CRÍTICA | NOCHE DE PAZ, de John Woo. Tú antes molabas

En Jackie Brown, cuando (ojo, spoiler) Ordell Robbie (Samuel L. Jackson) le pega dos tiros a Louis Gara (Robert De Niro), le espeta una frase que ha pasado al subconsciente colectivo: “¡Tú antes molabas, tío!”. Una frase que desprende la decepción y el desprecio que el personaje siente por el que fuera su compañero en prisión. La frase ha trascendido y ahora es empleada de manera habitual precisamente cuando algo o alguien deja de mantener aquellos elementos que lo hacían tan atractivo. A nosotros esa frase nos llegó repetidamente a la cabeza durante el visionado de la nueva película de John Woo, Noche de Paz.

ACCIÓN MADE IN HONG KONG

La carrera de John Woo se expande en los últimos 50 años. Sus primeros pasos en el cine los dio en su China natal, sobre todo vinculado al cine de artes marciales y de acción, con películas como La Mano de la Muerte (1976) o El Último Caballero (1979). Hong Kong, por aquel entonces todavía colonia británica, se convirtió en el punto de encuentro de la cultura occidental y la oriental. Ahí el cine, con especial predicamento las películas de acción, fusionaba ambos bloques, convirtiéndose gracias al virtuosismo visual de cineastas como Woo o Tsui Hark, en un referente internacional en cuanto a su forma de escenografiar la acción, coreografiando movimientos imposibles, tanto de los personajes como de la cámara.

Un Mañana Mejor (1986), El Asesino (1989), Un Ladrón es Siempre Un Ladrón (1991) o Hard boiled (Hervidero) (1992) son algunos de los títulos que ayudaron a fomentar el prestigio de Woo en el cine internacional, llamando la atención de estrellas como Jean Claude Van Damme, quien le abrió las puertas de Hollywood. La etapa Hollywoodiense de Woo no fue satisfactoria.

Salvo Cara a Cara (1997), todas las películas de este periodo fueron recibidas con pobre apreciación, aunque con el paso del tiempo todas ellas se han ido revalorizando poco a poco. Esto llevó al cineasta a regresar a China, donde se le tentó con presupuesto millonarios para películas como la épica Acantilado Rojo (2008), probablemente su mejor película, horriblemente cercenada en occidente.

FELIZ NAVIDAD, MR. WOO

Noche de Paz supone el regreso de John Woo a occidente tras 20 años de carrera en China. La trama de venganza nos presenta a un padre que, tras la muerte de su hijo y él quedar gravemente herido y perder la voz en un tiroteo de bandas, decide prepararse para eliminar uno a uno a los responsables de su tragedia. Hasta ahí todo correcto, incluso prometedor para una película de John Woo. La incapacidad de habla del protagonista da pie a la prácticamente nula presencia de diálogos en la película, lo que, a priori, podemos entender como una bandeja de plata para desplegar todo su virtuosismo a un cineasta tan visual como Woo. El subgénero de venganza y su vinculación con el actioner de los 80 y 90 era otro elemento prometedor para quienes sentíamos nostalgia de la narrativa vibrante del director. Sin embargo, lo que muchos veíamos como un regalo de navidad anticipado, se transformó en una triste decepción.

JOHN WOO, ¿DÓNDE ESTÁS?

La película arranca in media res, con una persecución a pie del protagonista detrás del vehículo de la banda responsable de la muerte de su hijo. Ya esta primera secuencia nos adelanta que la película va a estar muy lejos de aquella narrativa cinética del Woo de los 90. La acción aparece entrecortada, sin ritmo, estirada hasta el aburrimiento. A continuación, nos aguarda casi una hora de NADA. Vemos cómo el protagonista se recupera físicamente, cómo no encaja en su vida anterior, cómo inicia un proceso de autoadiestramiento (¡con vídeo de youtube!) para convertirse en vigilante.

Elementos que el Woo de hace tres décadas se hubiese ventilado en 10 minutos para poder pasar lo antes posible a la acción aquí se dilatan y se dilatan, sin sentido y sin valor dramático. En todo este periodo, la ausencia de diálogos se convierte en otro engorro, impidiendo que haya un mejor desarrollo de personajes (única razón para alargar tanto todo este bloque de la historia). A esto se suman todo tipo de incongruencias que lastran la historia y, lo que es peor, la hacen ridícula, risible.

CASTIGADOR VENIDO A MENOS

La película únicamente levanta cabeza en el clímax final. Aquella acción que debía haber dominado le metraje de la película por fin hace su aparición a falta de media hora para los créditos finales. De manera corta y tampoco especialmente memorable, pero al menos sí más acorde a lo que uno esperaba ver, John Woo abre paso a sus secuencias de acción complejas, hilvanadas y frenéticas. Esa trama que recuerda a la del personaje de Marvel, El Castigador, y que daba pie a un coreografiado ballet de violencia como el que nos tenía acostumbrado el John Woo original, queda aquí constreñida a esa escasa media hora final, momento en el que ya el espectador ha caído en el noveno sopor. Aun así, tardía y corta, esa pequeña píldora de lo que debía ser toda la película, sin salvar el resultado final, sí al menos consigue que no sea un rotundo desastre.

MOLAR O NO MOLAR

Noche de Paz no es una mala película por venir de un John Woo muy venido a menos, incapaz de reverdecer aquí viejas glorias. Sus defectos ya hubiesen sido desastrosos en manos de cualquier otro director; sin embargo, que la cinta venga firmada por alguien que ayudó a redefinir el cine de acción hace que cada impericia que vemos en la película duela el doble. Esperemos que John Woo tenga ocasión de resarcirse de este despropósito y demostrar que sigue molando.

CRÍTICA | WISH: EL PODER DE LOS DESEOS. Deseos no cumplidos

Este 2023 se conmemora el primer centenario de The Walt Disney Company, tomando como referencia la fecha de fundación de la compañía Disney Brothers Cartoon Studio, el 16 de octubre de 1923, por parte de los hermanos Roy y Walt Disney. Aunque el estudio ha tenido sus altibajos a lo largo de estos 100 años, no es aventurado decir que la empresa se encuentra en uno de sus momentos álgidos tras la absorción de Lucasfilm, Marvel o la Fox, situándola ahora mismo como la empresa cinematográfica más relevante en el panorama cinematográfico actual. Con todo esto, cualquiera pudiera pensar que, ante una efeméride tan importante, la compañía iba a emular a John Hammond y no repararía en gastos. Curiosamente, 2023 se ha convertido en un año fatídico para la empresa, con sus principales apuestas rindiendo por debajo de lo esperado en taquilla y con nefastas críticas por parte de la prensa y el público.

