Los próximos clásicos de culto pasan por SXSW

El macrofestival de cine y televisión SXSW (South by Southwest) celebró entre el 7 y el 15 de marzo su edición de 2025, en Austin (Texas), tras nueve intensos días donde han sido protagonistas numerosas estrellas que arropaban las presentaciones y proyecciones de esperadas películas y series.

El cine fantástico es cada año uno de los grandes atractivos de su programación, y la selección de este año ha incluido sorprendentes óperas primas y nuevos trabajos de creadores ya establecidos.

Clown in a cornfield, de Eli Craig

Una de las favoritas ha sido el slasher Clown in a cornfield, adaptación de la novela superventas de Adam Cesare Un payaso en el maizal. Está dirigida por Eli Craig (Tucker & Dale vs. Evil) y sucede en una ciudad en decadencia que se enfrenta a su propio pasado mientras su querida mascota se convierte en un asesino de pesadilla.
Estreno en Estados Unidos: 9 de mayo de 2025

Drop, de Christopher Landon

Christopher Landon (Feliz día de tu muerte) regresa con Drop (La cita), una película de terror psicológico con el sello Blumhouse, sobre una mujer que desde el fallecimiento de su marido no ha tenido una cita, hasta que conoce al encantador Henry. Pero su felicidad se ve truncada por una serie de siniestros mensajes anónimos.
Estreno en España: 11 de abril de 2025

Ash, de Flying Lotus

Entre las propuestas más aplaudidas, también figuran dos películas de terror y ciencia ficción. Por un lado, Ash, dirigida por el famoso músico, productor y artista multimedia Flying Lotus (responsable del corto Ozzy’s Dungeon de la antología V/H/S/99). Protagonizada por Eiza González y Aaron Paul, sigue a Riya, quien al despertar en un planeta lejano encuentra a la tripulación de su estación espacial brutalmente asesinada.
Estreno en Estados Unidos: 21 de marzo de 2025

The Astronaut, de Jess Varley

De otra parte, The Astronaut, escrita y dirigida por Jess Varley, cuenta con Kate Mara, Laurence Fishburne y Gabriel Luna. Gira alrededor de una viajera espacial que al regresar a la Tierra siente que algo extraterrestre le ha seguido a casa.

Death of a Unicorn, de Alex Scharfman

Otro de los photocalls más populares, fue el del posado de Jenna Ortega y Paul Rudd, protagonistas de Death of a Unicorn, de A24. Ópera prima escrita y dirigida por Alex Scharfman, mezcla comedia negra y terror, para contar una historia surrealista que parte del accidente que sufren un padre y una hija en el que acaban con la vida de un unicornio.
Estreno en Estados Unidos: 28 de marzo de 2025

Good Boy, de Ben Leonberg

También debuta en la dirección de largometrajes Ben Leonberg, con el terror sobrenatural Good Boy, una vuelta de tuerca a las historias de casas encantadas, desde la perspectiva de un perro, creando una inquietante atmósfera. Tanto es así que el jurado del festival otorgó un premio especial “Howl of Fame” a Indy, por ofrecer “una actuación que es a la vez natural y escalofriante. Sus respuestas a fenómenos invisibles transforman los espacios domésticos cotidianos en reinos de suspenso y terror«.

El perro Indy de la película Good Boy se ha convertido en la nueva estrella del cine de terror.
El perro Indy de la película Good Boy se ha convertido en la nueva estrella del cine de terror.

It ends, de Alexander Ullom

Del mismo modo, It ends es el flamante primer trabajo del director y guionista Alexander Ullom. Un claustrofóbico thriller de terror independiente sobre cuatro amigos que quedan atrapados en su viaje a través de una carretera infinita, tras equivocarse al tomar la salida supuestamente correcta.

Phinehas Yoon, Akira Jackson y Noah Toth, en It ends.
Phinehas Yoon, Akira Jackson y Noah Toth, en It ends.

Redux Redux, de Kevin y Mathew McManus

Escrita y dirigida por los hermanos Kevin y Matthew McManus, Redux Redux ha entusiasmado a la audiencia en el SXSW 2025. Presenta a una madre afligida que descubre una manera de viajar a través de universos paralelos para matar repetidamente al asesino de su hija, dejándose llevar por su sed de venganza.

Michaela McManus, en Redux Redux.
Michaela McManus, en Redux Redux.

We bury the dead, de Zal Hilditch

Zal Hilditch, autor de la adaptación de la novela de Stephen King 1922, firma la producción australiana We bury the dead, que celebraba su première internacional el pasado noviembre en el Festival de Adelaida. Se trata de un escalofriante thriller de supervivencia, protagonizado por Daisy Ridley, que da nueva vida al subgénero de apocalipsis zombie.

Daisy Ridley, en We bury the dead.
Daisy Ridley, en We bury the dead.

Holland, de Mimi Cave

Pero sin duda, la gran estrella del festival ha sido Nicole Kidman con el thriller psicológico Holland, dirigido por Mimi Cave, sobre una mujer que sospecha que su pareja le está engañando y se arriesga a tener una aventura propia, antes de descubrir la verdad sobre la oscura vida secreta de su marido. De estreno directo a plataformas, este título llegará al catálogo internacional de Prime Video el próximo 27 de marzo.

El FESTIVAL ISLA CALAVERA entra en la FEDERACIÓN INTERNACIONAL DE FESTIVALES MÉLIÈS

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera da un paso histórico al unirse a la célebre Méliès International Festivals Federation (MIFF), que agrupa a 32 miembros de 22 países en cuatro continentes, con una audiencia mundial de más de 900.000 espectadores cada año. Como miembro de la federación, el Festival Isla Calavera incluirá en su próxima edición la categoría de mejor cortometraje europeo y otorgará al ganador el Premio Méliès de Plata, que supone una nominación directa al Méliès de Oro.

El Festival Isla Calavera se convierte así en el único festival canario en formar parte de esta exclusiva red de eventos cinematográficos, una incorporación que marca un antes y un después para el encuentro, que se celebrará por todo lo alto en el marco de su novena edición, programada del 7 al 16 de noviembre de 2025 gracias al firme patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de su concejalía de Cultura, y la ayuda prevista del Cabildo de Tenerife y el Gobierno de Canarias.

La inclusión del Festival Isla Calavera posiciona a las Islas Canarias como un punto de referencia en el mapa del cine fantástico europeo

El objetivo de la Federación Internacional de Festivales Méliès es promover producciones cinematográficas europeas de género fantástico, mejorando su visibilidad y fomentando su circulación. Los cortometrajes que participen en el Festival Isla Calavera podrán así optar a los reconocidos premios Méliès de Oro, propiciando su proyección en el circuito europeo de festivales. La nueva sección «Hecho en Canarias» del festival también se beneficiará de esta exposición internacional, brindando a los creadores canarios una plataforma sin precedentes. Además, la asociación con la Federación Méliès potenciará la capacidad del festival para atraer a figuras de renombre del cine fantástico.

