Crítica: TRANSFORMERS. EL DESPERTAR DE LAS BESTIAS. ¡A transmarvelizarse!

Cuando Michael Bay estrenó en 2007 la primera entrega de Transformers, la industria del cine era diferente. Sí, había superhéroes, pero estamos hablando de los Spider-man de Sam Raimi, los X-Men, Superman Returns (ambos de Bryan Singer) o el Batman Begins de Nolan. Fast & Furious sólo había llegado a su tercera entrega. Las sagas taquilleras del momento eran Harry Potter y Piratas de Caribe. No existían multiversos y no se planificaban sagas a cinco años vista. Michael Bay, por su parte, era director de cintas de acción espídicas como las dos primeras entregas de Dos Policías Rebeldes, La Roca o Armageddon. Sí, las bases del blockbuster hollywoodiense actual se estaban escribiendo, pero todavía no se podía prever lo que iban a deparar los siguientes 15 años.

BAYHEM

Bajo la mano de Michael Bay, la franquicia de Transfomers han sido claro ejemplo de la personalidad del cineasta: ruidosas, frenéticas, peterpanescas, inverosímiles, elefantíasicas y saturadoras. No le negamos la capacidad de espectáculo visual que es la rúbrica de la casa, pero la búsqueda del estímulo por segundo de Bay hacía también que las películas resultaran muy confusas con respecto a lo que pasaba en pantalla o incluso a qué público estaban dirigidas (saltando de elementos muy infantiles y juveniles a otros de rotunda carga sexual).

A esto se fue sumando un efecto desgaste y desgana del cineasta a cada nueva entrega, especialmente patente en las dos últimas a su cargo como director. Con la despedida del Bay (aunque mantenga el puesto de productor), a la franquicia le tocaba renovarse o morir. Y de repente, llegó Bumblebee, que rebajó todos aquellos excesos y prefirió una historia más sencilla, más cercana, más pausada y con personajes más humanos. El modelo era el cine juvenil de los 80 y la película, en su modestia y sencillez, supo marcar el nuevo camino.

UN NUEVO MODELO

Para la nueva entrega, ya la séptima, los responsables de la franquicia han tomado nota de los cambios en la industria y han decidido actualizar su patrón al modelo Marvel. Es más, si cambiáramos a los robots protagonistas de esta historia por Los Vengadores y al villano, Unicron, por Thanos seguramente no notaríamos mucho la diferencia.

En la dirección, Steven Caple Jr. está lejos de ser Michael Bay, en lo bueno y en lo malo. Es verdad que, a nivel de narrativa, Transformers. El Despertar de las Bestias es mucho más asequible, sin tanto montaje de cien planos por segundo, lo que permite no sólo seguir mejor la acción, sino acercar más los personajes al espectador; sin embargo, también es cierto que Caple es un realizador de encargo, sin personalidad propia y sin el sentido del espectáculo visual de Bay. Aquí estamos más ante una película de estudio, pensada para abrir las puertas a un nuevo universo compartido, esta vez de Hasbro.

BUSCANDO EL TONO

A nivel de escenas de acción, regresamos a la épica y no tanto al formato de cámara que era Bumblebee, pero de ésta sí se aprendió a dar mayor peso a los personajes y al carácter familiar de la trama. A nivel de guion, estamos ante un libreto simplista y predecible, pero que, en su tono conservador, prefiere afianzar la empatía del espectador con los personajes a través de algo tan universal como el sentimiento de familia. Esto lo vemos entre el grupo de los Autobots, la incorporación de los Maximals, y los nuevos personajes humanos. El conflicto, también muy masticado, es el empecinamiento de cada grupo de luchar por los suyos, sin trabajar en equipo, lo que da ventaja a Unicron y sus Terrorcons. Al final esta simpleza resulta funcional, y la película resulta un entretenimiento impersonal, pero amable y lúdico.

SALVANDO LA FRANQUICIA

La película cuenta con una importante inversión en efectos visuales, como es de esperar. La recreación de los Robots es estupenda, especialmente en lo que se refiere a los nuevos favoritos de la manada, los Maximals y su líder, Optimus Primal. Las secuencias de batalla ya no son un amalgama de formas y colores sin sentido, sino que por fin podemos apreciar que personaje pega a quien, y la acción no resulta saturadora, ni confusa.

Por supuesto, director y productores saben dónde están los favoritismos del espectador, y se les dedica momento de especial lucimiento a aquellos personajes que mejor conectan con el espectador. Aunque, dentro de los Autobots, Mirage es quien tiene aquí mayor protagonismo, se reserva momentos de especial lucimiento para el favorito de todos, Bumbleebee. Además, para ir caldeando las expectativas, la cinta se guarda un momento ‘Iniciativa Vengadores’ que seguro gustará a los seguidores de la juguetera Hasbro.

ARMANDO EL JUGUETE

En un arranque de la temporada estival que se está presentando como poderoso en cuanto a rendimiento en taquilla como a la buena aceptación de fans y espectadores de los títulos que han llegado en semanas anteriores a las carteleras, Transformers. El Despertar de las Bestias no va a ser la película de la temporada, pero sí nos parece que es un entretenimiento digno, que (sin que sirva de mucho) se sitúa, en nuestra opinión, entre las tres mejores películas de la franquicia cinematográfica desde su nacimiento en 2007.

La exposición PACHECO & AZPIRI, EN RECUERDO DE DOS GRANDES inaugurará el festival FIMUCITÉ

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El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que celebrará su decimoséptima edición entre el 30 de junio y el 15 de julio con una intensa programación dedicada al mundo de los cómics y sus protagonistas, héroes y villanos, que tanto han inspirado al audiovisual a lo largo de la historia, ofrecerá entre sus actividades paralelas la exposición ‘Pacheco & Azpiri, en recuerdo de dos grandes’.