Conocida, sobre todo, y más allá de superhéroes y otras franquicias, por ser la empresa referente en el terreno de la animación en occidente, cualquiera podría pensar que su estreno de animación de esta temporada, su nuevo clásico, sería una apuesta por todo lo alto, buscando hacer justicia a hitos de la historia del séptimo arte como Blancanieves y los Siete Enanitos, Pinocho, Bambi, La Bella y La Bestia o El Rey León. Pues no.

LA ISLA DE LOS DESEOS

Wish. El Poder de los Deseos reúne todos los componentes básicos de una película Disney. Ambientación medieval, magia, una joven idealista, un rey que no para de mirarse al espejo, animales que hablan, estrellas de los deseos, canciones y una excelente factura animada. La película, estilísticamente, sigue la línea marcada por los dos grandes éxitos recientes de la Disney, Enredados y Frozen. A esto se les suman múltiples guiños a títulos clásicos de toda la historia de la compañía.

En la dirección tenemos a Chris Buck, responsable de Tarzán o las dos entregas de Frozen. En el guion a Jennifer Lee, quien ha liderado esta nueva etapa de los estudios de animación, y en el repasto de voces estrellas como Ariana DeBose o Chris Pine. La cinta toca las temáticas clásicas del cine Disney, cuenta con un amplio repertorio de canciones y tiene la duración justa, 95 minutos. A primera vista, nadie podría acusar a la cinta de ser una mala producción.

LA ISLA DE LOS JUEGOS

Efectivamente, se aprecia mimo y atención por todos estos elementos, sin embargo, el resultado no se eleva. Quizás se deba a que todo en la historia y los personajes grita deja vú, que la trama no sólo es manida, sino que le falta desarrollo, que los secundarios carecen de calado y carisma; pero lo cierto es que, sin ser una mala película, todo en Wish. El Poder de los Deseos resulta insípido, intrascendente, repetido. Sus grandes valores no compensan el cansancio que rezuma la película. Al igual que aquella advertencia que nos daba la propia compañía en Pinocho, la película nos recuerda a la isla de los juegos, donde todo parece bonito y divertido, encandilando la mirada de los niños, pero, cuando te quieres dar cuenta, descubres que te han tomado por borrico, vendiéndote un refrito mal cocinado.

LA ISLA DEL MAÑANA

En otras circunstancias, Wish. El Poder de los Deseos quedaría como una película correcta, pero rutinaria, un matatiempos de la Disney para llevar a los niños al cine y salvar la tarde del sábado o del domingo. Pero no en noviembre de 2023. La factoría de los sueños, la empresa que hizo del cine de animación su sello, no debería conmemorar su centenario con algo tan insustancial y anodino. Un legado de 100 años no se puede saldar con semejante medianía. ¿En serio nadie en la Disney se paró a pensar en esto antes de estrenar esta bagatela?

ECHO: Desde la Cocina del Infierno

En un mes, el 10 de enero, Disney+ y Hulu estrenan Echo, miniserie de cinco episodios creada por Marion Dayre basada en el personaje de Marvel Comics, que surge como spin-off de la serie Ojo de Halcón, de 2021, protagonizada por Jeremy Renner y Hailee Stanfield. Producida por 20th Television, la trama gira alrededor de Maya López, quien regresa a Oklahoma, su ciudad natal, para aceptar su pasado, reconectarse con sus raíces amerindias y dedicarse a su familia y comunidad.

La actriz nativo estadounidense Alaqua Cox, quien nació con discapacidad auditiva y hace pocos años le tuvieron que amputar una pierna, da vida nuevamente a la superheroína. Por su parte, repiten también en sus papeles de producciones anteriores del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) Vincent D’Onofrio y Charlie Cox, como Wilson Fisk/ Kingpin, jefe criminal en Nueva York, tío adoptivo de López y el responsable de la muerte de su padre; y Matt Murdock/ Daredevil, abogado ciego de Hell’s Kitchen, que lleva una doble vida como justiciero enmascarado y busca a una antigua aliada, Jessica Jones.

Zahn McClarnon (Doctor Sueño) es William López, el padre fallecido de Maya y ex comandante de los Tracksuits. El reparto se completa con otros nombres destacados de la interpretación, también con orígenes indígenas, como Chaske Spencer (saga Crepúsculo), Tantoo Cardinal (Bailando con lobos), Graham Greene (La milla verde), Cody Lightning (Four Sheets to the Wind) o Devery Jacobs (Reservation Dogs).

Marion Dayre firma como escritora principal, con la cineasta navajo transgénero Sydney Freeland (directora de series como Reservation Dogs o Fear the Walking Dead) al frente del equipo de dirección, quien también contará con la australiana Catriona McKenzie (Satellite Boy, 2012).

Marvel Spotlight

Aunque la serie puede considerarse parte de la fase cinco del UCM, la serie inaugura el nuevo sello Marvel Spotlight, plataforma que debe su nombre a una antología de cómics que surge en 1971 y que se utilizará para designar producciones independientes de la narrativa troncal del Universo. “Historias más realistas y basadas en los personajes”, según palabras de Brad Winderbaum, jefe de streaming en Marvel Studios, y “en el caso de Echo, un relato que se centra más en desafíos callejeros que en la continuidad más amplia del UCM«. De este modo, el público general podría disfrutar de estas nuevas historias ajenas, aunque no cabe duda de que conocer todos los antecedentes de los personajes amplía la experiencia y esa es la gran recompensa para los fans.

Echo, que originalmente estaba programada para ver la luz a mediados de 2023, será la primera ficción de Marvel Studios en estrenar todos sus episodios a la vez.