John Landis visitó el Festival Isla Calavera 2022, donde fue homenajeado y recibió el Premio de Honor.
John Landis visitó el Festival Isla Calavera 2022, donde fue homenajeado y recibió el Premio de Honor.

Méliès International Festivals Federation

Fundada hace 40 años, la Méliès International Festivals Federation promueve el cine fantástico europeo en todo el mundo. De las películas ganadoras en cada certamen miembro, un jurado otorga el Méliès de Oro al mejor largometraje y al mejor cortometraje cada año. También concede el Premio Méliès a la Trayectoria a una figura que haya demostrado una importante contribución al cine fantástico europeo. Los festivales especializados más prestigiosos del mundo, como el de Sitges, el BIFFF de Bruselas, el NIFFF de Neuchâtel, el Imagine de Ámsterdam o extraeuropeos como el Fantastic Fest de Austin, el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido de México o el BIFAN de Bucheon (Corea del Sur), son miembros de la Federación Méliès.

Desde su nacimiento en 2017, el Festival Isla Calavera ha experimentado un crecimiento constante, posicionándose como uno de los encuentros de cine fantástico más relevantes de España. La edición de 2025 será la primera bajo el paraguas de la Federación Méliès, lo que augura una programación de primer nivel de largometrajes y cortometrajes, exposiciones y charlas, con la participación de destacados invitados.

Los codirectores del festival, Daniel Fumero y Ramón González Trujillo, han expresado su entusiasmo por esta nueva etapa: «La incorporación a la Federación Méliès es un reconocimiento al trabajo realizado durante estos años y nos permitirá dar un salto cualitativo en nuestra oferta y proyección internacional». Por su parte, representantes de la federación han destacado la importancia de incluir a Isla Calavera en su red, resaltando el creciente interés por el cine fantástico en las Islas Canarias y el potencial del archipiélago como escenario para producciones del género.

La unión del Festival Isla Calavera a la Federación Méliès posiciona a las Islas Canarias como un punto de referencia en el mapa del cine fantástico europeo. Este logro promete atraer más producciones, talentos e inversiones al archipiélago, consolidando su papel como destino cinematográfico de primer orden.

La serie de anime shonen GACHIAKUTA llega en exclusiva a Crunchyroll en julio

Crunchyroll, la marca global de anime, anuncia que Gachiakuta, el siguiente gran éxito de anime shonen basado en el manga actualmente serializado en el Weekly Shonen Magazine de Kodansha, se emitirá en exclusiva en la plataforma en verano de 2025. Producida por el aclamado estudio Bones Film (My Hero Academia; Fullmetal Alchemist: Brotherhood), Gachiakuta está lista para cautivar al público con su electrizante acción, su estilo artístico único inspirado en el graffiti y su intensa historia de venganza situada en una ciudad flotante de un mundo distópico en la que tanto la basura como los criminales son arrojados a un abismo sin fin.

Gachiakuta sigue la historia de Rudo, un joven marginado acusado de asesinato y enviado al exilio a un erial conocido como el Abismo. Tras sobrevivir al descenso hasta este nuevo mundo, deberá luchar contra monstruosas bestias para sobrevivir mientras se abre camino por un mundo brutal con la esperanza de regresar a su hogar y obtener la venganza.

Los derechos de exclusividad de Crunchyroll incluyen su emisión mundial en streaming (excluyendo Bielorrusia, Rusia y Asia, pero incluyendo India), asegurándose así de que fans de todo el mundo podrán vivir la experiencia de Gachiakuta.

El anime estará dirigido por Fumihiko Suganuma (director jefe de episodio y artista storyboard en Train to the End of the World) en lo que supone su primera serie como director. La composición de la serie corre a cargo de Hiroshi Seko (DAN DA DAN; Chainsaw Man; JUJUTSU KAISEN; Ataque a los Titanes Temporada Final; Mob Psycho 100). Satoshi Ishino (Date A Live; Tokyo Mew Mew New) se encarga del diseño de personajes de la serie y también será el director jefe de animación. La música de la serie está creada por el reconocido compositor Taku Iwasaki (Bungo Stray Dogs; Shin Kamen Rider).

Tráiler de Gachiakuta

Gachiakuta es un manga de acción escrito e ilustrado por el artista manga Kei Urana y el artista del graffiti Hideyoshi Andou. Comenzó su serialización en el Weekly Shonen Magazine de Kodansha en febrero de 2022 y ganó el Global Special Prize en la categoría de cómic de los Next Manga Awards 2022. Mientras desarrollaba el concepto de la serie, Urana pensó que incorporar el arte del graffiti la haría más interesante y reclutó al artista de graffiti Hideyoshi Andou.

En España, el manga de Gachiakuta se ha publicado desde 2023 por Norma Editorial.

“Cuando estoy escribiendo los guiones de Gachiakuta, me entran ganas de escuchar música a todo volumen. Me entran ganas de salir al exterior y pasármelo bien. Y me entran muchas ganas de juntarme con mis colegas de trabajo y amigos para una buena comida. Un anime que te hace sentir así es lo mejor. Es algo que siento de corazón”, declara Hiroshi Seko, guionista de Gachiakuta.

Gachiakuta destaca como uno de los animes shonen más singulares de los últimos años, mezclando una acción intensa con un estilo artístico impactante. Crunchyroll se enorgullece de asociarse con Kodansha y Bones Film para ofrecer esta emocionante nueva historia a los fans de todo el mundo en exclusiva en el servicio de streaming de Crunchyroll”, declara Asa Suehira, Director de Contenidos de Crunchyroll.

Sinopsis oficial de Gachiakuta:

¡Regresa desde el mismo Abismo para transformar esta porquería de mundo!

Rudo vive en los barrios marginales de una ciudad flotante donde los pobres sobreviven a la sombra de los ricos, quienes simplemente tiran su basura al Abismo. Un día es acusado de un asesinado que no ha cometido y lo condenan al exilio, arrojándolo al Abismo con el resto de la basura. En la superficie, los desechos de la humanidad han creado monstruos feroces, y si Rudo quiere tener alguna esperanza de descubrir la verdad y vengarse de aquellos que lo lanzaron a ese infierno, tendrá que dominar un nuevo poder y unirse a un grupo conocido como los Limpiadores, quienes luchan contra las enormes bestias del Abismo.

