a tres desconocidos, y son acechados cada noche por misteriosas criaturas.

TRAP (M. Night Shyamalan)

Además, M. Night Shyamalan ultima su nueva película, Trap, “un thriller psicológico que se desarrolla en un concierto”, protagonizado por Josh Hartnett y que se espera para el 2 de agosto.

UN LUGAR TRANQUILO: DAY ONE (Michael Sarnoski)

Por su parte, el 28 de junio llega la tercera entrega de la franquicia Un lugar tranquilo, dirigida por Michael Sarnoski. Con Djimon Hounsou y Lupita Nyong’o, Day one es la historia de la invasión alienígena en la ruidosa Nueva York.

ALIEN: ROMULUS (Fede Álvarez)

El 16 de agosto tendrá lugar otro de los acontecimientos cinematográficos del año, con el lanzamiento de Alien: Romulus en cines, tras inicialmente considerarse su estreno en plataformas. Séptima entrega de la icónica saga de ciencia ficción y terror, está dirigida por el aplaudido director uruguayo Fede Álvarez.

BITELCHÚS 2 (Tim Burton)

Asimismo, los fans de Tim Burton esperan para septiembre Bitelchús 2, secuela del clásico de 1988 que trae de vuelta a Michael Keaton y Winona Ryder, junto a nuevos personajes interpretados por otros talentos como Jenna Ortega, conocida por su papel de Miércoles, en la serie de Netflix.

SMILE 2 (Parker Finn)

En fechas cercanas a Halloween, está previsto el estreno de Smile 2, la segunda entrega del éxito de 2022 de Paramount Pictures que logró una recaudación de 217 millones de dólares. Parker Finn repite como guionista y director en esta producción que contará con Naomi Scott (Alladín) en el reparto.

OTROS ESTRENOS ESPERADOS

Y otros títulos de interés, pero aún sin día de estreno confirmado en España, son ‘La maldición del Queen Mary, dirigida por Gary Shore (Drácula: La leyenda jamás contada) e inspirada en las historias alrededor de «uno de los lugares más embrujados del mundo»; o Nosferatu, versión de Robert Eggers que podría ver la luz en Estados Unidos el 25 de diciembre de 2024.

CRÍTICA | GODZILLA MINUS ONE. En plena forma a los 70

Manuel Díaz Noda
-
0
CRÍTICA | GODZILLA MINUS ONE. En plena forma a los 70

Pocos fenómenos cinematográficos pueden presumir de cumplir 70 años y llegar con tanta vitalidad. La productora japonesa Tōhō revolucionó el cine en 1954 cuando estrenó Japón bajo el Terror del Monstruo (título con el que hemos tenido que convivir en España de aquella Godzilla original), dirigida por Ishirō Honda. Bebiendo de éxito de King Kong 20 años antes y sumándose al género de monstruos gigantescos (convirtiéndose en el primer exponente de lo que se ha dado a llamar el Kaiju Eiga), la película no sólo fue un éxito sin precedentes, sino que introdujo algunas innovaciones, como el uso del suitmotion (actor con disfraz de monstruo arrasando una maqueta para prescindir del más engorroso uso del stop motion) ideado por Eiji Tsuburaya y que más tarde adoptaría el propio King Kong en el remake de 1976.

ATÓMICO

Japón bajo el Terror del Monstruo respondía también al nuevo terror originado por la recién inaugurada Era Atómica. Al igual que precedentes como El Monstruo de Tiempos Remotos (estrenada tan sólo un año antes), la criatura despierta a raíz de una prueba nuclear en el océano, proporcionando a Godzilla su legendario aliento atómico. De ser un monstruo destructor, y dado el aprecio que el monstruo fue adquiriendo en el público, Godzilla fue evolucionando en una figura heroica, defensora del equilibrio natural, enfrentándose a otros Kaijus gigantescos (incluyendo un King Kong apócrifo, apropiado por la Tōhō sin permiso), lo que fue ampliando la mitología del personaje con criaturas como Mothra, King Ghidorah, Biollante o Mechagodzilla.

Godzilla Minus One es el trigésimo tercer largometraje de la saga producido por la Tōhō (a lo que hay que sumar cuatro entregas estadounidenses, la dirigida por Roland Emmerich en 1998 y las tres que forman parte del Monstruoverso). Para conmemorar el aniversario del estreno de la cinta original, la productora ha apostado por una especie de remake de la versión de 1954, pero enriqueciendo la película con una mirada histórica y social al Japón posterior a la Segunda Guerra Mundial.

