Es difícil resistirse. Ante un cartel y una sinopsis como la de Reza por el Diablo, es imposible no caer en el prejuicio de ir a encontrarnos con otra película más de exorcismos, tramposa y formularia, y no estaríamos desencaminados. En líneas generales, este nuevo título es aquello que amenaza ser, aunque, siendo sinceros, hay que reconocer que también busca caminos tangenciales, desaprovechados, pero que ayudan a elevar la impresión final hacia la película.
La cinta emplea un discurso feminista y se atreve a adentrarse en unos de los territorios más reaccionarios de nuestra sociedad occidental, la religión católica. Uno de los temas que aborda la trama es cómo dentro de la Iglesia se mantiene esa discriminación hacia la mujer, impidiendo a las monjas acceder a determinados estamentos exclusivamente masculinos, en este caso la orden de exorcistas. Por otro lado, si bien toda la película se basa en la práctica de este ritual, la cinta también abre cierta crítica a la propia Iglesia con el personaje que interpreta Virginia Madsen, quien da voz a la parte científica, o por lo agresivo de esta intervención y su efecto sobre la víctima del exorcismo.
Virginia Madsen en Reza por el diablo, de Daniel Stamm.
Temas sin duda interesantes y que desmarcan a la película de los itinerarios habituales de este tipo de producciones, pero que, lamentablemente, quedan en un segundo plano en favor del desarrollo de la trama principal y la parte más terrorífica de la cinta. Esto repercute en personajes cuya presencia demanda una mayor importancia en la trama, pero que quedan diluidos en el montaje final.
La trama de posesión se apoya también en una subtrama de legado de madres a hijas, con la protagonista traumatizada por sus recuerdos de infancia con una madre poseída/esquizofrénica y que incentivan el interés de la monja por profundizar en los ritos de los exorcismos y su acercamiento a las supuestas víctimas de posesión demoníaca. El sentimiento de culpa y de expiación de los pecados maternos se convierte el motor del personaje principal, otro aspecto que resulta un valor añadido a la trama.
Reza por el diablo, de Daniel Stamm.
Jacqueline Byers es Ann
Esto último cuenta además con uno de los elementos más destacados de toda la película, la interpretación de la actriz Jacqueline Byers, quien en éste su primer papel protagonista logra dar entereza y honestidad a su personaje. La actriz consigue dar credibilidad al conjunto de la trama y crea un personaje que mantiene la atención del espectador hasta el final (descartando el espantoso epílogo, que parece sacado precisamente de ese tipo de películas que Reza por el Diablo quiere evitar ser).
El resto de la película cuenta con interpretaciones correctas, pero que no pueden brillar más por la falta de desarrollo de los personajes, como es el caso del Padre Quinn, interpretado por Colin Salmon, o la Doctora Peters, a la que da vida una muy desaprovechada Virginia Madsen.
Del director de EL ÚLTIMO EXORCISMO
Tras la cámara encontramos al director Daniel Stamm, quien ya contaba con experiencia previa en temática de exorcismos cinematográficos con su película de 2010, El Último Exorcismo.
Sin ser nada del otro mundo, su puesta en escena es efectiva y sabe nadar a dos aguas entre los componentes más dramáticos de la historia y las secuencias de terror. Éstas últimas, aunque bastante predecibles, están resueltas con bastante pericia, recurriendo de manera ocasional al típico susto repentino, pero por lo general dejando que la secuencia fluya y vaya generando la atmósfera de terror adecuada. A esto se añade una espléndida combinación de maquillaje y efectos digitales que dan una fisicidad extrema a los momentos de posesión demoníaca.
En última instancia, Reza por el Diablo ofrece aquello que esperamos ver, terror comercial asociado al imaginario católico, con un hábil tratamiento de los tópicos vinculados al subgénero de exorcismos, y que logra sacar levemente la cabeza del agua de la medianía de producciones de la misma familia con su intento de dar una mayor peso dramático a la trama y una mayor complejidad a su personaje principal, aunque esto quede en eso, más un intento que una realidad.
Con títulos como ¡Nop!(Jordan Peele), Barbarian(Zach Cregger), X (Ti West), Black Phone (Scott Derrickson), Men(Alex Garland), Smile (Parker Finn), o las españolas As Bestas(Rodrigo Sorogoyen), Cerdita(Carlota Pereda) o La abuela (Paco Plaza), entre otras, la cosecha de la pasada temporada han subido el listón a las producciones cinematográficas del género de terror que se esperan para 2023. Sin embargo, las expectativas están muy altas y confiamos en una temporada igual o mejor.
El primer estreno en llegar, esta misma semana, ha sido M3gan, de la mano de James Wan, responsable de las sagas Saw, The Conjuring e Insidious, en la producción, y Gerard Johnstone, escritor y guionista de Housebound, en la dirección. A través de los estudios Blumhouse, el cineasta nacido en Malasia también estrenará el 7 de julio de este mismo año la quinta entrega de Insidious, Fear the Dark, debut como director del protagonista Patrick Wilson; además de La Monja 2, secuela del spin off del universo Expediente Warren, el 8 de septiembre; Saw Xpara el fin de semana de Halloween; y El misterio de Salem’s Lot, nueva versión del relato de vampiros de Stephen King, escrita y dirigida por Gary Dauberman, sin fecha de lanzamiento.