CRÍTICA | AMENAZA EN EL AIRE. Pilotando contra las turbulencias

Resulta curioso que el tándem Mel Gibson / Mark Wahlberg no haya sucedido antes. Ambos actores coincidieron profesionalmente por primera vez en 2017, interpretando padre e hijo respectivamente en 2017, en la película Dos Padres por Desigual, secuela de Padres por Desigual. Después, en 2022 colaboraron en El Milagro del Padre Stu. En ambas ocasiones las películas eran vehículos estelares para Wahlberg, la primera coincidiendo con otro amigo de la estrella, Will Ferrell, y la segunda, un intento del actor de demostrar que tienen mimbres dramáticos, más allá de sus incursiones en el género de acción o la comedia.

AMISTAD MÁS ALLÁ DE LA PANTALLA

El Milagro del Padre Stu era importante también para Wahlberg en el sentido de que rea una película que le permitía abordar una faceta más personal, sobre todo en lo referente a sus creencias religiosas. No es de extrañar que Mel Gibson encajara también en estos proyectos, ya que conectaban también con la personalidad el actor. Esta amistad ente Wahlberg y Gibson ha permitido también que el primero haya echado un cabo en varias ocasiones a la otrora estrella y ahora persona non grata en Hollywood para poder aparecer en alguna producción comercial.

Ahora, ambos artistas han vuelto a coincidir en Amenaza en el Aire, con la diferencia de que, en esta ocasión, Gibson se ha reservado las labores detrás de las cámaras. Si en los casos anteriores estaba claro de que se trataba de una mano tendida de Wahlberg hacia su amigo caído en desgracia, en este caso, quién ayuda a quién no queda tan claro.

LAS FACETAS DE MEL GIBSON

La carrera de Mel Gibson fue astronómica desde que protagonizara en 1979 Mad Max. Salvajes de Autopista a las órdenes de George Miller. Si bien los primeros años de la década de los 80 parecían proporcionar a Gibson una carrera más diversa, con títulos como Gallipoli, El Año que Vivimos Peligrosamente, Motín a Bordo, o Cuando el Río Crece. El éxito de las secuelas de Mad Max y, especialmente, su salto al actioner de Hollywood con Arma Letal convirtieron a Gibson en una de las estrellas más taquilleras y deseadas de la Meca del Cine, pero cerró su espectro dramático, salvo ocasiones puntuales como su Hamlet para Franco Zeffirelli.

Su debut como director con El Hombre Sin Rostro reveló a un cineasta muy prometedor y lo cierto es que, si bien ha sido como estrella de cine donde Gibson se convirtió en un icono del cine de los 80 y los 90, su reputación como director es mucho más estimada, gracias a títulos como Braveheart o La Pasión de Cristo. Hasta ahora, su carrera como director era un ejemplo de trabajos arriesgados, muy personales, convertidos en grandes películas gracias a la capacidad como gran narrador de Gibson.

Amenaza en el aire, de Mel Gibson.
Amenaza en el aire, de Mel Gibson.

QUID PRO QUO

Fuera de la pantalla, Mel Gibson siempre ha sido una personalidad antipática en Hollywood. Ultraconservador y ultracatólico, sus comentarios machistas, homófobos y antisemitas, sumado a sus problemas con el alcohol y las drogas acabaron por defenestrarlo de la industria de Hollywood. Desde entonces, ha mantenido un perfil bajo, con pequeñas producciones, muchas fuera del entorno de Hollywood o impulsadas por amigos que le han apoyado (Jodie Foster, Sylvester Stallone, Robert Downey Jr. y, ahora, Mark Wahlberg). Sin embargo, ante un proyecto como Amenaza en el Aire, podemos decir que Wahlberg ha vuelto a tenderle la mano a Gibson, sin embargo, una cinta de este calibre, más propia de un directo a plataforma, también podemos pensar que Mel Gibson está echando también un cabo a su amigo, aportando su prestigio como director a un producto de lo más endeble.

CAYENDO EN BARRENA

Amenaza en el Aire parte de un guion de derribo, un thriller de suspense y acción cuya trama quedaba perfectamente resumida en su tráiler promocional. Argumentalmente, no hay más de lo ahí visto. Es una historia inane, con personajes de medio pelo y absolutamente carente de originalidad. Únicamente podemos salvar cierto componente humorístico, que al menos nos transmite que nadie se está tomando esto en serio.
Mark Whalberg ofrece un cambio de registro a lo habitualmente visto en él, pero se limita a ofrecer un pequeño abanico de gestos con los que subrayan lo que ya el público sabe, que interpreta a un asesino sádico y repulsivo.

Mejor trabajo interpretativo ofrecen sus dos compañeros de reparto, Michelle Dockery y Topher Grace, especialmente éste último. Con un presupuesto de escasos 26 millones de dólares, rodada en 22 días, tomando la avioneta como plató rodeado de pantalla verde, la cinta no puede ocultar lo modesto de su producción.

Pese a las múltiples carencias, la cinta consigue salvar los muebles gracias a la pericia de Gibson tras la cámara. Muy por debajo de sus anteriores trabajos como director, no podemos negarle a esta película que está bien contada, con una puesta en escena pulcra y que sabe aprovechar al máximo las limitaciones de espacio. Gibson hace un buen trabajo de dirección de actores y esquiva la insuficiencias del guion. Además, consigue compactar toda la trama en unos ajustados 90 minutos, no necesitando ni más, ni menos.

ATERRIZAJE ACCIDENTADO

Amenaza en el Aire es una película totalmente olvidable, prescindible, pero afortunadamente no es el desastroso descalabro que parecía augurar su horrible tráiler (el peor amigo de la película). Para quien se acerque a verla, puede resolverle una tarde aburrida, siempre y cuando no se le exija más al producto final.

Amenaza en el aire, de Mel Gibson.
Amenaza en el aire, de Mel Gibson.

Primera invitada confirmada: Lisa Gerrard, compositora y solista de GLADIATOR, cantará en FIMUCITÉ 19

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), el evento más antiguo del mundo en su género, fundado y dirigido por el compositor y director de orquesta Diego Navarro, contará con la participación de Lisa Gerrard, coautora junto a Hans Zimmer de la banda sonora de la película Gladiator, quien subirá al escenario del Auditorio de Tenerife para interpretar con su voz celestial la icónica canción Now We Are Free y el resto de solos del film.

En el marco de su 19ª edición, FIMUCITÉ ofrecerá los próximos 11 y 12 de julio dos funciones del concierto Gladiator in Concert, una superproducción “live-to-picture”, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir interpretando la música de Hans Zimmer y Lisa Gerrard en vivo mientras se proyecta en gran pantalla la película de Ridley Scott ganadora de cinco premios Óscar en el marco de su 25º aniversario.