HUMILLACIÓN

El final de la Guerra fue una doble humillación para Japón. No sólo se habían rendido ante los aliados, sino que los efectos del conflicto habían dejado el país arrasado y la moral de los japoneses por los suelos. Esto queda reflejado perfectamente en la película, donde podemos apreciar la paulatina reconstrucción del país antes de la llegada de Godzilla, pero también cómo la derrota afecta a los diferentes personajes, especialmente a Koichi (Ryunosuke Kamiki), aviador Kamikaze que arrastra el trauma de haber sido un cobarde y no haber cumplido con su deber, algo que también le convierte en un paria de cara a otros personajes. Tanto para el Japón de la película como para estos personajes, la llegada de Godzilla, más allá de lo destructivo de su amenaza, se convierte en una oportunidad de redención, siendo la criatura un producto de la misma amenaza atómica que dejó en entredicho el honor de todo el país.

REDENCIÓN

Si bien Godzilla Minus One sigue de cerca la estructura de la película de 1954, con perfiles de personajes similares, está lejos de ser una mera repetición. Ese componente histórico que introduce ayuda a que la trama “humana” tenga suficiente peso y mantenga el interés del espectador mientras se va creando la atmósfera para la aparición de Godzilla.

Con un presupuesto inferior a 15 millones de dólares, estamos ante una película modesta, donde la presencia de Godzilla está muy repartida a lo largo de todo el metraje, dando la sensación de que su participación en la trama es mayor. Es cierto que la modestia del presupuesto es evidente en los efectos, pero estos consiguen resultar muy efectivos y superan sus limitaciones frente a, por ejemplo, las recientes entregas de producción estadounidense, visualmente más elaboradas, pero cinematográficamente más pobres.

EL REY DE LOS MONSTRUOS

Godzilla Minus One es, por lo tanto, una cinta modesta, pero muy bien efectuada, devolviendo no sólo a la criatura a sus orígenes, sino a los seguidores de Godzilla a los cimientos de su afición por este icono cinematográfico. El éxito en taquilla a nivel mundial de la película y la buena recepción crítica nos anima a fantasear con una continuación, donde seguir desarrollando esta recuperada mirada al Godzilla original.

Estrenos navideños: ¡Que excelente día para un exorcismo!

Vanesa Bocanegra
-
0
Estrenos navideños: ¡Que excelente día para un exorcismo!

El miércoles 26 de diciembre de 1973 llegaba a los cines estadounidenses El Exorcista, de William Friedkin. A pesar del frío invierno, se formaron largas colas de público ansioso por conocer la película de la que tanto se hablaba. Entre las frases de venta de la ambiciosa producción basada en la aterradora novela de William Peter Blatty que contaba la posesión de una adolescente, se encontraba la sarcástica “What an excellent day for an exorcism!”. Medio siglo más tarde celebramos la efeméride de una de las mejores películas de terror de la historia.

Las fechas navideñas siempre han sido una excelente plataforma de lanzamiento, pero “al parecer” en el caso de El Exorcista no fue previsto estratégicamente, sino que ciertos retrasos en la producción condujeron inevitablemente a este día tan señalado que rodeó el estreno de mayor polémica: una película blasfema que buscaba difundir el Satanismo aprovechando días sagrados.

Aunque El Exorcista no debutaría en España hasta el 1 de septiembre de 1975, lo cierto es que en Navidad siempre se esperan grandes y mediáticas producciones para disfrutar en pantalla grande. Este miércoles, 20 de diciembre llegaba Aquaman y el Reino Perdido, dispuesta a atraer al público familiar y amante del cine de acción y superhéroes con la nueva aventura del rey de Atlantis del Universo DC interpretado por Jason Momoa.

Su estreno ha coincidido en cartelera con otras propuestas coincidentes en diciembre como Wonka, Noche de Paz de John Woo o la española La Navidad en sus manos, con Santiago Segura, que cuentan con este espíritu de temporada.

En diciembre de 1978 se estrenaba en Estados Unidos Superman, de Richard Donner, inmortalizando para siempre a Christopher Reeve como el Hombre de Acero. A España llegaría en febrero, pero su segunda parte, La aventura continúa, se presentó a nivel mundial las navidades de 1980.

