Pig, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage y que supone el debut cinematográfico del cineasta estadounidense Michael Sarnoski (serie Olympia), quien escribe y dirige este film, llega a las salas españolas este jueves 14 de julio.
Sarnoski se ha convertido con este título en uno de los cineastas revelación de la temporada y ha sido elegido para realizar la tercera parte de Un lugar tranquilo.
Pig ha sido una de la sorpresas de la temporada: escogida en el top 10 de las mejores películas independientes del año y ganadora al Mejor Director Novel en los National Board of Review (NBR), ganadora del Mejor Guion Novel en los Independent Spirit Awards y nominada a Mejor Actor (Nicolas Cage) en los Critics Choice Awards y en el Círculo de Críticos de San Francisco, entre otros. Además, fue la encargada de clausurar el BCN Film Fest.
El actor ganador del Óscar por Leaving Las Vegas (1995), tras títulos como la comedia negra Mamá y papá (2017), la visceral Mandy(2018), la lovecraftiana Color out of space (2019) o la excesiva Prisoners of the Ghostland(2021), entre muchas otras, presenta el considerado su mejor trabajo en años.
Además de Nicolas Cage, la película cuenta también con las interpretaciones de Alex Wolff (Hereditary), Adam Arkin (Hitch (Especialista en ligues)) y Nina Belforte (Wuthering Heights).
SINOPSIS DE PIG
Rob es un hombre solitario que vive en una cabaña medio destartalada en un bosque de Oregón. Su única compañía y su medio de vida es su cerdita buscadora de trufas. Cuando secuestran al animal, Rob se introduce en un raro submundo criminal de los restaurantes de Portland para recuperarlo.
Los hermanos mellizos Matt y Ross Duffer, creadores de Stranger Things, viven la resaca del éxito sin precedentes de los dos episodios finales de la cuarta temporada de la serie de terror y ciencia ficción de inspiración ochentera. Más de 1.500 millones de horas vistas desde el estreno de la cuarta temporada, alcanzando el número 1 en Netflix y arrastrando al resto de temporadas a regresar al ranking de visionados.
Produciendo «del revés»
En medio de esta celebración, han anunciado esta semana la fundación de la productora Upside Down Pictures y su compromiso con la plataforma para próximos proyectos, exclusiva con la que sorprendía el portal especializado Deadline. Según las declaraciones de los cineastas, la nueva compañía se guiará por el objetivo de crear el tipo de relatos que los inspiraron a crecer, “historias que tienen lugar en esa hermosa encrucijada donde lo ordinario se encuentra con lo extraordinario, donde el gran espectáculo coexiste con un fundamental trabajo de personajes, donde el corazón gana al cinismo”.
Con la última temporada de Stranger Things, que desplegará la batalla final entre Eleven y el Vecna, en preproducción y con fecha de estreno prevista para 2024, sus planes futuros no han dejado indiferente a los aficionados.
DEATH NOTE tendrá nueva serie live action de la mano de los hermanos Duffer
El proyecto que ha acaparado todos los titulares ha sido una nueva adaptación en imagen real y formato serial de Death Note, el famoso manga escrito por Tsugumi Ohba e ilustrado por Takeshi Obata que vio la luz en 2003 y ha cautivado a millones de fans por todo el mundo, también gracias a su serie anime desarrollada por Madhouse en 2006. La historia original sigue a Light Yagami, un adolescente brillante que descubre un misterioso cuaderno negro que le otorga poderes sobrenaturales sobre la vida y la muerte. Embriagado de poder, el joven decide acabar con todos los criminales del mundo, pero un enigmático detective privado tratará de detenerlo.
En anteriores ocasiones, ha sido adaptada a películas en imagen real, con dos largometrajes dirigidos por Shûsuke Kaneko, Death Note (2006) y The last name (2006); un tercero bajo la dirección de Hideo Nakata, L, change the world, que giraba alrededor de la historia del investigador; y una producción de Netflix dirigida por Adam Wingard (responsable de Tú eres el siguiente, The Guesty la superproducción Godzilla vs. Kong) que llegaba en 2017, pero no cumplió con las expectativas.
Adaptación de EL TALISMÁN, de Stephen King y Peter Straub
Por otro lado, los Duffer también preparan con Curtis Gwinn junto a Amblin Entertainment y Paramount Television otra serie para Netflix que adaptará la novela de 1984 de Stephen King y Peter StraubEl talismán. En palabras de Matt Duffer, si bien esta historia comparte cualidades de otro mundo con Stranger Things, “tiene mucha más fantasía, tiene ciencia ficción, elementos de terror, tiene mucho corazón… y tiene el mejor personaje de hombre lobo de todos los tiempos”.
Otros proyectos
Asimismo, producen una serie original de los creadores Jeffrey Addiss y Will Matthews, responsables de Cristal Oscuro: La era de la resistencia, pero no dejarán de lado su maravillosa gallina de los huevos de oro y, además del anunciado spin-off de Stranger Things, que contará con producción de Upside Down y 21 Laps, están desarrollando una obra de teatro ambientada en el universo de la serie, producida por Sonia Friedman y Stephen Daldry, nominado a tres premios Óscar por sus labores de dirección en Billy Elliot, Las horas y El lector. Kate Trefy escribe el libreto y dirigirá la escena el propio Daldry.
Al frente de Upside Down, se encuentra Hilary Leavitt, quien ha estado tras el desarrollo de Ozark y Orphan Black, entre otras.
Por múltiples razones, muchas de ellas cinéfilas, otras marcadamente sentimentales, la aparición en el mercado cinéfilo del libro escrito por Christian Aguilera y publicado por Kane Ediciones, Jerry Goldsmith Un Camaleón Musical, editado tanto en español como en inglés, constituye una auténtica celebración. Esta salida al mercado, constituye la excusa perfecta para profundizar en una vida dedicada a la música de cine, estableciendo unos cánones de personalidad específicos, pero también adaptándose a los nuevos tiempos, música de sintetizador incluida. Goldsmith constituye sin la menor duda, como también en su día, Dimitri Tiomkin, Max Steiner, Elmer Bernstein, Alex North, John Williams o Hans Zimmer, un peldaño importante en la evolución de la música del cine en el siglo XX. Los 18 años transcurridos desde el fallecimiento del gran compositor permiten al autor la perspectiva adecuada para recorrer con ejemplar detalle los recovecos de su riquísima obra, incluyendo la carrera televisiva del homenajeado (la de sus primeros años, o series como QVIIo Masadá). Una carrera musical que se vería truncada en 2004, pero cuyos inicios se remontan a 1957.