En asociación con CineConcerts, Gladiator in Concert promete una experiencia única e inmersiva, ineludible para los amantes del cine y la música, donde las legendarias escenas de Gladiator se proyectarán en gran pantalla, trasladando al público al majestuoso mundo del Imperio Romano para revivir los momentos más emocionantes e intensos de la película, mientras suenan en directo las épicas melodías que acompañan las batallas y el destino del héroe interpretado por Russell Crowe.

Las entradas para las dos funciones de Gladiator in Concert, que serán dirigidas por Diego Navarro en el Auditorio de Tenerife, ya se encuentran a la venta en taquilla y online.

Globo de Oro por la banda sonora de Gladiator

Nacida en Melbourne (Australia), Lisa Gerrard logró en 2001 el Globo de Oro por la banda sonora del filme de Ridley Scott, compartido con el compositor de origen alemán Hans Zimmer, convirtiéndose en la primera mujer en recibir el premio en esta categoría. Líder del grupo Dead Can Dance, fundado a principios de la década de 1980, ha colaborado en otras bandas sonoras como compositora y vocalista, en títulos como Dune, de Dennis Villeneuve, y Dune: Parte 2, Whale Rider (logrando el Premio a la Mejor Música Original en los New Zealand Film and TV Awards), El dilema (The Insider), El fuego de la venganza o Black Hawk Derribado, interpretando la canción “Gortoz A Ran – J’Attends” junto al cantante Denez Prigent.

Con un talento excepcional y un estilo vocal único, Lisa Gerrard se ha consolidado como una de las compositoras cinematográficas más aclamadas del mundo y su presencia en FIMUCITÉ en la interpretación del icónico tema Now We Are Free, pondrá el broche de oro a la decimonovena edición del festival, dedicada a las grandes bandas sonoras asociadas a la historia de Italia, su cultura y tradiciones, así como a sus geniales cineastas y compositores, como Ennio Morricone (1928-2020), autor de más de 500 bandas sonoras, entre las que se encuentran La misión o Cinema Paradiso; Nino Rota (1911-1979), recordado por sus colaboraciones con Federico Fellini, de las que surgieron las partituras para La dolce vita o Amarcord, y autor de la música de El Padrino, de Francis Ford Coppola; o Nicola Piovani (1946-), ganador del Óscar por La vida es bella.

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, FIMUCITÉ, en su 19 edición cuenta con el apoyo como máximo patrocinador del Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, el Gobierno de Canarias a través de Promotur Turismo de Canarias y del Instituto Canario de Desarrollo Cultural, los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna y el Organismo Autónomo de Actividades Musicales de La Laguna. Asimismo, FIMUCITÉ agradece la implicación de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Auditorio de Tenerife, y otros colaboradores públicos y privados, entre los que se encuentran Distrito Centro-Ifara del ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Fundación DISA, Emmasa, Domingo Alonso y AUDI como coche oficial del festival, Fundación SGAE y Fundación CajaCanarias.

Cartel de FIMUCITÉ 19.
Cartel de FIMUCITÉ 19.

MICKEY 17: Que tengas una buena muerte y hasta mañana

Mickey 17 es el primer filme de Bon Joon-ho enteramente estadounidense. Filmado desde 2022, aunque retocado notablemente desde entonces, esperando en la apropiada casilla de salida, ha venido desatando al tiempo todo tipo de especulaciones y juicios de valor (hay que rellenar, no sólo páginas de prensa, sino espacio virtual). Lo más favorable que puede decirse de este filme es la plena coherencia del cineasta en una gran producción hollywoodiense, con los parámetros de su carrera en su país. De este modo, el filme resulta plenamente reconocible, y pegará fuerte entre la comunidad cinéfila, especialmente la más joven que ha crecido con este tipo de cine.

Sin embargo, ese aspecto, esa coherencia, ese subrayado de su machacona manera de concebir las películas, constituye la mayor debilidad de un filme enteramente planificado dentro de la industria del entretenimiento estadounidense, en una fórmula para aprovechar (y fagocitar) las loquísimas y estrafalarias ideas de un cineasta que posee su propia manera de hacer películas.

Momento del rodaje de Mickey 17.
Momento del rodaje de Mickey 17.

El discurso del cineasta, insistimos, coherente y estructurado de acuerdo con la convicción de lo que quiere contar, malogra el relato de este ser “Sacrificable”, o “Descartable”, Mickey Barnes (alguien dispuesto a morir en misiones peligrosas en mundos exteriores, y puede ser recreado, duplicado o impreso nuevamente y cuantas veces haga falta). Un joven y fracasado empresario (su negocio de macarrones se ha ido al traste y su inversor amenaza con esparcir sus vísceras con una motosierra), interpretado (de forma claramente caricaturesca) por Robert Pattinson, casi como si de un cartoon se tratase, aunque con cierta desgana y tendencia al histrionismo. Será esa, sin duda, la apropiada aproximación al personaje, para los fines perseguidos por el cineasta. Pero el actor ofrece una de sus peores interpretaciones de los últimos tiempos, pese a la racha estupenda que llevaba de personajes para cineastas como Matt Reeves, Werner Herzog, Christopher Nolan o Rober Eggers, entre otros muchos, demostrando que es mucho más que el vampiro de la famosa saga adolescente.

Morir, para ganarse la vida

Mickey 17 está ambientado en 2054, en una sociedad distópica y bastante despiadada. El personaje acepta morir una y otra vez, de la manera más cruel, dolora y salvaje posible, sirviendo de cobaya humana, o en misiones enormemente arriesgadas, todo ello por el bien de la exploración interplanetaria, concretamente en una colonia recóndita del universo llamada Niflheim. Cada vez que muere, Mickey es “resucitado” a través de una impresora laser que, en lugar de filamento ABS o ácido poli láctico, utiliza una masa residual compuesta por cuerpos humanos vertidos y mezclados con otros materiales de desecho.

De esta manera, como si viviese una especie de “día de la marmota”, perdiendo todo interés por la vida y la muerte, Mickey es impreso una y otra vez, en una vida de servicio a un trabajo francamente peligroso. Cada vez que, desde el Mickey original hasta su versión (3D) nº 16, mueren, a cada cuerpo reimpreso se le instala el software que contiene todos sus recuerdos y patrones. De esta manera, de alguna manera siempre es él mismo, o al menos una copia impresa lo más parecida posible al original.

Más allá de cierta gracia en su premisa, o ese comienzo donde el personaje está atrapado en una gruta nevada, y su amigo Timo (Steven Yeun), prefiere rescatar su arma (más valiosa e insustituible), al propio joven, de quien se despide diciendo “Que tengas una buena muerte y hasta mañana” (al fin y al cabo, volverán a “imprimirlo”), o más allá de las circunstancias de cómo el personaje ha llegado hasta el planeta y a la adquisición de su condición de expendable, el resto del filme, historia de romance incluida, me parece poco destacable. La trama se diluye en una banalidad de secuencias, algunas espectaculares, de las criaturas que pueblan la colonia espacial (y que parecen un mestizaje entre los búfalos y sus crías por la pradera estadounidense, y la fisonomía del armadillo texano), no tan letales como sería apropiado suponer.

