Hubo un momento en el que todo aspirante a cineasta quiso ser Neill Blomkamp. En 2005, estrenó su cortometraje Alive in Joburg, con la suerte de que Peter Jackson lo vio en YouTube y se puso en contacto con el director para ofrecerle 30 millones de dólares con los que transformar la idea en un largometraje (Distrito 9). No sólo esto, sino que, además, el largo se convirtió en todo un éxito, recaudando más de 200 millones en todo el mundo. A continuación, Blomkamp consiguió un cheque de unos 115 millones para rodar su primera superproducción, con Matt Damon y Jodie Foster de protagonistas. ¿No es un sueño? ¿Qué pasó después? Pues que el sueño se desinfló.
DEL CIELO A LA TIERRA
Elysiumsupuso una decepción tanto en taquilla como a nivel de crítica. Blomkamp regresó a los presupuesto modestos y, en 2015, con 49 millones, rodó Chappie, una versión punk de Cortocircuito, con un papel secundario para Sigourney Weaver, pero que tampoco contentó a nadie. Blomkamp aprovechando su buena relación con Weaver, se la jugó presentando el proyecto de rodar una secuela directa de Aliens: El Regreso, contando con el visto bueno de la actriz y acompañado con unos prometedores bocetos. Desgraciadamente, el proyecto chocaba frontalmente con los planes de Ridley Scott tras Prometheusy la producción nunca llegó a conseguir luz verde. Desde entonces, el director ha estado desarrollando una serie de cortometrajes con la esperanza de repetir la jugada de Alive in Joburg sin demasiada suerte.
CELDA DIGITAL
Demonices un proyecto para el que ha contado con un presupuesto de 70 millones, protagonizado por algunos rostros con cierta presencia en televisión como Carly Pope, Chris William Martin, Nathalie Boltt o Kandyse McClure.
De nuevo la mala suerte ha acompañado al director y el rodaje tuvo que verse interrumpido por la pandemia, retomándose meses más tarde con una serie de restricciones que obligaron a cambiar el plan de producción y ajustarse a equipos más pequeños y un menor despliegue de medios.
Neil Blomkamp parte de un concepto interesante, la madre de la protagonista es una asesina que ha cometido un crimen atroz. Una extraña empresa ha desarrollado un programa que permite, mediante una simulación entrar en la mente de la asesina y tratar de comprender como una mujer pacífica llevó a cabo unos crímenes tan brutales, y es que, en esa realidad virtual que es en realidad el subconsciente, anida algo sobrenatural.
ENTRAR EN EL JUEGO
El uso de esta realidad virtual, con un diseño del 3D digital que apuesta por una estética bidimensional de los personajes y los escenarios, introduciendo glitches y jugando con las leyes de la física para ofrecer algunas de las imágenes más sugerentes de la película se convierte en el componente central de la película, casi en su justificación. Este cruce de subconsciente con tecnología con elementos oníricos y con terror no es novedoso, pero sí es el componente que distingue a la historia frente a otras de similar calado.
Lamentablemente, este mecanismo queda un tanto disperso en la historia y no se le saca todo el partido que prometía. La versatilidad del mundo digital podría haber dado para una mayor recreación pesadillesca, pero Blomkamp parece preferir manejarlo con pequeñas dosis, tal vez por presupuesto, tal vez por evitar caer en el abuso de este recurso. Lo cierto es que ya este apartado viene a definir uno de los principales problemas de la película, que es quedarse corta a la hora de desarrollar sus propuestas más atractivas.
NPJs
Existe también una indefinición lamentable de los personajes. Blomkamp sitúa en el tablero una serie de fichas, que supuestamente deberán jugar un papel fundamental en la estrategia de la historia, pero que acaban resultando conjuntos vacíos. Evidentemente, todo gira en torno al personaje de Carly que, a priori, es presentado como un personaje pasivo, que intenta evitar en todo momento verse involucrado en lo que sucede, pero que se ve forzada a participar por esa relación no resuelta con su madre o el personaje de Martin, o por lealtad a su amiga Sam.
Por desgracia, el resto de los personajes entran y salen de la acción de manera forzada y, en ocasiones, injustificada, más por necesidad de que la trama avance que por su propio valor y personalidad, siendo desechados por el sistema una vez dejan de aportar alguna función a la trama. No hay mayor indagación en las características de los personajes que aquellas ideas básicas que el director y guionista requiere de ellos, sin molestarse en crear un diseño mínimamente sólido de personajes. Usando el lenguaje de los videojuegos, son personajes no jugadores, situados en el escenario por su creador únicamente para aportar algún dato informativo a la protagonista (y, por ende, al espectador) o para ayudarle a desbloquear la entrada a la siguiente fase.
DEMONIC PANDEMIC
Podríamos decir que Demonices una película dañada gravemente por los efectos de la pandemia y el confinamiento en su producción. Evidentemente, entendemos que los planes iniciales de Neill Blomkamp eran muy distintos y que el nuevo contexto le obligó a prescindir y redefinir de elementos fundamentales de la historia original. La película evidencia una clara pobreza de medios, no por una cuestión de presupuesto, sino de no contar en el set con todos los elementos técnicos y artísticos para ofrecer un producto más cuidado y profesional. El resultado final acerca a la película más a un contexto de cine de guerrilla que a una producción comercial firmada por un cineasta que llegó a gozar en su carrera con presupuestos de clase A de Hollywood.
Pero no todo es achacable a la pandemia. La película evidencia pobreza de ideas, desgana de sacar partido de su material de base. La puesta en escena de Blomkamp es muy pobre y rutinaria. El trabajo con los actores, muy esquemático. Esa máxima repetida de que “la falta de medios agudiza el ingenio”, en el caso de Demonicbrilla por su ausencia. Tal es así, que uno se pasa todo el metraje con la sensación de que el director no quería estar allí y que ha hecho una película por cumplir.
ONE HIT WONDER
A día de hoy, los resultados de Demonicno hacen más que reafirmar la posición de Neill Blomkamp como un One Hit Wonder, es decir, un director que tuvo un gran éxito, una película que le abrió las puertas de la gloria, pero que posteriormente ha sido incapaz de asentar esa oportunidad y confirmar las promesas hechas. No sabemos cuántas oportunidades más le quedarán al cineasta en la recámara, pero, desde luego, esta última película suma varios clavos en la tapa de su ataúd.
Demonic, la primera incursión de Neill Blomkamp en el terror, llega a los cines tras su paso por el V Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera.
Sony Pictures informa que La abuela, la nueva película de Paco Plaza, cuyo estreno estaba previsto para el 5 de enero, retrasa su fecha de lanzamiento hasta nuevo aviso.
Producida por Apache Films, en asociación con Atresmedia Cine y Sony Pictures International Productions, y con la participación de Atresmedia y Prime Video, la película cuenta con guion de Carlos Vermut a partir de una idea original de Paco Plaza. El filme está coproducido por Sylvie Pialat y Alejandro Arenas.
Tras su paso por el Festival de Cine de SanSebastián y de Sitges, La abuela pudo verse en un evento especial en el marco de la quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, donde se otorgó el Premio Isla Calavera de Honor al director Paco Plaza.
Sinopsis de LA ABUELA
Susana (Almudena Amor) tiene que dejar su vida en París trabajando como modelo para regresar a Madrid. Su abuela Pilar (Vera Valdez) acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crio como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela, se acabarán convirtiendo en una terrorífica pesadilla.
De la mano de la visionaria directora Lana Wachowski llega este miércoles a los cines españoles Matrix Resurrections, la esperada cuarta entrega de la innovadora franquicia que redefinió todo un género. La nueva película reúne a las estrellas originales Keanu Reeves y Carrie-Anne Moss como Neo y Trinity, los papeles icónicos que les hicieron famosos.
La película también está protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II (Candyman, Aquaman), Jessica Henwick (serie de TV Iron Fist), Jonathan Groff (serie de TV Mindhunter), Neil Patrick Harris (Perdida), Priyanka Chopra Jonas (serie de TV Quantico), Christina Ricci (Casper) y Jada Pinkett Smith (Niobe en la saga Matrix).
Lana Wachowski dirige la película a partir de un guion de Wachowski & David Mitchell & Aleksander Hemon, basado en personajes creados por las hermanas Wachowski. En el filme, en un mundo de dos realidades, la vida cotidiana y lo que se esconde tras ella, Thomas Anderson tendrá que optar una vez más por seguir al conejo blanco, elección que sigue siendo la única forma para entrar o salir de Matrix.
Grant Hill, James McTeigue y Lana Wachowski son los productores de la película. Los productores ejecutivos son Garrett Grant, Terry Needham, Michael Salven, Jesse Ehrman y Bruce Berman.
El equipo creativo de Wachowski incluye a sus colaboradores de Sense8: los directores de fotografía Daniele Massaccesi y John Toll, los diseñadores de producción Hugh Bateup y Peter Walpole, el montador Joseph Jett Sally, la diseñadora de vestuario Lindsay Pugh, el supervisor de efectos visuales Dan Glass y los compositores Johnny Klimek y Tom Tykwer.
Warner Bros. Pictures presenta Matrix Resurrectionsen asociación con Village Roadshow Pictures y con Venus Castina Productions. Warner Bros. Pictures distribuye la película en todo el mundo.
Matrix Resurrections, estreno en cines el 22 de diciembre de 2021.
