Basada en la novela gráfica de Santiago García y Luis Bustos, la nueva serie dirigida por Eugenio Mira (Grand Piano), creada y guionizada por Sara Antuña y Carlos de Pando para HBO Max, se estrenará en Fantastic Fest de Austin y pasará por el Festival de Sitges 2022 antes de su estreno en otoño en la plataforma de VOD.
Nueva imagen y cartel de JAULA, thriller psicológico con Elena Anaya de estreno en septiembre
Sony Pictures España presenta una nueva imagen y el cartel oficial de Jaula (anteriormente conocida como La casa de tiza), primer largometraje de Ignacio Tatay, que cuenta con un espectacular reparto encabezado por una de las actrices más internacionales de nuestro país y ganadora de un Premio Goya Elena Anaya (La piel que habito, Hierro), acompañada de Pablo Molinero (El verano que vivimos), Carlos Santos (Historias para no dormir: Freddy, Lo dejo cuando quiera), Eva Llorach (Quién te cantará), Esther Acebo (La casa de papel) y Eloy Azorín (La edad de la ira), con la presentación de la actriz Eva Tennear.
Jaula está producida por Pokeepsie Films (Banijay Iberia), la productora de Álex de la Iglesia y Carolina Bang y llegará a las salas de cine el próximo 9 de septiembre de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia.
Sinopsis de JAULA
Paula (Elena Anaya) y su marido (Pablo Molinero) regresan en coche de una cena. Repentinamente, se topan con una niña (Eva Tennear) deambulando sola por la carretera. Dos semanas más tarde, tras conocer que nadie la reclama, deciden acogerla en su casa temporalmente y así también dar un giro a su vida de pareja. No será fácil, ya que la niña vive obsesionada con la fantasía de un monstruo que la castigará si sale de un cuadrado de tiza pintado en el suelo. Tras el fuerte vínculo que crean ambas, Paula iniciará un viaje por caminos oscuros para intentar descubrir el enigma del pasado de la niña.
LA PIEDAD de Eduardo Casanova, Mejor Película Internacional en el FANTASIA de Montreal
La Piedad, dirigida por Eduardo Casanova, ha sido laureada con el premio Silver Audience Award a Mejor Película Internacional en el Festival Fantasia de Montreal. Con este galardón ya son dos junto al Premio Especial del Jurado del Festival Internacional de Karlovy Vary el pasado 9 de julio, los que confirman el gran éxito de La Piedad en el inicio de su recorrido por festivales de cine internacionales, a los que se suma su participación en Sección Oficial del Festival Internacional de Cine Fantástico BIFAN (Bucheon, Corea del Sur).
En palabras de Eduardo Casanova: «La respuesta del público por el recorrido en festivales que estamos haciendo con La Piedad está siendo increíble. Y me hace especial ilusión recibir el Premio de Plata del Público de Fantasia porque tanto en la proyección como durante el Q&A sentimos todxs una conexión sensacional. Ningún público reaccionó a la película como el público de Fantasia. La velada fue fenomenal, sentí que entendieron la película de una manera muy parecida a la mía y eso me hizo irme de Montreal con muy buen sabor de boca. La programación, el público y el equipo de Fantasia Film Festival está desprejuiciada; disfruta las películas como ninguno y sin juicio moral. Eso es un lujo para este tipo de películas. Aprecio enormemente este premio.»
La Piedad está protagonizada por Ángela Molina (Los abrazos rotos, Carne trémula), Manel Llunell (Malnazidos), Ana Polvorosa (Pieles, Las chicas del cable), Antonio Durán Morris (Fariña), María León (Sin Fin, La voz dormida), Daniel Freire (El año de la furia), Songa Park (Desaparecidos), Alberto Jo Lee (Xtreme) y con la colaboración especial de Macarena Gómez (30 Monedas, Musarañas) y Meteora Fontana (Los Europeos).
La Piedad es una coproducción hispano-argentina, con Pokeepsie Films (Banijay Iberia), Gente Seria AIE, Spal Films, Link-up y Crudo Films.
