El terror de nueva hornada está dando este 2024 mucho que hablar y siguen llegando avances de propuestas de la compañía Neon, que se caracterizan por su originalidad más allá de remakes, secuelas y adaptaciones. Además de Longlegs, el thriller psicológico de Oz Perkins protagonizado por Nicolas Cage, Alicia Witt y Maika Monroe, de estreno en julio en Estados Unidos, y la más próxima Inmaculate, con el actor gaditano Álvaro Morte (el Profesor en La Casa de Papel) y la estrella del momento Sydney Sweeney, que llega a los cines el 1 de mayo, una de sus producciones más esperadas es Cuckoo.
Tras su première internacional el pasado febrero en el Festival de Cine de Berlín y su reciente paso por dos de los eventos clave del fantástico en Estados Unidos, el South by Southwest de Austin (Texas) y el Overlook Film Festival de Nueva Orleans, esta misma semana como película de apertura, ha sido liberado un primer tráiler que convencerá a los aficionados a las emociones fuertes.
Del cineasta alemán Tilman Singer, responsable del terror sobrenatural Luz(que se pudo ver en Sitges, dentro de la sección Noves Visions de la edición 2018), está protagonizada por Hunter Schafer, conocida por Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes(2023) y la serie Euphoria(2019). Le acompañan en el reparto Dan Stevens (Godzilla y Kong: El nuevo imperio), Jessica Henwick (Matrix Resurrections), Marton Csókás (Freelance), las actrices catalanas Greta Fernández y Astrid Bergès-Frisbey, y Jan Bluthardt, quien repite a las órdenes del director después de su ópera prima.
Sinopsis de CUCKOO
Es la historia de Gretchen, de 17 años, quien deja su hogar en Estados Unidos para vivir con su padre, que acaba de mudarse a un centro turístico en los Alpes alemanes con su nueva familia. Al llegar a la residencia, son recibidos por el señor König, el jefe de su progenitor, quien se interesa inexplicablemente por la hermanastra muda de Gretchen, Alma. Algo no parece ir bien en este tranquilo paraíso vacacional, que se tornará en pesadillesco, como otros resorts en torno a los que han girado las historias de películas como El resplandor (tanto en la versión de Stanley Kubrick como en la de Mick Garris), Tiempode M. Night Shyamalan o Infinity Poolde Brandon Cronenberg.
El argumento se basa en las creencias populares alrededor del pájaro cuco que acompañan a que algunas de sus especies son parásitos de cría, y ponen sus huevos en los nidos de otras especies. En la ficción, Gretchen tendrá que enfrentarse a un misterioso y aterrador monstruo, con apariencia de ave, que busca embarazar a las mujeres para engendrar un ente maligno, mientras descubre un impactante secreto que también concierne a su propia familia.
Su estreno en cines norteamericanos está previsto para el mes de agosto, mientras que en España no hay fecha prevista para su lanzamiento en salas comerciales.
Vivimos en la época de la posverdad, algo incentivado por las redes sociales y que se ha convertido no sólo en un discurso que promueve ideas o conceptos erróneos, sino a su vez también peligrosos cuando afecta a nuestra salud. La posverdad se basa en la idea de que todo es relativo y opinable, y que una opinión infundada tiene la misma validez que otra empíricamente demostrada.
Escrita (de manera conjunta con Géraldine Bajard) y dirigida por Jessica Hausner, Club Zero es una sátira social que escenifica los riesgos de este tipo de situaciones, especialmente cuando afectan a conceptos nutricionales. Mia Wasikowska interpreta a una profesora, especializada en un método revolucionario de nutrición, que llega nueva a un centro educativo de élite, donde va a aplicar su método con un grupo de sus alumnos.
Estos irán introduciéndose cada vez más en un método de alimentación consciente, una técnica a través de la cual la persona que la aplica consigue saciar su hambre comiendo cada vez menos y cuyo objetivo es prescindir totalmente de la comida. La profesora adorna todo con un discurso pseudo científico con el fin de justificar que el cuerpo puede subsistir sin alimentos y que el hambre viene provocada por una adicción del cuerpo a la comida, además de ser una agresión contra el alimentación consciente. Podríamos decir que esto forma parte de la sátira de la película y que todo forma parte de una exageración paródica de la guionista y directora; desgraciadamente, ese mismo discurso lo podemos encontrar en redes como uno de los ejemplos de la posverdad.
En clave de thriller psicológico
La cinta no sólo habla de los peligros de esta posverdad, sino que lo contextualiza en una sociedad permisiva y buenista, temerosa de ofender o ir en contra de las opiniones de los demás. Mientras los alumnos van evidenciando los efectos de la falta de alimento en el grupo de adolescentes, dos de los principales pilares sociales, la familia y el centro educativo, abordan el problema de manera tibia, sin poner verdaderamente cartas en el asunto y perdiéndose en circunloquios absurdos con el fin de no romper el equilibrio social. El elitismo se convierte en uno de los elementos desencadenantes. Al ufanarse en favorecer un espacio progresista, abierto, favorecedor de las más avanzadas teorías pedagógicas y sociales, educadores y progenitores abandonan toda objetividad, incapaces de poner parapeto a las enseñanzas de la nueva profesora.