Unos Apéndices dedicados a los comienzos del compositor en los albores de la televisión estadounidense, Miniseries, películas directamente concebidas para televisión, documentales, una discografía completa del artista y un glosario de algunas bandas sonoras rechazadas, terminan de concretar el compendio fílmico más extenso que existe sobre un autor fundamental en el devenir de la música en el cine.
En definitiva, si Goldsmith “…crea a partir de las emociones que experimentan los personajes…” más allá de ser un simple ilustrador, tal y como afirma Aguilera en su manual, éste deja de ser un mero ilustrador, de igual modo, con su libro.
El gran logro de Christian es el de crear auténtica emoción en el lector de la obra, a partir de la sugerencia y la suntuosa compilación de información, admirablemente organizada.
Nuestra concepción de Jerry Goldsmith jamás será la misma (aunque seamos fans) a partir de que Jerry Goldsmith, Un Camaleón Musicalcaiga en nuestras manos y pase a nuestras vidas.
La carrera profesional de Jerry Goldsmith constituye toda una algarabía de satisfacciones, en una vida de constante descubrimiento y aprendizaje pese a una pronta consolidación. La satisfacción para el cinéfilo receptivo está servida. Goldsmith es un crisol de sonidos muy presentes en el ADN de sus fans, especialmente de aquellos que crecimos durante los años 70 y 80 del Siglo XX, que, a fuerza de atar cabos, empezamos a calibrar el conjunto de obras que tenían el denominador común de un mismo compositor. Un músico provisto de una sonoridad muy peculiar, condensados en muchos de los filmes que aquellos años devorábamos en las salas de cine.
A fuerza de escuchar las bandas sonoras de aquellos filmes que se estrenaban, no sólo nos maravillamos, es que se nos creaba la auténtica necesidad de escuchar los previos trabajos. Las revistas especializadas (no había internet al alcance popular) nos avanzaban datos. Goldsmith alcanzó un esplendor tempranamente en los años 60 con bandas sonoras realmente prodigiosas. El lirismo y la contundencia que subraya el drama y el sentido del deber en el leitmotiv del soberbio western Río Conchos; el tono crepuscular de Los Valientes Andan solos (cuyo protagonista, Christian Aguilera compara acertadísimamente con John Rambo de Acorralado, de Ted Kotcheff); el osado y vanguardista minimalismo atonal de El Planeta de los Simios, que marcaría un antes y un después; o la solemne marcha militar de Patton, acorde con la grandilocuencia del personaje. Todas ellas son obras mayúsculas.
¿Y qué decir de la épica partitura de Las Águilas Azules? Un filme sobre la ambición y la competitividad en pleno conflicto bélico (la Primera Guerra Mundial), que merece unas notas musicales a su altura. Sin la menor duda, nos hallamos ante porciones de la historia del cine, que descubrimos muchos gracias al furor del reproductor de video, y en concreto, del sistema VHS que se instauró de modo generalizado, y que en los 80 acaparó nuestro ocio y llenó las estanterías de las voluminosas cintas de video, mucho antes de la era digital, y con ella el DVD y el Blu Ray o el 4K.
En los cines, los solemnes compases de Goldsmith para El Viento y el León, de John Milius, que recogen el poder de fascinación del personaje central interpretado por Sean Connery; el acompañamiento sonoro a las andanzas de John Rambo en pleno bosque, enfrentado al Sheriff local y a la guardia nacional; los inquietantes acordes que anuncian y acompañan a los espíritus de Poltergeist, de Tobe Hooper; o la trilogía del hijo del anticristo, Damien, tuvieron sonoridades musicales que jamás olvidaremos.
Por no mencionar su espléndido trabajo para Lionheart, de su amigo Franklin J. Shaffner, un filme muy difícil de ver. Su apoteósica banda sonora, editada en dos discos vinilo, inmediatamente formó parte de nuestras vidas y de nuestros sonidos predilectos. La desaparición de Goldsmith en 2004 deja un enorme e insustituible vacío en el fascinante mundo del soundtrack que irremediablemente añoramos muchísimo. Una profunda melancolía flota en el aire en la escucha de cada CD o Disco Vinilo del Gran Jerry Goldsmith.
El manual comienza con un prólogo de alguien que no necesita presentación, como es Robert Townson, un nombre fundamental en la difusión de la Banda sonora. Fue presidente del sello musical Varèse Sarabande, durante 30 años, con más de 1400 volúmenes publicados durante su mandato, así como responsable de la restauración de bandas sonoras míticas que han hecho historia. Townson es organizador y productor de conciertos, como el del 22 de julio de 2022 en Los Ángeles, en el Walt Disney Concert Hall, que con ocasión al 40 Aniversario de Conan el Bárbaro (Conan The Barbarian, EEUU, 1982), de John Milius, rinde merecido tributo a otro compositor excepcional que fallecía prematuramente en 2006 víctima de cáncer: Basil Poledouris.
Continúa en la lectura del libro una sentida reflexión de Christian en torno a su propia evolución personal, forjando su conocimiento cada vez más exhaustivo y a su fascinación en torno al autor del Score de El Planeta de los Simios. Todo ello al haber tenido el privilegio de asistir a los conciertos dados por Goldsmith en España, en La Maestranza de Sevilla, en octubre de 1993 y en el Auditorio de Barcelona en diciembre de 1999. En ese período Christian tenía clara la necesidad de un manual sobre el maestro Goldsmith, y que algún día lo escribiría, superados ciertos compromisos y objetivos literarios.
Un apartado genérico desde el punto de vista historicista emprendido por parte de Jaume Carreras, con unas reflexiones sensacionales en torno a la partitura atonal de El Planeta de los Simios, preceden al pormenorizado retrato de la compleja cartografía musical de un compositor sin igual en la historia de la música en el cine. Resulta muy emotiva la reproducción de las palabras que Franklin J. Schaffner y Jerry Goldsmith se dedican mutuamente a su larga y sentida colaboración. La no menos extensa, e intensa, evolución profesional del artista y la suerte que tuvo de tomar en su camino con gente como Miklós Rózsa o Alex North, son abordadas en el manual para dar sentido a su trayectoria y a ciertas tomas de decisiones en su carrera musical.