M3GAN, dirigida por Gerard Johnstone. (c) Blumhouse
Este viernes 13, de enero, se estrena The Lair (La Guarida), lo nuevo de Neil Marshall con soldados y monstruos mutantes en Afganistán, que pudo verse el pasado noviembre en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna, Isla Calavera. Cuando la piloto de la Royal Air Force, la teniente Kate Sinclair (Charlotte Kirk), es derribada en Afganistán, encuentra refugio en un búnker subterráneo donde se despiertan armas biológicas creadas por el hombre, mitad humanas, mitad alienígenas.
Charlotte Kirk en The Lair, de Neil Marshall.
The Offering (Oliver Park)
Para el 27 de enero se espera The Offering, de Oliver Park, título que clausuró la 33ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián: una historia que sigue a una familia que está a merced de una antigua figura demoniaca femenina, originaria de la mitología del medio oriente. Está protagonizada por Paul Kaye (Juego de Tronos,No hables con extraños), Emm Wiseman (Winchester: La casa que construyeron los espíritus), Nick Blood (Euphoria, Surveillance) y Allan Corduner (Resistencia, Las vidas posibles de M. Nobody).
El 3 de febrero llega a los cines una de las propuestas más esperadas desde que se conoció su rodaje, Llaman a la puerta (Knock at the cabin) de M. Night Shyamalan. Lo nuevo del visionario director de El sexto sentido, Señalesy El protegido, basada en el bestseller La cabaña del fin del mundode Paul Tremblay. Durante unas vacaciones en una cabaña alejada de todo, una chica y sus padres se convierten en rehenes de cuatro desconocidos armados que obligan a la familia a tomar una decisión imposible para evitar el apocalipsis. Con acceso limitado al mundo exterior, la familia deberá decidir qué creer antes de que todo esté perdido.
La niña de la comunión (Víctor García)
A continuación, el 10 de febrero, encontraremos en cartelera La niña de la comunión, del director catalán Víctor García (Gallows Hill). Sara, que intenta adaptarse, en un pueblo en Tarragona, decide ir a una discoteca con su extrovertida amiga Rebe, pero durante el trayecto a casa, se encuentran una muñeca vestida de comunión, y poco después su pesadilla iniciaría.
Project Wolf Hunting (Kim Hong-sun)
El 17 de febrero se estrena la coreana Project Wolf Hunting. La película dirigida por Kim Hong-sun se presentó en el Festival de Toronto y se hizo con el Premio Especial del Jurado en el Festival de Sitges. Además, pudo verse en Isla Calavera 2022, donde logró el Premio a la Mejor Película.
Project Wolf Hunting
Terrifier 2 (Damien Leone)
El 24 de febrero llega a los cines Terrifier 2, de la mano de SelectaVisión. La secuela directa del slasher de culto Terrifier(2016) vuelve a contar con el director Damien Leone moviendo los hilos del sádico payaso psicópata Art en una nueva oleada de cruentos y divertidos asesinatos. Ha sido una de las grandes sorpresas de crítica y taquilla en Estados Unidos.
Scream VI (Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett)
El 10 de marzo llega Scream VI, nueva entrega de la mítica franquicia iniciada por Wes Craven a finales de los 90, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Tras los últimos asesinatos de Ghostface, los cuatro supervivientes abandonan Woodsboro para dar comienzo a un nuevo capítulo. Melissa Barrera («Sam Carpenter»), Jasmin Savoy Brown («Mindy Meeks-Martin»), Mason Gooding («Chad Meeks-Martin»), Jenna Ortega («Tara Carpenter»), Hayden Panettiere («Kirby Reed») y Courteney Cox («Gale Weathers») retoman sus papeles en la franquicia junto a Jack Champion, Henry Czerny, Liana Liberato, Samara Weaving, Devyn Nekoda, Tony Revolori, Josh Segarra y Samara Weaving.
Watcher (Chloe Okuno)
Ese mismo día podremos ver el hábil y desasosegante thriller psicológico Watcher, de Chloe Okuno, con Maika Monroe, sobre una joven se muda a un nuevo piso con su prometido solo para ser atormentada por la sensación de que un observador invisible la acecha en un edificio adyacente.
Tin & Tina (Rubin Stein)
El 24 de marzo se estrena la española Tin & Tina, ópera prima de Rubin Stein, un thriller religioso basado en el cortometraje homónimo nominado al Méliès de oro. Está protagonizada por Milena Smit, Jaime Lorente y los jóvenes Carlos González Morollón y Anastasia Russo. Además, cuenta con la colaboración especial de Teresa Rabal, Ruth Gabriel y Luis Perezagua.
El exorcista del Papa (Julius Avery)
Según lo previsto, el 5 de abril será el turno de Russell Crowe como el padre Gabriele Amorth en El exorcista del Papa, junto al icónico Franco Nero en el papel del Pontífice. Julius Avery dirige este retrato del sacerdote fallecido en 2016 a la edad de 91 años, que actuó como jefe exorcista del Vaticano y realizó más de 100.000 exorcismos.