El 19 de diciembre de 2001 inició el recorrido por salas El señor de los anillos: La comunidad del anillo; un año más tarde llegaba Las dos torres y el 17 de diciembre de 2003, el cierre a la trilogía de Peter Jackson basada en las novelas de J. R. R. Tolkien, El retorno del Rey.

El día 18 de este mes, hace 14 años aterrizaba Avatar, de James Cameron, y se convertía en la película más taquillera de todos los tiempos. La segunda entrega, El sentido del agua, se estrenó el año pasado, el 16 de diciembre, rompiendo récords.

Star Wars

Tradicionalmente, han llegado como el turrón las últimas entregas de Star Wars. El Despertar de la Fuerza, episodio VII de la saga, celebraba su estreno mundial el 18 de diciembre de 2015; Rogue One: Una historia de Star Wars, el 15 de diciembre de 2016; el mismo día, un año más tarde era el turno de Star Wars Episodio VIII: Los últimos Jedi; y el Episodio IX: El ascenso de Skywalker, el 20 de diciembre de 2019.

Títulos como Regreso al futuro o Solo en casa se convirtieron en clásicos navideños inmediatos con sus respectivos estrenos el 2 de diciembre de 1985 y el 21 del mismo mes de 1990. Sus secuelas aparecían en fechas similares pocos años más tarde.

Cine de animación

También es época de títulos de animación. Este año, Disney se adelantaba a noviembre con Wish: El poder de los deseos, pero diciembre ha sido el mes de Los aristogatos (1970), Happy feet: Rompiendo el hielo (2006), Frozen (2013), ¡Canta! (2016) o Coco (2017). Y por supuesto, es el momento de grandes blockbusters de acción, como Rocky II (1987), Robocop (1987) o Terminator 2: El juicio final (1991).

Y mientras Tiburón, de Steven Spielberg, lógicamente había celebrado su estreno en el mes de junio de 1975, en España se pudo ver en salas el 19 de diciembre del mismo año. Esto también sucedió con E.T. El Extraterrestre, que en nuestro país se convertía en el acontecimiento cinematográfico de las navidades de 1982, pero en Estados Unidos se había podido ver en verano. Del mismo modo, Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton, se programó en Halloween (otra fecha clave en el calendario de estrenos) de 1993 en Estados Unidos, y llegó a España el 2 de diciembre de 1994.

Sin duda, un gran regalo de Navidad es disfrutar de la magia del cine en pantalla grande.

CRÍTICA | ROBOT DREAMS. ¿Sueñan los perros con robots electrónicos?

Manuel Díaz Noda
-
0
CRÍTICA | ROBOT DREAMS. ¿Sueñan los perros con robots electrónicos?

Este 2023 se salda como un año especialmente sobresaliente en lo que a estrenos de animación se refiere. Ha sido, desde luego, un año repleto de propuestas de alto calibre y que han optado por salirse de los patrones habituales de este tipo de películas. Desde la perfección de maestros como Hayao Miyazaki o Makoto Shinkai (El Chico y La Garza, Suzume), la exquisita revisión del cine de superhéroes (Spider-man: Cruzando el Multiverso, Ninja Turtles: Caos mutante), el inspirado salto del mundo de los videojuegos al cine (Super Mario Bros. La película) o las propuestas que nos ha dado el cine español de autor (Disparen al Pianista, Robot Dreams), el balance anual es extraordinario.

Pablo Berger es un cineasta que se ha caracterizado por involucrarse siempre con proyectos arriesgados y que le suponen un desafío. Una filmografía que une títulos tan dispares como Torremolinos 73, Blancanieves o Abracadabra y que acaban formando una trayectoria cohesionada gracias a la personalidad de su autor está siempre abierta a la sorpresa. Robot Dreams es ciertamente una de ellas. Vista en la sección Panorama en el Festival Isla Calavera, ha recibido el Premio del Público en el Festival de Sitges, Premio Contrechamp en el Festival de Annecy, Mejor Película de Animación en los Premios de la Academia del Cine Europeo, entre otros. Siempre destacando como una de las propuestas más originales y emocionales de la programación.