La carrera del compositor es profundamente variada. Goldsmith posee trabajos en todos los géneros. Sus más de 160 trabajos incluyen filmes de contenido claramente político y de denuncia (el contundente movimiento de geopolítica que plantea Siete Días de Mayo; la experimental Plan Diabólico; el juego de suspense y apariencias de Capricornio Uno; o el característico uso de los instrumentos de viento de Goldsmith para la reivindicativa Alerta Misiles), figuras militares relevantes (grandilocuencia musical a la altura del personaje, en Patton, una partitura más evocadora y reflexiva para McCarthur, El General Rebelde), thrillers (el agónico lirismo de Fuga Sin Fin; el subrayado de la amenaza que no cesa, pese a la aparente tranquilidad, en Durmiendo con su enemigo, los recovecos de la ley en tonos poco efectistas para Ley Criminal; e Instinto Básico, o Goldsmith “jugando a» Bernard Herrmann), Películas de Espías (Flint Agente Secreto, y su secuela, F de Flint, o La Casa Rusia, que contiene una de las bandas sonoras más hermosas asociada a un personaje y sus sentimientos), Films noirs (Chinatown, L.A. Confidential, ambas bandas sonoras se complementan maravillosamente, donde el uso de la trompeta es esencial en las dos), y Westerns (desde Río Conchosy los comienzos de la solemnidad musical, a Cuatro Mujeres y un Destino, pasando por la idea de “comenzar de nuevo” como motor vital de los personajes principales de Hacia Los Grandes Horizontes (remake de La Diligencia). El ajuste de cuentas después del tiroteo del OK Corral nunca estuvo mejor delimitado en términos sonoros como en La Hora de las Pistolas. Bandolero y Cien Riflesexploran la vía fronteriza del primer western mencionado. La despedida de Howard Hawks con Río Lobo, y la guitarra de cuerda que rememora, otra vez, el leitmotiv de Río Conchos.
Goldsmith también ha musicado películas bélicas (la reflexión sobre el poder en Primera Victoria, el tortuoso relato de espionaje en alta mar en Morituri, y las hazañas bélicas en El Coronel Von Ryanvieron su reflejo en tres partituras perfectamente delimitadas entre sí) y cine de aventuras (el intimismo y la grandilocuencia a partes iguales en Papillon, Las Minas del Rey Salomón, o Goldsmith derivando hacia John Williams, la vitalista partitura de Baby: El Secreto de la Leyenda Perdida, la obra maestra musical Lionheart, el tono de leyenda y emoción contenida de El Primer Caballero o la fanfarria épica El Guerrero número 13-atención al excelente instante musical donde el personaje interpretado por Antonio Banderas va progresivamente aprendiendo el lenguaje vikingo-).
Finalmente, los filmes de animación tienen cabida en su vasta trayectoria (la intimista partitura para el bellísimo filme Nimh, el Mundo secreto de la Sra. Brisby, o su particular solemnidad llevada a la leyenda de Mulán), como también el cine de acción (la vinculación de Goldsmith a Carolco Pictures, cuyo logo posee la fanfarria, a partir de Acorralado, continúa con el uso del sintetizador en Traición sin Límitesy la suite orquestal de Desafío Total), o el cine de catástrofes, tanto cuando estuvo de moda en los años 70 (las intrigantes El Puente de Cassandray El Enjambre, todos unos ejemplos de música descriptiva, sin un abusivo subrayado sonoro), como los exponentes 20 años después del apogeo, es decir, Decisión Críticay Air Force One: El Avión del Presidente, que fusionan el género con el actioner.
En definitiva, una obra complejísima dentro del panorama de cine estadounidense, que en las décadas de los 80 y 90 supuso toda una eclosión musical, y mágicos instantes álgidos en la carrera de Goldsmith, y en la vida de sus fans. Ecosistema que, en el caso del músico que nos ocupa, proporcionó, además de las mencionadas, dos partituras imprescindibles.
Hoosiers: Más que ídolos, que acompaña melódicamente y en plena fusión, las sensaciones de la intensidad de los encuentros profesionales de baloncesto. Como sostiene Aguilera en el libro, al ser una producción de bajo presupuesto, no se pudo costear una orquesta, de modo que en el score impera el sintetizador, con excepción del preámbulo del film.
Bajo El Fuego constituye un filme contundente y bastante melancólico sobre la intervención estadounidense en Nicaragua en plena Era Reagan, y un tratado sobre la integridad periodística. Sobre este soberbio soundtrack, Christian Aguilera afirma que “…Goldsmith adecuaría un score que representa todo un magisterio a la hora de calibrar las opciones que ofrece un espacio dramático minado de diálogos-dispuestos con un marcado carácter de denuncia-incriminando dos propuestas musicales que, lejos de estorbarse, acaban “conviviendo” en armonía. La Primera persigue la contextualización del relato a través de una sonoridad autóctona…y la otra se desliza sobre el terreno de los sentimientos amorosos…”. Dos de los mejores trabajos de Goldsmith para quien este texto suscribe.
Por si la casuística del anterior apartado fuese de “escaso interés”, Jerry Goldsmith hizo auténtica carrera en el cine de género Fantástico. El libro de Christian Aguilera (Jerry Goldsmith: Un camaleón musical) no podía ser ajeno y le dedica una porción fundamental de su volumen a sus scores para el género. La séptima y octava parte del manual, y la décimo cuarta, se ocupan, respectivamente, de los siguientes segmentos de la trayectoria musical del compositor californiano:
– Un Antes y Un Después del Cine Fantástico.
Este apartado constituye un pormenorizado estudio de la partitura de Goldsmith para El Planeta de Los Simios, y que marca su colaboración con el realizador Franklin J. Shaffner. Extenso capítulo dedicado en exclusiva a un filme esencial en el género que tuvo una sonoridad a la altura.
– Fantástico Mr. Goldsmith (1968-2000).
La paráfrasis del título del filme de Wes Anderson (Fantástico Mr. Fox) recorre un grupo de filmes muy especiales que tuvieron el enorme privilegio de contar con los acordes musicales diseñados por el creativo compositor. El Hombre Ilustrado, según el relato de Ray Bradbury; Satán Mon Amour, un sucedáneo del reciente éxito de La Semilla del Diablo, de Roman Polanski, pero que alberga algunos aspectos de mucho interés; El Otro, según la obra del actor y escritor Tom Tyron; La Reencarnación de Peter Proud, un filme arriesgadísimo, nada convencional, con una impactante premisa, y final; y La Fuga de Logan, un filme de ciencia ficción excelente, directo, sin concesiones, con unas reflexiones sobre el consumismo y la vejez absolutamente aterradores por la actualidad que atesoran, y que desembocó en una serie de televisión bastante irregular.
En este apartado, pero en un subapartado específico, Christian Aguilera se ocupa del exhaustivo análisis de la trilogía satánica de Damien. La Profecía, su único óscar, merecidísimo, La Maldición de Damien, y El Final de Damien ofrecen todo un fascinante crisol de música instrumental, coros, pasajes de serenidad interrumpidos por segmentos absolutamente inquietantes, al servicio de unas imágenes magníficas en el primero de los filmes, pero correctas en los dos siguientes. Cada una de las tres películas (del mismo modo que ocurre con la primera trilogía de Star Wars), tiene su propia aproximación musical. Christian remarca la libertad creativa de la que gozó para emprender su aventura musical con el inaugural filme de Richard Donner.