Tras dirigir los cortometrajes Brain Death (1992) y Combat(1999), el británico Neil Marshall logró su debut en el largometraje el año 2002 con el filme Dog Soldiers. Como él mismo deja claro, “un filme de asedio, un filme de soldados con hombres lobo y no al revés”. Según cuenta la leyenda, la visión con su padre de niño de En Busca del Arca perdida (Riders of The Lost Ark, EEUU, 1981), de Steven Spielberg, lo colocó en la senda de hacer películas. Sin embargo, viendo sus filmes, donde la lucha por la supervivencia es una constante, me resulta evidente que sus referentes son otros realizadores y otras películas.
John Carpenter, Walter Hill y James Cameron son realizadores tótem para Marshall. En particular 1997: Rescate en Nueva York (1997: Escape From New York, EEUU, 1981), The Warriors: Los Amos de la Noche (The Warriors, EEUU, 1979) y Aliens, El Regreso (Aliens, EEUU, 1986), respectivamente, de cada uno de ellos, están siempre en la mente del director británico.
Su segundo filme es la magnífica The Descent, estrenada en 2005. La quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera acogió con los brazos abiertos al realizador, guionista y productor Neil Marshall y a su compañera, la actriz, guionista y productora, Charlotte Kirk, protagonista de The Reckoning (Reino Unido, 2020), sexto filme de Marshall como realizador, que pudo verse en la cuarta edición del festival, desgraciadamente sin la presencia de ambos, debido a la pandemia. Ello no impidió que Marshall remitiese al festival un video de presentación.
Neil Marshall recogió en Tenerife su Premio Isla Calavera de Honor.
THE RECKONING, «el miedo se extiende como una plaga»
The Reckoning, rodada en 2019 en Hungría, ambientada en algún lugar de Inglaterra en el siglo XVII, concretamente en 1665, una época en la que la plaga de la peste, la pandemia de entonces, hace estragos. Las casuales referencias a la Covid-19, y a la mezquindad del ser humano en unos tiempos donde la solidaridad es la gran olvidada, son coyunturas oportunísimas en las fechas de estreno del filme, pero no de su rodaje y concepción.
Poco imaginaban Marshall y su equipo las circunstancias del mundo en el 2020 cuando el año anterior filmaban esta película, rodada de manera absolutamente precaria y en régimen de auténtica supervivencia (Marshall asume labores de producción ejecutiva, escritura y montaje). El realizador comentaba durante su estancia que rodó una película sobre una pandemia y vino la Covid-19, y luego acometió un filme ambientado en Afganistán, y seguidamente aconteció la trágica salida de ese país, con la instauración definitiva del régimen Talibán. Neil se refería, en el segundo caso, al filme recientemente culminado igualmente en Hungría, La Guarida(The Lair, Reino Unido, 2022), de la que se pudo ver en la Gala de Clausura del Isla Calavera el teaser, en exclusiva mundial. La Guarida es el próximo trabajo de este tándem formado por Marshall y Kirk. Nuevamente un filme de supervivencia extrema, con Afganistán y criatura monstruosa fruto de experimentos genéticos de fondo. Su cuarto filme como realizador es Centurión(Centurion, Reino Unido, 2010).
Manuel Díaz Noda moderó la charla con Charlotte Kirk y Neil Marshall.
HELLBOY, «los demonios también tienen demonios»
Tras pasar la mayor parte de la década de 2010 filmando episodios para series de televisión como Juego de Tronos, Constantine, Westworld, Hannibal, Black Seals o Lost in Space, y después de haber sido considerado para dirigir filmes como Predators, Drive, Orgullo y Perjuicio y Zombies, en 2019, Marshall regresó al largometraje, y a la gran pantalla, con el estreno en cine del reboot de Hellboy(EEUU, 2019), que contaba con un actor perfecto, David Harbour, para encarnar el personaje de cómic creado por Mike Mignola, que en nada desmerece la formidable creación de Ron Perlman para Guillermo del Toro en sus dos filmes sobre el personaje.
El descenso
The Descenten una magnífica copia proporcionada por A Contracorriente Films, y en la flamante pantalla de la sala 17 de Multicines Tenerife, pudo verse en el entorno del V Festival de Cine Fantástico de Canarias. La gran peculiaridad de este pase viene dada por la presencia en sala de su director. Uno de los grandes eventos del Isla Calavera 2021 fue la gesta de compartir espacio en sala con el propio director que vio la película entre nosotros, antes de sumarse a una charla muy especial, que tuvo lugar, primero con Marshall en solitario, pero a la que se unió Charlotte Kirk.
Charlotte Kirk en Isla Calavera 2021.
The Descent es, como prácticamente toda la filmografía de su director, un filme donde la constante temática principal y motor de los personajes es, ante un entorno absolutamente hostil y despiadado, crecerse ante la adversidad y luchar por sobrevivir al precio que sea. Todo ello filmado en un estilo directo, sin concesiones, que niega una y otra vez ciertas cansinas zonas de confort al espectador habituales en el cine mainstream, eliminando de paso la corrección política.
Las protagonistas del segundo filme de Neil Marshall son con un grupo de seis amigas (Marshall dejó claro en la entrevista posterior al pase del filme, que Dog Soldierstenía demasiada testosterona masculina que quiso rebajar con su siguiente filme). Tras afrontar un duro trauma para una de ellas (la pérdida del marido en un fatal y violento accidente de circulación), y con un ajuste pendiente de cuentas entre dos de ellas (una de las jóvenes tenía una aventura con el difunto esposo fallecido), que aflorará en situación límite, las 6 jóvenes se reúnen nuevamente un año después de la tragedia, para lo que parece una motivadora pero plácida aventura de espeleología. El entorno, natural, pero aparentemente controlado, es una cueva en la cordillera de los Apalaches, en EEUU, marca el encuentro de las jóvenes, a las que les encanta compartir situaciones de riesgo. Poco después de quedarse bloqueadas, descubrirán que la cueva es recóndita, sin explorar previamente, y las posibilidades de volver a salir se complican a medida que van entrando en la misma. Rápidamente descubrirán que no es la peor noticia del accidentado itinerario. Unas criaturas ciegas, sedientas de sangre, sembrarán el pánico en la oscuridad. Las jóvenes tratan de sobrevivir a las letales criaturas, no sin antes, acontecer ciertos ajustes entre ellas, de dramáticas consecuencias.
The Descentes un filme absolutamente trepidante, que no da respiro. Tras la desgracia inicial y el reencuentro de las amigas, una vez las jóvenes entran en la cueva, ya no hay piedad para nadie. El entorno se va volviendo angosto, apremiante, claustrofóbico y finalmente despiadado, una lucha a vida o muerte, donde una decisión o un acto de un segundo, marca la diferencia entre vivir o morir.
En la charla posterior al filme, se le preguntó al realizador por parte del actor español José Lifante si la película se había filmado cronológicamente para ir ganando en intensidad de manera natural, y Marshall contestó que efectivamente, así fue. Es ese probablemente uno de los secretos de cómo el filme va efectivamente creciendo en intensidad, como pocas veces se ha visto en el cine reciente. El otro secreto también lo anunció Marshall. Todas las secuencias de la cueva han sido filmadas íntegramente en estudio, para poder controlar perfectamente la iluminación. Ese riguroso control confiere no poco dominio en la angustia transmitida por las situaciones vividas por las jóvenes exploradoras. En este sentido, el inmenso trabajo de Sam McCurdy, el cinematographer del filme, también operador de la citada Dog Soldiers, es sin duda decisivo en la atmósfera lograda en las impactantes imágenes que recorren los 100 minutos donde nada sobra.
Por otra parte, la envolvente banda sonora de un compositor tan especial como el británico David Julyan, muy vinculado a los orígenes de la trayectoria de otro británico muy solvente, Christopher Nolan, contribuye a enfatizar el drama de estas jóvenes. Lejos de enfatizar o subrayar, Julyan compone una banda sonora muy suave que crea atmósfera y acompaña el drama humano que se desencadena entre las jóvenes, pasando a un discreto segundo plano en las situaciones de auténtica tensión, en la plena confianza de la suficiencia del impacto visual de las imágenes.
El filme ofrece el impacto que se espera de este tipo de películas, pero lo ofrece sin trampa ni cartón, ni golpes de efecto gratuitos, filmando a las criaturas en sombras, al fondo del plano, o a través de la cámara digital de una de las jóvenes, y potenciando su ceguera y capacidad auditiva, donde la pista de audio cobra una importancia extrema, como muy bien nos enseñó el documental visto en el festival, El Sonido del Terror.
La secuencia en la que una de las criaturas pasa por encima de una de las jóvenes, a la que le acaba de sonar la alarma de uno de sus dispositivos, o aquella en la que una de las criaturas se apoya sobre la cabeza de la protagonista, que a su vez está apoyada en una formación rocosa inclinada, después de haber cruzado un pequeño lago empapado en sangre, son absolutamente sobrecogedoras.
Manuel Díaz Noda y Manuel García de Mesa con Neil Marshall en Isla Calavera 2021.
Marshall es desde su segundo filme, un realizador con pleno dominio del espacio fílmico… y de las sensaciones que el espectador experimenta.
A partir de este modélico e impactante filme, Marshall se aseguró el tener un personaje femenino de protagonista o antagonista siempre en su cartelera particular. Films como Doomsday, el Juicio Final (Doomsday, Reino Unido, 2008), o The Reckoning así lo atestiguan.