Renfield (Chris McKay)
El 14 de abril se estrena Renfield, la nueva comedia de terror protagonizada por Nicholas Hoult junto con el ganador de un Oscar Nicolas Cage. La película narra la historia de Renfield, el torturado asistente de Drácula que después de tres siglos de trabajo intentará romper la relación con su jefe. Está dirigida por Chris McKay (La guerra del mañana, Batman: La LEGO película) a partir de un guion de Ryan Ridley (las series GhostedyRick & Morty) basado en una idea original deRobert Kirkman, creador de The Walking Dead e Invencible.
Evil Dead Rise (Lee Cronin)
El 21 de abril es la fecha prevista para el regreso de la saga Posesión Infernal a través de Evil Dead Rise, que presentaba un terrorífico primer avance esta misma semana. Posesión Infernal: El despertar se presenta como una secuela de la trilogía de Sam Raimi, protagonizada por Alyssa Sutherland, Morgana Davies, Lily Sullivan, y Gabrielle Echols, en el reparto. Cuenta la historia de Beth, quien visita a su hermana mayor, Ella, que está criando a tres niños en un pequeño apartamento en Los Ángeles. Su reunión es muy corta cuando encuentran un libro demoníaco, The Necronomicon Ex-Mortis.
La mansión encantada (Justin Simien)
El 11 de agosto será el turno de la nueva versión cinematográfica de la atracción del parque temático Disneyland La mansión encantada, 20 años después del estreno de la original protagonizada por Eddy Murphy, que apunta a blockbuster con un reparto espectacular en el que brillan Jamie Lee Curtis, Jared Leto, Winona Ryder o Danny DeVito. Un agente inmobiliario y su familia son convocados a un mansión que descubren está embrujada. Mientras intentan escapar, él aprende una valiosa lección sobre la familia a la que había descuidado.
El último viaje del Demeter (André Øvredal)
Ese mismo día se estrena El último viaje del Demeter, de André Øvredal, basada en un capítulo de la novela de Bram Stoker, Drácula.
El Exorcista (David Gordon Green)
Y sin duda, otra fecha que debemos marcar en el calendario es el viernes 13 de octubre, cuando se estrenará El Exorcista, dirigida por David Gordon Green y con la participación de Ellen Burstyn, la actriz que dio vida a la madre de Regan MacNeil en la original de 1973.
Estos son los títulos imperdibles con fecha confirmada de estreno en salas comerciales, a los que se sumarán aquellos que lleguen a los circuitos de festivales, que se concentran en el último trimestre del año.
Universal Pictures presenta el tráiler en español de Renfield, la nueva comedia de terror protagonizada por Nicholas Hoult junto al ganador de un Oscar Nicolas Cage, basada en una idea original de Robert Kirkman. La película narra la historia de Renfield, el torturado asistente de Drácula que después de tres siglos de trabajo intentará romper la relación con su jefe. Renfieldse estrena en España el 14 de abril, exclusivamente en cines.
Sinopsis de RENFIELD:
El mal no sería eterno sin un poco de ayuda.
En este moderno y monstruoso relato sobre el fiel ayudante de Drácula, Nicholas Hoult (Mad Max: Furia en la carretera, la saga X-Men) encarna a Renfield, el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia, interpretado por el ganador de un Oscar Nicolas Cage. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.
Renfield está dirigida por Chris McKay (La guerra del mañana, Batman: La LEGO película) a partir de un guion de Ryan Ridley (las series Ghostedy Rick & Morty) basado en una idea original de Robert Kirkman, creador de The Walking Dead e Invencible.
La película también cuenta en su reparto con Awkwafina (The Farewell, la película de Marvel Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos), Ben Schwartz (Sonic, The Afterparty) y Adrian Martinez (La vida secreta de Walter Mitty, Focus).
Renfield está producida por los socios de Skybound Entertainment Robert Kirkman y David Alpert (The Walking Dead, Invencible), sus copresidentes Bryan Furst (Daybreakers) y Sean Furst (Daybreakers), y por Chris McKay. La socia de producción de McKay, Samantha Nisenboim (coproductora de La guerra del mañana), se encarga de la producción ejecutiva.
Hasta los Huesos no es, desde luego, un plato fácil de digerir. A priori puede parecer que hay demasiados ingredientes en la receta y que no todos ellos marinan bien entre sí, pero, en ocasiones, hasta la mezcla más extraña puede dar como resultado un plato exquisito.
El nuevo trabajo de Luca Guadagnino es una adaptación de la novela homónima de Camille DeAngelis, publicada bajo la etiqueta de literatura juvenil y que podría entenderse como tal por su carácter de narrativa coming-to-age o la trama de amor entre la protagonistas, Maren, y otro joven caníbal, Lee. Hay en la historia un componente de rebeldía, de buscar su lugar en el mundo y, al mismo tiempo, no entender la sociedad en la que se vive, así como sentirse un ser extraño, anómalo, que se puede vincular al existencialismo juvenil.