Para La Profecía, Christian afirma que “a lo largo del film se puede percibir la música de Goldsmith como una suerte de diálogo entre el Mal-que toma cuerpo en la persona de Damien, llamado a ser “el Anticristo” según los enunciados del Libro del Apocalipsis- y el Bien -temas de evocación romántica en relación al amor que une a Robert y Katherine”. Pequeñas pinceladas del “Ave Satani”, que es una sintonía que emula el canto gregoriano medieval, definen muy bien el tono musical de la película.
La segunda parte de la trilogía de Damien, La Maldición de Damien, contiene según Christian, un último tercio que es “…un dispositivo de pura estridencia, recargada en su sección de cuerda, que contribuye a tensar los nervios del espectador…”. La “piedra de roseta” de esta sensacional banda sonora es el mencionado “Ave Satani”, convertido en este segundo filme en eje vertebrador del sonido musical del filme, en diversas manifestaciones rítmicas, que muestran la versatilidad tonal del compositor.
El cierre de la trilogía demoníaca sería dirigido por Graham Baker, pero “…tutelado desde la sombra…” por Richard Donner. La banda sonora de El Final de Damien “…encierra una concepción operística en su estructura dramática” y “sale airoso del envite sin necesidad de recurrir al tema “Ave Satani” en virtud de no querer repetir clichés del género que él mismo había creado…” en palabras de Christian Aguilera.
El mediocre filme Callejón Infernal, basado en una novela de uno de los grandes nombres de la literatura de ciencia ficción, J. Forrest Ackerman (con guion adaptado nada menos que por Lukas Heller, y revisado por Alvin Sargent, para el que Robert Wise fue tanteado, pero terminó siendo dirigido por Jack Smight), Goldsmith supuso un acierto, una pátina de dignidad musical a un filme que fracasó estrepitosamente en la taquilla, eclipsado por el estreno de Star Wars.
Coma, el filme que adaptaba la polémica obra de Robin Cook, también recibió el bronceado musical de un Jerry Goldsmith en el cénit de su creatividad en 1978. Michael Crichton, el prolífico escritor y director de cine, cómplice de Goldsmith en sus aventuras fílmicas, acordó con el compositor “…prescindir de la música hasta situarnos en la mitad del montaje…”, momento en el que para Christian alcanza “…su cometido de “segundo narrador”… en las entrañas de la ciencia ficción con la funda de Thriller”.
Los Niños del Brasil constituye la última colaboración entre Goldsmith y Shaffner, en lo que a cine fantástico se refiere. Un filme sobre el Angel de la Muerte, el Doctor Josef Mengele, para el cual el compositor, lejos de recurrir a Wagner, construye deliberadamente un vals como leitmotiv de la banda sonora. Christian explica en su manual pormenorizadamente las razones que llevaron al uso del baile típico de Austria. Merece la pena leer las motivadas razones. Con independencia de que sea o no una banda sonora que guste más o menos, sin duda las tomas de decisiones están bastante motivadas en el libro.
Magic, el filme de Richard Attenborough con guion de William Goldman, según su propia novela, supuso el empleo de un “…instrumento de viento multifónico” que el compositor había usado en sus trabajos iniciales para la televisión, y para los westerns de los años 60, arriba mencionados, entre otros filmes primigenios.
Los dos trabajos para Ridley Scott,Alien el 8º Pasajeroy Legend, y el regusto salobre que esa colaboración dejó para el compositor (la reducción del uso de la música en el primer filme, y la sustitución por Tangerine Dream en el segundo en ciertos mercados internacionales) son expuestos de manera contundente en el manual en términos de decepción para el músico.
Curiosamente Goldsmith abordaría las partituras de dos mediocres filmes con “Aliens en el fondo marino” como apunta Aguilera. Leviathany Misterios en las profundidades. Dos filmes absolutamente prescindibles en términos cinematográficos, pero que albergan, especialmente la primera, todo un score admirablemente inquietante.
Del mismo modo que Goldsmith abordó el Score de una de las secuelas de El Planeta de los Simios, en concreto, Huida del Planeta de los Simios. También abordó además del Poltergeistoriginal, un score impresionante, el de su primera secuela titulada entre nosotros Poltergeist 2: Al Otro Ladocon resultados acústicamente notables.
No sería la única continuación que Goldsmith abordaría aquellos años. La diferencia con estos filmes mencionados y Psicosis 2: El Regreso de Norman, es que la original, como es sabido, no era partitura suya. A caballo entre la inocencia y la neurosis, la manera de reflejar sonoramente como se resquebraja poco a poco la integridad psíquica del psicópata latente, Norman Bates, convierten este score en un trabajo absolutamente brillante.
Los terrenos musicales son tan “inescrutables” como “los caminos del señor”. Goldsmith tuvo la oportunidad de abordar en términos musicales al filme sobre la hermana de Superman, Supergirl, a la vista de los compromisos de John Williams, que, como Kal-El, alias Superman, no se encontraba en la Tierra, para esta misión dirigida a salvarla orquestada por Jeannot Szwarc.
Warlock El Brujoy Eternamente Joven, son dos incursiones de género fantástico, emprendidas por el realizador Steve Miner. En la primera, conviven sonidos propios de los 80 (el filme no deja de tener su toque de comedia prolífica en aquellos años) con la presencia de ciertos tonos que rememoran otra época. Los protagonistas son dos seres de otro tiempo (El Massachussets del Siglo XVI, en plena cacería de Brujas), enfrentados a través de los siglos. Eternamente Joven, como apunta Christian, contiene una partitura que constituye un nuevo viraje hacia John Williams y su prodigioso score, en esta ocasión para Always, filme que lógicamente también sirve de inspiración para Miner. Ambos filmes comparten romance más allá de la vida.
Desafío Total, es una banda sonora cuya sonoridad, como ya se ha apuntado en este artículo, y como deja claro Christian en el manual, remite a Basil Poledouris, a quien probablemente hubiese recaído el encargo, de no estar implicada Carolco Pictures. En cualquier caso, la fanfarria, la característica sonoridad orquestal de Goldsmith sobresale en algunos instantes, con absoluto brillo en este portentoso score que incluye uno de los pasajes más apropiados vistos en el cine para acompañar una ensoñación, la que tiene el protagonista al comienzo del filme en Marte, acompañado de una mujer diferente a su esposa, y que, musicalmente, toma el inmediato relevo acústico a los créditos iniciales del filme.