The Descentes una producción británica de Celador Films, con Pathé Entertainment. En España los derechos actuales los posee A Contracorriente Films.
Vanesa Bocanegra, presentadora del Festival Isla Calavera, junto a Neil Marshall sobre el escenario.
El guionista y director canadiense Denis Villeneuve lleva semanas siendo noticia por distintos motivos, todos con puntos comunes: el cine, la ciencia ficción y sus nuevos proyectos profesionales. Así, desde la première de su versión de Dune, el pasado 3 de septiembre en el Festival de Cine de Venecia, y su posterior estreno en salas comerciales, su nombre ha ido sonando con la confirmación por parte de Legendary Pictures y Warner Bros. de la segunda parte de la película basada en el clásico literario de Frank Herbert y otros titulares.
El éxito en cines de Dune, su espectacular propuesta de cine fantástico y de ciencia ficción para adultos realizada con un presupuesto estimado en 165 millones de dólares y protagonizada por un elenco estelar encabezado por Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Zendaya, Oscar Isaac, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Dave Bautista y Javier Bardem, entre otros, ha logrado hasta el momento una recaudación de más de 390 millones. Este dato ha sido determinante para la confirmación de su secuela, que tiene como fecha de estreno el 20 de octubre de 2023 y tendrá a Zendaya como cabeza de cartel.
Además, HBO Max y Warner preparan la serie precuela Dune: The Sisterhood, inspirada en el universo imaginado por Frank Herbert y su hijo Brian Herbert. Una propuesta desarrollada por el guionista y productor Jon Spaihts (Prometheus, Passengers, Doctor Extraño) que a modo de spin-off se adentrará en los orígenes de la hermandad de las Bene Gesserit. Villeneuve ejercerá de productor ejecutivo en este proyecto y dirigirá el piloto y otros episodios.
Por otro lado, el pasado lunes la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood anunciaba las nominaciones a los Globos de Oro y Duneen las categorías de mejor película dramática (junto a Coda, King Richardy El poder del perro), mejor dirección y mejor banda sonora (obra de Hans Zimmer), lo que inmediatamente coloca la cinta entre las posibles candidatas a los próximos Premios Óscar.
RENDEVOUZ WITH RAMA
Y cuando parecía que no podían llegar mejores nuevas para el responsable de Incendies(nominada al premio de la Academia de Hollywood a la mejor película extranjera en 2011), Prisoners(2013), Enemy(2013) o Sicario(2015, nominada también a los Óscar en las categorías de mejor edición de sonido, banda sonora y fotografía), la publicación especializada The Hollywood Reporter ha anticipado que es el director elegido para llevar al cine la novela Cita con Rama (Rendezvouz with Rama), de Arthur C. Clarke, el autor de 2001: Una odisea del espacio.
El texto, reconocido tras su publicación en junio de 1973 con los premios Nébula, Hugo y Locus, entre otros, tendrá así su primera adaptación al lenguaje audiovisual para narrar una potente historia ambientada en la década de 2130, sobre un equipo de astronautas al que asignan la misión de interceptar una nave espacial interestelar gigante que viaja a gran velocidad a través del sistema solar.
La compañía Alcon Entertainment, con quien Villeneuve trabajó anteriormente en Prisonersy Blade Runner 2049, se encarga de la producción junto a dos grandes apasionados del género, el actor Morgan Freeman y Lori McCreary, de Revelations Entertainment, quienes desde comienzos del año 2000 están vinculados al proyecto para llevar al cine la obra de Arthur C. Clarke, el cual en un primer momento se planteaba con David Fincher como director.
Sin fecha de estreno confirmada, todo apunta a que esta Cita con Ramasí llegará a buen puerto.
Imagínense lo que era ser un niño de 10 años en los 80, entrar en una sala de cine y ver una comedia con fantasmas, algunas escenas francamente aterradoras, un humor zafio y de trazo grueso, referencias sacadas de libros reales de temática paranormal y todo un espectáculos de luces que componían un apartado de efectos especiales realmente espléndido, todo eso sazonado con un conjunto de canciones de lo más molonas y escenas entre lo épico y lo grotesco. No es de extrañar que aquel niño saliera de la sala con los ojos haciéndole chiribitas y que, posteriormente, desgastara la cinta magnética del VHS a base de visionados compulsivos de la película. Después se ha dicho que aquella película no era precisamente apropiada para un público infantil, pero, qué demonios, aquello eran los 80. Los sábados desayunábamos con Alaska en negligé presentado La Bola de Cristal.
¿A QUIÉN VAS A LLAMAR?
Tal vez, Cazafantasmasno fuera la mejor película del mundo, pero logró atrapar a toda una generación que, a día de hoy, mantiene su pasión por la película intacta. Hace falta entender esto para comprender por qué era importante el regreso de los personajes y por qué había que hacerlo de la manera correcta.
LOS VIEJOS ROCKEROS NUNCA MUEREN
Si a estas alturas del siglo XXI pueden regresar Daniel LaRusso, Indiana Jones o Pete ‘Maverick’ Mitchel, interpretados por sus actores originales, por qué no iban a regresar Peter Venkman, Raymond «Ray» Stantz, Egon Spengler y Winston Zeddemore.
Treinta y siete años después de la original, 32 de su secuela y 5 después del fallido reboot femenino, Cazafantasmas. Más Allá propone una nueva fórmula que facilite la reentrada de la franquicia al nuevo siglo, asegurándose como público cautivo a aquellos niños de 10 años que vieron la original en el cine, pero buscando la forma de captar también al público juvenil actual. Afortunadamente, en esto, han tenido también ayuda externa y ha sido en producciones recientes como (sobre todo) Stranger Thingsdonde han sabido apoyarse.
COSAS EXTRAÑAS EN EL VECINDARIO
Para el público veterano, tener a Ivan Reitman (el director original) en la producción, a su hijo Jason (quien se ha granjeado su propia reputación como cineasta independiente) tras la cámara, el anuncio del regreso de la tropa original interpretando a los personajes originales, así como el sentido homenaje que la película hace al fallecido Harold Ramis y a su personaje Egon Spengler, era un póker de ases con el que atraerlos a la sala. Para las nuevas generaciones, se cuenta precisamente la referencia a Stranger Things, con uno de sus actores, Finn Wolfhard, en uno de los roles principales, junto con otros actores juveniles (Mckenna Grace, Logan Kim, Celeste O’Connor), además de la presencia de Paul Rudd (Ant-Man), actor con tirón entre los dos grupos demográficos de espectadores.
NOSTALGIA
Seamos sinceros, para esta nueva entrega, Jason Reitman, acompañado en el guion de Gil Kenan, ha optado por ese concepto tan recurrente en las secuelas tardías de aquellos títulos cuyas franquicias Hollywood quiere destacar que se basa en un cruce entre secuela y remake. La cinta viene winstrolada de nostalgia para provocar en el espectador una respuesta emocional continua a lo que va sucediendo en pantalla. Aunque en la letra el argumento es distinto, en su esqueleto sigue muy de cerca a la cinta de 1984, y la construcción de los nuevos personajes tienen como base el espíritu de los veteranos. La suma que aporta la recuperación de personajes clásicos, guiños nostálgicos y situaciones similares mantiene al espectador en la cómoda butaca de lo ya conocido. Todo el diseño de arte, los efectos especiales o la música se pliegan por completo a su referente ochentero, aunque con los avances que permite casi cuatro décadas de desarrollo tecnológico.
ECOS DEL PASADO
Todo esto podría haber sido un fuerte contratiempo para la película (ahí queda las entregas de J.J. Abrams para Star Wars como ejemplo); sin embargo, pasa a convertirse en un importante activo para la película, y es que Jason Reitman, con una cariñosa puesta en escena que no sólo tiene el ADN de su padre, sino del cine ochentero en general, consigue que la película trascienda el concepto de reiteración y se asiente en el terreno del homenaje respetuoso y emotivo.
Cazafantasmas. Más Allá se convierte así en una reunión de antiguos alumnos que vienen acompañados por sus hijos. Los pequeños detalles, los guiños continuos, las referencias sonoras o visuales van marcando un camino de baldosas amarillas que nos guían a lo largo de toda la película y como espectadores seguimos el camino con esa cadencia que nos va engolosinando la vista y el oído hasta llegar a un clímax final donde Reitman Jr sustituye la épica de la original por un sentido de familia con el que es difícil rehuir de la lágrima sentimental y catártica.
LLAMADA RECIBIDA
Es cierto que en la parte central echamos de menos un poco más de crescendo de actividad paranormal y que a la película le falta la pegada que tenía la selección de canciones de la original, pero creemos que en todo lo demás la cinta cumple con nota y crea el puente necesario para poder rescatar (ahora ya sí, por fin) el concepto de Cazafantasmaspara el siglo XXI.
Cuando me preguntan por cómo ha ido la quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, edición 2021, después de respirar hondo y dibujar una inconsciente sonrisa en el rostro (eso me dicen), siempre comienzo por decir que todavía tengo que pellizcarme por los momentos vividos, momentos de gran intensidad, de grandes emociones, en compañía de esa gran familia Calavera que somos y que vamos creciendo cada año un poco más. Que, por supuesto, es un placer inmenso formar parte del engranaje que hace que el festival eche a rodar y poco a poco vaya haciendo historia.