DeAngelis usa el canibalismo como una excusa para desarrollar estos temas, además de otros más cercanos a la propia sensibilidad de la escritora, vegana confesa, quien espera que el choque del lector ante los pasajes acerca del consumo de carne humana sirvan de argumento para su propia decisión de alejarse del consumo de cualquier producto de origen animal.
Bones and all
Taylor Russell es Maren
El elemento pivotal de toda la historia es esa búsqueda de su identidad por parte del personaje de Maren, espléndidamente interpretada por Taylor Russell, quien tras trabajos como la nueva versión de Perdidos en el Espacio, encuentra aquí un personaje que verdaderamente marca las posibilidades de la intérprete. El personaje de Maren es un cúmulo de contradicciones, inseguridades y necesidad de afecto. El inicio de una búsqueda, la de su madre, se convierte en un viaje iniciático en el que tendrá que ir aprendiendo a conocerse mejor y el mundo que le rodea.
Ante su desubicación en la sociedad, su encuentro con otros caníbales irá ayudándole a establecer su propia personalidad. Mientras Sully representa la faceta más primitiva, desarraigada, en Lee encuentra no sólo alguien más acorde a su edad, sino también a alguien con inseguridades similares y que aún pretende mantener un vínculo con la sociedad, especialmente con su familia, de la que, al mismo tiempo, se ve irreversiblemente desligado por su naturaleza.
Desde el momento en el que Lee entra en acción, la trama amorosa cobra protagonismo, sin desatender la idea de la búsqueda, pero marcando en ese amor juvenil la verdadera esperanza de futuro de los dos personajes, su único ancla con el mundo real. Aquí juega un papel fundamental la química entre Russell y Timothée Chalamet. Guadagnino rueda a estos dos actores, prestándoles toda la intimidad que requieren sus personajes y dando espacio para expresar sus contradicciones en medio de este viaje iniciático donde deberán resolver sus problemas de crisis de identidad.
Si bien la historia no entra a juzgar a los personajes (su canibalismo es presentado no como una elección, ni siquiera una enfermedad, sino como una parte ineludible de su naturaleza), lo cierto es que los personajes no dejan de tener una brújula moral, que se rompe cuando el hambre acaba imponiéndose en esa batalla entre naturaleza y civilización. Ahí está el ejemplo de Sully, quien inicialmente se presenta como mentor de Maren, pero que rápidamente pasa a convertirse en el reflejo más oscuro al que puede derivar la naturaleza de la protagonista si se deja llevar por su hambre y desatiende su vínculo con el mundo que la rodea.
Taylor Russell y Timothée Chalamet, en la primera imagen promocional de Bones & all.
Canibalismo
El canibalismo en la película puede interpretarse como muchas cosas, siendo fácil vincularlo con el vampirismo o la licantropía, por ese carácter violento y terrorífico a la par que alienante de la sociedad, pero también como una metáfora de toda aquella otredad que busca salir del nicho segregacionista de lo normativo. En la cinta adquiere un valor puramente fantástico. Si bien el canibalismo existe en la vida real, aquí adquiere un alcance distinto, al ser algo innato y de lo que los personajes no se pueden desprender, por mucho que intenten aplacar sus instintos. En el fondo, podemos interpretar que el desarraigo de los personajes es ineludible, ya que, pese a su búsqueda de su humanidad, su naturaleza les sitúa en un espacio diferente al de la raza humana.
No resulta difícil entender la fascinación de Luca Guadagnino por esta historia, ya que sus protagonistas y sus conflictos de identidad no distan mucho de los presentados en otros trabajos del cineasta, como el ansia sexual de Melissa P., la crítica social de Yo Soy el Amor, la deriva autodestructiva de Cegados por el Sol, la búsqueda de la identidad de Call Me by Your Nameo el concepto de monstruosidad de Suspiria.
Estos dos jóvenes se vuelven unos nuevos Kit y Holly, los protagonistas de Malas Tierrasde Terrence Malick. Aquella búsqueda de la arcadia de la cinta de 1973 es retomada aquí por Guadagnino, quien hace que el espacio se convierta en el hormigón que fija la relación entre los dos jóvenes.
Junto al trabajo de espléndidos actores, la mirada pausada y contemplativa del mundo que ofrece el cineasta se transforma en el discurso principal de la cinta, elevando lo visual por encima de lo literario. La referencia a Malick no es baladí. Guadagnino hace uso de un extraordinario preciosismo visual, apoyado en la portentosa fotografía de una maestro como Arseni Khachaturan, especializado precisamente en grandes espacios abiertos.
Esta belleza puede contrastar con la truculencia de la trama y de las secuencias concretas de canibalismo, sin embargo, esta confrontación son la base misma del discurso normalizador de Guadagnino, quien, de esta manera, integra y naturaliza la otredad dentro de un territorio global, cancelando juicios de valor sobre los tabúes de la sociedad.
Con Hasta los Huesos, Luca Guadagnino sigue con su reconocimiento de las diferentes naturalezas del ser humano, sus instintos y sus convencionalismos sociales, ofreciendo con ello nuevamente una prodigio de belleza y reflexión filosófica que se eleva por encima del cliché de literatura juvenil del que parte. Es con este discurso y esta mirada que consigue que los elementos anómalos y hasta contradictorios de la película alcancen una congruencia y una cohesión deslumbrante.