El “Fantástico Sr. Goldsmith” se despide del milenio con La Guarida, un filme sobre casas encantadas, que constituye un remake de un clásico de los 60 y con El Hombre Sin Sombra, la enésima visión de El Hombre Invisible, en un filme sensacional dirigido por Paul Verhoeven, que no llamó a nuestro compositor para Starship Troopers, pero sí para este thriller con giro inmediato hacia el fantástico. Los resultados en términos musicales son, como siempre, admirables por lo personal. En el primer caso, tratándose de desmarcarse de los acordes de la película original de 1963, y en el segundo, la tercera colaboración con Verhoeven, 8 años después de Instinto Básico y 10 desde Desafío Total. Esta circunstancia atestigua la buena relación y la complicidad de ambos. El compositor tuvo y no desperdició la ocasión perfecta para regresar al escepticismo y el suspense musical.
– El Mundo Fantástico de Joe Dante y El Universo de Star Trek.
Efectivamente, la colaboración entre el realizador Joe Dante y el compositor de bandas sonoras Jerry Goldsmith debe de ser tratada aparte y con detalle. El libro de Christian Aguilera no decepciona tampoco en ese apartado. Desde En Los Límites de La Realidad a Looney Toones: De Vuelta a la Acción, nada menos que 9 filmes certifican esta colaboración cineasta-compositor, circunscrita toda ella al Género Fantástico.
Filmes como Gremlins, y su secuela, El Chip Prodigioso, o Matinéecomponen esta prolífica relación, donde lo caricaturesco, la comicidad y la cinefilia, trascienden a la imagen hasta alcanzar la memorable sonoridad impresa por el compositor e instalarse en la pista de audio de estos divertidísimos filmes.
Cinco largometrajes, incluido el filme original dirigido por Robert Wise, de la saga cinematográfica del Enterprise, la nave de la flota estelar exploradora de mundos que desde el piloto de la serie original Star Trek, deja claro que su rumbo es “…donde nadie ha llegado jamás…” fueron bendecidos con la comunión musical de Jerry Goldsmith. El primer filme instauró los cánones sonoros, luego explorados con mucha habilidad por James Horner o Leonard Rosenman, y retomados por nuestro compositor en el final de las andanzas del Almirante Kirk y en los primeros pasos en la gran pantalla del Almirante Picard.
El filme de Peter Hyams, Atmósfera Cero, un claro remake del western Solo ante el Peligroen clave espacial, ambientado en la tercera de las lunas del planeta Júpiter, constituye un excelente Thriller con trasfondo de cine de ciencia ficción (con ribetes realistas, en la trayectoria de filmes como Terminatory Aliens). La música de Goldsmith para este solvente film, entre inquietante, trepidante y romántica, explora y profundiza en scores previos para Freud: Pasión Secreta, Capricornio Unoo Alien el 8º Pasajero. Su ubicación en el libro de Christian, aparece en la décimo quinta parte: Conspiraciones de Política Ficción: De la guerra fría al Amanecer del nuevo Orden Mundial.
Ya se encuentran a la venta las entradas para los dos conciertos sinfónicos del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) que acogerá el Auditorio de Tenerife los días 23 y 24 de septiembre. El cyberpunk, subgénero de la ciencia ficción que nace en la novela negra de la mano de autores como William Gibson o Bruce Sterling en la década de 1980, ha inspirado el repertorio de bandas sonoras que sonarán este año en estas galas sinfónicas de FIMUCITÉ bajo la dirección de Diego Navarro.
La Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir, interpretarán la música de sagas clave del cyberpunk, como ‘Terminator’, con la presencia de su compositor, el estadounidense Brad Fiedel, o ‘Matrix’, con Johnny Klimek, coautor junto a Tom Tykwer de la música de la última entrega de la franquicia, ‘Matrix Resurrections’. También se podrá disfrutar de la música de otros títulos indispensables, como ‘Robocop’, con partitura de Basil Poledouris, o ‘Tron’, de la compositora Wendy Carlos, clásico de la ciencia ficción que celebra este 9 de julio el 40º aniversario de su estreno.
Serán dos conciertos temáticos con abundantes estrenos mundiales, titulados ‘Cyberpunk Remastered (Vol. 1) – Manga / Anime’ y ‘Cyberpunk Remastered (Vol. 2) – El Alma De La Máquina’, respectivamente, que contarán con una parte común, que incluye piezas de ‘Terminator’, ‘Transformers’, ‘Desafío Total’, ‘Matrix’, ‘Blade Runner’ y el videojuego ‘Cyberpunk 2077’, y una parte, la primera de cada concierto, exclusiva de cada uno de los programas.
De este modo, el concierto previsto para el 23 de septiembre a las 19.30h, dedicado al manga y el anime, incluirá las bandas sonoras de algunas de las adaptaciones de los más celebrados mangas a la gran pantalla en formato anime, como ‘Akira’ de Katsuhiro Otomo o el díptico ‘Ghost in the Shell’ del cineasta Mamoru Oshii con la inolvidable música de Kenji Kawai, así como adaptaciones a imagen real que gozan de gran renombre en el caso de ‘Alita: Angel de combate’, producción de James Cameron dirigida por Robert Rodríguez que contó con música de Tom Holkenborg.
Durante el segundo concierto alrededor de la estética cyberpunk, ‘El alma de la máquina’, se interpretarán de manera exclusiva las bandas sonoras de algunos de los más destacados títulos cinematográficos donde la robótica juega un papel pivotal y revolucionario, desde la seminal ‘Metrópolis’ de Fritz Lang, pasando por las dos entregas de ‘Tron’, con las músicas de Wendy Carlos y Daft Punk, respectivamente, así como ‘Pacific Rim’ de Guillermo del Toro, con la energética música a cargo de Ramin Djawadi, y ‘Robocop’, obra maestra de Paul Verhoeven que contó con la sensacional partitura de Basil Poledouris. Esta cita dará comienzo a las 19.00h.
Las localidades, disponibles a 30 y 40 euros, pueden adquirirse en la página web de Auditorio de Tenerife, en taquilla o por teléfono (902 317 327). FIMUCITÉ ofrece un abono para aquellas personas que quieran disfrutar de los dos conciertos, con un descuento de 10 euros.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que dirige el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, ha presentado en rueda de prensa la programación de conciertos que desplegará del 16 al 25 de septiembre, con el apoyo del Cabildo de Tenerife, el Gobierno de Canarias, y los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna, entre otras entidades.
Al anuncio de los conciertos temáticos que tendrán lugar en Auditorio de Tenerife el viernes 23 de septiembre y el sábado, día 24, titulados ‘Cyberpunk Remastered (Vol. 1) – Manga / Anime’ y ‘Cyberpunk Remastered (Vol. 2) – El Alma De La Máquina’, respectivamente, se suman otras propuestas originales que diseñarán un completo y variado programa dirigido a los amantes de la música para el audiovisual.
Johnny Klimek, autor de la música de ‘Matrix Resurrections’.