El equipo humano está liderado por Ramón González y Daniel Fumero (de quienes tengo que reconocer y admirar lo certero de las decisiones que toman y la eficacia de las gestiones que realizan de cara a los invitados que vienen cada año). El rostro más visible es el de Vanesa Bocanegra, encargada del gabinete de prensa del Festival, presentadora de las Galas y de algunas pelis, sola o conjuntamente con Miguel Ángel Rodríguez Villar, sin duda el rostro del espacio Charlas de Cine (Miguel es el moderador por excelencia en esos debates cinéfilos que tanto nos gustan y que se programan de manera estable todo el año). Miguel es también, como no, uno de los rostros más visibles del Festival. Miguel y Vanesa son periodistas “de raza”, cuya pasión por el cine inunda el escenario compartido.
La inconmensurable presencia de Laura Nazco en Producción, haciendo labores por todo un equipo, llevando a cabo auténticas hazañas dignas del más épico cantar de gesta, ya sea respecto a gestiones con invitados, vuelos, estancias, comidas, etc. Su talante con los invitados, su mano izquierda para la gestión de situaciones a veces un poco tensas con el público, etc., son absolutamente dignos de elogio.
Todos nosotros, Gerardo, Manu, Cristo, Patricio, Adrián, quien escribe estas líneas, que disfrutamos con nuestras labores de manera apasionada, ya sea como encargados de sala, presentadores, conductores, proveyendo los necesarios servicios jurídicos, el departamento de protocolo encabezado por Sagri Hernández (auténtica artífice del complejo organigrama de colocación de invitados en las galas de apertura y clausura), los encargados del merchandising, con Yurena a la cabeza, técnicos de sonido, con Óscar y Gonzalo, así como el cineasta Gus Torres, al pie del cañón, los conductores Luis y Vivek, de una conducta y una educación exquisitos, conocedores del idioma inglés, muy atentos siempre con los invitados, la importancia de contar con Nerea, presencia importante de apoyo a Laura en labores de Producción o a los conductores, pero solucionando cuestiones de entradas, invitaciones, etc., el personal de Multicines Tenerife (encabezado por los dos gerentes, Fran y Sabino, pero imposible no pensar en Aurora, Quique, Víctor, Iván, Jezabel, Ana, Conchi…), lugar donde las proyecciones y las galas tienen lugar, y un largo etc. de auténticos locos y locas por el cine que remamos siempre en la misma dirección y con una coordinación, compenetración y elegancia que… ha de vivirse y es difícil de explicar sin emocionarse.
Acercándose a la normalidad
Este año 2021, hemos tenido la inmensa fortuna de poder celebrar un Festival lo más parecido posible a como eran estos eventos antes de la pandemia, es decir, con un poco de sabor a la antigua normalidad. El pasado 2020 se tuvo que suspender la cuarta edición en noviembre, debido al rearme pandémico, y se realizó una versión encapsulada en diciembre, el fin de semana siguiente al Puente de la Constitución, de jueves a domingo.
Por supuesto los protocolos han de cumplirse, sin duda, pues salvan vidas, como objetivamente está demostrado. Las mascarillas, la distancia social, y el lavado de manos frecuente, son reglas a mantener, pero la seguridad y la confianza de la sensatez por encima de todas las consideraciones y un absoluto acto de fe en la ciencia, en las vacunas, que, sin la menor duda y de modo objetivo, nos están sacando de esta pesadilla biológica que estamos viviendo, son factores que nunca se descuidan en el protocolo de un festival de estas características.
Para el despliegue de esta maravillosa edición de 2021, hemos regresado con todo: photocall, zona de relax para los invitados a ocupar durante o después de la proyección, con la oportunidad del posado con famosos, siempre con las debidas garantías y en buen alid para con el tiempo y la disposición de todos, así como con la programación del festival, fueron las constantes del evento. Visitas al Mercado Municipal de Santa Cruz, un edificio arquitectónico de más de 50 años de antigüedad, con menús degustación de productos típicos de Canarias para los invitados, y/o almuerzos en restaurantes emblemáticos y cocktails en lugares tan bonitos como el Strasse Park, en pleno Parque García Sanabria, toda una reserva de plantas exóticas en el corazón de Santa Cruz de Tenerife y paseo por el Parque Nacional de Las Cañadas, con parada en miradores, lugares emblemáticos de rodajes en la isla, explicaciones respecto a vida salvaje, anécdotas varias, etc. son parte considerable de la dinámica festivalera de esta edición 2021.
Exposiciones
Este año ha habido nada menos que tres exposiciones vinculadas al Festival:
1. Los Pequeños Monstruos, un recorrido por impactantes presencias del Fantástico y el Terror, donde las maravillosas composiciones de Creaciones Gaudí, o lo que es lo mismo, de Florencio y Alberto, dos auténticos magos del arte del maquillaje y creación de muñecos, proporcionaron un formidable ecosistema para la antesala del fantástico durante los días 19 y 28 de noviembre. Niños nada angelicales y algunas criaturas monstruosas míticas recién nacidas, pero no por ello menos insaciables ni letales, compartieron escenario y posaron con curiosos y el público del festival. Incluso se improvisaron visitas guiadas, principalmente a niños y adolescentes, curtidos y curtidas en mil batallas con estos “angelitos”.
La exposición comenzaba a la entrada, justo donde termina la zona VIP de invitados, con la siniestra Annabelle, la rentable muñeca que se ha convertido por derecho propio en la franquicia más rentable del Universo Warren (que comenzó con la excelente Expediente Warren (The Conjuring, EEUU, 2013), de James Wan), y termina con dos de los siete niños de El Pueblo de los Malditos (Village of the Damned, Reino Unido, 1960) protagonistas del maravilloso filme de culto dirigido por Wolf Rilla, y que tuvo un remake, poco afortunado en mi opinión, por parte del maestro John Carpenter en 1995.
Entre medio, la insaciable planta carnívora Audrey II; las dos gemelas que merodean como almas en pena por el hotel Overlook; el Guardián de la cripta que combate el tedio de la eternidad contando historias un tanto macabras y entre objetos de torturas, risas y moralejas; el revienta pechos que interrumpe una plácida cena en el espacio en Alien, el 8º Pasajero (Alien, EEUU, 1979), de Ridley Scott; el joven celosamente protegido Damien Thorn, reencarnación del demonio, heredero del mal en la Tierra; la joven Reagan, poseída por un demonio ancestral babilónico, que necesita un exorcismo que sale bastante caro para el temeroso padre Merrick de su nuevo encuentro con la criatura demoníaca, son parte de las pequeñas criaturas que probablemente atesoren tantas o más fotografías durante el festival, que nuestros invitados internacionales.
Los Pequeños Monstruos dio lugar a una de las mesas de debate del festival, que tuvo lugar el lunes 22 a partir de las 21.15, en la sala 17, charla de gran atractivo cinéfilo, moderada por Miguel Ángel Rodríguez Villar, con la presencia del escritor especialista en novela fantástica Víctor Conde, el codirector del Festival Daniel Fumero, y Cristo Gil, uno de los grandes fichajes de esta edición del Festival.
2. La segunda exposición vinculada al festival es Las Mil Caras de Paul Naschy, dedicada a nuestro Jacinto Molina, más conocido como Paul Naschy, de quien se está haciendo una inmensa labor de restaurar la inmensa figura cinematográfica de su padre, labor encabezada por su hijo Sergio Molina. Naschy fue muy denostado desde los tiempos de Pilar Miró como directora de la cinematografía patria, empeñada en repudiar aquel cine que según ciertos criterios más que discutibles, no cumplían con los requisitos de calidad exigibles a nuestro cine, criterios que, al mismo tiempo, bloqueaban las ayudas gubernamentales. Afortunadamente, tanto el cine como la figura de Paul Naschy, gozan hoy en día de muy buena salud y del comprensible culto cinéfilo que merece. Siempre es un placer en el seno del Isla Calavera, regresar a su figura, ya sea programando algún filme, como El Regreso del Hombre Lobo(que en 2019, en la tercera edición, contó con la presentación del propio Sergio Molina) o El Huerto del Francés (cuyo pase constituyó uno de los momentos neurálgicos de la cuarta edición del festival, la de 2020, y goza de una elegante e imprescindible edición en formato doméstico), o, como este año, la exposición mencionada, ubicada en el antiguo edificio de la Universidad de La Laguna, La capilla, cargado de tradición institucional lagunera.
La exposición contiene los carteles originales de los estrenos en cine de las películas del artista español, todo un genio del género fantástico. Un trabajo de auténtica orfebrería a la hora de reunir el material por parte de Daniel Fumero, principal implicado en la recopilación de este glorioso homenaje.
La exposición que en un principio iba a estar disponible solo hasta el 3 de diciembre, ha cobrado casi vida propia y va a estar en el Convento de Santo Domingo de la ciudad Patrimonio de la Humanidad hasta el 8 de enero de 2022, en un horario incluso más amplio que el de la capilla, y que permitirá visitas durante la mañana. Desde las 11 a las 14 horas y de las 17.00 a 20.00 horas de lunes a viernes y los sábados exclusivamente en el horario de mañana mencionado. Una oportunidad de oro para recorrer una parte importante de la historia de nuestro cine.
3. La tercera exposición que oferta la quinta edición del Festival Isla Calavera, es la del vehículo del Dr. Who. Con su dispositivo coordinado desde el Festival, con la empresa Canary Pictures Vehicles, Grúas Juanele y la Policía Local lagunera, se ubicó en una zona próxima a la emblemática Plaza del Adelantado de la localidad. El protagonista es la réplica del vehículo utilizado por el personaje del Doctor Who en la mítica serie del mismo nombre.