Como punto de partida, Club Zeropresenta un discurso potente y agresivo, irreverente y demoledor, sirviendo el microcosmos de este centro educativo y las familias que lo componen una metáfora de nuestra sociedad moderna y nuestra incapacidad para desmantelar los mitos de la posverdad.
Desgraciadamente, en nuestra opinión, no se le da un desarrollo profundo al concepto de partida, dando más la sensación de estar ante un cortometraje alargado ante la impericia de sus autoras de dar más vuelo a las premisas de su argumento. Esto provoca a su vez un ritmo narrativo mortecino, argumentalmente redundante en varios momentos. El interés de la propuesta se va diluyendo a medida que avanza la película, llegando a una conclusión que resulta muy insuficiente.
Reparto de Club Zero
En el apartado interpretativo, encontramos consistencia en el reparto, con especial interés por el papel de Mia Wasikowska, pero también secundarios como Sidse Babett Knudsen, como la directora del centro, o Amanda Lawrence, la única madre que no pertenece al círculo social de élite de las familias del instituto. Sin embargo, el desarrollo de personajes cae en esa incapacidad de la película por llevar más allá sus planteamientos, por lo general, quedándose en la mera caricatura.
Club Zero es una propuesta valiente, arriesgada y provocadora, pero no está a la altura de sus ambiciones. En nuestra opinión, como película se queda a medio camino, limitándose a rascar la superficie del ambicioso tema que quiere abordar.
Club Zero formó parte de la Sección Oficial Fantàstic a competición del Festival de Sitges, donde logró el premio a la Mejor Música para Markus Binder
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), el evento del género más antiguo del mundo, fundado y dirigido por el compositor y director de orquesta Diego Navarro, alcanza su mayoría de edad con una nueva edición que sorprenderá a los aficionados al cine y la música, gracias al apoyo como máximo patrocinador del Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, junto a los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna y el Gobierno de Canarias, entre otras entidades públicas y privadas. El tema elegido para esta edición, que tendrá lugar entre el 5 y el 20 de julio, son los musicales y sus míticas adaptaciones cinematográficas.
Desde que el cine sonoro entró en escena, el musical ha acompañado su historia, con clásicos memorables como ‘El mago de Oz’ (1939), ‘Cantando bajo la lluvia’ (1952), ‘West Side Story’ (1961) o ‘Cabaret’ (1972). Además, en los últimos años hemos asistido a un renacer con nuevas y aplaudidas propuestas, entre las que brillan títulos como ‘Moulin Rouge’ (2001), ‘La La Land’ (2016) o ‘The Greatest Showman’ (2017). A este género que ha alimentado los sueños de Hollywood rinde homenaje FIMUCITÉ en su decimoctava edición, a través de su programación de conciertos y actividades paralelas.
Diego Navarro, director de FIMUCITÉ, anunció la programación de la 18ª edición del festival en su rueda de prensa institucional.
El oscarizado compositor de la banda sonora de La La Land visitará el Festival como invitado de honor
Esta celebración del musical contará con un invitado excepcional: Justin Hurwitz, compositor de la música de ‘La La Land’, por la que logró dos premios Óscar a la mejor banda sonora y a la mejor canción original (‘City of Stars’, reconocimiento compartido con Benj Pasek y Justin Paul). El aclamado autor de las partituras de otros títulos como ‘Whiplash’, ‘First Man’ o ‘Babylon’, se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife en uno de los conciertos clave del programa.
Cine de verano
Para calentar motores, el Festival abrirá sus puertas con un ciclo de cine de verano, de entrada gratuita, que esta vez se desarrollará en la plaza de Residencial Anaga de Santa Cruz de Tenerife. El público podrá disfrutar de la proyección al aire libre de los icónicos musicales ‘Mamma Mía’, ‘West Side Story’ y ‘El Fantasma de la Ópera’, las noches del 4, 5 y 6 de julio. Una iniciativa organizada con el apoyo de la concejalía del Distrito Centro-Ifara del ayuntamiento capitalino y que cuenta con la colaboración de la Fundación Disa.
FIMUCITÉ CABARET
El viernes 12 de julio, La Laguna acogerá un original concierto inaugural que convertirá el Teatro Leal en el ‘FIMUCITÉ CABARET’, con Atelier de Musique, una banda de 7 excelentes músicos liderados por el extraordinario saxofonista Kike Perdomo, a los que se unirá The Vintage Experience, un trío de brillantes cantantes especializadas en repertorio retro. Perdomo prepara arreglos exclusivos, basados en icónicas canciones de emblemáticos musicales como ‘Cabaret’, ‘Moulin Rouge’, ‘Chicago’ o ‘Burlesque’, que se estrenarán en este espectáculo.