Además, Johnny Klimek, autor de la partitura de ‘Matrix Resurrections’; Vince DiCola, compositor de ‘Transformers: The Movie’ y Marcin Przybilowicz, responsable de la banda sonora del exitoso videojuego ‘Cyberpunk 2077’, se suman al elenco de invitados de FIMUCITÉ XVI, que también contará con Brad Fiedel, compositor de la saga ‘Terminator’. Por su parte, el legendario ingeniero de sonido nominado a cuatro premios Óscar, Dennis S. Sands, ofrecerá una clase magistral dentro del programa de la Fimucité Film Scoring Academy.
Marcin Przybilowicz, responsable de la banda sonora del exitoso videojuego ‘Cyberpunk 2077’.
Concierto de apertura
El viernes 16 de septiembre, a partir de las 20.00 horas, el Teatro Leal de La Laguna acogerá el concierto de apertura de FIMUCITÉ XVI, ‘Kilar – Glass – Navarro’, en el que se podrá disfrutar de la orquesta de cámara Sinfonietta Cracovia, bajo la dirección de Katarzyna Tomala-Jedynak. El repertorio abarcará composiciones de reputados autores, como el polaco Wojciech Kilar, autor de ‘Drácula de Bram Stoker’, ‘La novena puerta’ o ‘El pianista’; el estadounidense Philip Glass, nominado a tres premios Óscar por la música de ‘Diario de un escándalo’, ‘Las Horas’ y ‘Kundun’; y el español Diego Navarro, compositor de títulos como ‘El Fotógrafo de Mauthausen’, ‘El Páramo’ o ‘Pasaje al Amanecer’. Al ser su primera visita a Canarias, la Sinfonietta, a iniciativa propia, ha querido incluir creaciones de Navarro, al tratarse del compositor de música de cine más representativo de las islas. Este concierto, que forma parte de la gira internacional de ‘Kilar 90’ de la Sinfonietta Cracovia, contará como solistas invitados como el pianista Aleksander Dębicz y la soprano María Candelaria Hernández.
‘Kilar – Glass – Navarro’ es un proyecto cofinanciado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional de la República de Polonia y el Instituto Adam Mickiewicz, en coproducción con FIMUCITÉ. Este concierto es de enorme relevancia ya que es la primera ocasión en la historia del festival, que una orquesta internacional es invitada a participar en el evento.
‘Ridley Scott: Like Tears In Rain’, con The Pop Culture Band
La Pop Culture Band, formación residente de FIMUCITÉ desde el año 2014 y cuyos espectáculos musicales forman parte de los grandes atractivos del festival, estrenará el sábado 17 de septiembre en el Teatro Guimerá el concierto ‘Ridley Scott: Like Tears In Rain’, en el que se hará un recorrido a través de las canciones que han formado parte de la filmografía de uno de los cineastas británicos más influyentes y responsable del clásico de la ciencia ficción y el cyberpunk ‘Blade Runner’, que este año celebra el 40º aniversario de su estreno. Esta cita musical dará comienzo a las 19.30 horas.
El repertorio incluye piezas como las sugerentes ‘Love Theme’ y ‘One more kiss, dear’ de Vangelis para ‘Blade Runner’; ‘Hold on I’m comin’, de Sam & Dave, que sonaba en el filme ‘American Gangster’; ‘Something else’ de Eddie Cochran, incluida en la película ‘Tormenta blanca’; o ‘Suspicious Minds’, de Elvis Presley, que forma parte de la banda sonora de ‘Black Hawk Derribado’.
‘Tangos de Cine’
El domingo 18 de septiembre el programa de conciertos de FIMUCITÉ regresará a La Laguna, con una propuesta única que el público podrá disfrutar en el espacio incomparable del ex Convento de Santo Domingo, bien de interés cultural ubicado en la ciudad Patrimonio de la Humanidad. El recital corre a cargo del dúo formado por Karolina Mikołajczyk e Iwo Jedynecki (violín y acordeón clásico), uno de los conjuntos de cámara más vibrantes e innovadores del momento.
Reconocidos por artistas como Maxim Vengerov y Krzysztof Penderecki, han ganado múltiples Grand Prix y primeros puestos en competiciones internacionales de música, actuando, por ejemplo, en el New York Carnegie Hall, Guangzhou Opera House y Warsaw Philarmonic, donde debutaron en un concierto con las entradas agotadas.
En ‘Tangos De Cine’, ofrecerán un viaje a través de diferentes eras del cine hollywoodiense, desde la década de 1940 hasta la actualidad, en forma de suites aderezadas por tangos clásicos que han estado presentes en el séptimo arte, como ‘Por una cabeza’, de Carlos Gardel, que formó parte de la banda sonora de ‘Esencia de mujer’, o las composiciones de Astor Piazzolla ‘I’ve Seen That Face Before (Libertango)’, del thriller policíaco ‘Frenético’, y ‘Punta Del Este’ de la película de ciencia ficción ‘Doce Monos’.
FILM SCORING ACADEMY
La Fimucité Film Scoring Academy (Academia Fimucité para compositores audiovisuales) abrirá nuevamente sus puertas con una oferta formativa especializada dirigida a estudiantes y músicos profesionales interesados en la creación de música para el audiovisual como alternativa profesional. Entre sus ponentes, participará el legendario ingeniero de sonido nominado a cuatro premios Óscar, Dennis S. Sands, responsable de la grabación y mezcla de partituras como ‘Regreso al futuro’, ‘Forrest Gump’, ‘Contact’, `Avengers´o ´Ready Player One´.
El programa de actividades paralelas de la decimosexta edición de FIMUCITÉ también incluirá proyecciones de largometrajes y cortometrajes, dentro de la sección oficial en competición FIMUCINEMA.
FIMUCITÉ cuenta con el patrocinio de Cabildo de Tenerife, Gobierno de Canarias, Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna, INtech Tenerife, Auditorio de Tenerife y Orquesta Sinfónica de Tenerife, Teleférico del Teide, el apoyo de Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación “la Caixa” a través de CaixaBank, y la colaboración de Domingo Alonso Group y AUDI como coche oficial del festival
Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, responsables de la comedia de terror y ciencia ficción La pasajera, regresan con un segundo largometraje de género, Viejos, que tras su presentación en Cannes celebrará su estreno internacional dentro de la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine Fantasia de Montreal. “Una película de terror protagonizada por una familia que bien podrían ser nuestros vecinos o nosotros mismos. Cuenta una historia de tintes sociales espeluznantes, reales y cercanos que nos llevan al terror más epidérmico pero que en ningún momento nos apartan de nuestros personajes y sus alientos”, explican los realizadores.