Reputada serie de televisión británica producida por la BBC, Doctor Who ha sido y es un auténtico fenómeno de masas, no sólo en el Reino Unido, sino también en el mundo entero.
En España, el furor en plataformas, redes sociales, etc. es abismal. Como es sabido, la serie de televisión comenzó su andadura en 1963, prolongándose hasta 1989 de un modo estable. La etapa moderna de la serie comenzó en 2005, y goza de excelente salud en la actualidad con emisión ininterrumpida. El protagonista de la serie es un caballero del tiempo que es conocido como “El Doctor” o “Doctor Who” dependiendo del país de emisión, cuya profesión es nada menos que explorar el universo, pero también el tiempo. En este sentido, el buen doctor salva civilizaciones del mismo modo que resuelve problemas de nuestro pasado, ayudando a los desfavorecidos y corrigiendo injusticias. El vehículo expuesto en el centro lagunero es uno de los instrumentos al servicio del bien en la cruzada espacio-temporal del personaje.
La filmación de algunos episodios, en su más reciente etapa, ha tenido lugar en Tenerife. En concreto, el episodio 3 de la Temporada 12, “Orphan 55”, emitido por la BBC el 12 de enero de 2020, con filmación en la isla durante el primer semestre de 2019 en localizaciones que incluyen el Auditorio de Tenerife, o el Parque García Sanabria capitalinos. La temporada 12 ha sido la última por el momento en emitirse y ha tenido como protagonista a Jodie Whittaker como decimotercer Doctor.
Programación del Festival Isla Calavera 2021
Programación
Este año 2021 el evento creó auténtica sensación entre los fans. Como siempre, una programación de actualidad lidera las exhibiciones en la gran pantalla, a través de una sección oficial de largometrajes y de cortometrajes a concurso, con un jurado en cada modalidad.
Secciones Panorama, de Clásicos y Documentales de interés para el género complementan la oferta cinematográfica.
En esta edición, el festival contó con cuatro salas: las ya tradicionales 17 y 6 (ésta última retransmite los eventos que en directo ocurren en la 17) y la Sala Salvaje, ubicada en la 16 de Multicines Tenerife (con la 7 de apoyo), con programación gratuita previo canje de invitación por entrada en taquilla.
Algunas mañanas, las visitas de los colegios, con pases a precios muy especiales para los niños, y la posibilidad de charlar sobre las películas al final, dejó muy buenas sensaciones entre los peques. La Sombra (The Shadow, EEUU, 1994), de Russell Mulcahy, y El Secreto de la Pirámide(The Young Sherlock Holmes, EEUU, 1985), de Barry Levinson fueron los filmes elegidos para difusión de la cultura cinéfila entre los más pequeños.
Carlos Areces
Nuestro embajador Carlos Areces formó parte de la andanada de visitantes ilustres. Amigo del Festival, actor, coleccionista, contertulio de excepción – recordamos vivamente su intervención en la mesa de Posesión Infernal (Evil Dead, EEUU, 1981), el filme de culto de Sam Raimi en la edición del Festival del año 2018- nos visitó nuevamente.
Realmente cualquier excusa para él es válida para visitar el entorno de nuestro Festival. Ramón González Trujillo entrevistó al protagonista de Balada Triste de Trompeta (España, 2010), de Álex de la Iglesia, y éste aceptó el reto, contando anécdotas muy jugosas, provocando muchas risas, compartiendo interesantes reflexiones sobre temas varios… llegando incluso el entrevistador a preguntarse en voz alta cómo no le habían entrevistado antes tan abiertamente.
Esta distendida charla-entrevista tuvo lugar en la sala 17 el martes 23 de noviembre, a partir de las 21.45 horas.
En otro momento del Festival, en la misma sala 17, el sábado 27 de noviembre a partir de las 11:00 horas de la mañana, Cristo Gil realizó a Carlos Areces otra brillante entrevista, esta vez focalizada al documental Mrs. Deathy a su libro de colección de fotografías post mortem, una costumbre ancestral, necesaria en ciertas civilizaciones, y muy negada por la nuestra, que reniega de la muerte como algo natural y consustancial a la vida.
Presentación del libro Post Mortem Collectio Carlos Areces.
Carolina Bang y otros invitados
La actriz y productora Carolina Bang, recibió el premio SS Venture por su difusión como canaria del género fantástico en el mundo. Carolina compareció al Festival acompañada del realizador Álex de la Iglesia.
El productor Enrique Pérez Lavigne, acompañado de Marta Medina del Valle, y el realizador Paco Plaza, con quienes disfrutamos el inmenso honor de ver en auténtica primicia (el estreno regular en salas está previsto para el 5 de enero de 2022), el digámoslo ya formidable filme La Abuela, fueron una porción considerable de la embajada del cine español al festival.
El pase del más reciente filme de Paco Plaza, que tuvo lugar el sábado 20 a partir de las 18.00 horas, en la Sala 17, fue seguido de entrevista al realizador y productor, magníficamente llevada por Miguel Ángel Rodríguez Villar y con intervención de contertulios de excepción desde la bancada del público como el propio Álex.
En sala, el público asistente en general coincidió en lo inspirado y bien pensado que está el filme. La Abuelatratando un tema muy de candente actualidad, el deterioro cognitivo que asola a gran parte de nuestros ancianos, llevado a la deriva fantástica, como es obvio, con una actriz excepcional en el fantasmagórico personaje del título, la brasileña Vera Valdez, que prometió mantenerse con vida durante el confinamiento para terminar de rodar la película.
La segunda colaboración entre Pérez Lavigne y Paco Plaza tras Verónica(España, 2017), marca un punto importante de colaboración entre ambos, que ya anunciaron que no será ni mucho menos el último. Habrá que esperar para conocer cuál es el siguiente proyecto de ambos. El filme será debidamente reseñado en estas páginas.
Víctor Matellano, otro de los grandes amigos del Festival, presente desde la primera edición allá por el 2017, como no, hizo su hueco para comparecer a esta quinta edición del festival. Escritor, documentalista, director de cine, experto en el género fantástico y en el fanta terror español en particular, como pocos, no sólo compareció y estuvo en algunas de las mesas del festival, sino que nos trajo su más reciente filme, Mi Adorado Monster (España 2021), que se exhibió en la sala 17, el sábado 27 a partir de las 16.00 horas, en una sesión-encuentro íntimo, muy auténtico y campechano y decididamente entrañable, con la presencia de Matellano, Manuel Tallafé y Arturo de Bobadilla.
Matellano recibió premio de honor del Festival, que dedicó a su padre, quien le insufló la afición por el cine, pues participó como extra en algunas películas rodadas en España.
Momentos zombie
Por supuesto, el festival tuvo su momentazo zombie. El jueves 25 de noviembre, se pudo ver el excelente filme clásico de Jorge GrauNo profanar el Sueño de los Muertos (España-Italia, 1973) en una magnífica copia restaurada, proyectado en las sala 17 y 6. El pase contó con la presencia del gran José Lifante, uno de los actores del filme, quien tuvo el arrojo de posar con aplomo en el photocall con la horda zombie del festival.
Lifante estuvo en el debate posterior al pase del filme, que contó con el lujazo de una conexión vía streaming con Carlos Grau, el hijo del realizador. Un filme de zombies que nada tiene que envidiar, en mi opinión, a las grandes películas del género, o subgénero dentro del Terror.
El Festival tuvo otro momento para los No muertos, con el pase del filme venezolano Infección(Venezuela, 2019), un filme muy muy interesante, dirigido por Flavio Pedota que contiene algunos impactos más que solventes, y un torrente de auténtica mala baba en contra del régimen de Nicolás Maduro. El filme de Jorge Grau será debidamente reseñado en estas páginas.
Lifante acudió al Festival con una importante legión de nombres de la filmografía hispana. Los actores Manuel Tallafé, Arturo de Bobadilla, el realizador Alejandro Ibañez, hijo del mítico Narciso Ibáñez Serrador, Juanma Buitrón, protagonista de Jacinto(España, 2021) (mejor filme para el Jurado del Isla Calavera 2021), y concejal de su pueblo en Galicia, cuando el cine le deja horas libres. El director de este divertidísimo filme, Javier Camino, también estuvo por las salas del festival.
Además, compareció parte del equipo de La Pasajera (España, 2021) con el actor Ramiro Blas, y el codirector del filme, Fernando González Gómez, que presentaron juntos uno de los pases del filme. El otro pase fue presentado en solitario por Ramiro, que obtuvo el Premio Isla Calavera al mejor actor por su memorable personaje.
Dave y Lou Elsey
Desde el comienzo del festival, hasta su culminación, estuvieron entre nosotros los maquilladores y expertos en Efectos de Maquillaje el matrimonio Elsey, Dave y Lou Elsey, de nacionalidad británicos y residentes en Londres. Dave y Lou acudieron a la primera rueda de prensa celebrada en el Hotel Mencey la mañana del viernes 19, donde fue un inmenso placer conocerlos. Ambos presentaron en la Gala de Apertura, esa misma noche, su maravilloso cortometraje a concurso, Stay Alert, filmado durante el confinamiento, protagonizado por Nicholas Rowe, otro de nuestros invitados-estrella de la V edición de 2021.