DEL CÓMIC A LA PANTALLA

El origen de esta película está en la novela gráfica homónima, publicada en 2007, escrita e ilustrada por Sara Varon, artista reconocida sobre todo por su trabajo dirigido a un público infantil, aunque en justicia, Robot Dreams, más que una obra infantil, es una historia universal para todos los públicos, válida tanto para un niño de 9 como para cualquier lector adulto. Es de esas obras de alcance amplio, de la que puedes tener una interpretación si la lees siendo niño y otra (no diferente, pero sí más compleja) a través de los ojos de un adulto.

El cómic nos habla sobre la amistad, la pérdida y la soledad en nuestra sociedad moderna, usando unos dibujos sencillos, con personajes antropomórficos, pero con una narrativa con mucha carga de profundidad, que juega con la elipsis y el paso del tiempo para transmitir su mensaje optimista, pero agridulce. Llevar esta historia a la pantalla no era sencillo. La novela gráfica está compuesta por una serie de capítulos a modo de pequeños relatos, ordenados de manera cronológica a lo largo del paso del tiempo narrativo. La elipsis se convierte así en uno de los principales recursos a la hora de contar la historia, así como la ausencia de diálogos. Todo esto elementos esenciales, pero de difícil traslación al cine.

LA EXTRAÑA PAREJA

La historia de Dog y Robot es una alegoría de la vida moderna y de cómo afrontamos la distancia o la pérdida. Dog vive una vida solitaria y alienada, con una necesidad existencial de compañía, pero sin lograr terminar de conectar con la gente que vive a su alrededor, que entran y salen de su vida como si esa relación fuera algo conscientemente efímero y que nunca significó nada más allá del momento. Con Robot pasa lo contrario. Hay enseguida una conexión y entre ellos se establece un verdadero sentido de amistad, o de amor, si lo prefieren.

Las relaciones humanas tanto en el comic como en la película, aunque especialmente relevante en ésta última, viene estrechamente marcada por el paso del tiempo y los condicionantes de la ciudad, que pasa a convertirse en un personaje más de la historia. Uno de los aspectos más trabajados y desarrollado dentro de la adaptación realizada por Pablo Berger es ese Nueva York de la década de los 80, con sus edificios de pisos, su población multicultural, el ruido, la música, el colorido de las calles. Nada de esto se presenta en ningún momento como un elemento tétrico o amenazador, pese a que la sobrepoblación de la ciudad sí potencia el sentido de deshumanización y soledad en personajes como Dog, a los que les cuesta establecer una relación emocional estrecha y perdurable con las personas que habitan a su alrededor. De ahí también que tenga que recurrir a un robot, sin que esto sea juzgado en ningún momento, ni por Sara Varon, ni por Pable Berger, ni por el espectador. La amistad de los dos protagonistas se siente pura y verdadera. De lo contrario, esta historia no hubiese funcionado.

CARTOON

Mientras que el trabajo de Sara Varon nos recuerda a las viñetas de los periódicos, con sus breves narraciones y el estilo caricaturesco y sencillo del dibujo; la película nos remite a las Silly Symphonies o los Looney Tunes en cuanto a ese tono sencillo y claro del dibujo y las narraciones. Esto no quiere decir que estemos ante un trabajo de animación convencional o pobre. Todo lo contrario, llegar a ese grado de depuración, de destilación de la esencia emocional de la película no es fácil, más cuando, dada la brevedad de la novela gráfica, la película necesita desarrollar nuevos elementos que amplíen la historia. Estos elementos novedosos funcionan de manera orgánica con lo ya presente en la obra de Varon, matizando o incluso mejorando la obra original (particularmente, el final de la película nos parece mejor resuelto y que culmina mejor la historia emocionalmente que la novela gráfica).

Otro aspecto que la película incorpora de manera acertada es el componente referencial, nostálgico, con deliciosos guiños a la cultura pop occidental. Aquí podemos encontrar referencias al musical de los años 30 y 40, desde Busby Berkeley a El Mago de Oz, pero también a elementos posteriores, como la música de los 70 y los 80, con Earth, Wind & Fire a la cabeza. En ningún momento esto acaba siendo gratuito, sino que da un mayor poso emocional a los dos personajes principales.

SINFONÍA DE LA CIUDAD

Pablo Berger ya nos había demostrado con Blancanieves que podía narrar una película prescindiendo de los diálogos. Si aquella era un homenaje al cine mudo, aquí la falta de diálogos cumple una función diferente, más vinculada con ese retrato de la soledad y la tristeza que es verdaderamente la película. Aquí confluyen tres elementos fundamentales. El trabajo de sonido de la película es excepcional, reproduciendo esa sinfonía cacofónica en que se convierte una ciudad cosmopolita como es el caso de Nueva York, conocida, no de manera gratuita, como la Jungla de Asfalto.