Pop Culture Band
Después de diez años de éxitos continuados haciendo bailar al Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife, el sábado 13 de julio la Pop Culture Band, formada por 15 componentes con la excelente dirección musical y arreglos exclusivos de Gonzalo de Araoz, renueva su puesta en escena dentro de FIMUCITÉ con el concierto ‘DON´T STOP BELIEVING!’. El programa ofrecerá canciones de míticos musicales y biopics de músicos y bandas que son leyenda como ‘Fama’, ‘Grease’, ‘Mamma Mía’, ‘Rocketman’, ‘Bohemian Rhapsody’, ‘La Bamba’, ‘Yesterday’, The Rocky Horror Picture Showy otros títulos imprescindibles.
Concierto al aire libre
La noche del jueves 18 de julio la Banda Municipal de Santa Cruz, dirigida por Juan Antonio Domínguez Martín, y una selección de voces solistas, ofrecerán una maravillosa selección de partituras de películas musicales, que harán las delicias del público que se acerque a la Plaza del Príncipe de la capital tinerfeña.
Conciertos sinfónicos
Como marca la tradición, los conciertos sinfónicos en el Auditorio de Tenerife cerrarán el Festival, con la interpretación de la Orquesta Sinfónica de Tenerife.
El viernes 19 de julio FIMUCITÉ proyectará la película ‘La La Land’, mientras se interpreta su banda sonora en directo, perfectamente sincronizada con las imágenes, diálogos y efectos de sonido del filme, bajo la dirección de su compositor Justin Hurwitz. Una nueva experiencia “live-to-picture”, tras el éxito en pasadas ediciones de los conciertos dedicados a Encuentros en la Tercera Fase, donde participó el escritor y periodista Javier Sierra como presentador e invitado estelar, y aDrácula de Bram Stoker, en coproducción con el Festival de Música de Cine de Cracovia.
El extraordinario Polo Ortí, máximo exponente del piano jazzístico en Canarias, será el solista principal de este concierto. La película, que ganó 6 premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, incluidos mejor banda sonora y canción para Justin Hurwitz, se convirtió en un fenómeno mundial y relanzó el género musical en el cine.
La clausura de FIMUCITÉ, con Diego Navarro a la batuta, será un gran fin de fiesta, el sábado 20 de julio, en el que la audiencia asistirá a un viaje a través de los mejores musicales de la historia y sus adaptaciones cinematográficas.
‘A MILLION DREAMS’ recorrerá partituras monumentales y acogerá estrenos mundiales de arreglos sinfónicos de películas como El Mago de Oz, ‘My Fair Lady’, ‘Cantando bajo la lluvia’, ‘Un americano en París’, ‘West Side Story’, ‘El gran showman’, ‘El Fantasma de la Ópera’ o ‘Los Miserables’, con la participación de solistas canarios de primer nivel, como Cristina Ramos, Carmen Acosta, Néstor Galván y Fran León, entre otros.
Actividades paralelas
Además del cine de verano, entre el abanico de actividades paralelas a la programación de conciertos cabe destacar una nueva edición de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy, que arrancó en 2016 y que este año cuenta con el firme apoyo de la Universidad de la Laguna, a través de un acuerdo suscrito con el festival. Esta cita educativa, ofrecerá la oportunidad de escuchar a los invitados del Festival, quienes impartirán clases magistrales centradas en el género de los musicales y los procesos de composición y de escritura de canciones. Estas jornadas, que tendrán lugar las tardes del miércoles 17 y el jueves 18 de julio en el espacio cultural de la Fundación CajaCanarias, estarán abiertas al público general y ofrecerán la posibilidad de optar a créditos universitarios.
Por otro lado, FIMUCITÉ también presentará a principios de julio unas jornadas dirigidas al público juvenil a modo de “campamento de verano”, un acercamiento a la música para el cine a escolares que arrancan sus vacaciones estivales. El programa contempla distintas actividades en las que podrán vivir de primera mano y de manera lúdica la importancia de la música en el audiovisual y del teatro musical.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), referente mundial en su género, cuenta con el apoyo como máximo patrocinador de Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, junto a los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna y Gobierno de Canarias. Asimismo, cuenta con el apoyo de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Auditorio de Tenerife, la colaboración especial de Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación CajaCanarias, Domingo Alonso y AUDI como coche oficial del Festival; y la Fundación Diario de Avisos, el Grupo Plató del Atlántico y la Televisión Canaria como principales media partners. FIMUCITÉ celebra su 18ª edición del 5 al 20 de julio de 2024.
FIMUCITÉ 18 || PROGRAMA DE CONCIERTOS
VIERNES 12 DE JULIO
Teatro Leal de La Laguna
20.30h FIMUCITÉ CABARET
Atelier de Musique (dirigido por Kike Perdomo) y The Vintage Experience
SÁBADO 13 DE JULIO
Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife
20.00h DON’T STOP BELIEVING!