Aparte de ser unos seres humanos excepcionales, fue un auténtico placer y regocijo compartir veladas y conversaciones cinéfilas con el matrimonio Elsey. La modestia a la hora de compartir anécdotas, reflexiones y su exhaustivo conocimiento cinéfilo, permite hablar con ellos con la misma solución de continuidad de los filmes de Bud Spencer y Terence Hill, con la saga Trinidad a la cabeza, de La Maldición del Hombre Lobo (The Curse of the Werewolf, Reino Unido, 1961) de Terence Fisher, un filme que Dave idolatra como una clara fuente de inspiración.
Las conversaciones se extendieron a hablar de realizadores como Walter Hill, Quentin Tarantino y su reciente novela ambientada en el mundo de Érase Una Vez en Hollywood, sobre el realizador tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo -habían visto Intacto(España, 2001), con Max Von Sydow, y por supuesto 28 Semanas después (28 Weeks Later, Reino Unido, 2007)-; sobre James Wan, a quien conocen personalmente, hablando maravillas de Maligno(Malign, EEUU, 2021), o acerca de novedades en la cartelera, como Última Noche en el Soho(Last Night in Soho, EEUU, 2021), de Edgar Wright.
Los Elsey llevan trabajando para la industria de Hollywood desde los 80 y los 90. Dave, a quien le gustó muchísimo la recreación de la planta Audrey II en el hall de los cines, en una de esas veladas compartidas con ellos, nos comenta que comenzó en el mundo del cine con el filme La Tienda de los Horrores (Little Shop of Horrors, EEUU, 1986), la versión musical de Frank Oz de esta macabra historia, que ya había sido llevada al cine por Roger Corman en los años 60.
Dave nos recordó que intervino en algunas secuencias con el dentista encarnado por Steve Martin. Los planos desde el interior de la boca, la creación de la lengua de la planta, o la secuencia en la que Audrey agarra al dentista y contesta el teléfono, son parte importante del trabajo de Dave en ese filme.
Dave obtuvo el óscar por su espectacular labor de maquillaje del filme de Joe Johnston, El Hombre Lobo(EEUU, The Wolfman, 2010), protagonizada por Benicio del Toro.
Preguntada a Lou por cual fue su primer trabajo en el cine, su respuesta fue tan amigable, como es ella, en su cordial y entusiasta tono de voz, como monosilábica: Braveheart(EEUU, 1995), de Mel Gibson. Lou intervino profesionalmente en la secuencia del choque de caballos, es decir, en articular todo ese plano que refleja el choque de las huestes de las fuerzas británicas y escocesas.
Lou y Dave colaboraron juntos en algunas secuencias de La Venganza de los Sith (Revenge of the Sith, EEUU, 2005) el cierre de la trilogía-precuela de la saga original de Star Wars, y dirigida enteramente por George Lucas. Ambos acudieron a algunas sesiones del Festival, como espectadores más. Los pases de Demonic(Canadá, 2021), de Neill Blomkamp, y Atrapados en la Oscuridad (Coming Home in The Dark, Nueva Zelanda, 2021), de James Ashcroft (premio Isla Calavera al mejor director), contaron con su presencia en salas. El cortometraje Stay Alertserá debidamente reseñado en estas páginas.
En el ecuador del Festival, el filólogo hispanista, auténtico gentleman y actor Nicholas Rowe hizo el tremendo esfuerzo de volar hasta Tenerife, compartir una velada con nosotros, presentar el miércoles 24 de noviembre, la mencionada El Secreto de la Pirámide, para luego compartir en la sala 17 (retransmitida en la 6) con el público una charla y una serie de reflexiones, muy bien conducida por Manuel Díaz Noda.
Seguidamente, Nicholas tomó un avión de regreso a Inglaterra, don0de le esperaba su nuevo plató de rodaje. Una persona absolutamente encantadora y abrumada por el éxito del pase de su filme, y por la legión de fans que tiene. En una pequeña entrevista concedida a las periodistas Marta Torres y Maya Bencomo, Nicholas comentó: «La cosa es que ha sido una sorpresa maravillosa y yo he disfrutado esta noche muchísimo. Subir a ese escenario con gente que realmente disfruta la película, y luego se quedan, y la sesión de preguntas y respuestas ha sido muy agradable. Ellos querían un poco más del filme, así que lo he disfrutado y eso me recuerda realmente lo especial que es, así que gracias a todo el mundo aquí«.
El Isla Calavera proporcionó un reencuentro que fue muy sentido, el de Nicholas con los directores del mencionado cortometraje Stay Alert. En la zona de rélax para los famosos, los tres compartieron refrescantes impresiones, para deleite de los que pudimos estar y escuchar e intervenir en la conversación. Los Elsey comentan que fue un placer dirigir a Rowe, y que es una persona tan atractiva, que, como su personaje en el filme era tan detestable, era necesario “afearlo” de mil maneras, con la iluminación, el cambio de lente de la cámara, etc. y así lograr el deseado efecto de trasmitir lo que encierra el personaje.
La presencia de la actriz Aïda Ballman, nacida en la isla de El Hierro, de madre alemana, una joven cosmopolita, miembro del Jurado de Largometrajes, fue muy glamurosa y de presencia agradecida en el entorno del festival. Con ella acudió la realizadora y guionista madrileña Génesis Lence. Ambas traían el cortometraje Cinco minutos, un trabajo más que notable, que reseñaremos. Algunos de sus pases contaron con su presencia y presentación. La realizadora tuvo la oportunidad de comentar su trabajo nada menos que con los Elsey, quienes delante de la privilegiada mirada de quien escribe estas líneas, le preguntaban por las claves de su trabajo.
También fue celebrada la presencia del joven actor Norberto Trujillo, protagonista de Johan(España-Argentina), el modélico filme de Santiago Tamagnone, quien también paseó su larga figura por los entornos festivaleros. Norberto, aparte de colaborar en el espacio Charlas de Cine, lleva el timón de esos pequeños, pero muy jugosos, clips denominados Inside Charlas de Cine que tanto éxito están teniendo en redes, sobre las bambalinas que se cuecen en cada uno de los actos cinéfilos que tienen lugar durante el año. El filme de Tamagnone será debidamente reseñado en estas páginas.
Neil Marshall y Charlotte Kirk
Y llegó el día de saludar y recibir personalmente al realizador y guionista Neil Marshall, y a la actriz, productora y guionista Charlotte Kirk. Se me había asignado la labor de ser Personal Assistant de ambos, lo que significa ser el punto de conexión entre ellos y el festival, atenderles, facilitarles la estancia, plantearles las opciones de visitas, ayudarles a cumplir sus objetivos con la visita, etc. Desde el comienzo, tuve conmigo mismo una profunda lucha personal-intento de autocontrol. Tenía que tratar de evitar parecer ese “incontinente” admirador del trabajo de Marshall, y de emitir un halago cada tres palabras. Tengo que reconocer que me costó muchísimo, pues soy un absoluto fan del trabajo de Marshall.
Sus filmes The Descent (Reino Unido, 2006), Centurión(Centurion, Reino Unido-EEUU, 2010), Doomsday: El Día del Juicio (Doomsday, Reino Unido, 2008) y series como Juego de Tronos, y su capítulo Blackwater, cuyo motor del episodio es ese asedio a Desembarco del Rey capitaneado por el villano Stannis Baratheon (memorable Stephen Dillane), en el penúltimo episodio de la segunda temporada, me parecen ejercicios de cine de acción y aventuras absolutamente memorables.
Profesionalidad, ante todo, me decía constantemente. En 2020, en la sala 17 de Multicines Tenerife habíamos visto The Reckoning, el primer filme que ambos invitados han filmado juntos. Marshall había enviado un emotivo vídeo de presentación, que se reprodujo con carácter previo al pase del filme. Por culpa de la pandemia no pudieron estar en esa cuarta edición, pero este año esa situación ha tenido un muy atractivo “ajuste de cuentas” con esa carencia pasada.
Neil Marshall, Charlotte Kirk y Manuel García de Mesa en Isla Calavera 2021.
Charlotte es una persona muy vital, muy entusiasta, muy preocupada con cuestiones como el cambio climático, por la vida sana. Portadora de esa actitud gratificante de quien desea saber cosas y aprender, la actriz pregunta mucho y se interesa por casi todo, por el Festival, por las islas, por los cuentos y leyendas canarias, acerca de nosotros, del equipo, etc. Consciente de su posición de influencer en la red social Instagram (marea su considerable número de seguidores), disfrutaba plenamente con la idea de obtener fotografías y de grabar videos de lo que ocurría, para compartir con sus seguidores, o para su propia colección audiovisual.
Neil Marshall es un poco más introvertido, un poco más serio, pero definitivamente encantador cuando entra en confianza. Le encanta hablar de su trabajo y preguntaba mucho por las localizaciones de famosas filmaciones. Muy interesados en ver localizaciones isleñas, se pudo organizar sobre la marcha una visita por edificios emblemáticos de La Laguna el día de su rueda de prensa y previa recepción por parte del alcalde de la ciudad.
La visita guiada en inglés por los majestuosos y coloniales edificios laguneros, por parte de Natalia, guía profesional por parajes laguneros, fue algo crucial e inesperado que les proporcionó muchísima información valiosa para ellos. Del mismo modo, y siempre conectados a las inclemencias meteorológicas, se pudo organizar igualmente un paseo por el Parque Nacional del Teide, donde el tiempo no acompañó demasiado, pero los invitados pudieron contemplar el Bosque de Pinos de Las Lagunetas en La Esperanza, por ejemplo.