Organizada por Fundación Cine+Cómics, la Cátedra Cultural Moebius de la Universidad de La Laguna, la Asociación Unicornio, la Semana Internacional de Cine Fantástico De La Costa del Sol y FIMUCITÉ, la muestra podrá visitarse en la sala de arte de Los Lavaderos, en Santa Cruz de Tenerife, desde el 30 de junio hasta el 23 de julio. No obstante, la inauguración oficial tendrá lugar el martes 4 de julio, a las 12:00 horas, contando con la presencia del alcalde de la ciudad, José Manuel Bermúdez, el comisario de la muestra Julio Peces y los responsables de FIMUCITÉ y la Fundación Cine+Cómics, respectivamente.

La exposición se divide en dos espacios diferenciados, dedicados a cada uno de los autores a modo de homenaje y recuerdo de su legado tras su fallecimiento, Azpiri en 2017 y Pacheco el pasado mes de noviembre.

Espacio Carlos Pacheco

El espacio de Carlos Pacheco se dividirá a su vez en dos áreas. La primera estará dedicada a la saga Arrowsmith, la obra más personal del historietista gaditano, creada junto al guionista Kurt Busiek. En 2002 se lanzó la primera entrega y, en 2022, como obra póstuma, la segunda entrega. Habrá una selección de dibujos a color y en blanco y negro, reproduciendo dibujos originales en muy alta calidad.

Arrowsmith, de Carlos Pacheco.
Arrowsmith, de Carlos Pacheco.

La segunda parte estará centrada en los trabajos de Pacheco en Marvel y DC, editoriales en las que labró su reputación y gracias a las cuales obtuvo fama mundial. En concreto, contará con 40 paneles de la obra de Pacheco cedidos por el entintador Jesús Merino, colaborador habitual del dibujante gaditano, a través de la mediación de Ficzone Granada y el Festival de Cómic Europeo de Úbeda. Este espacio se complementará con una selección de 8 dibujos en homenaje a Pacheco, creados por ocho autores.

Espacio Azpiri

Por otro lado, el espacio de Azpiri tendrá dibujos del libro Nuestro Querido Azpiri, publicado en 2019 dentro de la 20ª edición del Festival de Cine Fantástico de la Costa del Sol, con reproducciones de originales a gran calidad. Asimismo, también habrá una selección de dibujos cedidos del fondo del reputado crítico de cómics Eduardo Serradilla, responsable de proyectos internacionales de la Fundación Cine+Cómics. Son 25 reproducciones a gran calidad de dibujos que tratan temas como los superhéroes, la serie Lorna o las portadas que Azpiri dibujó para videojuegos de ordenadores como MSX o Spectrum.

Mot, de Azpiri.
Mot, de Azpiri.

Cabe destacar que Azpiri fue el autor del cartel oficial de la 3ª edición de Fimucité, celebrada en el año 2009. La ilustración estuvo dedicada a la saga cinematográfica Alien, en alusión a la temática principal de aquella edición.

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), el evento del género más antiguo de Europa dirigido por el aclamado compositor y director de orquesta Diego Navarro, cuenta con el patrocinio de Cabildo de Tenerife, el Organismo Autónomo de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Organismo Autónomo de Actividades Musicales del Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, Sinfónica de Tenerife, Auditorio de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Volcano Teide Experience; con la colaboración especial de Parque Científico y Tecnológico de Tenerife, Tenerife Innova, Fondo de Desarrollo de Canarias, Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación “la Caixa” a través de CaixaBank, Fundación CajaCanarias, AUDI como coche oficial del Festival; y la Fundación Diario de Avisos, el Grupo Plató del Atlántico y la Televisión Canaria como principales media partners. FIMUCITÉ celebra su 17ª edición del 30 de junio al 15 de julio de 2023.

Cartel de FIMUCITÉ 17.
Cartel de FIMUCITÉ 17.

Diez películas de terror para este verano

Este miércoles daremos la bienvenida a la temporada estival, un buen momento también para disfrutar de la cartelera cinematográfica, en la que se darán cita esperadas producciones de terror.

De tiburones

Desde 1975, y el estreno de Tiburón de Steven Spielberg, los monstruos que se mueven bajo el agua se han convertido en uno de los clásicos del género y este año tendremos doble ración de escualos gigantes. El primero en llegar a salas, el 7 de julio, será Tiburón negro, un sangriento thriller protagonizado por Josh Lucas y dirigido por Adrian Grunberg, quien trabajó anteriormente con Sylvester Stallone en Rambo: Last Blood y con Mel Gibson en Vacaciones en el infierno. Está basada en una popular leyenda mexicana sobre un enorme tiburón conocido como “el demonio negro”, con quien se encontrará una familia de vacaciones en Bahía Azul.

Cerca de un mes más tarde, el 4 de agosto tendrá lugar el estreno internacional de Megalodón 2: La Fosa, secuela del éxito de taquilla de 2018, en el que Jason Staham bajo la dirección de Jon Turteltaub se enfrentaba al mayor depredador marino imaginado. El actor repite, pero toma ahora los mandos el director Ben Wheatley (In the Earth, Turistas), para continuar el relato a través de una exploración submarina que se convierte en una espiral de caos cuando una perversa operación minera amenaza la misión y obliga al equipo de investigación a luchar por su supervivencia.

The Meg 2
The Meg 2

También el primer viernes de julio se estrenan Reposo absoluto y Vesper. La primera es un thriller psicológico de los productores de Scream y Suspiria. Está escrita y dirigida por la neoyorquina Lori Evans Taylor y protagonizada por Melissa Barrera. Es la historia de Julie Rivers, quien tras años luchando por formar una familia está embarazada de nuevo y se muda a una nueva casa con su marido. Al recibir la orden de guardar reposo, comienza a sufrir unas aterradoras experiencias fantasmales que le harán preguntarse si su casa está embrujada o está todo en su cabeza.

Vesper, que compitió en Sitges y logró el Premio Isla Calavera “Colin Arthur” a los Mejores Efectos Especiales en la pasada edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna, traerá un mensaje ecologista a través de una historia de ciencia ficción ambientada en un futuro distópico, después del colapso del planeta.

Insidious: La Puerta roja

El 21 de julio se estrenará, también exclusivamente en cines, la quinta entrega de la exitosa saga Insidious, La Puerta roja. El elenco original de la franquicia de terror, liderado por Patrick Wilson haciendo además su debut como director, regresa para este capítulo final de la terrorífica saga de la familia Lambert. Para enterrar sus demonios de una vez por todas, Josh y un ya universitario Dalton deberán adentrarse más que nunca en el Más Allá.