También constituye un trampolín para que actores habitualmente extraordinarios, naufraguen en un mar de muecas y tics de sobreactuación. Es el caso del congresista Kenneth Marshall (al que Mark Ruffalo aporta su físico) y su esposa Ylfa (escenificada por Toni Collette). Ambos personajes se han convertido en los jerarcas dictadores, líderes de una secta, pendientes de que la tripulación de la nave dirigida hacia la colonia del espacio, consuman pocas calorías y que se reduzca hasta la inexistencia, toda actividad sexual, hasta la conquista del planeta Niflheim (no hay recursos para proveer el desmesurado gasto calórico) en cuyo instante, prometen, habrá sexo y recursos ilimitados para todos.
La colonia Niflheim es un mundo deshabitado, símbolo de la pureza que la Tierra hace tiempo que no posee, reflejada en el manto de nieve que todo lo cubre.

Las diferentes muertes del protagonista, algunas probando un letal virus que asola la superficie del planeta, hasta lograr el antídoto, otras probando algún medicamento, y otras en complicadas misiones en el espacio o en las entrañas del planeta, cubren el nivel de (hueca) truculencia que parece pretenderse. El romance de Mickey con Nasha (Naomie Ackie) y el trío que se forma con Mickey 17 y Mickey 18, que, por un error del sistema (el segundo no se ha impreso, como debería, a la muerte del primero, sino simultáneamente), francamente no da más de sí, salvo para remarcar un poco gratuitamente la condición de incorrección política que recorre la filmografía de Joon-ho.

En fin, pese al permanente tono de broma macabra, se nos narra la historia de siempre en el género de ciencia ficción, donde hay que salir de la Tierra a conquistar otros mundos, que deben regirse libres de toda tiranía, en un movimiento encabezado por un paria, héroe a su pesar.

Carteles de Mickey 17.
Carteles de Mickey 17.

Se muere por salvar la humanidad

Seguramente el Paul Verhoeven de Desafío Total (Total Recall, EEUU, 1990), filme que se publicitó con el eslogan de “Prepárate para el viaje de tu vida” o el Doug Liman de Al Filo del mañana (Edge of Tomorrow, EEUU, 2014), cuya punch line era “Vive. Muere. Repite” (artífices ambos de dos filmes infinitamente más disfrutables), terminen de comprender y admirar la escasa gracia de este fallido filme, que se anuncia como “se muere por salvar a la humanidad”.

Mickey 17 tuvo un estreno mundial el 17 de febrero en Corea, con una rueda de prensa presidida por Bon Joon-ho, donde recalcaba que su película era un filme de ciencia ficción con un toque más humano. El género está desde siempre cargado de retratos humanistas en entorno de ciencia ficción. El 13 de febrero se estrenó en Londres. La 75 edición del festival de cine de Berlín recibió el filme el 15 de febrero de 2025, con la presencia del actor principal y del realizador. El 20 de febrero de 2025 se produjo el estreno regular en Corea del Sur, con la presencia de Robert Pattinson en la promoción del filme. El estreno español ha tenido lugar el fin de semana del 7 de marzo.

Mickey 17 está basado en la novela de Edward Ashton publicada en 2017, y está coproducida por Plan B, la productora de Brad Pitt, que sin duda aseguró la producción del filme en los parámetros de Warner Bros. y la independencia creativa de su realizador que ha sabido llevarse a su terreno la historia.

Naomi Ackie, Hollyday Grainger y Ana María Vartolomei completan el reparto cosmopolita de un filme, que no pasa de ser una sátira en el espacio, a ratos divertida y osada, pero definitivamente grotesca y olvidable en el panorama actual de ingente producción audiovisual.

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VIVE, MUERE, REPITE. PARÁSITOS Y “SACRIFICABLES” EN EL PLANETA NIFLHEIM. MICKEY 17 (EEUU, 2025), DE BONG JOON-HO

1. LA COHERENTE VACUIDAD DE UN CINEASTA PRESTIGIOSO Y POPULAR
2. QUE TENGAS UNA BUENA MUERTE Y HASTA MAÑANA

MICKEY 17, de Bong Joon-ho: Vive, muere y repite. Parásitos y «sacrificables» en el planeta Niflheim

LA COHERENTE VACUIDAD DE UN CINEASTA PRESTIGIOSO Y POPULAR

Digámoslo ya, pocas veces le veo la gracia al cine del coreano Bong Joon-Ho, toda una sensación en el cine contemporáneo. Mickey 17 es su filme inmediatamente posterior a su rotundo éxito Parásitos (Parasite, Corea del Sur, 2019). Se ha dicho por algún medio de comunicación que aquél puede entenderse en clave de continuación de éste, y que constituye una “prueba” de la genialidad del cineasta. Se me ocurren muchas paradojas y matices a dicha afirmación, pero vayamos por partes, pues sobre gustos no hay nada escrito, y el cine es un arte muy popular donde las opiniones y los gustos se entrecruzan con las razones más objetivas, sin necesidad de construir un rotundo discurso en contra de aquello que no sobrepasan nuestros “filtros” personales.

Como Walt Disney en 1953 o Sean Baker en 2025, Joon-ho obtuvo cuatro estatuillas en una sola noche. Ocurrió en la ceremonia de los premios Óscar 2020. Por cierto, tanto Parásitos, como Anora (EEUU, 2024), antes de proporcionarle a sus creadores los cuatro premios, se hicieron con la prestigiosa Palma de Oro en Cannes los años inmediatamente anteriores. El mismo cineasta coreano se preguntaba en la gala de los Óscar 2020 en uno de los 4 discursos de aquella noche qué hacía él obteniendo tantos premios allí con Martin Scorsese sentado en aquella sala. Francamente, la misma pregunta que nos hacíamos algunos.

Parásitos, de Bong Joon-ho
Parásitos, de Bong Joon-ho

¿Qué hacía ese filme (que, insistimos, no está mal, pero de correcto no pasa) arrasando frente a un dechado de títulos inolvidables?

¿Cuándo se ha visto que un filme obtiene el premio a la mejor película internacional y a mejor película en una misma noche?

En fin, las cosas que ocurren en los concursos de premios. Se termina de entender por qué el actor George C. Scott no quiso ir a la ceremonia de los Oscar de 1970, en la que la actriz Goldie Hawn gritó aquello de “y el ganador es… ¡Oh Dios mío, es George C. Scott!”.