El otro elemento es la música. Dentro de esa sinfonía urbana, la propia música que escuchan los habitantes de la ciudad, esa mezcla de estilos, viene a sumarse al ruido de la ciudad, funcionado de manera orgánica con el apartado de sonido. Finalmente, tenemos la partitura de Alfonso Villaronga, cuya función principal es dar voz a los personajes y servir de puente al espectador, solventando la falta de diálogos. Todo este trabajo y las interacciones de estos tres elementos son extraordinarios, retroalimentándose a lo largo de toda la película.

LA TERNURA

Robot Dreams evita la grandilocuencia y con su sencillez y su honestidad construye una obra maestra, una historia repleta de ternura, divertida y optimista, pero, al mismo tiempo, conmovedora, cruda y dolorosa. Precisamente el equilibrio en esta mezcla agridulce nos parece fundamental para que la historia de amistad entre Dog y Robot cale tan hondo en el corazón del espectador.

Primer vistazo a RIPLEY, la serie: Puro talento

Vanesa Bocanegra
-
0
Primer vistazo a RIPLEY, la serie: Puro talento

Hace casi 70 años, veía la luz la novela policíaca El talento de Mr. Ripley de la famosa escritora estadounidense Patricia Highsmith. Ambientada en Europa, continente que la autora pudo conocer bien en un viaje realizado con las ganancias por los derechos cinematográficos de su ópera prima, Extraños en un tren, llevada al cine por Alfred Hitchcock, fue la primera de una serie de cinco títulos magistrales. El relato original presentaba a un interesantísimo personaje, Tom Ripley, con una capacidad innata para salir adelante en cualquier circunstancia y moverse en un estatus social que no le corresponde, a través de todo tipo de mentiras y argucias.

En 1960, cinco años más tarde de la publicación de la novela, se estrenaba la primera versión cinematográfica, A pleno sol, de producción francesa, dirigida por René Clément y protagonizada por Alain Delon, como Tom Ripley, junto a Maurice Ronet y Marie Laforêt; y ya en 1999, cuatro años después del fallecimiento de Highsmith, Matt Damon daba vida al personaje en El talento de Mr. Ripley, dirigida por Anthony Minghella, con Gwyneth Paltrow, Jude Law, Cate Blanchett y Philip Seymour Hoffman. El resultado, un magnífico thriller psicológico nominado a cinco Premios Óscar.

Otros actores han dado vida al personaje, como Dennis Hopper en El amigo americano (1977), de Wim Wenders, o John Malkovich en El juego de Ripley (Liliana Cavani, 2002), sendas adaptaciones de la tercera entrega literaria. Por su parte, Barry Pepper interpretó al estafador profesional ideado por Patricia Highsmith en la película de Roger Spottiswoode Ripley under ground (2005), basada en la segunda novela La máscara de Ripley (Ripley bajo tierra), en la que casado con una rica heredera, regresa como un hombre aparentemente respetable.

Andrew Scott será Tom Ripley

Ahora, el próximo actor que se meterá en su piel será el británico Andrew Scott, quien llevó a las pantallas a otro villano literario, el profesor Moriarty en distintos episodios de las cuatro temporadas de Sherlock (2010-2017) de la BBC. Será en la serie Ripley, escrita, dirigida y producida por el ganador del Óscar Steven Zaillian, coguionista de La lista de Schindler (1993) y creador de la serie The night of (2016), entre una larga lista de éxitos.

Las primeras imágenes recién desveladas presentan a Scott, también productor ejecutivo de esta primera temporada de 8 capítulos que llegará en 2024 a Netflix, caracterizado como el icónico delincuente en unas evocadoras escenas en blanco y negro. Una fotografía totalmente alejada de los colores de las versiones de Alain Delon y de Minghella.

Johnny Flynn (Los niños de Winton) y Dakota Fanning (El Alienista) serán el engreído y adinerado Dickie Greenleaf y su perfecta novia Marge Sherwood en esta oscura aventura de Tom Ripley, contratado por un millonario para traer de vuelta a casa a su hijo, quien disfruta de la dolce vita en Italia.

PIE DE FOTO:

1...585960...666Página 59 de 666