Con una recaudación que supera los 29,56 millones de euros, Avatar: El Sentido del Agua, ya se ha convertido en la película más taquillera de los últimos 3 años en España. Se coloca así en el número 12 de las más taquilleras a nivel histórico en España en solo 20 días desde su estreno. Supera de este modo a Vengadores: Endgame, en el número 13, que recaudó 29,2 millones de euros en el total explotación. Más de 4,1 millones de espectadores han visto la película de James Cameron en nuestro país.
Avatar: El sentido del agua lleva 20 días en el número 1 de taquilla en España, con una media de 1 millón de euros de recaudación diarios. Tres títulos de The Walt Disney Company se sitúan en el Top 10 de taquilla del último año con Avatar: El sentido del agua en número 1, Doctor Strange en el multiverso de la locura en el número 5 y Thor: Love and Thunder en el número 8.
La esperada primera continuación de Avatar, de James Cameron, la película más taquillera de todos los tiempos, ganadora del Premio de la Academia, supuso el mejor estreno en nuestro país desde 2019 con más de 7,3 millones de euros de apertura y con una cifra récord de 1983 pantallas de estreno en España. A nivel internacional, Avatar: El sentido del agua ya ha superado los mil millones de dólares de recaudación.
En 2022 The Walt Disney Studios fue el estudio número 1 a nivel mundial con una taquilla global de 4,9 mil millones de dólares, 2 mil millones en Estados Unidos y 2,9 mil millones en el mercado internacional, con 16 películas estrenadas en cines. Esto marca el séptimo año consecutivo que The Walt Disney Studios ha sido el número 1 en la taquilla mundial (2016-2022), según datos de Comscore.
Ambientada más de una década después de los acontecimientos de la primera película, Avatar: El Sentido del Agua comienza a contar la historia de la familia Sully (Jake, Neytiri y sus hijos), los problemas que les persiguen, los esfuerzos que hacen para mantenerse a salvo, las batallas que libran para seguir vivos y las tragedias que sufren.
Dirigida por James Cameron y producida por Cameron y Jon Landau, la producción de Lightstorm Entertainment está protagonizada por Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Kate Winslet. El guion es obra de James Cameron, Rick Jaffa y Amanda Silver. La historia es de James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, Josh Friedman y Shane Salerno. David Valdes y Richard Baneham son los productores ejecutivos de la película.
Este miércoles 4 de enero se estrena exclusivamente en cines M3GAN, la última película producida por James Wan y Jason Blum. Dirigida por Gerard Johnstone (Housebound), la cinta presenta en la gran pantalla a M3GAN, una muñeca robótica capaz de adoptar comportamientos humanos y proteger al niño con el que se vincula, pero que cuando decide actuar por libre puede convertir cualquier situación en una pesadilla.
Sinopsis de M3GAN
No es solo un juguete. Es parte de la familia.
M3GAN es una maravilla de la inteligencia artificial, una muñeca realista programada para ser la mejor compañera de los niños y la mayor aliada de los padres. Diseñada por Gemma (Allison Williams de Déjame Salir), una brillante robotista de una compañía de juguetes, M3GAN es capaz de escuchar, observar y aprender mientras se convierte en amiga, profesora, compañera de juegos y protectora del niño al que se vincule.
Cuando, inesperadamente, Gemma se convierte en la cuidadora legal de Cady (Violet McGraw, La maldición de Hill House), su sobrina huérfana de 8 años no sabe muy bien qué hacer ni se siente preparada para ejercer de madre. Sometida a un intenso estrés laboral, Gemma decide vincular su prototipo de M3GAN a Cady en un intento por resolver ambos problemas…, pero no tardará en descubrir las inimaginables consecuencias de su decisión.
Cuenta con guion de Akela Cooper (Maligno, La monja 2) basado en una historia de Cooper y James Wan.
La película también cuenta en su reparto con Ronny Chieng (Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos), Brian Jordan Alvarez (Will & Grace), Jen Van Epps (Cowboy Bebop), Lori Dungey (El señor de los anillos: La comunidad del anillo, versión extendida) y Stephane Garneau-Monten (Straight Forward).
Universal Pictures y Blumhouse presentan una producción de Atomic Monster en asociación con Divide/Conquer. La producción ejecutiva de la cinta corre a cargo de Allison Williams, Mark Katchur, Ryan Turek, Michael Clear, Judson Scott, Adam Hendricks y Greg Gilreath.
Desde este miércoles 28 de diciembre, encontramos en cartelera la última película de terror en llegar a los cines en 2022: Reza por el diablo (Prey for the Devil). Está dirigida por Daniel Stamm, responsable de El último exorcismo(2010), quien vuelve a trabajar esta temática.
Protagonizada por Jacqueline Byers, cuenta también en el reparto con la nominada al Óscar Virginia Madsen, quien ya se enfrentó a los demonios en Exorcismo en Connecticut (2009).