Mansión encantada

Una semana más tarde será el turno de la comedia de terror Mansión encantada, inspirada en la clásica atracción del parque temático de Disney, y que ya en 2003 tuvo una primera traslación al cine con Eddie Murphy. El nuevo reparto incluye estrellas como Owen Wilson, Danny DeVito, Rosario Dawson, Jamie Lee Curtis y Jared Leto, con la dirección de Justin Simien.

Un agosto de miedo

Agosto también deparará otros títulos aterradores como Háblame, la primera película de los hermanos gemelos australianos Danny Philippou y Michael Philippou, conocidos por su canal de YouTube RackaRacka, que tiene más de 6,5 millones de suscriptores y más de 1,5 billones de visualizaciones. Esta original historia sobre la invocación de espíritus se presentó mundialmente en el pasado Festival de Berlín y pasó por la sección Midnight del Festival de Sundance, con muy buena acogida por parte de crítica y público.

Su lanzamiento tendrá lugar el 11 de agosto, mientras que el día 25 se espera el de No tengas miedo (Cobweb), la ópera prima como director de largometrajes de Samuel Bodin, el creador de Marianne, la serie francesa que triunfó entre los fans del género. Es la historia de Peter, de 8 años, quien vive atormentado por culpa de los misteriosos golpes procedentes de la pared de su dormitorio.

Estrenos de terror en el mes de septiembre

Para el 8 de septiembre se espera el estreno de La Monja 2, segunda parte de la cinta de 2018 que arrasó con 366 millones de dólares de recaudación mundial, y nuevo capítulo dentro del universo de Expediente Warren. Taissa Farmiga regresa a su papel protagonista y dirige Michael Chaves.

Por último, a tiempo para despedir el verano, se estrena en salas de cines el 22 de septiembre El último viaje del Demeter, dirigida por el noruego André Øvredal y con el español Javier Botet encarnando a Drácula.

Crítica: THE BOOGEYMAN. O el Coco te comerá

Stephen King es un autor tan prolífico que, siendo uno de los escritores más veces adaptados al cine, todavía se está muy lejos de abarcar siquiera la mitad de su producción literaria. Y es que, a su extensa lista de novelas, hay que sumar también su producción cuentística, de la que han salido, precisamente, algunas de sus mejores adaptaciones, como Cuenta Conmigo o Cadena Perpetua.

QUE VIENE EL COCO

The Boogeyman es la adaptación de uno de estos relatos, de hecho, de uno de sus primeros relatos publicados, El Coco. Aparecido por primera vez en marzo de 1973 en la revista Cavalier, después entró a formar parte de su primer recopilatorio de relatos, El Umbral de la Noche, en 1978. Se trataba de un relato sencillo, de unas 12 páginas de extensión, y que nos presentaba la narración que un paciente contaba a un psiquiatra acerca de la muerte de sus tres hijos a edad muy temprana.

La literatura de Stephen King se ha basado principalmente en la idea de que el tejido del mal enhebra un hilo de fantasía y otro de realidad. Carrie, por ejemplo, su primera novela publicada, era una historia sobre una joven con poderes telequinéticos, pero también sobre bullying escolar. En El Coco, encontramos dos monstruos. Uno es esa criatura que vive en la oscuridad de los armarios y que se alimenta de los seres más débiles; pero el otro es el mismo protagonista, un padre que desatiende a su familia, egoísta, machista y cobarde.
El Coco no entra, ni mucho menos, entre lo más destacado de la producción literaria de King, pero sí era un relato sencillo, bien escrito y que daba una mirada fresca y original a un tema icónico como es el miedo a los monstruos de los armarios.

David Dastmalchian en The Boogeyman (c) The Walt Disney Company
David Dastmalchian en The Boogeyman (c) The Walt Disney Company

TRAUMA Y EMPODERAMIENTO

Los guionistas Mark Heyman, Scott Beck y Bryan Woods parten del relato original de King, pero no podemos decir que la película sea una adaptación del mismo, ya que básicamente la parte literaria queda cubierta en el prólogo de la cinta. A partir de ahí se desarrolla una historia original, a modo de continuación de la trama ideada por el escritor de Maine.

Sí es cierto que en la base del guion hay elementos que son muy cercanos a Stephen King. Aquí de nuevo se unen componentes de terror real y de terror sobrehumano. El Coco se alimenta del dolor de una familia en pleno proceso de luto tras la muerte de la madre. El marido viudo es incapaz de atender a sus hijas, mientras éstas tienen que lidiar con el dolor en soledad. Que el protagonismo recaiga en este caso no en los personajes adultos, sino en una niña y una adolescente, conecta también con esa preferencia de Stephen King por dar a estos personajes la voz cantante de sus historias.

A su vez, la película deposita el protagonismo en dos personajes femeninos, especialmente Sadie, interpretada por Sophie Thatcher. Frente a personajes masculinos débiles y derrotados por las circunstancias, son los personajes femeninos los que adquieren una pose aguerrida para enfrentarse al monstruo.

TERROR CLÁSICO

La película se ajusta a los parámetros propios de este tipo de historias de terror, manteniendo a la criatura escondida en las sombras y dejando que el espectador la vaya descubriendo a medida que los personajes van convenciéndose de que es algo real y no producto de su imaginación o de su dolor emocional. La puesta en escena de Rob Savage es correcta, sin caer en efectismos muy marcados, ni golpes de efecto, sino creando una atmósfera inquietante a lo largo de la película y jugando mucho con la fotografía y el uso controlado de la luz.

Desgraciadamente, el guion cuenta con muchas flaquezas como ese conjunto de personajes amigas de la protagonista o Rita Billings (Marin Ireland), la viuda del protagonista del relato original, cuya presencia en la película, más allá de introducir un par de escenas de tensión con las que engordar el metraje, no resultan determinante para la trama principal.