Ganadora del primer premio al Mejor Proyecto en el Festival de Sitges en 2016
Viejosfue el proyecto cinematográfico liderado por el director, productor y guionista Raúl Cerezo que se alzó en 2016 con la victoria en el pitchbox de la 49 edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, Sitges. Escrita a tres bandas por Cerezo, Javier Trigales y Rubén Sánchez Trigos, fue rodada durante seis semanas entre Madrid y Navarra, y está protagonizada por Zorion Eguileor, reconocido por su papel de Trimagasi en la película de 2019 El hoyo, Gustavo Salmerón (El arte de morir), Irene Anula (Vis a Vis) y Paula Gallego, repitiendo con los directores tras La pasajera.
En Viejos, Zorion Eguileor es Manuel, quien tiene que mudarse a la casa de su hijo Mario después de que un terrible suceso acabe con la vida de su anciana mujer. Poco a poco, la realidad se impone: algo incomprensible ocurre con Manuel. Las voces que dice escuchar, las presencias con las que dice hablar. Su nuera, Lena, quiere echarle de la casa, segura de que algo espantoso puede ocurrir. Solo Naia, la hija adolescente, está de su parte, pero incluso ella empieza a dudar a medida que los fenómenos extraños se suceden en torno a su abuelo, cada vez más perturbado. Todo esto, en el verano más caluroso que se recuerda.
En palabras de los directores, “nuestra historia invita a afrontar la vejez, la madurez, la adolescencia y la convivencia en un entorno hostil lleno de conflictos que atacan duramente al núcleo familiar, desembocando en el más temible y menos esperado de todos los finales. El olvidado, el rechazado, el viejo… ahora tienen algo que decir”.
Influencias
El cine de Cerezo y González Gómez busca una voz propia que no renuncia a inspirarse en sus fetiches particulares, como el catálogo de las productoras A-24 y Blumhouse o la obra de los directores Stanley Kubrick, Roman Polanski, Steven Spielberg, David Cronenberg, Paul Thomas Anderson, Brian de Palma, M. Night Shyamalan, John Carpenter, Luis García Berlanga, Luis Buñuel, Carlos Saura o Quentin Tarantino, siempre intentando batir las influencias para conseguir películas personales.
Cercanas al punto de partida de Viejos, encontramos referencias como La abuela, de Paco Plaza; X, de Ti West; La visita, de Shyamalan; o el clásico indiscutible Psicosis, de Alfred Hitchcock, que utilizan el drama familiar como trasfondo y juegan con el miedo a la vejez, a la decadencia y a la demencia a través de sus personajes y atmósferas asfixiantes.
Fernando González Gómez y Raúl Cerezo son dos autores reconocidos en el mundo del cortometraje que, tras varios éxitos (como 8o Downunder), decidieron unir fuerzas para acometer Lapasajera, con la que han acumulado numerosos galardones a través de su paso por certámenes especializados, como los premios de interpretación para sus actores principales Ramiro Blas y Paula Gallego y el Premio del Público al mejor largometraje que recogieron en la edición 2021 del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera.
Su nueva película, Viejos, llegará próximamente a las salas de cine españolas de la mano de Filmax.
Pixar no estrenaba una película en salas desde Onward. Aquello fue previo al arranque de la pandemia, una catástrofe que, entre grandes desastres, nos impidió ver en salas Soul, Lucay Red. El regreso de Pixar a la gran pantalla debía venir, por lo tanto, de manos de un título que diera cierta seguridad de éxito. El escogido ha sido Lightyear, spin-off de uno de los personajes más carismáticos del catálogo Pixar, pero no en su formato juguete, sino como Guardián Espacial.
No se trata de una idea novedosa, ya en el 2000 hubo una serie de televisión titulada en España Guardianes del Espacio, que seguía las aventuras del personaje como parte del Comando Estelar. Ya en aquella serie se desarrollaban una serie elementos presentados, sobre todo, en Toy Story 2, como el archienemigo Zorg o el tono de aventura espacial clásica en la línea de Star Trek. La justificación de Lightyeardentro del universo Toy Story, aunque anecdótica, sí resulta curiosa. El plantear que Buzz (juguete) es, en realidad, merchandising de una película, por lo que con el visionado de “Lightyear” verdaderamente estamos siendo testigos de una precuela a la cinta de 1995.
HASTA EL INFINITO
Lightyearno entra en la complejidad de otros títulos de Pixar, como Del Revés, Coco, Soulo la propia Toy Story 3. A nivel argumental pretende ser simplemente (y nada menos) que un homenaje a la fantasía de aventuras y a la space opera clásica, con algún ingrediente un poco más hard como la relatividad del tiempo y las paradojas temporales como telón de fondo. Es por esto que, acostumbrado a las últimas producciones del estudio, ésta pueda parecer más simple e inocente, pero, precisamente, ese es el aliciente con el que se busca enganchar al público adulto.
Si una de las señas de identidad de Pixar ha sido ofrecer películas con diferentes niveles de lectura, capaz de funcionar con el público infantil y con el adulto, Lightyearlo que hace es apelar, no a la mayor madurez de la audiencia adulta, sino a su bagaje cultural, con guiños y un tono narrativo que nos retrotrae a la ficción de los años 60 y 70, pero con la tecnología y el ritmo narrativo del siglo XXI.
En la película encontramos naves espaciales, plantas agresivas, insectoides, robots, pistolas de rayos láser y sonido en el espacio. Todo abordado con respeto, usando el humor, pero sin reírse del modelo que está reproduciendo. Aunque el personaje de Buzz pueda resultar caricaturesco (al fin y al cabo debe mantener las constantes de la versión en juguete que ya conocemos), la película no busca ser una parodia, sino funcionar narrativamente como una aventura de ciencia ficción.
PUENTE DE MANDO
A los mandos de la nave tenemos a Angus MacLane, hombre de confianza de la compañía, veterano del equipo de animación y director de varios cortos del estudio, incluyendo dos relacionados con Toy Storyy con Buzz en concreto; sin embargo, si miramos en los créditos vemos que cuenta con la supervisión de Pete Docter y Andrew Stanton, después de Lasseter, dos de los principales responsables del auge de Pixar con títulos como Bichos, Monstruos S.A., Buscando a Nemoo Wall-E, entre otras. En este sentido, la película mantiene las bases del cine del estudio, desde la excelencia técnica a la transmisión de una serie de valores basados en la permanencia a la familia y a la sociedad.
Aunque el núcleo grueso de la película está centrado en la aventura, una vez más Pixar aprovecha la trama para hablar del sentimiento de comunidad y los valores familiares.
Mientras Buzz representa al héroe individualista que busca solventar los problemas él sólo sin depender de los demás, a su alrededor crece el sentimiento de fraternidad, representado sobre todo por la comandante Alisha Hawthorne y su familia. Al igual que en otras películas de Pixar, aquí el protagonista es un personaje que se ha desprendido de la comunidad y debe encontrar su camino de vuelta.