Año 2019

Efectivamente, el año inmediatamente anterior a la pandemia se estrenaron filmes extraordinarios. 2019 es el año de El Irlandés (The Irishman, EEUU, 2019), el flamante regreso a la mafia del cineasta italoamericano Scorsese (embarcado ahora mismo en un filme sobre la mafia de Hawái); y de Érase una vez… en Hollywood (Once upon a Time in Hollywood, EEUU, 2019), el mejor filme de Quentin Tarantino para quien escribe estas líneas. Pero también es el año de apuestas enormemente atractivas como la versión moderna, sin perder de vista el clasicismo, de Mujercitas (Little Women, EEUU, 2019), de Greta Gerwig; el año de Joker (EEUU, 2019), de Todd Phillips, esa revisión del villano de Batman por excelencia, despojada de espectáculo de acción, y centrada en la condición de demente del personaje; de 1917 (EEUU, 2019), el impresionante filme de Sam Mendes ambientado en la Primera Guerra Mundial, filmado en un portentosos plano secuencia; de Dolor y Gloria (España, 2019), el particular de Pedro Almodóvar; o de esa acertadísima puesta al día del clásico Kramer contra Kramer (Kramer Vs. Kramer, EEUU, 1979), de Robert Benton que es Historia de un matrimonio (Marriage Story, EEUU, 2019), dirigida por Noah Baumbach.

2019 es igualmente el año de otros filmes, en mi opinión excepcionales, que no accedieron al mercado de premios. Ad Astra (EEUU, 2019), de James Gray es para quien esto firma una de las grandes películas de su realizador, que propone un viaje por el espacio al estilo del viaje por el Vietnam en guerra de Apocalypse Now (EEUU, 1979), de Francis Ford Coppola. 2019 es también el año de ese western dirigido por el “bocazas” artífice de Emilia Pérez (Francia-México), Jacques Audiard, Los Hermanos Sisters (Les Fréres Sisters, Francia-España- Bélgica-Rumanía, 2019); o del estreno de una película animada sensacional, El Tiempo Contigo (Whetering with You, Japón, 2019), de Makoto Shinkai. En fin, que nunca llueve a gusto de todo el mundo, pero la “lluvia” de los Óscar 2020 sobre los filmes de 2019, definitivamente fue desproporcionada, siempre bajo el prisma de este humilde cronista.

No voy a decir que Joon-ho sea un mal director, o un mal guionista, ni que sus propuestas sean terriblemente malas, ni a acudir a palabras categóricas deliberadamente gruesas. Para “juzgar” los filmes y ponerle las etiquetas de “las peores películas” ya están los premios “razzies” que han perdido toda su gracia de antaño, sirviendo a unos sensores cada vez más espurios, que rezuman cierto resentimiento. Lo cierto es que una Palma de Oro y cuatro premios de la academia abren muchas puertas. Si encima Plan B, la productora de Brad Pitt está interesada en coproducir y acompañar al cineasta a abrir esas puertas, era lógico que la industria se plegase de par en par al cineasta de cara a acometer su siguiente producción.

Memories of Murder y Rompenieves

Dicho esto, los filmes bajo este punto de vista (o desde esta declaración de principios de quien esto suscribe), más proporcionados, menos histriónicos y de resultados más compactos del cineasta coreano (los mejores de la carrera del realizador asiático, en otras palabras) siguen siendo dos. Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) (Salinui Chueok, Corea del sur, 2003) es un excelente thriller de persecución a un peligroso y despiadado serial killer en Corea del Sur. Provista de un estilo visual e intenciones muy próximo a esa obra maestra de referencia que es Seven (Se7en, EEUU, 1995), de David Fincher, el filme coloca atinadamente el acento en la falta de medios técnicos modernos de la policía para perseguir a alguien tan metódico, sofisticado e imprevisible en la Corea de los años 80 del siglo XX.

El otro gran filme de su artífice es la muy disfrutable Rompenieves (Snowpiercer) (Snowpiercer, Corea del Sur, 2013), que adapta un estupendo y todavía más trasgresor, comic futurista de Jean Marc Rochette y Jacques Loeb. Ambientado en un mundo rodante caótico, donde un expreso y sus vagones cargado de pasajeros y un motor de duración eterna, constituyen un microcosmos andante a alta velocidad que no escapa de la acidez ni la retórica de su autor, esta vez en unas proporciones y sazonamiento muy eficaz y equilibrado. El filme está oportunamente aderezado con dosis oportunas de acción y de comedia, que en esta ocasión no lo inundan todo de histrionismos.

Da igual el contexto, el tiempo y el lugar. Siempre habrá en las imágenes del cineasta coreano una exposición o representación de la lucha de clases, presidida de mucha ironía y crueldad física y verbal a raudales. El problema es que no siempre esos componentes van hacia un lugar concreto, sino que simplemente existen y conquistan toda la trama, parece que por el mero hecho de constituir una suerte de sello personal que sea reconocido por sus múltiples fans. Sin embargo, sus películas, demasiado cómicas e irónicas, rara vez terminan de encontrar su componente dramático diluidas entre excesos verbales y visuales. Tal circunstancia las convierte, bajo mi perspectiva, en filmes la mayor parte fallidos y la mayor parte de las veces, completamente intrascendentes. Solo cuando aflora el drama sobre todo lo demás, o un sentido de entretenimiento que supera los parámetros antedichos, encuentro estimulantes sus propuestas.

El cine de Bong Joon-ho, siempre suele poner de relieve un microcosmos reflejo del mundo globalizado actual, poniendo de relieve la gran mezquindad, crueldad e ironía que, para el cineasta, preside las relaciones humanas, sin perjuicio de algunos instantes aislados de cierta nobleza. Ya estemos en el tren de alta velocidad del citado filme de 2013, o en la sociedad coreana de los años 80 del también referido filme de 2003, donde el asesino en serie es todo un catalizador de un mundo que fagocita al ser humano, o en la sociedad de Seúl sometida a asedio por una criatura monstruosa que parece provenir de lo peor de nosotros mismos como sociedad en The Host (Gwoemul, Corea del Sur 2003), los planteamientos y las reflexiones que se plantean son similares. Ello convierte al realizador en alguien enormemente coherente.

En esta escalada fílmica, Parásitos suponía la multiplicación a la enésima potencia de la formula o el discurso, llevados al exceso más recalcitrante. Un buen guion, sin duda, sobre la lucha de clases, o las hipocresías que presiden la vida en una sociedad despiadada como la contemporánea, con cierta reversión de los clichés o patrones habituales de la comedia más tradicional, y mucha “mala baba” e incorrección política. Las dosis de mezquindad y humor decididamente cruel, recorre un filme que exaspera, más que impacta.