NADA NUEVO EN LOS ARMARIOS

The Boogeyman no ofrece nada nuevo bajo el sol. Es una cinta de terror carente de originalidad, que se apoya en territorios comunes para dar al espectador aquello que va a buscar, pero sin resultar demasiado inquietante o violenta. Hay otros títulos cercanos en el tiempo similares y algunos más atrevidos, como el caso de Smile. Aquí se percibe un cuidado por mantener el PG-13 para que el público adolescente pueda acceder a la sala. La cinta tiene muy medida la violencia en pantalla o la carga terrorífica de la narración. Esto no quita que el resultado sea correcto y efectivo, pero para nada sorprendente o novedoso.

The Boogeyman (c) The Walt Disney Company
The Boogeyman (c) The Walt Disney Company

Las bandas sonoras de las películas de Marvel y DC protagonizan los grandes conciertos sinfónicos de FIMUCITÉ 17

Este verano, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) rinde homenaje, en su decimoséptima edición, a los superhéroes de cómic que han dado el salto a la pantalla a través de icónicas producciones que han cautivado al gran público durante décadas. Los universos de Marvel y DC, sus héroes y villanos, protagonizarán los programas previstos para los dos grandes conciertos sinfónicos que acogerá el Auditorio de Tenerife los días 14 y 15 de julio, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el Tenerife Film Choir y el Coro Polifónico de la Universidad de La Laguna.

Serán dos espectáculos originales y únicos, en los que se interpretarán numerosas piezas por primera vez a nivel mundial, con el estreno absoluto en concierto de las bandas sonoras de Watchmen y Deadpool 2, compuestas por Tyler Bates, quien visitará el Festival; The Incredible Hulk, de Joe Harnell; Werewolf by Night (Michael Giacchino), X-Men (Shuky Levi), The Killing Joke (Lolita Ritmanis, Michael McCuistion y Kristopher Carter) y la serie de animación What if? (Laura Karpman).

Entradas para los conciertos sinfónicos, ya a la venta

Ya se encuentran a la venta las entradas, en la taquilla de Auditorio de Tenerife. FIMUCITÉ ofrece un abono con descuento para aquellas personas que quieran disfrutar de los dos conciertos, así como un abono VIP.

Auditorio de Tenerife acoge el 14 de julio el concierto original de Fimucité 17 Excelsior: El legado de Stan Lee.
Auditorio de Tenerife acoge el 14 de julio el concierto original de Fimucité 17 Excelsior: El legado de Stan Lee.

Excelsior: El legado de Stan Lee

El viernes 14 de julio, a las 20:00 horas, tendrá lugar el concierto ‘Excelsior: El legado de Stan Lee’, dedicado a las grandiosas bandas sonoras de la mítica editorial de cómics Marvel llevadas al cine y la televisión. Cabe destacar el estreno mundial de la música del filme Werewolf by Night, compuesta por Michael Giacchino, también director de la cinta, expresamente preparada para este concierto.

La icónica partitura de Danny Elfman para la película de Spider-man de Sam Raimi y su secuela; The Incredible Hulk, X- Men, Black Panther, The Avengers, Capitán América: El primer vengador o Guardianes de la Galaxia, entre otras, también harán las delicias de la audiencia.

El concierto correrá a cargo del director invitado Salvador Vázquez y contará con la participación de Tyler Bates, colaborador habitual de James Gunn y Zack Snyder. También intervendrán como voces solistas Lola y Sami Bates, así como el baterista Greg Ellis, cuyas interpretaciones han formado parte de más de 200 bandas sonoras de cine, televisión y videojuegos, incluyendo 300, Iron Man, Guardianes de la Galaxia o Assassin’s Creed, quien regresa a FIMUCITÉ con su extraordinaria puesta en escena.

Auditorio de Tenerife acoge el 15 de julio el concierto original de Fimucité 17 Dioses y Detectives.
Auditorio de Tenerife acoge el 15 de julio el concierto original de Fimucité 17 Dioses y Detectives.

Dioses y Detectives

El concierto ‘Dioses y Detectives’, dedicado a DC Cómics, pondrá el sábado 15 de julio, a partir de las 19:30 horas, el broche final a esta prometedora edición de FIMUCITÉ, bajo la dirección del maestro Diego Navarro, compositor y director de orquesta especializado en música de cine y fundador de FIMUCITÉ.

El programa abarca las bandas sonoras que han acompañado en la gran pantalla a superhéroes como Superman y Batman, a villanos como el Joker, y a otros personajes del género noir, como Dick Tracy o el Cuervo. Cabe reseñar en este concierto la interpretación de la partitura de The Batman, de Michael Giacchino, y la suite del legendario filme 300, de Tyler Bates.

También sonarán otros títulos como Man of Steel, Superman o The Rocketeer. Además, tendrá lugar el estreno mundial de la partitura de The Killing Joke, con la presencia de su autora Lolita Ritmanis, que regresa al Festival acompañada de Michael McCuistion y Kristopher Carter, con quienes ha escrito la música para varias películas de animación de Marvel y DC, como Batman Beyond, bajo el sello Dynamic Music Partners.
Tyler Bates, Lola y Sami Bates y Greg Ellis nuevamente subirán al escenario, así como los solistas canarios invitados, Fran León y Esther Ovejero.

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), el evento del género más antiguo de Europa dirigido por el aclamado compositor y director de orquesta Diego Navarro, cuenta con el patrocinio de Cabildo de Tenerife, el Organismo Autónomo de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Organismo Autónomo de Actividades Musicales del Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, Sinfónica de Tenerife, Auditorio de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Volcano Teide Experience; con la colaboración especial de Parque Científico y Tecnológico de Tenerife, Tenerife Innova, Fondo de Desarrollo de Canarias, Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación «la Caixa», Fundación CajaCanarias, AUDI como coche oficial del Festival; y la Fundación Diario de Avisos, el Grupo Plató del Atlántico y la Televisión Canaria como principales media partners. FIMUCITÉ celebra su 17ª edición del 30 de junio al 15 de julio de 2023.

Cartel de FIMUCITÉ 17.
Cartel de FIMUCITÉ 17.