The Pop Culture Band
JUEVES 18 DE JULIO
Plaza del Príncipe (Santa Cruz de Tenerife)
20.00h MUSICALES AL AIRE LIBRE
Banda Municipal de Santa Cruz de Tenerife
VIERNES 19 DE JULIO
Auditorio de Tenerife (Santa Cruz de Tenerife)
19.30h LA LA LAND LIVE-TO-PICTURE
Orquesta Sinfónica de Tenerife
SÁBADO 20 DE JULIO
Auditorio de Tenerife (Santa Cruz de Tenerife)
19.00h A MILLION DREAMS
Orquesta Sinfónica de Tenerife
Amazon Prime ha estrenado directamente en su plataforma (cosa que no ha gustado nada a su director Doug Liman) Road House, remake de la película de 1989 De Profesión: Duro, protagonizada por un Patrick Swayze en la cresta de la ola de Dirty Dancing.
De Profesión: Duro (1989)
La cinta original era un actioner producido por Joel Silver, quien reciclaba aquí muchos componentes de sus producciones anteriores, responsables de marcar en gran parte el tono y la estética del actioner ochentero, como Commando, Arma Letalo La Jungla de Cristal. En contra del discurso reciente, De Profesión: Durono es ni un clásico de los 80, ni una película de culto (salvo quizás por su banda sonora y las canciones de Jeff Healey). En taquilla no le fue mal, de un presupuesto de 15 millones de dólares, recaudó en todo el mundo 61 millones, pero desde luego está lejos de la producción de Silver justo anterior, La Jungla de Cristal, que, con 28 millones de presupuesto, había recaudado 143 millones. Donde si tuvo una segunda vida la película fue en los videoclubs. El tono macarra de la cinta, la fama de Swayze, quien además mostraba palmito en toda la película, las peleas cuerpo a cuerpo, la música y la atmosfera de western contemporáneo hizo que la película se convirtiera en un número uno de alquiler y que a día de hoy mantenga un buen recuerdo como entretenimiento de segunda fila, detrás de los verdaderos clásicos y películas de culto de los 80.
Con una trama que muchos han comparado con Raíces Profundas, la película partía de un guion delirante. Ya sólo el héroe, doctorado en filosofía, pero que se gana la vida como segurita de bar, experto en artes marciales y con un código de honor ancestral, no deja demasiado espacio para la verosimilitud. El villano también era de traca, un Ben Gazzara disfrutando de su rol de villano sin complejos, rodeado de una panda de matones de lo más estrambótico. La fauna que se reúne en el bar tampoco se quedaba corta o aquel Sam Elliot en plan sensei crepuscular.
Al final, lo único que realmente chirriaba era el personaje de la chica, interpretada por Kelly Lynch, demasiado inteligente, razonable y civilizada como para mezclarse con todos los demás. Tras la cámara, Rowdy Herrington, un realizador con menos galones que Richard Donner o John McTiernan, pero que cumple con el encargo. Dicho así, puede parecer que estamos hablando de un horror de película, pero no. De Profesión: Duro respondía al espíritu del momento y, sin ponerle estrellas que no le corresponden, sí resultaba un entretenimiento muy disfrutable. Todo en la película resultaba gratuito (la violencia, los desnudos, los giros de la trama), pero amenizaba, que era su función.
Dalton, el protagonista era un remedo de Martin Riggs, también psicológicamente torturado, pero sin instinto suicida. La música de Michael Kamen, todo un clásico del género, recurría a los solos de guitarra, pero también a la fastuosa orquestación de metales propia de La Jungla de Cristalo Arma Letal. Como comentábamos antes, al desarrollarse la acción en un bar de carretera, la presencia de la banda de música es constante, dando un espléndido protagonismo a Jeff Healey, cuyas versiones de clásicos del rock y el rhythm’n’blues se convierte en lo mejor de la función.
Road House por Doug Liman
Ahora nos llega esta nueva versión actualizada al siglo XXI, pero que mantiene el encanto de los 80. Le falta irreverencia, le falta el descaro y la gratuidad de entonces, pero, por lo general, nos parece una digna revisión de la original, partiendo del hecho de que no viene a ocupar el espacio de una película fundacional de nada, ni clásico del séptimo arte.
Como en la anterior, esta nueva versión lo que procura es entretener, distanciándose lo suficiente de la original para no parecer una fotocopia, pero recuperando parte de su espíritu.
Aquí la partitura de Christophe Beck brilla menos que la de Kamen y resulta más rutinaria, pero todo el apartado de música rock (aquí desarrollado por diferentes bandas) es extraordinario y vuelve a situar la música en primera fila.