En el filme, en respuesta al aumento global de posesiones, la iglesia católica reabre las escuelas para capacitar a los sacerdotes en el rito del exorcismo. Y, aunque las monjas lo tienen prohibido, un profesor accede a formar a la hermana Ann. Decidida a erradicar el mal, Ann pronto se da cuenta de que el Diablo la tiene justo donde la quiere.
Vivimos en un mundo de apariencias, donde cuidamos con cautela la imagen que transmitimos al exterior. En ocasiones como medida de protección, para esconder nuestras debilidades, o bien como disfraz para ocultar aquellos aspectos de nuestra personalidad que creemos que pueden ser juzgados y rechazados por la gente que nos rodea. La propia sociedad nos marca un itinerario moral sobre el bien y el mal y, en base a esto, intentamos aplacar, acallar, neutralizar aquellos elementos de nuestra personalidad que están consideramos perjudiciales o tabú.
EL MAL
Desde los orígenes de la humanidad, el arte se ha convertido en un refugio para estos monstruos de nuestra identidad. Les hemos dado apariencias grotescas, feas, aterradoras, maniqueas y las hemos utilizado desde el distanciamiento para poder, de una manera ficticia, liberar a nuestras bestias interiores. La Mantícora fue una de estas representaciones. Creada por la mitología persa, esa figura con cabeza humana, cuerpo de león y cola de serpiente, denominada “la devoradora de hombres”, pasó en la Edad Media a convertirse en la encarnación del mal, ocupando una simbología especial en las ilustraciones de los manuscritos.
En la actualidad, ese desdoblamiento de la personalidad ha encontrado en la tecnología otro modo de expresión. Los llamamos “avatares”. La creación de mundos virtuales nos permite reconstruir a la carta nuestra representación, permitiéndonos modificar no sólo nuestra apariencia, sino también los rasgos de nuestra personalidad o liberando a aquellos elementos que hemos mantenido ocultos. El mundo virtual es una quimera, un espacio ficticio, por lo que está liberado de los condicionamientos morales de nuestro entorno físico y, por regla general, cuando las barreras morales caen, el ser humano desata sus instintos más atroces.
El nuevo trabajo de Carlos Vermut, titulado precisamente Mantícora, es una película que habla sobre la monstruosidad desde su perfil más humano, atreviéndose a trasgredir otro de los dogmas infranqueables de nuestra sociedad, la compasión y la empatía hacia una de las mayores monstruosidades que podamos imaginar como colectivo.
PULSIONES
El protagonista es un diseñador de criaturas para videojuegos que oculta y, al mismo tiempo, trata de combatir sus instintos pedófilos. En este caso, nuestro monstruo no tiene una apariencia horrenda, sino que se confunde con uno más de nosotros. Julián es un joven con talento, amable, simpático, introvertido y de escasa vida social, salvo con sus compañeros de trabajo. ¿Es esta apariencia su avatar para evitar el castigo de la sociedad? Podemos decir que la única vez que apreciamos su verdadera apariencia es a través del dibujo que realiza el joven Cristian, quien le retrata como un tigre con cabeza humana (similar a la Mantícora), pero carente de avisos de precaución ya que llega a través de la mirada desprejuiciada de un niño.
Habituado a desenvolverse en realidades alternativas, el protagonista transfiere su deseo primero en un avatar virtual creado con el software que usa para su trabajo, y posteriormente en la figura de Diana, joven adulta, pero de aspecto aniñado y que recuerda precisamente al niño vecino de Julián. En este caso, los avatares no son creaciones propias para desarrollar personalidades alternativas, sino sustitutos afectivos o sexuales del objeto de deseo prohibido. Todo con la finalidad de poder desarrollar este instinto de una manera socialmente aceptable.
COMPASIÓN
En esta sociedad preocupada por la protección de la infancia, Vermut nos coloca en la posición de profundizar, conocer y hasta empatizar con la figura de un pedófilo, construyendo un discurso complejo donde el monstruo a su vez recibe rasgos que lo humanizan y nos transmiten su conflicto y su dolor. Empatizar con Julián no nos hace cómplices de su deseo, no justifica la pedofilia, ni siquiera le aporta atractivo, pero si aporta al personaje una personalidad más poliédrica.
Al contrario de lo que promulgaba M. El Vampiro de Düsseldorf, el asesino no ESTÁ entre nosotros, como un infiltrado, sino que ES uno de nosotros. En este caso, aunque comparte con la cinta de Fritz Lang ese discurso de que el monstruo también es un ser humano, con todo lo que ello conlleva, la mirada de Vermut nos recuerda más a la de un primigenio Atom Egoyan, con sus personajes socialmente alienados y atormentados por sentir y desear cosas que la sociedad ha prohibido o prefiere esconder.
DESNUDO
Pese a lo aún breve de su filmografía, Carlos Vermut ha demostrado tener un personalidad bien marcada y debatirse siempre en conflictos que pone en cuestión nuestra moralidad. Aquí el cineasta se distancia del artificio que formaba parte del discurso de Magical Girl o Quién me Cantará, y regresa a una mirada más cruda como la de Diamond Flash. A esto se suma un empeño por desprender su narrativa de cualquier componente gratuito, depurando su puesta en escena y desnudando los planos, pero aún así cargándolos de contenido.