Crítica: MEN. Eva y la serpiente
Estamos acostumbrados a que, si no todo, sí al menos una inmensa mayoría del cine que consumimos sea puramente narrativo. Ello implica una serie de estructuras y un tono muy determinado, donde todo, incluso las obras de contenido puramente fantástico, deben mantener una coherencia y una cohesión narrativa. La alegoría se convierte, por lo tanto, en un recurso poco comprendido en el discurso cinematográfico, y muy especialmente en el cine de distribución generalista. Casos como El Año Pasado en Marienbad, 2001. Una Odisea del Espacio, Mulholland Drive, Madre o, recientemente, Titane han erigido parte del culto que se ha generado entorno a ellas precisamente por la dificultad que supone no tener algo tangible, inequívoco, en las manos acerca de su significado.
CANTOS DE SIRENA
En su trayectoria anterior, tanto como novelista como guionista y director, Alex Garland había empleado los recursos del cine de género (principalmente, el terror y la ciencia ficción) para establecer discursos de fuerte calado social. En la mayor parte de ellas, fueran historias originales o adaptaciones de otros escritores, la trama, los personajes, los diálogos partían de un hondo enfoque intelectual (tal vez Dredd sea la excepción a esta afirmación).
Por lo general, podemos decir que, en su obra, Garland siempre ha construido sus relatos a partir de una reflexión social y existencialista. En todas ellas, el cineasta siempre se mantuvo afín a los parámetros de un discurso narrativo, con algún ligero devaneo fuera de estas estructuras, pero siempre manteniendo esa coherencia y cohesión que mencionábamos antes.
Con su último trabajo, Men, se ha desprendido de estas restricciones y ha desarrollado una película de fuerte carácter alegórico, con un trasfondo mítico y religioso, pero sin abandonar la reflexión social.
No es de extrañar que detrás de Men se encuentre A24, productora que en los últimos años se ha caracterizado por revolucionar el género fantástico dando voz a toda una nueva generación de cineastas que, desde los márgenes del cine independiente, han elaborado un nuevo cine de terror de fuerte calado intelectual y estético bautizado como “Terror Elevado”. Men supone el regreso de Garland a esta productora después de que respaldaran en 2015 su opera prima, Ex Machina.
TERROR EXISTENCIALISTA
Podemos entender Men como una mirada aterradora a la sociedad moderna post-#Metoo, donde se denuncian los abusos históricos hacia las mujeres por parte de las estructuras del patriarcado, especialmente en lo que se refiere a violencia física y sexual. Esta claro que la propuesta de Garland busca retratar muchas de las situaciones denunciadas donde una figura masculina impone, ya sea con violencia física o verbal, su concepción de la realidad a la mujer.
El cine de Garland ha sido prolífico en cuanto a la presentación de personajes femeninos fuertes, independientes, y la Harper espléndidamente interpretada aquí por la cada vez más interesante Jessie Buckley no es una excepción. El que, salvo el James de Paapa Essiedu, todos los personajes masculinos estén interpretados por un histriónico y fabuloso Rory Kinnear, podría reforzar más esa lectura actual de la trama; sin embargo, el interés de la película de Garland no reside en esta propuesta más o menos oportunista y es, a nuestro entender, su apuesta por la alegoría lo que aleja esta cinta de otros títulos recientes que han intentado abordar el mismo tema.
LA SERPIENTE
La película se desarrolla en un espacio aislado en la campiña británica, un supuesto pequeño pueblo rural rodeado por un bosque y donde la protagonista se aísla en una elegante casa de campo. Sin embargo, la fisicidad del espacio y los personajes se va diluyendo a medida que avanza el metraje y todo parece ir perfilándose más en el espacio interior de la propia protagonista, quien debe debatirse entre sus sentimientos de culpa por la muerte de su pareja y toda una estructura social establecida para minar la identidad de la mujer.
Con la historia bíblica de Adán y Eva como principal referente, pero enriqueciendo la trama con otras múltiples referencias de la construcción histórica de nuestra civilización (por ejemplo, Leda y el Cisne, Ulises y las Sirenas), Men nos establece una Eva clara, Harper; pero, a nuestro entender, esa amalgama de figuras masculinas lejos de hacer referencia a Adán, responde más a la figura de La Serpiente, una serpiente que no representa la tentación, sino el mal que anida con forma de violencia y que corrompe al individuo y su vínculo con los demás; un pecado arraigado desde los orígenes de la humanidad y que se sigue heredando de padres a hijos.