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VIVE, MUERE, REPITE. PARÁSITOS Y “SACRIFICABLES” EN EL PLANETA NIFLHEIM. MICKEY 17 (EEUU, 2025), DE BONG JOON-HO

1. LA COHERENTE VACUIDAD DE UN CINEASTA PRESTIGIOSO Y POPULAR
2. QUE TENGAS UNA BUENA MUERTE Y HASTA MAÑANA

ALIEN: EARTH. Campo de batalla, la Tierra

En pleno verano de este mismo año, sin fecha exacta confirmada hasta el momento, llegará a la plataforma Hulu y veremos en España en Disney+ la esperada serie Alien: Earth, que promete una nueva experiencia alrededor de la aterradora franquicia creada por Ridley Scott que combina magistralmente thriller, ciencia ficción y terror.

En 2120, Madre Tierra está esperando

Ambientada en el año 2120, Alien: Planeta Tierra se convierte en continuación de los eventos de la película precuela Prometheus (2012), que tiene lugar en 2093; y de Alien: Covenant (2017), que sucede en 2104. Con relación al filme original Alien, el octavo pasajero (1979), Planeta Tierra acontece solo dos años antes, por lo que supuestamente nuestro planeta sufría la letal invasión alienígena mientras la nave de transporte comercial, United States Cargo Star Ship (U.S.C.S.S.), Nostromo se encontraba en plena misión, antes de poner rumbo de regreso a casa su tripulación (entre ellos la icónica suboficial Ellen Ripley, interpretada por Sigourney Weaver), y recibir la transmisión de origen desconocido que solicitaba despertar a los viajeros de su hipersueño.

A excepción de la breve escena inicial de Prometheus, que se desarrolla en la fascinante isla de Skye, la más conocida de las Tierras Altas escocesas, por primera vez una película o serie en el universo canónico de Alien tiene lugar en la Tierra. Sin embargo, ya hemos visto xenomorfos anteriormente en nuestro planeta, en las películas del universo independiente de Depredador (1987): Alien vs. Predator (2004) y su secuela de 2007, ambientadas en la Antártida y en un pequeño pueblo en las montañas de Colorado, respectivamente.
Producida por FX, lleva la firma del escritor y productor de televisión estadounidense Noah Hawley, creador y guionista de series de televisión como Fargo y Legión, basada en el personaje de Marvel Comics.

Found footage

Tras un primer teaser tráiler desvelado hace meses, esta pasada semana veían la luz cinco vídeos cortos de formato vertical simulando metraje encontrado en el marco de los sucesos de la nueva serie.

En la promoción, las imágenes están grabadas por uno de los protagonistas, el gato pelirrojo Rascal, a través de una cámara dispuesta en su collar mientras pasea por la U.S.C.S.S. Maginot antes de su colisión con la Tierra.

La serie de ocho episodios narra cómo tras estrellarse, los miembros del equipo de rescate descubren misteriosas formas de vida durante su búsqueda de supervivientes entre los escombros.

Sydney Chandler se convierte en la nueva heroína de la saga Alien.
Sydney Chandler se convierte en la nueva heroína de la saga Alien.

Reparto de Alien: Earth

El extenso reparto de la producción está encabezado por la actriz Sydney Chandler (a quien descubrimos en la alfombra roja del Festival de Cine de Venecia 2022, en la presentación del filme No te preocupes, querida, de Olivia Wilde), en la piel de Wendy.

A su lado, Timothy Olyphant, quien interpretó al alguacil estadounidense Dick ‘Deafy’ Wickware en la temporada 4 de la mencionada Fargo, será el “sintético” Kirsh, un nuevo androide biomecánico que se suma a los icónicos Ash, Bishop, David y otros de la saga.

La actriz surcoreana Sandra Yi Sencindiver (serie Fundación) interpretará a una figura clave de la Corporación Weyland-Yutani, fabricante de naves espaciales, computadoras, armas y robots.

Otros miembros del elenco son Essie Davis (la madre protagonista del filme de terror Babadook), Alex Lawther y Samuel Blenkin, quienes han aparecido en episodios de Black Mirror, el actor indio Adarsh Gourav (Tigre blanco) y Kit Young (serie Sombra y hueso), entre otros.

En el espacio nadie puede oír tus gritos, pero pronto los aliens se moverán por la Tierra.

CRÍTICA | THE MONKEY, de Osgood Perkins. Pasados de cuerda

En 2026 se cumplirá el 50º aniversario del estreno de Carrie de Brian De Palma, y con esta efeméride se conmemora también medio siglo de adaptaciones de novelas y relatos de Stephen King a la gran pantalla. No sólo estamos hablando de unos de los escritores modernos más prolíficos, sino además uno de los más adaptados a otro medio, en este caso, el cine. Una de las últimas adaptaciones ha sido The Monkey, basada en un relato corto publicado dentro de la antología Skeleton Crew en 1985. A esta recopilación le debemos películas como La Niebla de Frank Darabont o el segmento La Balsa de Creepshow 2 de George A. Romero.

DEL PAPEL A LA PANTALLA

En El Mono, King nos narra la historia de un mono de cuerda con platillos, que cada vez que hace sonar estos instrumentos profetiza una muerte violenta. Narrada a dos tiempos, durante la infancia y la madurez del personaje principal, vemos cómo el juguete ha acompañado a su familia en la tragedia. Como es habitual en Stephen King, aquí el componente sobrenatural se introduce en una realidad cotidiana, parasitándose de las propias relaciones de los personajes en busca de víctimas. El valor siniestro del juguete es uno de los elementos determinantes de un objeto ominoso, del que sabemos que es el responsable de las muertes, pero que, al mismo tiempo, todo puede estar en la mente obsesiva del protagonista y ser un caso calamitoso de encadenado de casualidades funestas.

LA COMEDIA DEL TERROR

Si bien en el relato, King deja patente la conexión sobrenatural de las muertes y el objeto, para su adaptación al cine Osgood Perkins ha ido más allá, incrementando el absurdo y la truculencia de las muertes, llegando a extremos apocalípticos. Osgood Perkins destacó el año pasado gracias a Longlegs, un siniestro thriller policial que, en nuestra opinión, forma parte de lo más destacado del fantástico del 2024. Con The Monkey logra mantener un estilo propio, pero saliéndose por la tangente. Mientras Longlegs era un psychothriller de raíces muy profundas, heredero de El Silencio de los Corderos; The Monkey es una comedia negrísima, lisérgica y absurda. Ambas coinciden en retratar la naturaleza violenta y perturbadora de las relaciones familiares, pero, mientras una busca establecer una dramaturgia sólida a través de los personajes, en la otra se juega más a encadenar situaciones aberrantes e histriónicas, algunas más a modo postal que con un desarrollo dramático.