Daredevil: Born Again

Por otro lado, para avanzado 2024 o incluso 2025 se espera, también en Disney+, la nueva serie Daredevil: Born Again, inspirada en la obra maestra de Frank Miller y David Mazzuchelli. Tras las tres temporadas de la original y las apariciones del personaje interpretado por Charlie Cox en Spider-Man: No Way Home y She-Hulk: Abogada Hulka, Daredevil regresará con esta propuesta de 18 episodios junto a Kingpin (Spider-Man: No Way Home) y Frank Castle/ Punisher (Jon Bernthal).

El vestuario de LOS JUEGOS DEL HAMBRE: BALADA DE PÁJAROS CANTORES Y SERPIENTES

La diseñadora de vestuario Trish Summerville, nominada al Oscar en 2021, es colaboradora habitual del director Francis Lawrence y la creadora de los icónicos looks de Los juegos del hambre: En llamas, trabajo por el que ganó el premio a la Diseñadora de Vestuario del Año en los Style Awards 2013 y el Costume Design Guild Awards. Inspirándose en la película, Summerville diseñó una colección cápsula que tuvo un enorme éxito comercial y se agotó en tiempo récord.

Diez años después, para Los Juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientesTrish Summerville aceptó el reto de crear un Panem que el público no hubiera visto antes. «Estéticamente es completamente diferente del mundo que ya vimos en las otras películas de la saga», asegura Summerville.

El contexto en el que se desarrolla la precuela, es lo que dio a Summerville la libertad de crear un mundo retro futurista a través de un vestuario totalmente distinto al visto en las películas anteriores.

Para diferenciar a Los Juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes de las películas originales de Los Juegos del hambre, la precuela que se desarrolla 64 años antes, se inclina por un ambiente de posguerra muy de los años 40 y 50. «Investigué mucho sobre la moda americana, especialmente la de los obreros», apunta la diseñadora.

Rachel Zegler en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.
Rachel Zegler en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.

LUCY GRAY BAIRD

Uno de los mayores retos fue crear el traje arco iris de Lucy Gray, una de las piezas más icónicas de la novela y traje principal del personaje.

«Quería tonos apagados y polvorientos, porque también es el vestido de la madre de Lucy Gray, así que no podía ser demasiado fresco y vibrante«, señala Los Juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpiente.

Al final se inspiró en el mundo del vodevil, con un top estilo campestre con corsé y una falda con cuatro capas de tul. Para confeccionar el vestido, Summerville utilizó tul, malla y otros tejidos muy elásticos y de todos los colores, para que Rachel pudiera moverse con libertad en sus escenas de acción.

Además de ser fiel a la obra de Suzanne Collins, la diseñadora de vestuario quería confeccionar un vestido del que sentirse orgullosa y que conectara de algún modo a Lucy Gray Baird con Katniss Everdeen.

Tras hablar con el director Francis Lawrence y realizar varias ilustraciones, encontró el modo de hacerlo inspirándose en el vestido azul que llevaba Jennifer Lawrence, imitando a un sinsajo, en Los Juegos del hambre: En llamas.

Aplicó su forma al corsé de cuero que llevaría Rachel Zegler en Los Juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes. Para darle un aspecto envejecido, el departamento de arte pintó estos corsés a mano. Tenían serpientes, relacionadas con Balada de pájaros cantores y serpientes, y flores inspiradas en las flores de Katniss Everdeen y Primrose Everdeen.

Diseño de vestuario del personaje de Lucy Gray Baird, en Los Juegos del Hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes.
Diseño de vestuario del personaje de Lucy Gray Baird, en Los Juegos del Hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes.

El homenaje floral creó una sensación de camaradería entre Lucy y Katniss y una cohesión entre esta película y la trilogía de Los Juegos del hambre. «Quería crear algo para Rachel y también para los fans, para que se sintiera esa especie de parentesco entre ambas«, finaliza Summerville.

Las botas que lleva Lucy también eran una parte clave de su look: «¿Qué podía ponerle que le permitiera arrastrarse por los túneles, trepar por las paredes y moverse con soltura? Quería darle algo realmente atractivo pero con poco glamour«.

Tom Blyth en en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.
Tom Blyth en en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.

ACADEMIA

Para los estudiantes de la Academia, Trish Summerville se inclinó más por la moda sin género, diseñando faldas rojas plisadas sobre un pantalón con un blazer a juego.

Ante la tarea de diseñar un uniforme escolar, quiso evitar los clichés: «No quería chicas con falda y chicos con pantalón», dice, «quería que todos se vieran uniformados, casi de la misma manera».

El mayor reto era crear looks que tuvieran un profundo significado para los incondicionales fanáticos de la serie: «Yo tenía un rojo en la cabeza, pero es un rojo totalmente distinto al que tienen otros su cabeza», admite Summerville.

Al principio de la película, vemos a Coryo luciendo su uniforme escolar. Este es de un rojo intenso. A medida que avanza la película, su traje se vuelve más refinado, y el rojo se oscurece, convirtiéndose en burdeos.

En las películas anteriores, en las que Snow era interpretado por Donald Sutherland, el burdeos es aún mucho más oscuro. Esto no es fruto del azar. Es la forma de representar que, mientras más víctimas hay en manos de Snow, su ropa se va tiñendo de un color cada vez más oscuro.

Uniforme de Gala.
Uniforme de Gala.
Agente de la Paz.
Agente de la Paz.
Viola Davis en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.
Viola Davis en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.

DRA. VOLUMNIA GAUL

El traje rojo y blanco de la Dra. Gaul realzaba aún más la presencia intimidatoria del personaje, reconoce Summerville: «Para la bata de laboratorio de Gaul, usamos seda duquesa, la lavamos para que tuviera vetas y luego la teñimos de rojo. Me gusta usar el rojo en un entorno tan frío: refuerza la presencia de la Dra. Gaul«.

Al hablar sobre la inspiración que siguieron a la hora de construir el personaje de Davis, Francis Lawrence, recordaba la indicación que le dio a la actriz: que se apoyase en la versión de Gene Wilder del mítico Willy Wonka. «El personaje tiene esa creatividad salvaje y extravagante y esa alegría por la experimentación, pero con un trasfondo siniestro…», comentaba Lawrence.

Vestuario de Viola Davis en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.
Vestuario de Viola Davis en Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes.

El departamento de vestuario también le dio un toque de estilo Frankenstein, para reforzar el elemento «oscuro» del personaje. «Tiene que tener ese lado juguetón que te atrae, pero al mismo tiempo es realmente aterradora», reconoce Summerville.