EVA DE DESTRUCCIÓN
Si Eva carga con el pecado original y la expulsión del paraíso, Harper carga con la culpa de haber propiciado el suicidio de un hombre infantil, abusivo, chantajista emocional y posesivo. Desde la perspectiva de la protagonista, que sirve de conductora del espectador, todo el entorno que debería ser bucólico y acogedor se transforma en amenazante y destructivo.
Garland construye una película con un creciente tono de tensión y peligro. Entre situaciones más impactantes, como el acoso del hombre verde del bosque, a otras más cotidianas (la sucesión de micromachismos representados por los personajes que interpreta Kinnear), el cineasta busca ponernos en la situación de miedo e indefensión de la protagonista, permitidos y prorrogados por las pautas cívicas en las que nos hemos educado. Es cuando la protagonista busca romper con este legado (ya sea con su relación con James como ante la acumulación de amenazas que encuentra en su retiro en la campiña) cuando la violencia deja de ser insinuada y pasa a ser física.
LA MANZANA
Men es una película que demanda una amplia participación por parte del espectador. No se trata de una historia de digestión fácil y, desde luego, la puesta en escena de Garland no pretende facilitar las cosas. Se trata de una película premeditadamente compleja, donde la lectura fácil motivada por el discurso del #Metoo y la cultura de la cancelación implica una mirada superficial a lo que nos propone Alex Garland.
En nuestra opinión, Men es su mejor trabajo hasta la fecha, al que, como único “pero”, le tacharíamos un final un tanto complaciente ante la virulencia de todo su discurso anterior.
Crítica: PIG. Ave fénix
Hace poco hablábamos de El Insoportable Peso de un Talento Descomunal y de la habilidad de un actor como Nicolas Cage de estar en continuo proceso de cambio en su carrera. Nos quedamos con la imagen más estrambótica e icónica del actor, pero nos olvidamos de lo variada y arriesgada que ha sido su filmografía, abordando todo tipo de personajes y apostando por la moderación y la introspección cuando así lo requiere el papel.
Precisamente, su papel en Leaving Las Vegas, una de sus interpretaciones más aplaudidas (Oscar incluido) quedaba muy lejos del hiperbólico espectáculo de Corazón Salvaje, Snake Eyes, Cara a Cara o Mandy, por mencionar algunas.
Pig es una película rodada antes de El Insoportable Peso de un Talento Descomunal y se sitúa en las antípodas de la autorreferencial cinta dirigida por Tom Gormican; sin embargo, ambos títulos han servido para revalorizar la carrera de un actor que parecía estar ya definitivamente condenado al ostracismo en Hollywood y que ha renacido como ave fénix.
NO ES UNA PELÍCULA PARA ESTRELLAS
Con Pig, Nicolas Cage demuestra una vez más que no tiene ningún inconveniente en mostrar una imagen suya lo menos glamourosa y hollywoodiense posible. Una de las ventajas de trabajar fuera del entorno de las grandes superproducciones es que el actor se siente libre para adaptarse al personaje, sin tener que cumplir con una serie de requisitos estelares. En Mandy, por ejemplo, no tuvo inconvenientes en mostrar la decadencia del cuerpo del que fuera una de las estrellas del cine de acción de 90.
En Pig, lo vemos envejecido, gordo, desaliñado, sucio para un personaje adusto, poco comunicativo y hasta antipático, pero que encarnado por el actor adquiere unas dimensiones casi míticas en pantalla. Este personaje y esta historia acerca de un recolector de trufas al que le roban su cerda trufera, caería a la papelera de cualquier agente de Hollywood; sin embargo, el haber encontrado a Nicolas Cage aporta una humanidad y una dimensión inesperada a la narración.
Hay precisamente en el personaje también una sensación de renacer. Abandonado de sí mismo al principio de la película, el viaje emocional del personaje supone también un resurgir de las cenizas, no para ser quién era, pero sí para hacer las paces con sus demonios internos.
NO, NO ES JOHN WICK
Desde un primer momento, la película ha cargado con la comparativa con John Wick en base a cierta semejanza en su premisa argumental, a pesar de que no tienen nada que ver la una con la otra. Es cierto que en el primer tercio de película se juega con la falta de información acerca del pasado del protagonista y la sorpresa y el temor que su regreso a la civilización provoca.