Si en la versión del 89 podíamos decir que Dalton era una especie de samurai, regido por un código de honor; en esta nueva versión, el protagonista interpretado por Jake Gyllenhaal es más bien un ronin, un guerrero que ha perdido su destino y que vive errante hasta encontrar el momento de redimirse. Aquí el pasado de Dalton tiene más desarrollo que en la anterior y cumple un valor narrativo en el desarrollo del personaje. Gyllenhaal se mete de lleno en el papel. No sólo físicamente cumple de sobra con los requerimientos del personaje, sino que refleja bien ese componente de llanero solitario, de guerrero errante, invencible, pero que evita en la medida de los posible y sin éxito la violencia.
Road House. (c) Amazon Prime
Secundarios entrañables
La cinta cuenta también con un conjunto de personajes secundarios que resultan entrañables, tanto en el bando de los buenos como en el de los villanos, aunque a Billy Magnussen le falta caché para medirse con Ben Gazzara.
Mención aparte merece Conor McGregor, luchador irlandés de artes marciales mixtas en la vida real y que aquí hace de sicario psicópata. Pasado de histrionismo, con escasas dosis de habilidad interpretativa, McGregor no encaja en la película, y su personaje era perfectamente eliminable. Sin embargo, se convierte en el componente más delirante, irreverente y puramente ochentero de la película. Sus dos peleas con Gyllenhaal son lo más desmedido de toda la cinta, máxime cuando ambos intérpretes prescindieron del uso de dobles.
La puesta en escena de Liman es vibrante y dinámica, con un complejo trabajo de montaje detrás. Nuestra pega a la película va más para aquellos momentos, sobre todo en su tercio final, cuando abandona el guiño ochentero y canibaliza su hiperevolución winstrolada al estilo A Todo Gas.
Esta nueva Road Houseno va a ser un clásico, ni una película de culto, ya no hay videoclubs y no sabemos qué vida va a tener en la plataforma de Amazon; pero, como su precedente, lo que pretende es entretener y mantenernos dos horas enganchados a la pantalla, y eso lo cumple.
En 1984, cuando se estrenó Cazafantasmas, hubo un pequeño, nimio, malentendido. En plena ola del cine juvenil y de aventuras, la película se incluyó dentro de un lote de películas entendidas como entretenimiento familiar, cuando, a lo mejor (y sobre todo desde una perspectiva actual, no tan laxa a la hora de calificar los contenidos permitidos a menores), aquello no estaba pensado para que lo vieran mentes infantiles. Esto dicho sin crítica, ni acritud, pero sí es cierto que títulos que aquellos que estamos en la generación entre los 40 y los 50 vimos en el cine, hoy no se podrían poner a nuestros hijos.
En el caso de Cazafantasmas, la película contaba con un grupo de humoristas salidos de programas de humor como Saturday Night Live, con un humor irreverente, cáustico y procaz. En la película, Ray, interpretado por Dan Aykroyd, tenía sueños húmedos con un fantasma y aquello de la ‘Guardiana de la Puerta’ y el ‘Maestro de las Llaves’, como metáfora sexual, no era nada discreta. Por otro lado, la película, definida como ‘comedia sobrenatural’, contaba con algunas concesiones al terror que, para determinadas edades imberbes, podían resultar un tanto chocantes. Estos elementos fueron ampliamente suavizados en las diversas secuelas que ha tenido la cinta original. Esto es perfectamente patente en las dos últimas entregas, entendidas como secuela/ reboot, ya que, aunque forman parte de la continuidad clásica (no como Cazafantasmasde 2016), el protagonismo principal se ha traspasado a nuevos personajes que han recogido el testigo, introduciendo un factor mucho más familiar.
FAMILIA SPENGLER
En la familia Spengler está de vuelta en Nueva York, ocupando la sede original de sus predecesores. Estos irán apareciendo en base a un doble baremo: caché y nivel de implicación en la franquicia (Aykroyd sigue sintiéndose muy apegado a la historia y los personajes, siendo el único de los tres creadores originales que permanece vivo, mientras que Bill Murray sólo pasaba por ahí). En esta ocasión, mientras los Cazafantasmas intentan evitar la liberación de una entidad sobrenatural milenaria llamada Garraca, tendrán que lidiar con varios conflictos de corte familiar que van desde la entrada en la adolescencia de Phoebe (Mckenna Grace) a la falta de definición del rol dentro de la familia de Gary (Paul Rudd).
LA NUEVA GENERACIÓN
Esta nueva entrega vuelve a venir de la mano de la pareja creativa formada por Jason Reitman (hijo de Ivan Reitman, director de las dos primeras entregas de la franquicia, fallecido en 2022 y a quien va dedicada la película) y Gil Kenan (director de Monster House o Ember: La Ciudad Perdida). Si Cazafantasmas. Más Allávenía firmada por el primero, en esta ocasión, la silla de dirección está ocupada por el segundo, aunque en ambas ocasiones, el guion está escrito a cuatro manos y se ve que las decisiones creativas son compartidas.