TIGRIS SNOW

Trish Summerville trabajó con la jefa del departamento de maquillaje, Sherri Berman Laurence, y la jefa del departamento de peluquería, Nikki Gooley, para diseñar el look característico de Tigris. «Soy una gran admiradora de las siluetas de los años 40, así que me inspiré en ellas«, explica. «Teníamos una paleta de colores muy contenida con la película, y quería que los colores y las formas de Tigris fueran realmente exagerados, ya que es la persona más a la moda de la película«.

La prima de Snow se convierte en una representante dentro del Capitolio: «Ella hace su ropa, pero la mantiene muy vistosa porque se están quedando sin dinero«, afirma la diseñadora de vestuario.

Así la vemos con un traje de falda rosa, inspirado en un look de Balenciaga, con un hombro muy estructural y puntiagudo. «Dejé las costuras por fuera y deshilaché todos los bordes para que pareciera que se deshacían«.

Francis Lawrence explica el equilibrio creado al contemplar el presente y el futuro del personaje. «Una de las cosas que tenemos que hacer con Hunter es mantener su dulce juventud y, al mismo tiempo, hacer algo un poco diferente y vanguardista. No es exagerado. No queríamos inclinarnos por lo que Tigris llega a ser, sino sólo hacer un guiño a ello«.

LUCRETIUS «LUCKY» FLICKERMAN

Los creadores de la película disfrutaron reflejando el creciente estrellato de Lucky Flickerman a través de su aspecto. «A medida que el trabajo de Lucky cubriendo los Juegos en televisión progresa, también lo hace su ego y su entusiasmo, así que quería que su pelo empezara a crecer un poco y que su bigote se volviera más elegante«, dice Trish Summerville. «Con su vestuario, es una progresión lenta en la que se viste cada vez más elegante, y para el final, Lucky lleva un esmoquin con cola«.

CIUDADANOS DEL CAPITOLIO

Esta película también invierte el aspecto general del Capitolio y el Distrito 12 de las películas anteriores.

«Para los habitantes del Capitolio, utilicé una paleta de colores sólidos«, detalla Summerville. Ella y el director Francis Lawrence decidieron inspirarse en la posguerra de los años 40 y 50. «Siguen teniendo la ropa y las joyas más bonitas, todo el mundo va peinado y maquillado, pero es un look estadounidense mucho más clásico«, afirma la diseñadora.

CIUDADANOS DEL DISTRITO 12

«A través del Distrito 12 y de los miembros de La Bandada, quería representar una comunidad alegre y colorida, a pesar de todo el hollín, la suciedad y el carbón. El Distrito 12 tiene un estilo de vida vibrante, mientras que el Capitolio es sobrio y la gente no es feliz allí».

«Para diseñar el vestuario de los habitantes del Distrito 12, me fijé en cómo vestían entonces los mineros del carbón. Pero también nos fijamos en cómo vestía la gente en distintas partes de Estados Unidos, porque en esta ocasión vemos más de los distritos. Vemos realmente cómo vivían y cómo disfrutaban de la vida. Así que incorporamos más flora y fauna con dibujos, estampados y colores«, apunta la diseñadora.

CRÍTICA | LOS JUEGOS DEL HAMBRE. BALADA DE PÁJAROS CANTORES Y SERPIENTES. Panem y circo

Como ya sucediera con las saga de Harry Potter o Juego de Tronos, u otras franquicias que parten de un referente literario, culminar las adaptaciones de los libros no implica cerrar el chiringuito. Mientras se recojan beneficios, el estudio va a querer seguir continuando la historia, ya sea motivando a los autores de los libros a crear nuevo material literario, ya sea (en caso de que el autor haya fallecido o no entre por el aro) inventando historias nuevas directamente para el formato cinematográfico. La Gallina de los Huevos de Oro debe seguir canjeando ganancias. La cuestión es si el nuevo material, derivativo por necesidad, puede ser también de calidad o cae en la mera repetición.

TRIBUTO

Los Juegos del Hambre. Sinsajo. Parte 2 se estrenó en 2015, dando por cerrada la franquicia que había aupado a Jennifer Lawrence como la actriz más taquillera del Hollywood del momento. La franquicia cerraba en alto. Si bien las dos partes de Sinsajo no destacan precisamente como producto cinematográfico (en nuestra opinión, y a pesar de la labor de Francis Lawrence, la saga fue de más a menos), pero económicamente aún estaba en plena ebullición. No se tardó en anunciar que la creadora de la saga literaria, Suzanne Collins, estaba preparando una precuela que nos llevaría a los años posteriores a los llamados Días Oscuros, presentando la juventud de Coriolanus Snow, futuro y despótico presidente de Panem. No duda cabía de que el acuerdo de adaptación cinematográfica ya estaba firmado y sellado.

Los Juegos del Hambre. Balada de Pájaros Cantores y Serpientes, como película, busca mimetizarse lo máximo posible con la saga anterior para ganarse al público cautivo. Aunque la historia tiene lugar 64 años antes de la aparición de Katniss y el diseño artístico marca el componente arcaico de la sociedad de Panem, aún emergente de la guerra, lo cierto es que muchos son los puentes que se establecen para que el espectador se sienta en terreno conocido.

DISEÑANDO EL JUEGO

En este sentido, pese a los 8 años transcurridos desde que cerró la serie cinematográfica, se logra mantener ese sentido de continuidad o retroalimentación. La puesta en escena de Francis Lawrence (director de En Llamas y las dos entregas de Sinsajo) es fundamental para mantener esa cohesión. Por otro lado, Lawrence, director más que dotado e infraaprovechado en Hollywood, lleva a cabo aquí una más que encomiable labor tras la cámara. A nivel de factura, esta entrega nos parece la más ambiciosa y lograda de todas.

El guion de Michael Lesslie y Michael Arndt, a partir de la novela de Suzanne Collins, está muy bien estructurado y las dos horas y 37 minutos de metraje no resultan un lastre. Esto viene determinado también por una modélica labor de montaje a cargo de Mark Yoshikawa. En este sentido, como producción hollywoodiense, la cinta cumple con todos los requisitos, aunque eso no implique que determinados personajes o tramas secundarias queden desatendidas. Incluso, a nivel musical, creemos que James Newton Howard presenta su mejor partitura para la franquicia.