También existe en ese primer tercio una atmósfera de violencia contenida que parece presagiar una explosión brutalidad en el tramo final; sin embargo, lo maravilloso de la cinta es que es capaz de darle un giro a todas esas expectativas y llevar la historia por otros derroteros, un desarrollo argumental que dependía sobremanera de encontrar al actor adecuado para transmitir de manera contenida y sutil la verdadera faceta del personaje protagonista. Y sí, ese actor, aunque resulte sorprendente, es Nicolas Cage.
CARTA DE PRESENTACIÓN
Después de varios trabajos en el terreno del cortometraje y la televisión, Pig es el debut en el largometraje de Michael Sarnoski. El director sale victorioso a la hora de equilibrar los diferentes tonos que arrastra esta historia. De lo descarnado y violento transita hacia la serenidad y la contemplación sin que resulte forzado o caprichoso. En este sentido, con una puesta en escena sencilla y sin aspavientos, conocedor de que su principal herramienta está en el trabajo con Cage y el resto de los actores, Sarnoski se revela como un narrador con una fina sensibilidad y un afinado pulso narrativo.
RENACER
Todos tenemos nuestras películas favoritas de Nicolas Cage. Para nosotros, en ese círculo están títulos como Leaving Las Vegas, El Ladrón de Orquídeas, El Señor de la Guerra o El Hombre del Tiempo.
Pig entra en ese grupo si ningún tipo de sentimiento de inferioridad, evidenciando que Nicolas Cage, si es que alguna vez se fue, se encuentra en un momento dulce de su carrera y que no ha perdido el olfato, no para las trufas, sino para proyectos emotivos e inesperados.
Miradas sobre el fantástico internacional que formarán parte del programa de SITGES 2022
La 55ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se prepara para recibir las últimas novedades del cine de género internacional.
Una de las sagas más populares y queridas por el público llega a su final. Halloween Ends, de David Gordon Green, que se desarrolla cuatro años después de los hechos de Halloween Kills, estará en Sitges. Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se enfrentará al mal una vez más, en esta ocasión, definitivamente.
La ópera prima de Goran Stolevski, You Won’t Be Alone, llevará una buena dosis de folk-horror al Festival, ambientada en un aislado pueblo de montaña en la Macedonia del siglo XIX y protagonizada por Noomi Rapace (Lamb, mejor película de la 54ª edición de Sitges).
El thriller psicológico Resurrection, dirigido por Andrew Semans y con grandes interpretaciones de Rebecca Hall y Tim Roth, renueva el género huyendo de clichés con la historia de una mujer de éxito enfrentada a traumas del pasado.
Lo más esperado en ciencia ficción
After Yang, la cinta de ciencia ficción futurista de Kogonada con Colin Farrell se verá en Sitges, un film delicado sobre un mundo posthumano.
Justin Benson y Aaron Moorhead, exponentes de la ciencia ficción de bajo presupuesto, vuelven a Sitges con Something in the Dirt, un imaginativo rompecabezas con fenómenos sobrenaturales.
El futuro postapocalíptico se explora en Vesper, de Kristina Buozyte y Bruno Samper, distopía belga con una fotografía deslumbrante que construye un mundo después del colapso del ecosistema terrestre.
Más terror en Sitges 2022
También desde Bélgica llega Megalomaniac, cinta fantasmagórica y gore dirigida por Karim Ouelhaj, vencedora de Fantasia 2022.
El terror estará bien presente en Sitges 2022 con propuestas como la británica Enys Men, de Mark Jenkin, un estudio hipnótico e inquietante sobre la soledad.
En The Tower, de Guillaume Nicloux, los habitantes de una torre de viviendas se dan cuenta que un velo negro obstruye todas las ventanas y la puerta principal del edificio.
De Dinamarca llega el terror social de Speak No Evil, donde el director Christian Tafdrup ofrece una generosa cantidad de sadismo y crueldad.
El fantástico español que veremos en SITGES 2022
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges camina imparable hacia su 55ª edición, que abrirá sus puertas el 6 de octubre, y un segundo avance de programación ha sido anunciado en el Real Círculo Artístico de Barcelona. Han sido desvelados nuevos galardones, sendos premios Máquina del Tiempo para los cineastas británicos Edgar Wright y Neil Marshall (quien recogía en Tenerife el pasado noviembre el Premio Isla Calavera de Honor del Festival de Cine Fantástico de Canarias). Además, se han dado a conocer nuevos títulos que formarán parte de las distintas secciones, confirmando la presencia de muchas producciones esperadas por la afición.