Como en la anterior, la película se apoya enormemente en el factor nostalgia, aunque en este caso, en nuestra impresión, con resultados mucho más forzados que en la anterior (esa gratuita aparición el espectro de la bibliotecaria). El propio diseño de producción de Eve Stewart es una extensión del original, al igual que la música de Dario Marianelli, que se nutre de los temas de Elmer Bernstein, poniendo, en ambos casos, excesivo empeño en fijar la mirada en el pasado.
CRUZANDO LOS RAYOS
La película resulta un entretenimiento ligero, con algunas secuencias que saben mantener bien el ritmo entre la acción, el humor y los personajes, pero con tramos donde pierde bastante fuelle, cayendo incluso en el aburrimiento. Y es que la cinta arrastra varios inconvenientes. El primero y más alarmante es la saturación de personajes. No son sólo la suma de los cazafantasmas clásicos y los nuevos, es la introducción de nuevos personajes propios de esta trama o la recuperación de algunos clásicos como William Atherton (que recupera su rol de Walter Peck, ahora alcalde de Nueva York). Todo esto hace que, para poder a cada cual su espacio, se ralentice mucho el desarrollo de la trama y la acción. Por otro, el escaso interés por la trama principal. Garraca es un villano sin entidad ninguna, sin diálogo, y con escasa presencia en pantalla, sirviendo la mayor parte del metraje como mera introducción estirada del clímax final.
¿A QUIÉN VAS A LLAMAR?
Aunque la nostalgia enternece y nos gustaría que la franquicia gozara e mucha vida para seguir trayendo nuevas aventuras, lo cierto es que, más allá del cariño y el entretenimiento leve que aporta esta película, a estos cazafantasmas les falta espíritu, les falta la irreverencia original y quedan como un producto acomodaticio y gratuito, más preocupado por el pasado del que viene que por el futuro al que se dirige.
Eduardo Noriega, Premio Isla Calavera de Honor 2023 por su trayectoria, ya anunció hace unos meses en su paso por el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna que su próximo trabajo sería una película de terror, El árbol y el ruiseñor.
Precisamente esta semana veían la luz las primeras imágenes del rodaje del thriller sobrenatural, dirigido por el cineasta zaragozano Miguel Ángel Lamata, que se desarrolla en una finca en Castralvo, un barrio rural de Teruel. La película, adapta un relato escrito por Mayte Navales, finalista del Premio Minotauro en 2016 por su novela de fantasía ‘La última bruja’, su ópera prima. La autora firma el guion de este proyecto, que también cuenta en el reparto con Amaia Salamanca, quien ya ha trabajado anteriormente con el director en Tensión sexual no resuelta y Nuestros amantes, donde coincidió por primera vez con Noriega. La actriz madrileña interpreta a Rosa Martín, una cantautora de nombre artístico la Ahorcada, que acaba con su propia vida en el jardín de Fran, un hombre que la trató como un objeto sexual. Su fantasma se queda en la mansión de su amante, negándose a ser ignorada y dispuesta darle una lección. Tanto es así, que su obsesión convertirá la vida de Fran y su familia en un auténtico infierno. Pero Pati, la hija pequeña del desdichado, tiene la capacidad de comunicarse con los espíritus que rondan el Más Allá y, en una espiral de horror y muerte, tendrá que enfrentarse al fantasma para salvar a su padre.
Reparto de EL ÁRBOL Y EL RUISEÑOR
En el elenco, también figuran otros nombres conocidos como Norma Ruíz, un rostro habitual del cine y la televisión de nuestro país que vuelve a colaborar con Lamata en su nueva película, Cristina Gallego (actriz y colaboradora de ‘El intermedio’), Veki Velilla (Parada en el infierno), Raúl Sanz (que también aparecía en Una de zombis), y Cosette Silguero y Anastasia Fauteck.
Fernando Velázquez, compositor de la música de las películas de J. A. BayonaEl orfanato, Lo imposibley Un monstruo viene a verme, escribe la banda sonora.
Descrita como un cruce entre El sexto sentido, de M. Night Shyamalan, y el clásico de los noventa La mano que mece la cuna, de Curtis Hanson, la película es uno de los títulos de terror de producción española del año.
Miguel Ángel Lamata dirige EL ÁRBOL Y EL RUISEÑOR
Será la primera incursión de Miguel Ángel Lamata en este género, tras convertirse a comienzos del nuevo milenio en uno de los reyes de la comedia con títulos como Una de zombis (2004) e Isi & Disi: Alto voltaje (2006), con Santiago Segura y Florentino Fernández, en la que también participaba como actriz Mayte Navales. Posteriormente, dirigió Tensión sexual no resuelta (2010), Nuestros amantes (2016) y la comedia familiar Los futbolísimos (2018), con Joaquín Reyes y Toni Acosta. Este será su sexta película tras un parón para dedicarse al teatro, dirigiendo la obra Firmado Lejárraga, y a la producción del documental Héroes: Silencio y Rock & Roll, bajo la dirección de Alexis Morante.