Hubo buena oportunidad para hablar con ellos de cine en general, de sus planes, de filmes que les gustan (Marshall me confesó su pasión por The Warriors, el filme de Walter Hill), o de sus películas. Así, Marshall comentó, por ejemplo, que The Reckoning fue filmada en Hungría en uno de los veranos más calurosos que se recuerdan, por lo que tuvieron que echar mano de rain effects, para las constantes secuencias de lluvia que pueblan el filme. Ambos forman un tándem que nos dará muchas alegrías cinéfilas y funcionan muy coordinados y al unísono en la toma de decisiones. Sería irresistible la carencia de reseña cinematográfica de The Descenten estas páginas.
Carlos Areces le confesó a Marshall su admiración por su visión de Hellboyen su filme de 2017 sobre el personaje creado por Mike Mignola, y por Centurión, una película que le encanta. En esta edición del Isla Calavera, además de ver el tráiler de The Reckoning, vista, como decimos, el pasado año (un filme excelente, que incomprensiblemente carece de estreno en salas españolas y en formato doméstico hay que comprar en el extranjero), pudimos ver como exclusiva mundial, el teaser de La Guarida (The Lair, Reino Unido-EEUU, 2022), el nuevo filme que reúne a Marshall con Charlotte en labores de producción y guionistas, donde él como realizador y ella como actriz, volverán a demostrar ese memorable tándem que ya son.
Ambos acudieron a la sala 17, al pase de The Descent, para quien esto escribe, el mejor y más intenso filme de Marshall hasta la fecha. Vieron la película, y posteriormente la presencia del propio realizador en el escenario, parta hablar sobre el filme, y la posterior incorporación de Charlotte Kirk, que expresó algunas ideas muy interesantes sobre la concepción de The Reckoning, enriquecieron un debate memorable.
Por supuesto, como no puede faltar en ningún festival de cine fantástico que se precie de serlo, hubo un “Momento Nicolas Cage desatado”. Prisoners of The Ghostland (EEUU, 2021), de Sion Sono, es el (casposo pero disfrutable) producto presentado este año por el actor, y que ha hecho una ruta festivalera, que comenzó en el Festival de Sundance, y que en España comenzó por Sitges. El filme constituye un híbrido entre el primer filme de culto sobre Snake Plissken, el Serpiente de John Carpenter, la saga Mad Max de George Miller, o Los Nuevos Bárbaros (I Nuovi Barbari, conocida internacionalmente como Metropolis 2000: The New Barbarians-Warriors of the Wasteland, Italia, 1983), de Enzo G. Castellari (por cierto, invitado al festival en la segunda edición del Isla Calavera, es decir, la de 2018).
El primer pase del filme en la sala 17, justo después de La Abuela, contó con la presencia de Paco Plaza y Enrique Pérez Lavigne, que se quedaron a disfrutar con los delirios del personaje de Nicolas Cage y su particular traje de cuero para esta extravagante aventura fílmica. Un filme en definitiva que no decepcionó a sus fans, que aplaudían efusivamente desde la presentación, y que interrumpían al grito “¡hay que traerlo!” sugiriendo su presencia en el Festival en futuras ediciones. Habrá que tener en cuenta tamaña petición.
Por lo tanto, mi conclusión siempre que hablo del Isla Calavera 2021 es muy sencilla, que no simple: sesiones de cine, charlas, posados, paseos, viajes en coche, conversaciones distendidas con famosos y famosas, risas, almuerzos, cenas, mucha complicidad, nuevas amistades con gente que admiras y estrechar lazos con tu familia cinéfila desde 2014 ¿qué podía salir mal?
Edgar Wright es un director postmoderno, cuyo cine bebe siempre de fuentes externas, que gusta de decontruir y reconvertir a su propio discurso. Sus primeras películas llevaban a cabo este proceso de una manera inofensiva, jugando con el terreno de la parodia para buscar el punto de originalidad y de atracción del público. Zombis Partyy Arma Fatal eran dos comedias divertidísimas, pero cuyas propuestas dependían de su material de partida, básicamente, el cine de zombis de George A. Romero y el actioners de los ochenta en su faceta más Joel Silver.
EL ILUSIONISTA
Scott Pilgrim contra el Mundo cambió el rumbo de su filmografía. La libertad estilística que le permitió abordar esta conjunción de comedia adolescente, videojuego, comic y videoclip dio pie a un tratamiento absolutamente cohesionado y magistral de la planificación, la fotografía, el montaje, los efectos visuales, el sonido y la música. Sí, básicamente eso debería ser el cine, un arte audiovisual conjunto, sin embargo, no es habitual encontrar una integración tan orgánica de todos los elementos de manera que la ausencia o la asincronía de uno sólo de estos aspectos hace que el castillo de naipes se desmorone irremediablemente.
Baby Driver, el anterior trabajo del director (tras el parón que supuso su abortado trabajo para Marvel en Ant-Man), afianzó estos componentes, ésta vez con el thriller y el subgénero de atracos como telón de fondo, dejando para el recuerdo unas alucinantes secuencias automovilísticas.
Ahora el director nos ha presentado su última genialidad, Última Noche en el Soho, una propuesta rabiosa y atrevida, donde Wright combina el suspense hitchconiano con los excesos estilísticos y narrativos del Giallo, añadiendo algunos elementos polanskianos. La cinta nos presenta una historia de Doppelgängers, saltos en el tiempo, realidades paralelas y fantasmas que es a partes iguales hipnótica y terrorífica, jugando en todo momento con las expectativas del espectador y ofreciendo una montaña rusa narrativa y sensorial.
DE ENTRE LOS MUERTOS
Estamos ante una película con un guion lleno de giros, de personajes que no son lo que parecen, con situaciones que cambian de color continuamente y cuyo principal objetivo es zarandear al espectador en todo momento, sin dejarle un momento de respiro. Sin embargo, como en otras películas de Edgar Wright, aquí lo importante no es tanto lo que te cuenta (que no está carente de interés y tiene muchas lecturas), sino el cómo te lo cuenta, hasta tal punto que uno se plantea qué vino primero, las situaciones que te presenta o los trucos de prestidigitador que emplea para contártelo.
Al igual que otros cineastas de corte postmoderno, aunque Wright eche mano de algunas localizaciones reales, lo suyo es crear un constructo artificioso, que bebe más de la memoria cinéfila que de la búsqueda de un realismo naturalista. El Londres de Eloise, la protagonista, es una ilusión idealizada del pasado, construida no por un conocimiento real del entorno, sino por la estilización del espacio efectuada a través de la moda, el cine o la música de los años 60 y así nos es trasladada a los espectadores. Pero esto no es únicamente válido para los saltos al pasado de Eloise, sino también para la representación del presente, y cuando el terror empieza a imponerse, la escenificación de los pesadillesco adquiere también un valor artificioso, que nos retrotrae a nuestra memoria cinéfila.
La construcción de espacios, el uso del color, lo recargado de la fotografía nos retrotrae a Vértigode Alfred Hitchcock, referencia obligada ante la doble naturaleza de los personajes femeninos marcados por el halo del destino. Sin embargo, en la progresión narrativa, Wright va desproporcionando más y más los rasgos de su puesta en escena, adquiriendo valores cada vez más grotescos y aberrantes, ofreciendo un itinerario cinéfilo que conecta aquel Hitchcock con su relectura desfigurada de Dario Argento (viniendo a sumarse a Malignoen cuanto a su homenaje al Giallo italiano).
Última noche en el Soho
DOPPELGÄNGERS
En la cinta Eloise conecta con Sandie y, aunque se trata de dos personajes prácticamente opuestos (la timidez de la primera contrasta con la exultante personalidad de la segunda), se genera un proceso de asimilación y mutación, a medida que la protagonista pretende transformarse en esa imagen empoderada que le llega del pasado. Última Noche en el Soho se convierte así en una película con una lectura “#metoo”, aunque la derivación acabe resultando muy distinta de la que el espectador pueda suponer en un primer momento.
Para esto, era fundamental encontrar a dos actrices que pudieran encarnar estos dos estereotipos femeninos y darles una dimensión humana y dramática. Thomasin McKenzie suma así un nuevo escalón en su emergente carrera tras JoJo Rabbit y Tiempo, bordando la apocada y temerosa personalidad de Eloise; mientras que Anya Taylor-Joy revalida su posición como nueva reina del cine moderno gracias a un papel que le permite desplegar todo su carisma y fotogenia en pantalla. La metáfora del espejo para reflejar la relación simbiótica entre ambos personajes no es nueva, pero la forma en la que Wright juega visualmente con el contraste y a su vez la conexión entre ambos personajes es absolutamente magistral.
Ambas lideran con fuerza la historia, aunque encuentran una poderosa réplica en los roles masculinos interpretados por Matt Smith y Terence Stamp. El primero, junto con Taylor-Joy, desborda presencia y carisma en pantalla, aportado un rol inquietante, pero seductor a su papel de Jack; mientras que el segundo sigue demostrando a sus 83 años una fotogenia en pantalla y una fuerza interpretativa absolutamente hipnótica. A esto hay que agradecerle a Edgar Wright que le concediera a la maravillosa Diana Rigg un espléndido papel de despedida (la película tiene el fúnebre honor de ser el último trabajo de dos actrices icónicas de los 60, ambas también chicas Bond, Rigg y Margaret Nolan).