Crítica: SPIDER-MAN. CRUZANDO EL MULTIVERSO. Recuperando la fe

Spider-man es el buque insignia de Marvel. Por encima de los X-Men, por encima de Capitán América, por encima de Iron Man. Desde que fue creado por Stan Lee y Steve Ditko en 1962, el arácnido ha tenido un poder especial para conectar con los lectores de comics, quizás por ser el que mejor conectaba con el público adolescente y haber, en cierta forma, haber crecido con ellos a lo largo de todo este tiempo.

HERE COMES THE SPIDER-MAN

Mientras el paso del tiempo apenas afectaba a muchos personajes de la compañía, Peter Parker ha ido de adolescente empollón que sufría bullying a adulto con problemas matrimoniales. La necesidad de rejuvenecerlo cada cierto tiempo respondía a la importancia de seguir atrayendo a lectores jóvenes, pero, frente a estas variantes, el Peter Parker original se ha mantenido en acción, porque los lectores seguían interesándose por sus aventuras como Spider-man, pero también por su faceta personal. No es de extrañar, por lo tanto, que las películas de Spider-man tengan un tirón especial dentro las adaptaciones del comic al cine.

Dentro del cansancio actual por el género, donde la mayor parte de las películas que nos llegan tiran de un patrón estricto y ya bastante machacado, encontrarse con un título como Spider-man. Cruzando el Multiverso resulta refrescante y sorprendente. Ya la primera entrega de las aventuras de Miles Morales había sido en 2018 todo un disfrute inesperado, pero esta segunda parte se esfuerza en elevar las beldades de la anterior y llevar la propuesta a nuevos territorios.

SPIDERVERSO

En plena etapa del multiverso en el MCU, el spiderverso propuesto por la película se convierte en un espacio polivalente donde poder redefinir lo que pretendíamos conocer del héroe arácnido. Aquí nos reencontramos con algunos de los personajes de la entrega anterior (principalmente, Spider Gwen y Peter Parker) y se suman nuevas variantes. La cinta saca partido del amplio catálogo de encarnaciones de Spiderman ya existente en los cómics, sumándole algunos de cosecha propia, para llevar hasta el absurdo el legado arácnido de Marvel.

Este amplio abanico de Spidermen, con personalidades tan marcadas, sirve a los animadores para mezclar multitud de estilos en la animación, de manera que cada personaje no sólo tiene una estética propia, sino que su personalidad contagia todo su mundo, por lo que la confluencia de todos ellos provoca un collage de estilos, formas y colores que dan a la cinta un valor excepcional y permitiendo experimentar con diferentes técnicas de animación. La película está pensada como una montaña rusa (sí, lo siento, Martin Scorsese), lanzando al espectador de un estímulo a otro casi sin respiro. A su vez los movimientos de los personajes, la puesta en escena, la fluidez de la cámara, todo confluye en una narración dinámica y enérgica, como si realmente fuéramos nosotros los que estamos columpiándonos en red por la pantalla.

TODO GRAN PODER

Sin embargo, todo el despliegue y virtuosismo visual de la película obedece a una historia. A medida que el metraje avanza, los personajes se van volviendo más complejos, sus conflictos más espinosos, las relaciones afectivas entre ellos más maduras y difíciles. La creación del spiderverso no resulta un mero truco narrativo, sino que hay una verdadera arquitectura compleja detrás. Miles Morales se va a enfrentar en esta cinta, más que a enemigos y conflictos físicos, a atolladeros morales y revelaciones que van a socavar toda su realidad.

En nuestra opinión, la cinta logra un equilibrio perfecto entre la virguería audiovisual (la música de Daniel Pemberton es vibrante) y la complejidad del guion, manteniendo ambos a un alto nivel. Es cierto que su larga duración pasa factura. A pesar de que la cinta mantiene durante casi todo el metraje un ritmo férreo, la narrativa se dilata en el momento del cierre. La búsqueda del cliffhanger hace que los últimos quince minutos resulten dispersos, en parte justificado por esa ventana abierta a la tercera parte de esta historia.

ESCALANDO EL LEGADO

Decir que Spider-man. Cruzando el Multiverso es la mejor película del arácnido hasta la fecha puede sonar exagerado, pero, sinceramente, creemos que lo es. Por encima del Spiderman 2 de Sam Raimi y por encima de su predecesora, Spider-man. Un Nuevo Universo. Esto la convierte en una de las mejores películas de superhéroes de todos los tiempos. Nada mal para una película de dibujos que se estrena en plena saturación del género de superhéroes.

REBEL MOON: Las guerras estelares de Zack Snyder

Podía haber formado parte del universo Star Wars, según concibió el propio Zack Snyder su guion original para el proyecto Rebel Moon, un trabajo que presentó a Lucasfilm hace más de una década y que tras la venta de la productora a The Walt Disney Company en 2012, quedó en barbecho.

Lo cierto es que Netflix, tras el éxito de Ejército de los Muertos, en 2021, vio un gran potencial en este proyecto y dio luz verde al responsable de 300 (2006) para realizar su película, al margen de toda vinculación a La guerra de las Galaxias. El rodaje comenzaba en abril de 2022 para concluir a finales de año y la fecha de estreno es precisamente las próximas navidades, el viernes 22 de diciembre en la plataforma. Pero la historia salió tan extensa, como se ha convertido en marca de la casa Snyder, que dirección y producción se pusieron de acuerdo para dividir la película en dos largometrajes rodados simultáneamente, aunque la fecha de lanzamiento de la segunda entrega aún no ha sido confirmada.

En el filme, una colonia pacífica en el borde de la galaxia está amenazada por los ejércitos del tiránico gobernador Balisarius. Desesperados, los colonos envían a una joven con un pasado misterioso a buscar en planetas vecinos guerreros, muchos de ellos de naturaleza cibernética, para que se sumen a la resistencia.

Reparto de REBEL MOON

El reparto coral está liderado por la actriz argelina Sofia Boutella, quien fuera bailarina de Madonna en dos giras mundiales y en varios videoclips, y protagonista de títulos como La momia (2017) de Alex Kurtzman, en el papel de la princesa Ahmanet; Gazelle en Kingsman: Servicio Secreto (2015), de Matthew Vaughn, o más recientemente compartiendo pantalla con Nicolas Cage en Prisoners of the Ghostland (2020), de Sion Sono. Ella es Kora, quien reúne a los guerreros para defender su luna contra el Imperio.