Mantícorano es una película explícita, ni en los aspectos más morbosos de la historia (siempre relegados a elegantes fuera de planos, como el inteligente uso que se hace de las gafas de realidad virtual), ni en el carácter explicativo de su narrativa. Hasta llegar al clímax final todo el discurso de la cinta se va trabajando a base de subtexto, en ocasiones de manera más discreta que otras (de ahí lo devastador de su epílogo final). A todo esto contribuye el uso de la fotografía y la ausencia premeditada de música extradiegética, únicamente presente en los créditos finales.
Mantícora, de Carlos Vermut.
Esto se aplica también a las interpretaciones. Tanto Nacho Sánchez (sublime) como Zoe Stein (lidiando con éxito con un papel ingrato, que sólo cobra sentido al final de la película) ofrecen también una interpretación depurada, que evita en todo momento cualquier rasgo histriónico o excesivamente dramático que saque a sus personajes de esa urna de cristal, aséptica con le exterior, en la que se desenvuelven.
EL BUEN CIERRE
Con MantícoraCarlos Vermut se reafirma como uno de los cineastas más interesantes, sugerentes y personales de nuestro cine, con un discurso propio e intransferible que le coloca en un plano diferenciador.
Por su parte, Mantícoraviene a cerrar con broche de oro uno de los años más logados del cine español reciente y se eleva a uno de los estrenos más destacados de este 2022.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), el evento del género más antiguo de Europa, dirigido por el aclamado compositor y director de orquesta Diego Navarro, presenta las fechas de su decimoséptima edición que tendrá lugar del 30 de junio al 16 de julio de 2022. El festival cuenta con el apoyo del Cabildo de Tenerife, los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife, San Cristóbal de La Laguna y Gobierno de Canarias, entre otras entidades públicas y privadas.
Conciertos sinfónicos
El mundo de los cómics y sus protagonistas, héroes y villanos, que tanto han inspirado al audiovisual a lo largo de la historia, centrará este año la programación de FIMUCITÉ y será el leitmotiv de sus grandes conciertos sinfónicos que tendrán lugar en el Auditorio de Tenerife el viernes 14 y el sábado 15 de julio. Las épicas bandas sonoras de los universos cinematográficos de Marvel y DC estarán representados en el repertorio que interpretará la Orquesta Sinfónica de Tenerife, bajo la batuta de Diego Navarro y otros directores invitados.
Se trata de la temática prevista para la edición 2020 y que no se pudo llevar a cabo por el inicio de la pandemia. La crisis sanitaria obligó entonces a actuar en consecuencia y modificar el leitmotiv del festival para poder celebrar aquella edición de modo presencial, siguiendo el protocolo de seguridad y limitaciones de aforo.
Muy pronto se darán a conocer los primeros invitados que visitarán Tenerife este año con motivo del festival y otras novedades de FIMUCITÉ 17, que desplegará su programación de conciertos en el Teatro Leal y el antiguo Convento de Santo Domingo, en La Laguna, y en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife, además del mencionado Auditorio de Tenerife.
Entre las actividades paralelas, se desarrollará un nuevo curso de la reconocida FIMUCITÉ Film Scoring Academy (Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales) y una nueva entrega de la sección oficial a competición FIMUCINEMA, entre otras.
Cada mes de diciembre, por estas fechas, llega la eterna pregunta irresoluta, que no es qué fue primero el huevo o la gallina, sino si La Jungla de Cristales o no es una película navideña. Argumentos a favor y en contra hay de todo tipo, pero este año el equipo formado por Kelly McCormick, Guy Danella y David Leitch (John Wick (Otro día para matar), Deadpool 2o Nadie) han querido añadir más leña al fuego y posicionarse claramente en lo que respecta a esta disquisición. Con un guion escrito por Pat Casey y Josh Miller, han cogido los ingredientes de la cinta original de John McTiernan y los han fundido con referencias a otras películas canónicamente más consideradas como navideñas (Solo en Casaa la cabeza), dejando claro que las diferencias entre ambas no son tan distantes como podríamos pensar en un primer momento.
HO HO HO AHORA TENGO UNA AMETRALLADORA
No es la primera vez que se subvierte la imagen amable y bonachona de Papá Noel dentro del cine fantástico, terror o de acción. Versiones de San Nicolás más cercanas a Krampus han poblado el cine muchísimas veces y aquella versión modernizada de Cuento de Navidad de Richard Donner y Bill Murray que en España titulamos horrorosamente Los Fantasmas Atacan al Jefe, ya se introducía una parodia de ese Santa armado hasta los dientes enfrentándose a un grupo terrorista.
Tampoco es novedosa esa imagen de Papá Noel malhablado y borrachuzo, ahí la palma se la llevó Billy Bob Thorton con su Bad Santa. Sin embargo, no podemos negar que gran parte del encanto de la película reside en su actor protagonista, un David Harbour que se lo pasa en grande representando a esa Santa cansado y desencantado que en el transcurso de una Nochebuena deberá redescubrir el sentido de la Navidad, por las malas. La cinta se aleja de la leyenda de Nicolás de Bari y conecta a este Santa con una pasado como saqueador vikingo llamado Nicolás el Rojo, lo que ya justifica la vertiente más salvaje y agresiva que vemos en la película. Santa se vuelve así un héroe de acción, muy en la línea de McLane, es decir, pese a todo, falible, vulnerable y con una visión cínica de la vida.