El nuevo cine español y de producción catalana de género fantástico tendrá nuevamente un importante peso dentro del programa. Con el euskera como lengua principal, Sitges vivirá el estreno mundial de la épica Irati, mitología fantástica ambientada en la oscura etapa histórica del siglo VIII escrita y dirigida por Paul Urkijo, un habitual del Festival, donde presentó años atrás su primer largo, Errementari: El herrero y el diablo (Premio del Público al mejor largometraje en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2017), y su aclamado cortometraje Dar-Dar (Méliès de Plata 2020). El filme formará parte de la Sección Oficial a competición.
Entre los títulos que se podrán ver en el Festival, también destaca As bestas, un thriller oscuro e incómodo de Rodrigo Sorogoyen, director de Que Dios nos perdone, El reino y el cortometraje Madre, por el que recibió una nominación al Óscar en 2019. La película, que celebró su première en Cannes, está ambientada en una aldea interior de Galicia y se rodó en español, gallego y francés.
Además, se mostrará la angustiosa y perturbadora Cerdita, terror rural que supone el debut de Carlota Pereda después de su cortometraje homónimo ganador del Goya, y que pisó fuerte a comienzos de año en la sección Midnight del Festival de Sundance.
Recientemente proyectado en el Fantasía de Montreal, Viejos, el nuevo filme de terror de los responsables de La Pasajera Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, cierra su círculo con su estreno europeo en Sitges tras coronarse vencedor como proyecto en 2016 en el Pitchbox del festival.
Sadrac González, autor de Black Hollow Cage, también regresa con Asombrosa Elisa, un thriller fantástico protagonizado por Asier Etxeandia, Iván Massagué y Silvia Abascal, sobre una niña que quiere vengar la muerte de su madre; mientras que el especialista en efectos visuales Luis Tinoco, director del cortometraje Caronte, vuelve a Sitges con su ópera prima La paradoja de Antares. Se trata de una historia de ciencia ficción sobre una científica que tendrá que enfrentarse a un difícil dilema en una lucha contrarreloj: afrontar una complicada crisis familiar o dar respuesta a una de las dudas existenciales de la humanidad.
La presencia de todos estos trabajos de factura nacional en el principal festival de cine fantástico del mundo confirma la buena salud del género en España.
Musimagen y FIMUCITÉ anuncian los ganadores de los V Premios de la Música para el Audiovisual Español
La Asociación de Compositores de Música para Audiovisual MUSIMAGEN y el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) presentan los ganadores de los V Premios de la Música para el Audiovisual Español, patrocinados por la Fundación SGAE.
Arnau Bataller logra el Premio a la Mejor música original de largometraje de ficción por la banda sonora de ‘Mediterráneo’. El Premio a la Mejor música original de documental es para Josué Vergara, por ‘Out of the Blue’. El reconocimiento a la Mejor música original de serie es para Iván Palomares, por ‘La Cocinera de Castamar’.
Por otro lado, en la categoría de Mejor música original para publicidad, el premio es para Zacarías M. de la Riva, por ‘Mango, Mediterranean Dream’; mientras que Gerard Pastor ha sido reconocido con el premio a la Mejor música original para videojuegos por ‘Discovery O Park, The Turtle Game’.
Ceremonia de entrega
La entrega oficial de los V Premios de la Música para el Audiovisual Español tendrá lugar el viernes 23 de septiembre de 2022 en el Auditorio de Tenerife, dentro de la programación de la decimosexta edición de FIMUCITÉ. Durante la ceremonia sonará una suite dedicada a las obras ganadoras, bajo la batuta del director del reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, director de FIMUCITÉ.