A nivel interpretativo, la partida la gana Tom Blyth. El debate moral del personaje de Snow queda perfectamente marcado con una interpretación carismática y compleja. Rachel Zegler ofrece también una esforzada interpretación de Lucy Gray Baird. No logra hacernos olvidar el peso de Jennifer Lawrence, pero sí vemos en su personaje un precedente a lo que posteriormente sería Katniss Everdeen. A esto se añade también el apartado musical. Las canciones que interpreta el personaje juegan también un papel determinante en la historia y una vez más Zegler vuelve a demostrar el virtuosismo de su voz. Destacamos también otros actores como Max Raphael (se ve que, para el casting, se visionaron a fondo el West Side Story de Steven Spielberg), si bien, las presencias de Viola Davis y Peter Dinklage quedan muy diluidas (ella muy histriónica, él poco aprovechado).

DÉJÀ VU

El problema es que todo este cuidado envoltorio acaba cayendo en subrayado excesivo a la hora de establecer las conexiones entre los personajes de Lucy Gray y Katniss Everdeen y la influencia de ambas en la figura de Coriolanus Snow. La cinta es tan deudora de las trilogía que prologa que el resultado carece de innovación. Sin duda, la película resultará satisfactoria para los fans de la trilogía previa, pero es incapaz de sortear la sensación de Déjà vu.

Lluvia de estrellas y aplauso del público en el balance del FESTIVAL ISLA CALAVERA 2023

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera hace balance de su reciente edición, que cerraba sus puertas el 19 de noviembre tras diez intensos días de programación con gran éxito de público y un palmarés que lideraron las producciones españolas La Espera, de F. Javier Gutiérrez, con los premios a mejor largometraje, dirección, actor y vestuario, y La mesita del comedor, de Caye Casas, con el reconocimiento a mejor guion y el Premio del Público al mejor largometraje. El premio del Jurado al mejor cortometraje fue para Psicario, de Daniel Padró Targarona, mientras que el Premio del Público al mejor corto fue para La fianza, del canario Eduardo Cubillo. Una entrega patrocinada por el Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, el Cabildo de Tenerife, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Canarias avanza con Europa; el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Canary Islands Film y Tenerife Film Commission.

Más de 25.000 personas de todas las edades disfrutaron de la programación desplegada para esta séptima entrega del certamen, con 50 sesiones de proyección en Multicines Tenerife que incluyeron 13 largometrajes y 18 cortos a competición, 2 documentales, 13 clásicos y las premières nacionales de In the Fire, Last Sentinel y Somewhere quiet, además de la extensa propuesta de actividades paralelas y presentaciones dentro y fuera de Canarias.

Amber Heard llegando a la Gala de Apertura del Festival Isla Calavera 2023.
Amber Heard llegando a la Gala de Apertura del Festival Isla Calavera 2023.

Amber Heard, Eduardo Noriega y otras estrellas

Una lluvia de estrellas desfiló por la alfombra roja de las galas de apertura y clausura del Festival, que acogió el emblemático Teatro Leal de La Laguna. La actriz estadounidense Amber Heard (Aquaman) y el actor español Eduardo Noriega (Abre los ojos) visitaron el Festival rodeados de gran expectación para presentar por primera vez en España su nueva película, In the Fire. Noriega recogió además el Premio Isla Calavera de Honor, galardón que este año también reconoció las trayectorias del director y productor norteamericano Joe Dante (Gremlins, Aullidos) y la actriz madrileña Manuela Velasco ([REC]). El actor Sam J. Jones, quien dio vida a Flash Gordon en el clásico de 1980, y la actriz Silvia Tortosa (Pánico en el Transiberiano) recibieron sendos premios Leyenda del Fantástico. La guionista y actriz Marta González de Vega recogió el Premio S. S. Venture al talento canario.

También visitaron el Festival otros intérpretes del panorama nacional y canario como Víctor Clavijo, Llum Barrera, Mario Mayo, Eva Llorach, Alicia Rodríguez, Aïda Ballmann, los actores de doblaje Camilo García, Graciela Molina y Luis Posada, el maestro de los efectos especiales y de maquillaje Colin Arthur o los críticos e historiadores de cine Jesús Palacios, Gloria Fernández y Enrique Garcelán, entre otros.

Actividades paralelas

Entre las actividades paralelas, cabe destacar la quinta edición del Encuentro de Industria Rodar en Canarias, que reunió con la industria local a figuras destacadas del ámbito nacional e internacional como los productores Pascal Borno, Alain Gillisen, Nicolás Matji o la norteamericana Elizabeth Stanley; directores como Enrique Gato, F. Javier Gutiérrez, Caye Casas, Cyprian Hercka, Santiago Alvarado o Héctor Escandell; el director de Phenomena Barcelona Nacho Cerdá; el director y periodista Santiago Tabernero; Elisabet Campoy, decoradora especializada en diseño de interiores; o Pablo Lozano, director de Cinefan Úbeda.

En palabras de sus codirectores Daniel Fumero y Ramón González Trujillo: “2023 ha sido una edición decisiva para consolidar el crecimiento del Festival que continúa siendo un evento único en su género en Canarias. Además, grandes iconos internacionales del fantástico han visitado Canarias por vez primera y han quedado prendados no solo de las bondades del territorio, sino de la increíble hospitalidad de la audiencia que no para de crecer año a año. Estamos muy emocionados con los planes y posibilidades que nos esperan en un futuro cercano”.

Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera

Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera ha contado en su séptima edición con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, el Cabildo de Tenerife, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Canarias avanza con Europa; el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Canary Islands Film y Tenerife Film Commission; y la colaboración de la Universidad de La Laguna, La Laguna Zona Comercial, Grupo Perla Negra, Zulay Panaderías, Grupo Fly Luxury, Juan Antonio Ribas Subtítulos y Ediciones Digitales, Reel One Entertainment, Playmedusa Videojuegos, CADEC, Cinedfest, Planta 0: Consultoría Digital, Consejo Regulador de la Denominación de Origen Tacoronte-Acentejo, CinemaNext, Iro Pictures, Teatro Leal, José Acosta Style, Audi Canarias, Coca-Cola. Fundación Diario de Avisos, Televisión Canaria y Canarias Radio participan como media partners.