Noche de Paz, de Tommy Wirkola. Universal Pictures
LAS LOCAS NAVIDADES DE UNA CHIFLADA FAMILIA AMERICANA
Evidentemente, aquí encontramos una historia familiar, de reunión navideña, entre parientes motivados más por el egoísmo y el chantaje sentimental que por el verdadero espíritu de la Navidad, que van desde el matrimonio al borde del divorcio, la madre castradora, los hermanos enfrentados, el yerno pedante o el nieto influencer. Ahí destaca el personaje más inocente de todos, Trudy, una niña que aún cree en Santa Claus y que, una vez entren los terroristas en la casa, pasará a convertirse en un remedo del Kevin McCallister de Solo en Casa.
Por otro lado, le damos punto extra a la película por el guiño de escoger a Beverly D’Angelo como matriarca de la familia. La que fuera Ellen Griswold en la saga de National Lampoon coprotagonizada con Chevy Chase vuelve aquí a enfrentarse a una Navidad en familia y a soportar a parientes insufribles. En este sentido, la película está repleta a de guiños cinéfilos a cintas navideñas que enriquecen el carácter sarcástico que marca todo el metraje.
Noche de Paz, de Tommy Wirkola. Universal Pictures
YIPPEE KI-YAY
La banda de atracadores que asaltan la casa de los Lightstone en plena Nochebuena es también un remedo de Hans Gruber y compañía en La Jungla de Cristal. El hecho de ser un equipo altamente preparado, con personajes de lo más característico para que el espectador los sepa distinguir y cuyo objetivo final sea abrir una caja fuerte de alta seguridad para hacerse con un desorbitado botín no deja resquicio de duda de por dónde van los tiros (nunca mejor dicho).
John Leguizamo construye un villano con fuerte personalidad y que consigue sortear uno de los riesgos del personaje, que era caer en la patochada y en la parodia cartoonesca. Por muy surreal que se vuelva la acción, este personaje es de los pocos que no transforma su esencia a medida que van certificando la identidad de Santa Claus. Esto ayuda a mantener la intensidad de la acción y la vulnerabilidad de los dos antagonistas hasta el último momento.
Noche de Paz, de Tommy Wirkola. Universal Pictures
FELIZ NAVIDAD, GUSANO MISERABLE
Noche de Pazes un divertimento de acción que no sólo homenajea al actioner de los 80, sino que mantiene la continuidad con la línea de cine de acción físico marcada por sus productores. La película está plagada de acción desaforada, donde se potencia los enfrentamientos cuerpo a cuerpo, sin abusar de los efectos digitales o al menos de su uso más hiperrealista y fantasioso (sí, a pesar de que el protagonista sea Papá Noel).
Si bien en ese sentido, la cinta refleja la personalidad de sus productores, la elección del noruego Tommy Wirkola (la franquicia Zombis Nazis o “Hansel & Gretel: Cazadores de Brujas) en la dirección también se hace notar. Más vinculado al género fantástico y con especial predilección por el festín gore, el cineasta aporta a la película su particular gusto por la comedia negra y la casquería, llevando la película por una línea más truculenta de lo que podríamos esperar en una producción de este calibre. La acción está salpicada de una guarnición de sangre y vísceras realmente agradecida y que, por lo chocante y excesivo en ocasiones, no puede más que derivar en la carcajada en el espectador.
CHRISTMAS ROCK
La música juega un papel determinante también en la película. Por un lado, como es de prever, la cinta recopila un conjunto de canciones de temática navideña que no sólo van con la ambientación, sino que contrastan con la acción, de la misma manera que lo hicieran el uso de “Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!” de Vaughn Monroe o el “Jingle Bell Rock” de Bobby Helms en La Jungla de Cristaly Arma Letal, respectivamente. Así, la música crea un efecto cómico al compaginarse con la brutalidad de la acción. Por otro lado, la partitura de Dominic Lewis, sin llegar a ser referencial, acusa un homenaje al estilo de la música de acción marcada por Michael Kamen en los 80, donde destaca el gran uso de la orquestación y, especialmente, el protagonismo de los metales. Nada que ver con el sonido zimmeriano y la profusión de la electrónica que impera en la música para el cine actual.
Y PRÓSPERO AÑO NUEVO
Noche de Pazno engaña a nadie. Se trata de un divertimento jocoso, que canibaliza de manera disfrutable los títulos que toma como referencia. Es cierto que la cinta acusa irregularidades en su guion, descompensación en la construcción de personajes, claras diferencias interpretativas dentro del reparto o ciertas pérdidas de ritmo a lo largo del metraje; sin embargo, eso no quita para que el resultado final cumpla con su función, lograr que el espectador pase un rato de diversión, distraído desprejuiciado y sin mayores ambiciones.
Póster Noche de Paz, de Tommy Wirkola. Universal Pictures