Última noche en el Soho
BAILANDO EN EL RIALTO
Como decíamos al principio, la cohesión de la planificación, la fotografía, el montaje, los efectos visuales, el sonido y la música en el cine de Edgar Wright es una de las señas de identidad del cineasta. En Última Noche en el Soho, el director vuelve a subir el listón, construyendo algunas secuencias que son una auténtica filigrana por el virtuosismo con el que logra construir un discurso narrativo desbordante y barroco, jugando en todo momento con la percepción del espectador.
Como había demostrado en Scott Pilgrim contra el Mundo y Baby Driver, la cuidada selección de canciones no es gratuita, sino que funciona a diferentes niveles. Por un lado, son todos temas de la época, musicalmente son el esqueleto de las secuencias en las que participan y además, en sus letras se esconden muchas pistas sobre los personajes y el desarrollo de la historia.
Es cierto que no todo es perfecto en la película y que hay elementos que manchan un poco el resultado final. No se puede evitar identificar algunos personajes vacíos o mal desarrollados, que además coinciden con las interpretaciones menos logradas del conjunto. Los personajes de John (Michael Ajao) y Jocasta (Synnove Karlsen) resultan planos y tediosos, desmerecedores de compartir trama con un conjunto de protagonistas de campanillas. A esto se suman algunos pequeños personajes de aparición muy breve, y de nula trascendencia en la trama, que perfectamente se podían haber obviado. Por otro lado, encontramos un pequeño paréntesis en la película superado el hemisferio de la trama, donde, sin bajar el listón en cuanto a puesta en escena, lo cierto es que la historia entra en una cierta indefinición que afecta al ritmo de la narración. Afortunadamente, es algo muy breve y circunstancial y rápidamente Wright recupera la historia y la conduce con pulso férreo a su clímax final.
Esto último son pequeñas fallas que no malogran en absoluto la brillantez del conjunto. En nuestra opinión, Última Noche en el Soho mantiene la línea ascendente dentro de la filmografía de Edgar Wright, confirmándole como un cineasta de un extraordinario dominio de los recursos audiovisuales y con un profundo conocimiento y cariño cinéfilo, especialmente en lo que se refiere al cine de género y, más concretamente, al fantástico.
El festival de cine independiente de Sundance tiene su origen en el Utah Film Festival que surgió en el año 1978 enfocado a la proyección de películas antiguas, retrospectivas y un encuentro de realizadores. Pronto abrió sección a concurso para descubrir talentos emergentes, tanto en el ámbito del largometraje y el cortometraje de ficción, como del documental.
Con la aparición de Robert Redford y su Instituto Sundance para jóvenes cineastas, y su fusión con el certamen, surge una nueva era para la iniciativa que durante las últimas dos décadas ha servido de rampa de lanzamiento a grandes cineastas y producciones de interés. En este sentido, su celebración, el primer mes de cada año, establece el pulso en cuanto a tendencias cinematográficas, y en el marco del género fantástico no se queda atrás. Dentro de su programación, han sido descubiertos en ediciones anteriores títulos imprescindibles como Hereditary, Mandy, Relic, Assassination Nation, Babadooko Possessor.
Esta semana la organización del Festival, que dirige Tabitha Jackson, ha desvelado su selección de títulos, escogidos entre un total de 14.849 inscripciones, más de 3.700 de formato largometraje.
El cine fantástico, aunque también participa en otras secciones, tiene su principal refugio en el apartado denominado “Midnight” (“Medianoche”), que abarca desde el terror a la comedia negra, y que este año ofrece seis estrenos mundiales, cuatro de ellos dirigidos por mujeres.
Babysitter, de Monia Chokri.
BABYSITTER, de Monia Chokri
La actriz y directora canadiense Monia Chokri firma y protagoniza Babysitter, su segunda película tras el drama La femme de mon frère(2019). El filme cuenta la historia de Cédric, quien después de que una broma sexista se vuelva viral, pierde su trabajo y comienza un viaje terapéutico para recuperar su vida; pero la aparición en escena de una misteriosa niñera agitará aún más la situación.
Óperas prima
Además, se presentarán tres óperas primas: Fresh, Hatchingy Cerdita. La primera, de producción estadounidense, es el debut en el largometraje de la cortometrajista Mimi Cave, quien pone sobre la mesa los horrores de las citas modernas a través de la lucha de una joven para sobrevivir a los apetitos inusuales de su nuevo novio.
Hatching(Pahanhautoja) es la primera película de la finlandesa Hanna Bergholm. Su original planteamiento cuenta la historia de una joven gimnasta que mientras intenta complacer a su exigente madre, descubre un extraño huevo, cuyo contenido sorprenderá a todos.
Cabe destacar la presentación en Sundance del crudo thriller rural producido por la compañía española Morena FilmsCerdita, dirigido por Carlota Pereda e inspirado en su cortometraje homónimo, que le valió numerosos galardones nacionales e internacionales, entre los que se encuentran los premios Goya y José María Forqué. Esta versión extendida de Cerdita, rodada íntegramente en Extremadura, está nuevamente protagonizada por Laura Galán, junto a Richard Holmes y Carmen Machi, entre otros. Una historia de venganza alrededor de Sara, para quien el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pueblo.
Speak no evil (Gæsterne), de Christian Tafdrup
SPEAK NO EVIL y el documental MEET ME IN THE BATHROOM
La selección de medianoche se completa con el thriller de terror danés Speak no evil (Gæsterne), de Christian Tafdrup, y el documental Meet me in the bathroom, de producción inglesa y codirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, inspirado en el libro de la periodista musical Lizzy Goodman sobre el renacimiento de la escena del rock en Nueva York tras el 11s.
Final cut, de Michel Hazanavicius.
FINAL CUT
Fuera de este apartado especializado, es necesario resaltar varios títulos, como la première de la película de zombis francesa Final Cut (Z. Comme Z), escrita y dirigida por Michel Hazanavicius, premio Óscar al mejor director por The Artist (2011). Se trata del remake europeo de la sorprendente cinta japonesa One cut of the dead(2017), escrita y dirigida por Shin’ichirô Ueda, que a partir de un presupuesto de 25.000 dólares superó en recaudación los 25 millones.
Además, se podrá ver de la mano de Focus Features el thriller sobrenatural sobre brujería You won’t be alone, protagonizado por Noomi Rapace (Lamb) y Alice Englert (El poder del perro). Está dirigida por Goran Stolevski, también en su debut en la dirección. Su estreno en salas comerciales está previsto para el 1 de abril de 2022.
You won’t be alone, con Noomi Rapace.El Festival de Sundance tendrá lugar entre el 20 y el 30 de enero de 2022, con posibilidad de seguimiento online y presencial.
La exposición original ‘Las mil caras de Paul Naschy’, desarrollada en el marco de la quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, podrá verse hasta el próximo 8 de enero en el antiguo Convento de Santo Domingo de La Laguna. El espacio histórico, catalogado como Bien de Interés Cultural, ofrecerá estas navidades la muestra fotográfica y de carteles cinematográficos dedicada a Jacinto Molina Álvarez (1934-2009), mito del Fantaterror español, conocido artísticamente como Paul Naschy.
El horario de la exposición de lunes a viernes es de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas. Los sábados también está disponible en horario de mañana. La visita es de entrada gratuita. Esta actividad cuenta con la colaboración de la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna.
Paul Naschy participó como actor en más de cien películas, en cuarenta como guionista y firmó catorce como director, con títulos tan destacados como ‘El huerto del francés’ (1978), ‘El aullido del diablo’ (1988). El legendario cineasta, campeón de halterofilia en España en el año 1958, se convirtió en el hombre lobo del fantaterror y dio vida a otros personajes como el Conde Drácula, la Momia o el Jorobado.
La muestra está avalada por la familia de Naschy a través de su hijo Sergio Molina y recorre su filmografía a través de pósters originales de películas emblemáticos como ‘La furia del hombre lobo’ (1972), ‘Exorcismo’ (1975) o ‘El retorno del hombre lobo’ (1981) y una selección de fotografías, muchas inéditas, que ilustran su papel en el género de terror de producción española. La colección de instantáneas, cedidas desde el archivo personal del artista, incluye fotogramas e imágenes captadas durante el rodaje de largometrajes como ‘La marca del hombre lobo’ (1968), ‘Doctor Jekyll y el hombre lobo’ (1972), ‘El jorobado de la Morgue’ (1973) o ‘El retorno de Walpurgis’ (1973).
‘Las mil caras de Paul Naschy’ no solo es un homenaje del Festival Isla Calavera a este icono del cine fantástico español, sino una reivindicación de su figura para que su importancia en el género sea conocida por nuevas generaciones de aficionados.
Exposición ‘Las mil caras de Paul Naschy’
Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera celebra cada año en el mes de noviembre su edición anual, con secciones oficiales a competición de largometrajes y cortometrajes, muestra de trabajos de nueva creación de ficción y documental y recuperación de clásicos del género fantástico. Además, incluye actividades paralelas que abarcan encuentros profesionales dirigidos a la industria audiovisual y acciones didácticas, que incluyen exposiciones, mesas redondas y presentaciones.
El Festival Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, y en su quinta edición, celebrada en noviembre de 2021, contó con el patrocinio del Cabildo de Tenerife, el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Canary Islands Film, Sociedad de Desarrollo del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna, Tenerife Film Commission, el Consorcio de la ZEC y el Ministerio de Cultura y Deporte; y la colaboración de numerosas entidades privadas.