El Festival Isla Calavera nace en 2017 y en sus siete años de trayectoria ha logrado una importante repercusión nacional y ya está considerado como uno de los cinco festivales de cine fantástico más relevantes del país. En el ámbito internacional también se ha convertido en una de las citas a tener en cuenta, gracias a la participación de figuras tan relevantes como Belén Rueda, John Landis, Deborah Nadoolman, Sarah Douglas, Rick Baker, Caroline Munro, David Naughton, Jack Taylor, Enzo G. Castellari, Mick Garris, Neil Marshall, Álex de la Iglesia, Nicholas Rowe, Colin Arthur o Lamberto Bava. Otros invitados que han visitado Tenerife dentro del Festival Isla Calavera y que han puesto el evento en el mapa de encuentros cinematográficos son Paco Plaza, Carolina Bang, Paco Cabezas, Víctor Matellano, Juanma Bajo Ulloa, Eugenio Mira, Charlotte Kirk o Lola Dueñas, entre otros.

Tráiler de FURIOSA: DE LA SAGA MAD MAX: Mucho más allá de la Cúpula

El director australiano George Miller inició cuando apenas superaba los 30 años la mitología del guerrero de la carretera, en 1979, con la película en la que el policía Max Rockatansky buscaba venganza en una tierra devastada tras un colapso nuclear. A bordo de su Interceptor amarillo y posteriormente en el V8, un joven Mel Gibson interpretaba por vez primera al Loco Max en una producción australiana de bajo presupuesto (apenas 350.000 dólares) que se convirtió en un éxito inmediato (superando los 100 millones de recaudación) y en el punto de partida de todo un subgénero que combinaba la ciencia ficción, la violencia extrema y las carreras automovilísticas.

Mad Max 2

Las secuelas de Mad Max (y sus imitaciones) no tardaron en llegar expandiendo el universo con cada nuevo episodio. De este modo, Mad Max 2, segundo largometraje de Miller ya con 4 millones de dólares de presupuesto, llegaba a los cines el 24 de diciembre de 1981, con una depurada estética punk postapocalíptica nuevamente aplaudida por la crítica. La historia de Rockatansky (Gibson), quien había perdido la cordura en la primera entrega al sufrir la muerte de su mujer y su hijo a manos de las cruentas bandas de moteros que campan en las carreteras, continúa al margen de la ley.

Más allá de la cúpula del trueno

Cuatro años más tarde, tras una incursión de Miller como director de uno de los segmentos de la película En los límites de la realidad, Mel Gibson regresaba a la gran pantalla como Mad Max en Más allá de la cúpula del trueno. Codirigida por George Miller y George Ogilvie, presenta a Max exiliado en el desierto por la corrupta Tía Ama, líder de la Negociudad, icónico personaje interpretado por Tina Turner con un look inolvidable. El presupuesto ya ascendía a 12 millones de dólares y contó con banda sonora a cargo de Maurice Jarre y con canciones compuestas por Graham Lyle y Terry Britten, como los éxitos de Tina Turner ‘We don’t need another hero’ y ‘One of the living’.

Furia en la carretera

Hubo que esperar 30 años para continuar el camino de Mad Max, con Furia en la carretera (Fury Road), que vio la luz el 14 de mayo de 2015, esta vez con Tom Hardy en la piel de Rockantansky. Un filme que logró seis premios Óscar en las categorías de mejor diseño de producción, sonido, edición de sonido, maquillaje, vestuario y montaje, y otras nominaciones a mejor película, dirección, efectos visuales y fotografía. Una nueva y original historia con un buen puñado de personajes que pasarían a la historia, como Imperator Furiosa (interpretada por Charlize Theron) y el líder de culto Inmortan Joe (recuperando para el papel al actor de la primera entrega Hugh Keays-Byrne, «Toecutter»).

Furiosa: de la saga Mad Max

El 24 de mayo de 2024 llegará a los cines la nueva y esperada entrega, Furiosa: de la saga Mad Max, cuyo primer y espectacular avance se revelaba esta semana durante la Comic Con Experience de Sao Paulo (CCXP). El icónico mundo distópico de George Miller continuará en este spin off sin Rockatansky, que explorará los orígenes de Furiosa, cuando al caer el mundo es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran horda de motoristas liderada por el señor de la Guerra Dementus.

Anya Taylor-Joy dará vida al personaje en esta ocasión, mientras que Chris Hemsworth (también australiano) será el nuevo gran villano, quien durante la road movie se topará con la ciudadela presidida por Inmortan Joe. Mientras los dos tiranos luchan por el dominio, Furiosa tratará de sobrevivir a la vez que reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa.

Miller, considerado uno de los directores de cine de acción más relevantes de la historia del cine, cuenta en su filmografía con propuestas de otros géneros, como Las Brujas de Eastwick (1987), el drama Lorenzo’s Oil (1992), las películas de animación Babe 2 (1998), Happy Feet (2006) y su secuela de 2011, y la reciente fantasía para adultos Tres mil años esperándote (2022). Ahora, a sus 79 años, cerrará el círculo con esta esperada odisea de Furiosa.

Primera imagen de THE FIRST OMEN: Ave Satani

El 6 de junio de 1976, fecha escogida para su estreno en Reino Unido por su correlación con el número de la Bestia, llegaba a los cines la película de terror La profecía, de Richard Donner una de las producciones que forman parte de los grandes títulos clásicos del género junto a La semilla del diablo (1968), El Exorcista (1973) o El Resplandor (1980).

El director de Los Goonies y Arma Letal contó con guion de David Seltzer para narrar la historia del niño Damien, adoptado por los Thorn tras la muerte de su bebé. Gregory Peck y Lee Remick dieron vida a la pareja protagonista, Katherine y Robert Thorn, embajador de los Estados Unidos en Gran Bretaña, mientras que Harvey Stephens interpretó al inquietante niño, la encarnación del Anticristo. Con solo 6 años, el joven logró una nominación a los Globos de Oro, como actor debutante; sin embargo, tras otro pequeño papel en el telefilme Gauguin el Salvaje (1980), junto a David Carradine y Lynn Redgrave, abandonó esta profesión.