Le acompañan Djimon Hounsou, nominado al Óscar en dos ocasiones por Diamante de sangre y En América, como el general Titus, reclutado para liderar la lucha; Charlie Hunnam (Hijos de la anarquía), como el piloto mercenario Kai; Doona Bae (Sympathy for Mr. Vengeance), en la piel de Némesis, una maestra con la espada; y, entre otros, Ed Skrein, como el almirante Noble, general de alto rango de Balisarius que hace cumplir la ley en el Mundo Madre; mientras que Anthony Hopkins pone su voz al centenario personaje de Jimmy, el último miembro de una estirpe de caballeros mecánicos que sirvieron en épocas pasadas.

La prestigiosa revista Vanity Fair ha publicado esta semana en exclusiva una colección de imágenes de la película en las que se pueden ver por primera vez todos estos personajes y muchos más, con sus espectaculares vestuarios y caracterizaciones, acompañadas de declaraciones de Zack Snyder, director y coguionista junto a Shay Hatten y Kurt Johnstad, así como de la productora Deborah Snyder. Ella afirmaba que espera que Rebel Moon traiga aire fresco a los fans, sin dejar de lado los mundos que les han inspirado, desde Star Wars a El Señor de los Anillos o Juego de Tronos.

Para hacerlo realidad han contado con un presupuesto de 166 millones de dólares al servicio de las dos entregas de esta space opera, que además contarán con una versión extendida para público adulto y otra más comercial, adaptada a un público más joven.

Crítica: LA SIRENITA. Cantos de sirena

En 1989, La Sirenita, adaptación del cuento de Hans Christian Andersen, hizo historia del cine. No sólo abrió nuevos caminos a la animación, sino que sirvió de pistoletazo de salida a toda una nueva era dorada de la Disney. Desde el fallecimiento de Walt Disney en 1966, la compañía había ido adentrándose en una paulatina deriva, intentando redefinir el sello de sus películas. La década de los 80 en concreto había sido testigo del estreno de varias películas con las que la compañía intentaba recuperar su antigua gloria, pero sin éxito. Es verdad que, a día de hoy, muchas de aquellas películas son veneradas como títulos de culto, pero en su momento resultaron sonoros fracasos.

La Sirenita, con su espléndida animación, las extraordinarias canciones de Howard Ashman y Alan Menken, más la partitura de éste último, y una embellecida reformulación del cuento clásico, fue un éxito instantáneo. Uno de los apartados fundamentales fue, precisamente, la música. Ashman y Menken dieron a la cinta un espíritu muy propio de los musicales escénicos que después contagiaría a las películas que llegarían a continuación, como La Bella y La Bestia, Aladdín o El Rey León. En todas ellas se podía apreciar la huella marcada por Ariel.

DE LA ANIMACIÓN A LA IMAGEN REAL

En la última década, Disney ha ido trasladando a imagen real muchos de sus clásicos de animación, y de ésta época ya les había tocado el turno a varios (La Bella y la Bestia, Aladdín, El Rey León, Mulán). Ninguno de estas live action pictures ha podido hasta la fecha medirse con su original en animación. La mayoría ha pecado de ser meras fotocopias, casi plano a plano, de la original, pero sin la magia, ni la maestría de las originales. Es más, dentro de este grupo de películas, por lo general, lo que hemos encontrado ha sido productos mediocres, unos pocos apenas salvables. Esto, evidentemente, nos deja con unas expectativas muy bajas ante las nuevas adaptaciones.

Con La Sirenita los retos no eran menores que con otros títulos clásicos, aunque quizás su valor inaugural de una era de esplendor le dé un valor especial. Este remake básicamente cuenta la misma historia de la película de 1989, con algunas pequeñas variaciones en guion. Hay algunas escenas nuevas, las originales tienen un mayor desarrollo, un par de canciones creadas para la ocasión y algunas de las clásicas con variaciones en música y letra, pero, en esencia, es la misma historia. Afortunadamente, el director, Rob Marshall, evita caer en la fotocopia (aunque sí encontramos el guiño, alguno más logrado que otros, a algunos planos icónicos).

ENTRE MAR Y TIERRA

Donde se aprecia un mayor despliegue es en las escenas submarinas. Toda la primera parte de la película resulta mucho más atractiva y dinámica que las escenas en superficie. La puesta en escena de Marshall viene marcada también por el uso del 3D, que, sin llegar al valor inmersivo de Avatar 2. El Sentido del Agua, juega con la mirada del espectador siguiendo los movimientos de Ariel entre la flora marina.

En el momento en que Ariel se transforma en humana y la acción se traslada a la isla donde vive el Príncipe Eric, la película se vuelve mucho más artificiosa, evidenciando los decorados de inspiración caribeña hasta el punto de recordarnos aquellos experimentos de la propia Disney mezclado animación e imagen real en la década de los 40 y 50 (por momentos, nos parecía que iban a aparecer por allí Los Tres Caballeros). Para el clímax final, la cinta regresa al mar, donde vuelve a recuperar el pulso, para, en el epílogo, devolvernos a la superficie y a una puesta en escena, de nuevo, desganada y pobre.

NUEVOS ROSTROS PARA NUEVOS TIEMPOS

Polémicas aparte, Halle Bailey no sólo nos ha parecido una espléndida Ariel, sino que, en nuestra opinión, es de lo mejor de la película. Con una voz extraordinaria que no tiene nada que envidiar a la Jodi Benson de la cinta original (y eso era un listón muy alto), la actriz tiene todo el encanto, la belleza y la inocencia del personaje. La idea de que Tritón tenga siete hijas y cada hija represente cada uno de los siete mares nos parece una estupenda aportación a la mitología de la película, no sólo como justificación del tan comentado cambio de raza de la sirena protagonista, sino como mero concepto de la naturaleza simbólica de los personajes.