PALMARÉS V PREMIOS DE LA MÚSICA PARA EL AUDIOVISUAL ESPAÑOL
Mejor música original de largometraje de ficción
Arnau Bataller, por Mediterráneo
Segunda banda sonora más votada:
Todas las Lunas , de Pascal Gaigne
En tercer lugar, las siguientes bandas sonoras:
El Buen Patrón, de Zeltia Montes,
Valentina, de Nani García
y D’Artacán y los tres Mosqueperros, de Manel Gil-Inglada
Mejor música original de documental
Josué Vergara, por Out of the Blue
Segunda banda sonora más votada:
1985 Héroes entre Ruinas, de Gerard Pastor y Bruno Franquet
Tercera banda sonora más votada:
Toda una vida, de Óscar Navarro
Mejor música original de serie
Iván Palomares, por La Cocinera de Castamar
Segunda banda sonora más votada:
La casa de papel (Temporada 5), de Iván M. Lacámara & Manel Santisteban
En tercer lugar, las siguientes bandas sonoras:
Cuéntame cómo Pasó (Temporada 21), de Fernando Ortí
La Templanza, de Iván Palomares,
y Parot, de Vanessa Garde
Mejor música original para publicidad
Zacarías M. de la Riva, por Mango, Mediterranean Dream
Segunda composición para publicidad más votada:
Turismo arabia Saudi, Experience Al-Ula, de Dani Trujillo
Tercera composición para publicidad más votada:
Madrid es Más, Campaña Electoral 2021 MÁS MADRID , de Alberto Torres
Mejor música original para videojuegos
Gerard Pastor, por Discovery O Park, The Turtle Game
Segunda composición más votada:
Hungry Dragon: Octoni, de Mateo Pascual
Tercera composición más votada:
Windfolk, de Javier Colmen
Edgar Wright y Neil Marshall recibirán el Premio Máquina del Tiempo de SITGES 2022
La 55ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya despliega un nuevo avance de programación enfocado al fantástico producido en España y a las últimas novedades de género internacional. Un conjunto de títulos que marcan el camino del cine más puntero, con la mirada dirigida hacia el futuro y sin olvidar el pasado, con la iniciática Tron siempre en el horizonte. Además, han anunciado los nombres de dos cineastas que recogerán este año el Premio Máquina del Tiempo: el director, productor y guionista británico Edgar Wright y el prolífico director de cine de género Neil Marshall.
Edgar Wright obtuvo reconocimiento mundial por primera vez con su trilogía Three Flavours Cornetto, que consta de Zombies Party, Arma fatal y Bienvenidos al fin del mundo, realizada con los actores Simon Pegg y Nick Frost, así como el productor Nira Park.
Wright también coescribió, produjo y dirigió la película de 2010 Scott Pilgrim contra el mundo. Con Joe Cornish y Steven Moffat, escribió Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio de Steven Spielberg (2011). Además, creó la película de acción criminal de 2017 Baby Driver, que se convirtió en un éxito mundial de taquilla, y en 2021 dirigió y coescribió, con Krysty Wilson-Cairns, Última noche en el Soho. El mismo año también lanzó su primera película documental, The Sparks Brothers.
La carrera de Neil Marshall se inició hace más de 20 años con Dog Soldiers, una de las películas de terror británicas más populares de todos los tiempos, seguido por el gran éxito de taquilla -aclamado por la crítica- The Descent, que recaudó más de 50 millones de dólares con un presupuesto de solo tres millones.
Marshall también es uno de los directores más solicitados de la televisión actual, puesto que dirigió dos de los episodios más épicos de Juego de tronos, los pilotos de Black Sails, Constantine y Timeless, y capítulos destacables de Hannibal y Westworld para JJ Abrams.
En 2018, dirigió y produjo la lujosa nueva versión de Lost in Space para Netflix y en 2021 estrenó The Reckoning. Sitges 2022 estrenará The Lair, un retorno a los orígenes sobre una piloto que tiene que sobrevivir dentro de un búnker donde se esconden armas biológicas.
Crítica: THOR. LOVE AND THUNDER. Thor tonto tardo y torpe
Marvel Studios lleva tiempo desarrollando una dinámica de convertir a sus héroes en un hatajo de personajes narcisistas, caprichosos y estúpidos. Si la finalidad de esto es dar un perfil más humano a los superhéroes, vaya asco de concepto de la humanidad que tiene Kevin Feige; si se hace para fortalecer la parte cómica de las películas, vaya forma más penosa de destrozar personajes icónicos.
CHISTES PARA EL FIN DEL MUNDO
Vale, las dos primeras entregas de Thor, donde había un enfoque más serio del personaje, fueron dos películas fallidas (especialmente Thor. El Mundo Oscuro). Por otro lado, Chris Hemsworth lleva desde “Vacaciones” intentando romper con su imagen de héroe monolítico y de galán cachas imponiendo un perfil de comedia en sus trabajos cinematográficos, presionando a Marvel para que ya en Thor. Ragnarok se llevara al Dios de Trueno por una línea más paródica, siguiendo la línea del Starlord de Guardianes de la Galaxia.