The Monkey, de Osgood Perkins.
The Monkey, de Osgood Perkins.

JUGUETE CÓMPLICE

Aunque argumentalmente la película recoge parte del relato original, no se trata de una adaptación fiel, sino bastante libre, despojándose de la obra de Stephen King en toda su segunda mitad. Si bien algunos cambios no dependen de los autores de la película (el mono cambia platillos por tambor porque Disney adquirió los derechos de esa versión de los Jolly Chill para Toy Story 3), tampoco respeta el tono del relato, en absoluto tan virulento como la película, ni la estructura en flashbacks del original, optando por una narración lineal. Con una escenificación de las muertes que recuerda a la franquicia Destino Final, por lo azaroso de los elementos que intervienen y lo gore del resultado, la película esconde diferentes huevos de pascua para el espectador cómplice. No sólo los guiños a Stephen King, con la introducción de un personaje llamado Annie Wilkes (Misery) entre otras cosas. Osgood Perkins hace autoparodia familiar, con varios guiños a Psicosis, protagonizada por su padre Anthony Perkins, y ya de paso, a otros títulos de Alfred Hitchcock como Vértigo.

MAQUINARIA PECULIAR

A lo largo de toda la película, Perkins da a su narración un tono onírico, que permite cierta flexibilidad en la propia narración, a medida que avanza cada vez más etérea y absurda, con personajes que van aceptando el devenir de los acontecimientos con una cotidianidad pasmosa. Este aurea de irrealidad, acompañado por el componente humorístico, hace que la realidad donde se desarrolla la trama se mueva por sus propios parámetros y el componente de extrañamiento que genera en el espectador forma parte del valor lúdico de la película. Hace falta, eso sí, un tipo de espectador que se preste a tan estrambótico juego. Uno de los perfiles demográficos de espectador tipo viene a ser el público juvenil, fascinado por la arquitectura de las muertes en la película.

REDOBLE DE TAMBOR

The Monkey es una película que no tiene las aspiraciones de trascendencia de Longlegs, sino que se presenta como un juguete lúdico, desenfadado y desproporcionado, cargado de histrionismo y de vitriolo, con la finalidad de que los espectadores disfruten del viaje y sus excesos. Es cierto que podemos alabar la puesta en escena de Perkins, la excelente fotografía de Nico Aguilar o la labor de montaje de Graham Fortin y Greg Ng. Los actores no pueden disimular estar disfrutando de lo caricaturesco de sus personajes, especialmente Theo James por partida doble y una estupenda Tatiana Maslany; hasta pequeños cameos como los de Adam Scott, Elijah Wood o el propio director caracterizado como el Tío Chip exudan complicidad. Sin embargo, al final, lo verdaderamente relevante y la conclusión con la que nos quedamos, es el ánimo disfrutón con el que salen los espectadores de la sala.

Elijah Wood en The Monkey, de Osgood Perkins.
Elijah Wood en The Monkey, de Osgood Perkins.

BLINDADO: Sam Raimi produce una nueva versión del thriller argentino 4×4

Anthony Hopkins y Bill Skarsgård se han convertido en dos iconos del cine de terror. El actor nacido en gales, eminentemente por dar vida al mítico asesino en serie caníbal Hannibal Lecter, con el que logró el Premio Óscar por su interpretación en El silencio de los corderos (1991), de Jonathan Demme. Un papel que repetiría en otras dos ocasiones, en Hannibal (2001) y El Dragón rojo (2002). Aunque Hopkins también ha pasado a la historia por su interpretación de otro personaje literario, Abraham Van Helsing en Drácula de Bram Stoker (1992), de Francis Ford Coppola, entre otros filmes de género. El actor sueco interpretó recientemente al vampiro Conde Orlok en el Nosferatu de Robert Eggers, pero antes saltó a la fama por dar vida al payaso Pennywise en las películas de terror It (2017) y su capítulo 2, y lo veremos nuevamente en su piel en la serie de próximo estreno Welcome to Derry.

Tras convertirse en Nosferatu, Bill Skarsgård es la víctima en su nueva película.
Tras convertirse en Nosferatu, Bill Skarsgård es la víctima en su nueva película.

Un viaje claustrofóbico y visceral

Ahora, unen sus talentos en el filme Locked, dirigidos por David Yarovesky, tras el giro radical hacia el terror del cine de superhéroes que supuso El Hijo (Brightburn), y la producción Netflix Cuentos al caer la noche. Bajo la producción de Sam Raimi (Posesión infernal, Arrástrame al infierno), cuenta con guion de Michael Arlen Ross, responsable del slasher Turistas, para adentrar al espectador en un inquietante thriller que sigue a un joven que busca su sustento diario por las calles, robando sin ningún plan aparente, y “tiene la suerte” de toparse con un lujoso todoterreno con la puerta abierta, sin imaginar que se trata de una trampa mortal tendida por William. Así se convierte en la víctima de su “proyecto”, el modo en que el dueño del coche imparte su retorcida justicia. Sin modo de escape, tras bloquearse las puertas del vehículo teledirigido, su supervivencia queda en manos de su resistencia a los sofisticados avatares dispuestos por su captor. “Solo quiero mostrarte una pequeña muestra del Infierno”, asegura al ladrón el personaje de Anthony Hopkins, a quien en el tráiler prácticamente solo escuchamos a través del manos libres del vehículo.

4×4, la versión original

Rodada en Vancouver, Locked está basada en el filme de producción argentina 4×4 (2019), dirigido por Mariano Cohn y producido por Gastón Duprat, ambos autores del guion original que acontecía en Buenos Aires. Protagonizado entonces por Peter Lanzani, se inspiraba a su vez en un suceso ocurrido en la ciudad de Córdoba años atrás. En el caso real, el ladrón quedó encerrado dentro de un coche al que habían instalado un sistema de seguridad especial, de modo que, si algún extraño accedía, se subían las ventanillas y se bloqueaban las puertas. En aquel episodio, la situación no duró más de veinte minutos, hasta que llegó la policía mientras el intruso nervioso trataba de romper los cristales para salir.

A JAULA, versión brasileña

Además, este mismo guion fue también versionado en 2022 a través del remake titulado A Jaula, que lo llevaba a la realidad brasileña. Ópera prima de João Wainer, se rodó en São Paulo con el actor Chay Suede dando vida al delincuente.

Locked, bajo el sello del maestro del terror Sam Raimi (quien rueda su próxima película como director, Send Help, con Rachel McAdams y Dylan O’Brien), llega a los cines estadounidenses el próximo 21 de marzo y a España el 30 de mayo como Blindado, de la mano de Beta Pictures.

Cartel de Blindado.
Cartel de Blindado.