La profecía también pasaría a la historia por su banda sonora, que logró el Óscar para Jerry Goldsmith, y otra nominación para el tema musical ‘Ave Satani’, escrita y cantada en latín, que continúa siendo la única canción de una película de terror candidata a los Premios de la Academia de Hollywood.

La maldición de Damien

“La primera vez fue solo una advertencia” y el éxito absoluto de La profecía, considerada una obra maestra, trajo en 1978 la secuela La maldición de Damien (Damien: Omen II), protagonizada por William Holden, Lee Grant y el joven Jonathan Scott-Taylor para dar vida al heredero Thorn adolescente. Al estar Richard Donner enfrascado en la producción de Superman (1978), fue dirigida por Don Taylor (La Isla del Dr. Moreau).

El final de Damien

La tercera entrega llegó en 1981, El final de Damien (Omen III: The Final conflict), con el actor Sam Neill como Damien de adulto, convertido en un ejecutivo de éxito, presidente de Industrias Thorn. Jack Nicholson, Marlon Brando y Gene Hackman también fueron valorados durante el proceso de casting para el icónico personaje, que finalmente fue para el actor neozelandés. Para el director Graham Baker (Beowulf, la leyenda) supuso su ópera prima en el largometraje.

La profecía IV: El renacer

Diez años más tarde, por Halloween, veía la luz la cuarta entrega de la saga: ‘La profecía IV: El renacer, con Faye Grant, Michael Woods y la niña Asia Vieira y dirigida por Jorge Montesi, quien reemplazó a Dominique Othenin-Girard a mitad de la producción televisiva. En este punto, Damien ha muerto, pero el Anticristo se reencarna en Delia, una niña adoptada por un matrimonio de abogados.

El 6 de junio de 2006, nuevamente invocando al diablo a través de su cifra, llegaba un remake de la cinta original escrito por David Seltzer y dirigido por John Moore, con un reparto repleto de estrellas: Julia Stiles, Liev Schreiber, Mia Farrow, David Theewlis y Seamus Davey-Fitzpatrick en su debut en el cine con 8 años.

The First Omen

Esta semana, 20th Century Studios ha anunciado, con una primera y turbadora imagen, la fecha de estreno de una precuela para La Profecía, que llegará a los cines el 5 de abril de 2024. La directora Arkasha Stevenson está al frente de The First Omen (“La Primera profecía”), basada en los personajes creados por Seltzer. También firma el guion junto a Tim Smith y Keith Thomas, a partir de una historia imaginada por Ben Jacoby.

La actriz Nell Tiger Free (Servant) será Margaret, una joven estadounidense que se cuestionará su fe al toparse con la oscuridad cuando es enviada a Roma para iniciar una vida de servicio a la Iglesia. Entonces descubrirá una conspiración aterradora que espera provocar el nacimiento de la encarnación del mal. Otros nombres destacados que forman parte del elenco son Sonia Braga (El beso de la mujer araña) o Bill Nighy (Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto).

CRÍTICA | FIVE NIGHTS AT FREDDY’S. Pizza recalentada

En apenas 10 años, Five Nights at Freddy’s se ha convertido en todo un fenómeno. Cuando el videojuego principal fue creado en 2014, poco podía suponer su creador, Scott Cawthon, que su creación independiente iba a convertirse en una franquicia tan extensa y lucrativa. Publicado originariamente en la plataforma Desura, rápidamente el juego pasó a las principales plataformas y a adaptarse para todos los formatos de consolas, ordenadores y otros dispositivos.

Con la publicación de nuevas entregas del juego (nueve en total) y un amplio abanico de spin offs, la historia del juego ha ido creciendo y ramificando, creando todo una mitología a su alrededor. Los personajes animatrónicos del juego ha pasado a protagonizar su propia línea de juguetes, desde peluches, Funkos y otras variantes de juguetes. Cawthon ha estado profundamente implicado en todos los pasos que daba su creación, siempre supervisando y aprobando que no se desvirtuara su criatura.

DE LA CONSOLA AL CINE

Estaba claro que, ante esta demanda del juego, más pronto que tarde sería llevada al cine, aunque, finalmente, ha sido más tarde que pronto. La cinta ha tardado casi 10 años en hacerse realidad, a riesgo de que la burbuja del éxito del videojuego se desinflara. Afortunadamente, la versión cinematográfica llega antes de que su popularidad decaiga, de ahí la enorme demanda de público para ver la película en cines el primer fin de semana.
La adaptación al cine no se planteaba complicada. La historia estaba ya bastante masticada y el diseño de los personajes animatrónicos muy bien definido.

Cualquier cambio en el diseño artístico hubiese supuesto la reclamación de los fans y la posible pérdida de espectadores fundamentales de la película. Otra idea a aplaudir es que, independientemente de la participación en los efectos de la tecnología digital y la infografía, los animatrónicos fueron creados realmente como marionetas a tamaño real.

ENGRANAJES

Aunque en esencia la trama respeta bastante la historia de los videojuegos, sí nos encontramos con muchas variaciones sobre el original, algo que nos parece más capricho que decisiones verdaderamente relevantes para la historia. Es más, hay muchos elementos a nivel de guion que nos parecen innecesarios y de relleno. Su presencia ahí podría justificarse como herramientas para dar una mayor dimensión dramática a los personajes, pero no es el caso, o mejor dicho, fracasan notablemente. Hay momentos en los que los personajes desarrollan comportamientos erráticos y absurdos en aras de ese refuerzo dramático.

El apartado interpretativo tampoco es especialmente destacable. Matthew Lillard sobrevive a base de puro carisma; Josh Hutcherson sigue igual de ñoño que siempre, al igual que Elizabeth Lail; Piper Rubio resulta un tanto irritante; y Mary Stuart Masterson está totalmente desaprovechada y su personaje no aporta nada a la trama.

RETRIBUCIÓN

Resulta llamativo que algunos espectadores hayan acudido a la sala con una sensación de nostalgia, cuando el videojuego apenas tiene 10 años, pero sí es cierto que el tono de la película apela a ello. Para nuestro gusto, a esta historia le falta sangre, le falta irreverencia y le falta algo más de humor. Seguro que será muy taquillera, pero, como película, nos ha parecido bastante anodina.