La entrada de Taika Waitiki como director, un cineasta no carente de punch visual y con un tono irreverente y sarcástico que ya había demostrado con Lo que Hacemos en las Sombras y The Inbetweeners, cumplió y superó las expectativas del actor y, por lo general (generalidad en la que no nos incluimos), el resultado fue aplaudido como una renovación fresca y divertida del personaje.
COMEDIA VS DRAMA
En Thor. Ragnarok, Waitiki destrozaba cualquier reposo dramático introduciendo chistes después de algunos de los giros más trágicos de la película, no dando tiempo al espectador a asimilar lo que acababa de suceder y casi restando importancia a situaciones verdaderamente fatídicas.
El respaldo del público por el cambio de tono le ha transformado en director estrella en Marvel y, tanto él como Hemsworth, llegan a Thor. Love and Thunder avalados por lo anterior, dispuestos a mantener el mismo perfil en las nuevas aventuras del dios asgardiano. Es cierto que en esta nueva aventura Waitiki respeta mejor los tiempos del drama, especialmente en lo que se refiere al personaje de Gorr, el Carnicero de Dioses; sin embargo, en la nueva película el humor campa a sus anchas, predominando sobre la parte de aventuras o fantasía.
La parte que tiene lugar en Ciudad Omnipotencia resulta de un humor tan burdo, que uno de repente tiene la impresión de haber pasado a una película de Cheech y Chong. El Zeus de Russell Crowe parece una parodia de su Máximo Décimo Meridio y que el desnudo trasero de Hemsworth se haya convertido en lo más comentado de la película no es buen síntoma (¿envidioso de que Marvel Studios bautizara el de Chris Evans como “el culo de América”, Hemsworth?).
VIVIR LO SUFICIENTE PARA VERSE CONVERTIDO EN UN VILLANO
Las dos apuestas principales de la película se validan como los elementos más atractivos de la película. Por un lado, el regreso de Natalie Portman como Jane Foster y empuñando a Mjolnir; y, por otro, la incorporación de Christian Bale en el papel del villano, Gorr.
Criticada por el gender bender del personaje de Portman (gender bender ya existente en los cómics, todo sea dicho de paso), todo lo que sea ver de nuevo a esta actriz en pantalla, bienvenido sea. A Portman le dan permiso esta vez para entrar en el parque infantil y jugar con los mismos juguetes que los otros niños, pero, a diferencia de Hemsworth, la actriz sabe graduar muy bien los cambios de tono del personaje, donde tiene además sobre la mesa el reto de representar la dualidad de su personaje y el drama que esto supone.
Todo lo referente a Gorr supone un gran contraste con respecto al resto de la película. La inmensa interpretación de Bale y el tono trágico, shakesperiano de esa subtrama imprime a la película una atmósfera dramática y lúgubre que choca con el colorido pop de las secuencias de Thor. Afortunadamente, como decíamos antes, aquí Waitiki sí respeta el valor de esta subtrama y no le pasa por encima el carro de caballos como sí hiciera en Ragnarok.
ROCK’N’ROLL
Siguiendo nuevamente la estela de James Gunn, Waitiki apuesta también por un acompañamiento musical dominado por canciones preexistentes, con especial gusto por Guns’n’Roses, pero también con referencias a Enya o ABBA. Venir, no viene a cuento, y le resta protagonismo a la, por otro lado, estupenda partitura de Michael Giacchino y Nami Melumad que resulta igual de iconoclasta que la selección de canciones; sin embargo, es innegable que “November Rain”, “Sweet Child O’Mine” o “Welcome to the Jungle” son temas que a la fuerza van a aportar ritmo y fuerza a las secuencias que acompañan.
Particularmente, la heterodoxa selección de canciones en las películas de Guardianes de la Galaxia nos parecen más justificadas narrativamente, al fin y al cabo, vienen marcadas por la personalidad de Starlord. Aquí, todo se basa en el capricho artístico de Taika Waitiki.
NI LA AMAS, NI TE SACUDE
Quien vaya al cine buscando una película divertida, con mucho humor, secuencias molonas y música chula, lo va a encontrar en Thor. Love and Thunder. No podemos decir lo mismo de quien vaya a ver una película de Thor o una historia de superhéroes. Por otro lado, para comedia vikinga, particularmente, nosotros nos quedamos con Erik, El Vikingo, que, además, es más fiel a la mitología escandinava.