Tanto Javier Bardem como Melissa McCarthy cumplen con su papel con corrección. La película busca desarrollar más el papel del Rey Tritón y darle un mayor bagaje emocional y Bardem lo aporta. Desgraciadamente, volvemos a encontrar las diferencias entre las escenas submarinas y las de superficie. Bardem luce imponente bajo el mar, pero en sus (afortunadamente escasas) escenas fuera del agua queda deslucido y pasan a ser de lo peor de la película. Por su parte, si bien Jonah Hauer-King hace una labor esforzada en su papel de Eric, cumpliendo con nota en el apartado musical y dando porte y atractivo al personaje, su Eric es el personaje más endeble e insulso de la película.

Nos quedan los tres acompañantes de Ariel, aquí en versión infográfica que tienen que vérselas con la imagen icónica de sus referentes en animación: Sebastián, Flounder y Scuttle. No nos ha gustado ninguno. El diseño de los personajes, lejos de resultar atractivo o gracioso, resulta chocante y hasta desagradable. Como sucediera con títulos anteriores, los personajes digitales hiperrealistas son tremendamente inexpresivos. Sebastián parece más una versión de Señor Cangrejo de Bob Esponja que el divertido personaje de la versión de 1989. Flounder es un personaje vacío, totalmente prescindible para el desarrollo de la película y Scuttle resulta molesto e irritante.

NOTAS MUSICALES

Una vez más la música es fundamental para la película. Alan Menken regresa para revisar su trabajo en la película original, acompañado por Lin-Manuel Miranda, quien le ayuda a retocar las canciones originales y juntos componen los nuevos temas de la película. Menken revisa y amplia también su partitura original, enriqueciéndola notablemente. En lo que se refiere a esta última parte, nos parece que el remake consigue mejorar el trabajo de 1989. No podemos decir lo mismo de las canciones. Las canciones originales, con sus retoques, siguen siendo el plato fuerte de la película. Se echa de menos la ausencia de dos canciones (“Daughters of Triton” y “Les Poissons”) y algunos de los temas icónicos (“Kiss the Girl”) quedan lejos de la original.

Aún así las interpretaciones son excelentes y las canciones siguen funcionando de maravilla para la narrativa de la película. Aunque las nuevas canciones tienen una finalidad evidente y necesaria (dar voz a Ariel una vez transformada en humana y, especialmente, dar más margen musical a Halle Bailey), y reconociendo a Lin-Manuel Miranda como uno de los genios del teatro musical del siglo XXI, lo cierto es que las canciones nuevas no llegan al nivel de los temas originales y, alguno, como “The Scuttlebutt”, resulta francamente nefasto y molesto.

A FLOTE

La Sirenita, versión 2023, es una película irregular, con muchos altibajos y con problemas de ritmo que se podrían haber aliviado reduciendo algo el metraje (135 minutos frente a los 83 de la cinta original). Pese a esto, se mantiene como una película entretenida, superando a la mayor parte de las versiones en imagen real realizadas por Disney hasta la fecha. No es una obra maestra como su predecesora, pero sí es un estimable entretenimiento familiar.

FANCINE de Málaga celebrará del 8 al 16 de noviembre su 33 edición bajo el lema «Home, Sweet Home»

Ya lo dice el refrán: “Como en casa…” ¿en ningún sitio? Con esta particular y burlona premisa ha dado a conocer este viernes el festival de cine fantástico de la Universidad de Málaga el cartel promocional de su nueva edición, la número 33, que se celebrará del 8 al 16 de noviembre en el cine Albéniz como sede central y otros espacios universitarios.

Para esta nueva convocatoria, Fancine ha elegido una temática de actualidad que atestigua su compromiso por las preocupaciones sociales y los asuntos que marcan la agenda cotidiana: la vivienda. De esta manera, el festival hará suya la expresión popular «Home, sweet home» como leitmotiv de su próximo cumpleaños, consolidado como cita de referencia en el calendario otoñal de eventos de la ciudad.

Así, Fancine apuesta por vertebrar sus contenidos en torno a este concepto como respuesta a cuestiones de plena vigencia que atañen directamente a los ciudadanos y que generan debate, como la subida del precio de la vivienda y de los alquileres, la demanda habitacional, la especulación inmobiliaria, el drama de los desahucios o fenómenos como el boom de los pisos turísticos. Desde un enfoque fantástico, el festival tomará partido para canalizar esta coyuntura en la gran pantalla no solo a través de historias sobre casas encantadas, moradas inhóspitas, habitaciones del pánico o salas de castigo, también desde un ángulo más personal y privado, como las rencillas vecinales, las comunidades de propietarios o residencias atípicas y pintorescas reconvertidas en verdaderos hogares, ya sean barcos, cuevas o cohetes.

Cartel oficial de Fancine 2023

La imagen que ilustra esta reivindicativa intención es obra un año más del equipo de diseño del Vicerrectorado de Cultura de la UMA, con el profesor Agustín Linares a la cabeza. En esta ocasión, y en consonancia con la tendencia tecnológica del momento, el cartel se ha desarrollado a partir de un boceto inicial generado por una herramienta de Inteligencia Artificial, un gesto simbólico que define el interés del certamen por la innovación y la vanguardia. Esa inspiración ha sido trabajada y perfeccionada por el equipo de creativos para dotarla de un estilo propio que recuerda a los cómics de mediados del pasado siglo, con tonos apagados, en un entrañable tributo a la ciencia ficción artesanal y rudimentaria de la época.

Los elementos de la composición aluden a referencias cinematográficas que forman parte del imaginario colectivo, dotando de todo el protagonismo argumental a la cabaña de madera, un escenario mítico que ha servido de ambientación única para multitud de títulos icónicos del género, entre los que destaca The Cabin in the Woods o Evil Dead. El diseño apuesta también por incluir el componente local con los colores de la bandera de Málaga mimetizados en los títulos y, como guiño a los ‘fancineros’ más auténticos, el cartel esconde un gato negro a modo testimonial, en un juego de agudeza visual que propone un acertijo para los espectadores en recuerdo a Bad Luck, el maneki-neko seña de identidad de Fancine.

Fancine 2023
Fancine 2023

Ciclo ‘Camino a Fancine’

El festival de cine fantástico de la Universidad de Málaga ha acompañado la presentación del cartel con la confirmación de los primeros títulos que formarán parte del ciclo ‘Camino a Fancine’, una actividad previa a la celebración de la 33 edición, que se desarrollará en el Contenedor Cultural durante los martes de octubre con entrada libre hasta completar aforo.