El propio Eduardo Noriega, nominado en dos ocasiones a los premios Goya por Abre los ojos y El lobo, ha compartido varias fotos tomadas durante el rodaje por su guionista, y si se cumplen las previsiones podríamos ver El árbol y el ruiseñor a finales de año en festivales especializados y en salas comerciales distribuida por Filmax.
El Monsterverse cinematográfico de Legendary Pictures da continuidad al explosivo enfrentamiento de Godzilla y Kong: El nuevo imperio con una aventura totalmente nueva que enfrenta al todopoderoso Kong y al temible Godzilla contra una colosal amenaza aún por descubrir que se oculta en nuestro mundo, desafiando su propia existencia… y la nuestra. Godzilla y Kong: El nuevo imperio profundiza en la historia de estos titanes y sus orígenes, así como en los misterios de la Isla Calavera y más allá, al tiempo que desvela la mítica batalla que ayudó a forjar a estos extraordinarios seres y los unió a la humanidad para siempre.
El guion es de Terry Rossio (Godzilla vs Kong, la serie Piratas del Caribe) y Simon Barrett (Tú eres el siguiente) y Jeremy Slater (Moon Knight), a partir de una historia de Rossio & Wingard & Barrett, basada en el personaje Godzilla, propiedad de TOHO Co. y creado por ella. La película está producida por Mary Parent, Alex García, Eric Mcleod, Thomas Tull, Jon Jashni y Brian Rogers. Los productores ejecutivos son Wingard, Jen Conroy, Jay Ashenfelter, Yoshimitsu Banno y Kenji Okuhira.
Una vez más, Wingard colabora con el director de fotografía Ben Seresin (Godzilla vs Kong, Guerra Mundial Z), el diseñador de producción Tom Hammock (Godzilla vs Kong, X, El invitado), el montador Josh Schaeffer (Godzilla vs Kong), la diseñadora de vestuario Emily Seresin (El hombre invisible). Los compositores son Tom Holkenborg (Godzilla vs Kong, Mad Max: Furia en la carretera) y Antonio Di Iorio (música adicional en Godzilla vs Kong, las películas de Sonic the Hedgehog).
Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures presentan esta producción de Legendary Pictures, de estreno en España e internacionalmente sólo en cines e IMAX desde este miércoles 27 de marzo de 2024.
Para bien o para mal (o mejor dicho, tanto para bien como para mal) las primeras décadas del siglo XXI en materia de terror cinematográfico pasan obligatoriamente por la productora Blumhouse. Si A24 se ha erigido como la representante del llamado “terror elevado” y sus lecturas psicológicas complejas, Blumhouse se ha convertido en la responsable de representar a aquellas producciones independientes de corte fantástico de serie B con patrones de terror más tradicionales. En ambos casos, curiosamente, el quid está en ofrecer un planteamiento llamativo que palie la falta de estrellas o de un presupuesto holgado. Y, como decimos, a veces para bien, a veces para mal.
INFANCIA Y SORORIDAD
Imaginaryencaja en el patrón de Blumhouse. Aquí el componente aterrador es un oso de peluche, recuperando el vínculo entre juegos infantiles y miedos de infancia, que a su vez se convierte en un vínculo generacional desde el momento en que el elemento sobrenatural está atado tanto al personaje infantil (Alice, interpretada por la actriz Pyper Braun) y su madrastra (Jessica, interpretada por DeWanda Wise) quien sufre pesadillas relacionadas con su infancia y su relación con su padre.
Hay en la película también un discurso femenino, donde curiosamente el elemento sobrenatural amenaza a los personajes femeninos, mientras estos deben superar sus desconfianzas particulares para construir un componente de sororidad entre ellas. En la película, los dos personajes masculinos, ambos figuras paternas, Max (Tom Payne), padre de Alice, y Ben (Samuel Salary), padre de Jessica, son muy secundarios y ausentes durante la mayor parte de la trama.
Taegen Burns esTaylor y DeWanda Wise es Jessica en Imaginary. Foto: Parrish Lewis
EL OTRO LADO
Tras la cámara encontramos a Jeff Wadlow, quien, tras Fantasy Island y Verdad o Reto, repite con Blumhouse. Como en las anteriores, su puesta en escena es correcta, sabe identificar algunos de los pilares temáticos de la trama y construye una adecuada atmósfera de suspense; sin embargo, le falta capacidad para sacar de lo rutinario esta historia que durante dos tercios del metraje nada de estereotipo en estereotipo, resultando totalmente predecible.
La parte más interesante de la película surge en su tercio final, cuando las protagonistas hacen frente a la criatura y la siguen a su propia dimensión, pero sus méritos son ajenos. Desgraciadamente, todo este tramo, desde luego más atractivo que todo el apartado anterior, no brilla por su originalidad, canibalizando todo lo posible Coralinede Neil Gaiman. Ese mundo tétrico, espejo del mundo real, al que se accede por una pequeña puerta interdimensional escondida en la casa y que está habitado por variantes de ojos negros y saltones de los personajes del otro lado, y cuyo objetivo es alimentarse de la imaginación de las protagonistas, no consigue redimir las deficiencias de la película.