La puesta en escena de Emma Tammi es francamente limitada y rutinaria. Siendo de lo peor que ha hecho Nicolas Cage (que ya es decir), sinceramente, nos quedamos con esa frikada apócrifa del Five Nights at Freddy’s que es Willy’s Wonderland.

Lista de nominados a los PREMIOS FEROZ 2024: LA MESÍAS logra 11 candidaturas

Los Premios Feroz que otorga la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE) acaban de anunciar las nominaciones a su undécima edición de la mano de la actriz Laura Galán y el actor Miguel Bernardeau. La serie La Mesías acumula 11 nominaciones y se convierte en la obra con más candidaturas en la historia de los Feroz. Cerrar los ojos lidera las categorías de cine con 9 nominaciones seguida por 20.000 especies de abejas y Un amor, ambas con 7.

En el anuncio de nominaciones, también estuvo presente la presidenta de la AICE, María Guerra, que en su intervención ha desvelado que la ceremonia de entrega de los galardones se celebrará el viernes 26 de enero en Madrid.

En los apartados de cine, Cerrar los ojos, de Víctor Erice (con 11 nominaciones); junto a 20.000 especies de abejas, de Estíbaliz Urresola Solaguren; y Un amor, de Isabel Coixet (ambas con 7) son las tres películas que reúnen más candidaturas.

Por segundo año consecutivo, la categoría de mejor dirección es mayoritariamente femenina. Junto a los veteranos Erice, Coixet y J.A. Bayona (La sociedad de la nieve) compiten dos cineastas que debutan en el largometraje: Elena Martín Gimeno (Creatura) y Estíbaliz Urresola.

Premios a la interpretación

Laia Costa, que se alzó el año pasado con el Feroz a la mejor actriz, compite de nuevo en esta categoría con Un amor junto a Malena Alterio por Que nadie duerma, Kiti Mánver por Mamacruz, María Vázquez por Matria y Carolina Yuste por Saben aquell.

En el premio al mejor actor protagonista de cine coinciden cuatro premiados anteriormente: Enric Auquer por El maestro que prometió el mar (dos estatuillas por la serie Vida perfecta y otra por la película Quien a hierro mata), Hovik Keuchkerian por Un amor (un Feroz por la serie Antidisturbios), Manolo Solo por Cerrar los ojos (premiado anteriormente por Tarde para la ira) y David Verdaguer por Saben aquell (ganador por Verano 1993). Tan solo Alberto Ammann, que compite con Upon Entry (La llegada), debuta en los Feroz.

Entre el resto de títulos candidatos destacan también Te estoy amando locamente, que lucha por 4 estatuillas (entre ellas, mejor comedia); y Robot Dreams, que aspira a otros tres galardones, incluido mejor película de comedia, una categoría que se completa con Bajo terapia, Las chicas están bien y Mamacruz.

Los mejores carteles y tráileres

Los Feroz también premian a las mejores cartas de presentación de las películas. En la categoría de mejor cartel los socios de AICE han votado por los de 20.000 especies de abejas (Cristina Hernández Bernardo), Cerrar los ojos (Sergio Rozas y Manolo Pavón), O corno (Alejandro Llamas Sánchez), Hermana Muerte (Iñaki Villuendas y José Haro) y Robot Dreams (José Luis Ágreda).

En cuanto a mejor tráiler, los nominados de este año son Liviu Neagoe por 20.000 especies de abejas, Elena Gutiérrez por el teaser tráiler de Cerrar los ojos, Miguel Ángel Sanantonio por Saben aquell, Harry Eaton por el primer avance oficial de La sociedad de la nieve y Mikel Garmilla por Te estoy amando locamente.

Laura Galán y Miguel Bernardeau anuncian los nominados a los Premios Feroz 2024.
Laura Galán y Miguel Bernardeau anuncian los nominados a los Premios Feroz 2024.

LAS SERIES DE LOS #FEROZ2024

La Mesías, de Javier Ambrossi y Javier Calvo, rompe el récord del título más nominado de la historia de los Feroz (tanto en cine como en series) al acumular 11 nominaciones, nueve de ellas para sus intérpretes. Tres competirán por el galardón a mejor actriz protagonista (Lola Dueñas, Macarena García y Ana Rujas) y otras tres como mejor actriz de reparto (Amaia, Irene Balmes y Carmen Machi). De esta forma optan a estatuilla todas las «Mesías» de la serie. Los actores Roger Casamajor (protagonista) y Albert Pla y Biel Rossell Pelfort (reparto), también han obtenido sendas nominaciones.

Como protagonistas también han recibido nominación Úrsula Corberó y Quim Gutiérrez por El cuerpo en llamas; Esperanza Pedreño y Raúl Cimas por Poquita fe; Javier Cámara por Rapa y Patrick Criado por Las noches de Tefía.

Son 6 en total las candidaturas de Poquita fe y 5 para El cuerpo en llamas, seguidas de El hijo zurdo y ‘El otro lado’ que tienen 3 nominaciones cada una.

En mejor serie de comedia hay cuatro nominadas ya que se han inscrito menos de veinte obras (y más de doce): Citas Barcelona y Esto no es Suecia completan el cuarteto junto a las ya mencionadas El otro lado y Poquita fe. Rapa y Selftape cierran las candidaturas a Mejor serie dramática.

Premios Feroz Arrebato

El 14 de diciembre se darán a conocer los nominados a los Premios Feroz Arrebato de ficción y de no ficción, que completarán las candidaturas de la undécima edición. Se trata de dos categorías que buscan reconocer aquellas obras con especiales logros artísticos y/o aportaciones innovadoras en sus respectivos campos.

La AICE es un grupo plural de alrededor de 250 periodistas y críticos dedicados a informar sobre cine en televisión, radio, prensa e Internet de todo el país. Desde 2014 entregan los Premios Feroz para destacar lo mejor de la producción audiovisual española del año.

Además de los galardones anuales, la asociación otorga el Premio Feroz Zinemaldia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el Premio Feroz Puerta Oscura en el Festival de Málaga y el Premio Feroz Cinema Jove al mejor cortometraje en el seno del festival del mismo nombre. La AICE también organiza el festival Lo que viene y el campus de cine y series La Inmortal en Zaragoza.