Esta programación contará con una selección de cintas que hasta ahora no habían pasado por Fancine pero que concuerdan en forma y contenido con el espíritu fancinero, por lo que el festival las rescata, al hilo con la temática central, por su modo de reinterpretar los términos casa y hogar.

Encenderá en esta ocasión el proyector de Fancine el día 3 de octubre El faro, la aclamada obra en blanco y negro de Robert Eggers protagonizada por Willem Dafoe y Robert Pattinson, en la que dan vida a dos fareros que comienzan a delirar cuando una tormenta los deja aislados en una remota isla.

'El Faro', de Robert Eggers.
‘El Faro’, de Robert Eggers.

Le seguirá la semana siguiente Black Phone una aterradora propuesta dirigida por Scott Derrickson con Ethan Hawke y Mason Thames en los papeles principales. Secuestros, torturas y toques sobrenaturales se entremezclan en esta historia solo apta para los amantes del terror extremo.

Continuará esta línea The Raid: Redemption, una producción indonesia de 2011 con Iko Uwais capitaneando una historia de brutal violencia y mucha acción que enfrenta a agentes de las Fuerzas Especiales contra sicarios y narcotraficantes en un edificio que sirve de refugio a los criminales más peligrosos de Yakarta.

Y como tributo a los slashers de estilo ochentero, Fancine recuperará en esta sección La casa del diablo, del director Ti West, en la que no faltarán los sucesos paranormales de las casas encantadas, las posesiones demoníacas y los asesinos en serie.

Cerrará el ciclo, ya con el festival iniciado, una obra culmen del cine contemporáneo: Parásitos, con la que el realizador surcoreano Bong Joon-ho hizo historia en los Oscar, se asomará a las pantallas de Fancine con una versión en blanco y negro que propone una revisión de esta joya más profunda y elegante.

John Carpenter regresa a la dirección con la serie SUBURBAN SCREAMS

Decir John Carpenter es sin lugar a duda mencionar a uno de los grandes maestros del terror y el fantástico. Ha sido autor de La cosa (1982), su versión cinematográfica de la novela corta de John W. Campbell ¿Quién anda ahí?, en su día un fracaso absoluto en taquilla, pero hoy considerado todo un clásico del género. Impulsor del slasher con La noche de Halloween (1978), franquicia que continúa viva 45 años y 12 secuelas después, y que convirtió a Michael Myers en uno de los monstruos imprescindibles de la cultura popular, a Jamie Lee Curtis en “reina del grito” y al creador en referente tanto en la dirección como en su faceta de músico y compositor, responsable de bandas sonoras fundamentales del género.

Con 1997: Rescate en Nueva York (1981), y su secuela 2013: Rescate en L. A. (1996), se adentró en la ciencia ficción distópica y apocalíptica, con Kurt Russell en la piel de Serpiente Plissken, otro personaje de culto que ha pasado a la historia a través del merchandising. Con un presupuesto de 7 millones de dólares, la cinta original recaudó más de 50 a nivel mundial.

Es también responsable de Están vivos (1988), un nuevo fracaso en su estreno en cines, pero un éxito absoluto en videoclubs. Basado en un relato de Ray Nelson, realiza una importante crítica a la sociedad y al consumismo a través de una historia de ciencia ficción sobre una invasión alienígena que combina thriller y comedia negra.

La icónica En la boca del miedo (1995), protagonizada por Sam Neill y Jürgen Prochnow; El príncipe de las tinieblas (1987), La niebla (1980), Christine (1983), basada en el relato de Stephen King, o El pueblo de los malditos (1995), son otras de sus memorables incursiones en el horror. Una lista a la que hay que sumar la episódica Bolsa de cadáveres (1993), con John Carpenter en pantalla como maestro de ceremonias y presentador de tres historias, una dirigida por él, The gas station, y las otras dos por Tobe Hooper y Tom Arnold. La cinta, en la línea de Creepshow o los Cuentos de la Cripta, cuenta con un reparto de lujo para papeles principales y cameos, con Wes Craven, David Naughton, Sam Raimi, Mark Hammill, Roger Corman, Twiggy y Debbie Harry, entre otros.

En la banda de John Carpenter se encuentran su hijo Cody a los teclados y su ahijado Daniel Davies como guitarra principal. | Foto: Daniel Fumero
En la banda de John Carpenter se encuentran su hijo Cody a los teclados y su ahijado Daniel Davies como guitarra principal. | Foto: Daniel Fumero

Pero el cineasta ha convertido en oro otras propuestas muy diferentes como las cintas de acción Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), un trepidante thriller policial con espíritu de western, o Golpe en la pequeña China (1986), una aventura fantástica nuevamente protagonizada por Kurt Russell.

Vampiros (1998) y Fantasmas de Marte (2001) no estarían a la altura de sus antecesoras, y desde 2010, con el thriller psicológico Encerrada, no había dirigido, salvo un par de videoclips de su propia música.

Nueva serie de televisión, SUBURBAN SCREAMS

Por este motivo, cuando la pasada semana el propio Carpenter aseguraba en el evento Texas Frightmare Weekend que era el director de la serie de televisión Suburban Screams, rodada en Praga, su regreso a filas ha sido recibido con gran entusiasmo. “Me senté en mi sofá y lo dirigí. Ha sido increíble”, aseguró Carpenter, quien ha llevado las riendas a sus 75 años cómodamente desde su propia casa en Los Ángeles, de forma remota, con el soporte local de Milk and Honey Pictures, productora copropietaria de los Estudios Praga de Letňany, donde se han rodado recientemente otras series como Foundation, para Apple TV y Skydance, o Haunted, para Netflix.

Secuela de LA COSA, en proyecto

Carpenter también puso sobre la mesa que una secuela de La Cosa podría estar en marcha y que está centrado en estos momentos en un nuevo álbum de Lost Themes, su proyecto musical compartido con su hijo Cody Carpenter y Daniel Davies, que tras el disco debut de 2015 ya ha contado con otras dos entregas de la mano de Sacred Bones Records.