SIN IMAGINACIÓN
Imaginaryes una producción de bulto de Blumhouse, un engranaje más en su producción en cadena, que repite fórmula, no aporta ninguna novedad, pero seguramente seguirá afianzando las arcas de la productora. Tendremos que esperar a otra película de la empresa que quiera apostar por una propuesta verdaderamente interesante y aterradora.
“Estimados conciudadanos de los miembros de la Alianza de la Florida y las Fuerzas occidentales de Texas y California serán bienvenidos de nuevo a los Estados Unidos una vez que su gobierno ilegal y secesionista sea derrocado”. Con esta declaración televisiva del presidente estadounidense arranca el tráiler de la aplaudida Civil War, la nueva propuesta del visionario cineasta Alex Garland, que recientemente pudieron disfrutar en el prestigioso Festival SXSW de Austin (South by Southwest) tanto público como crítica.
Calificada como “obra maestra” y la “mejor película” del guionista de 28 días después (Danny Boyle, 2002), Garland plantea un nuevo futuro cercano y distópico donde el territorio y la sociedad de los Estados Unidos se encuentran profundamente fragmentados. Con América sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de los Estados Unidos.
Para narrar la acción, Alex Garland se ha esforzado en utilizar el lenguaje visual de las imágenes que estamos acostumbrados a ver en las noticias. “Ese lenguaje no es tan cinematográfico, sino más documental, por lo que nos ha permitido retratar la violencia de una forma más desgarradora”, afirma el guionista y director de Civil War. El resultado: una apasionante epopeya bélica que brinda una experiencia inmersiva al espectador.
Nick Offerman, Kirsten Dunst y Jesse Plemons en el reparto
Además, cuenta con un reparto de lujo que también ha recibido grandes aplausos, entre ellos algunos habituales colaboradores de Garland. Nick Offerman, ganador del premio Emmy al mejor actor invitado en una serie dramática por su papel en el episodio 3 de The Last of us y protagonista de la miniserie de ciencia ficción creada por Alex GarlandDevs, interpreta el papel del presidente americano en esta ficción. Kirsten Dunst y Jesse Plemons, quienes han coincidido anteriormente en la película El poder del perro y en la segunda temporada de la serie Fargo, y son pareja en la vida real, tienen también papeles clave en Civil War.
Asimismo, participan Sonoya Mizuno (Ex_Machina), Wagner Moura, protagonista de la serie ‘Narcos’; Stephen McKinleyHenderson (Dune: Parte 1), y la nueva musa de Sofia CoppolaCailee Spaney, ganadora de la Copa Volpi en el Festival de Venecia por ‘Priscilla’, quien debutó en televisión en Devsy la veremos próximamente en Alien: Romulus, de estreno el 16 de agosto.
Nacido en Londres, la carrera de Alex Garland comenzó como novelista, con obras tan conocidas como La playa, que llevó al cine Danny Boyle con Leonardo DiCaprio, o Tesseract. Debutó como director en 2015 con Ex_Machina, por la que fue nominado al Óscar al mejor guion original, y a los BAFTA a la mejor película británica y mejor debut de un director británico. En 2018, estrenó su segundo trabajo como director, Aniquilación, basada en la novela de Jeff VanderMeer, y en 2022 su tercer largometraje, el thriller de terror psicológico Men.
Civil Warllega de la mano de A24, compañía responsable de la oscarizada Todo a la vez en todas partes, que se caracteriza por sus propuestas novedosas y arriesgadas y que ya había apostado anteriormente por Garland con Ex_Machina y Men. Esta se alza como la producción de mayor presupuesto de los estudios desde su fundación en 2012.
De estreno en cines el próximo 19 de abril, en su perturbador tráiler las imágenes se suceden bajo una versión silbada de la patriótica ‘América the beautiful’.
La actriz, cantante y presentadora Silvia Tortosa fallecía este sábado 23 de marzo en Barcelona a los 77 años tras una dura lucha contra la enfermedad, que ha llevado con máxima discreción según ha señalado a través de un comunicado su agencia de representación.
El pasado mes de noviembre la artista fue homenajeada en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, donde recogió el Premio Leyenda del Fantástico en reconocimiento a su carrera como actriz acompañada de una gran ovación por parte del público congregado en el Teatro Leal.
Silvia Tortosa, Premio Isla Calavera Leyenda del Fantástico 2023. (c) Álex Ro
En el cine, destacó en películas como Pánico en el Transiberiano (1972), dirigida por Eugenio Martín, en la que coincidió con actores como Christopher Lee o Peter Cushing. En televisión, participó en programas como Aplausoy series como Curro Jiménez, La huella del crimen, Farmacia de guardia y Hostal Royal Manzanares.