LARGA Y PRÓSPERA VIDA
Como homenaje a la ciencia ficción clásica, la animación de la película tiene el reto de poder mantener el tono retro, sin resultar anacrónica o anticuada. El planeta donde se desarrolla la trama está diseñado como si fuera algunos de aquellos lugares visitados por la nave Enterprise en su misión de cinco años de exploración, mientras que el diseño de las naves señala más al universo galáctico de George Lucas o a las películas de Steven Spielberg (¿No recuerda El rábano a la nave de E.T.?).
Tampoco queda muy lejos el mundo de los videojuegos, especialmente cuando entramos al diseño de Zorg y su ejército de droides. La propia puesta en escena de las secuencias de acción bebe mucho de la narrativa de las producciones para consolas.
Además, que la música corra a cargo de Michael Giacchino, compositor de las tres últimas entregas de Star Trek y Rogue One: Una Historia de Star Wars”, suma en favor de ese componente referencial.
MÁS ALLÁ
El 22 de noviembre del 1968 el episodio Los Hijastros de Platón de Star Trek mostró el primer beso interracial de la historia de la televisión en Estados Unidos. Gene Roddenberry al crear la serie tuvo claro que la ciencia ficción era el terreno perfecto para poder romper barreras en una época en la que la censura coartaba todo tipo de contenidos. Cincuenta y cuatro años después, Lightyear se ha convertido en la primera cinta Disney en mostrar un (casto y fugaz) beso lésbico, así como una familia formada por una pareja de mujeres. Que para la finalidad de la trama se podría haber usado una familia heterosexual y el resultado hubiese sido el mismo, sí; sin embargo, tras 85 años de películas Disney con Princesas y Príncipes Azules, después de ver todo tipo de besos en pantalla, entre ciervos (Bambi), perros (La Dama y El Vagabundo), gatos (Los Aristogatos), zorros (Robin Hood), leones (El Rey León), y ya con ejemplos de besos interraciales (Pocahontas), que Pixar haya optado por representar otro modelo de familia nos parece perfectamente válido. Si alguien quiere escandalizarse por carga sexual en una película infantil, una revisión de El Jorobado de Notre Dame no estaría de más.
QUE LA FUERZA NOS ACOMPAÑE
Lightyearno es la mejor película de Pixar. Es más, particularmente, los tres títulos anteriores estrenados directamente en la plataforma, nos parece muchos más interesantes. Eso no quita que estemos ante una cinta de exquisita factura, una trama bien elaborada, un buen equilibrio entre humor y acción y que ofrece tanto al espectador adulto como al infantil un entretenimiento fantástico con el que poder inaugurar la temporada estival.
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, Sitges 2022, referente internacional del género, ha presentado un avance de programación de su quincuagésima quinta edición, que tendrá lugar del 6 al 16 de octubre. Cita indispensable para los amantes del cine fantástico en su sentido más amplio, su sección oficial contará este año con películas predominantemente europeas que aportan diferentes miradas de directores con gran recorrido y habituales del certamen, como Dario Argento, Quentin Dupieux o Peter Strickland, junto a nombres que despuntan como Hanna Bergholm o Léa Mysius.
Las nuevas propuestas de Argento, Dupieux y Strickland
Su nuevo trabajo, Occhiali neri(Dark Glasses) despliega su universo sangriento inimitable para presentar la historia interpretada por Ilenia Pastorelli y su hija Asia Argento de una joven invidente que intenta acabar con un asesino en serie.
Occhiali Neri, de Dario Argento.
El rey francés del absurdo, Quentin Dupieux, primero contó la historia de una rueda (Rubber), luego de una chaqueta (La chaqueta de piel de ciervo) y en 2020 de un moscardón enorme (Mandíbulas). Ahora regresa con dos nuevas películas, Incroyable mais vrais y Fumer fait tousser (Smoking causes coughing), ambas protagonizadas por Anäis Demoustier y Alain Chabat, entre otros. La primera, una divertida y excéntrica comedia sobre un matrimonio y el misterioso sótano de su nueva vivienda, llega al Festival tras su paso por Berlín. Vista en Cannes en sección oficial fuera de concurso, la segunda propone una sátira del cine de superhéroes, con tortugas demoníacas.
Smoking causes caughing, de uentin Dupieux.
Peter Strickland debutó con Katalin Varga(2009) y se ganó la reputación de cineasta de culto exquisito con Berberian Sound Studio(2012), The Duke of Burgundy(2014) e In fabric (2018), vistas en Sitges. El nuevo trabajo del director británico, Flux Gourmet, se centra en un colectivo gastronómico, sus inquietudes artísticas y luchas de poder, mientras exploran el concepto de “cocina sónica”. Asa Butterfield y Gwendoline Christie son las protagonistas de esta propuesta al mismo tiempo delirante e inquietante.
Óperas primas en Sección Oficial
Entre el catálogo de nuevas producciones que podrán verse en Sitges, han anunciado también dos óperas primas dirigidas por mujeres: Hatchingy Les cinq diables.
Hannah Bergholm firma Hatching, una historia de producción finlandesa de terror familiar, arriesgada y sorprendente, que incluye una criatura monstruosa. En su presentación mundial en Sundance, Bergholm se reveló como una de las promesas más sólidas del género con su combinación de coming-of-age y body horror.
Hatching, la ópera prima de Hanna Bergholm.
Léa Mysius, guionista habitual de cineastas como Claire Denis o Jacques Audiard presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes Les cinq diables, un filme con toques fantásticos que se sitúa a medio camino entre el thriller y el drama. Se trata de un retrato familiar al pie de los Alpes sobre una niña con una sensibilidad olfativa extraordinaria.
Cine de animación
Por otro lado, el director gallego Alberto Vázquez, ganador de tres premios Goya, mostrará en Sitges el largometraje de animación de coproducción francesa Unicorn Wars. Tras competir recientemente en el Festival de Annecy, ofrece una reflexión sobre el origen de los conflictos bélicos a través de la historia de una guerra ancestral entre oseznos y unicornios.
Unicorn Wars, de Alberto Vázquez.
Además, la película inaugural de Cannes 2022, Coupez!, también estará en Sitges, donde pudo verse en 2018 One cut of the dead, la sorprendente comedia de zombis japonesa que supuso el punto de partida de este remake de Michel Hazanavicius, con Romain Duris y Bérénice Bejo.
Sección Órbita
La selección confirmada se completa con dos thrillers procedentes de Corea del Sur, que formarán parte de la Sección Órbita: Hunt, el debut en la dirección de Lee Jung-jae, protagonista de El juego del calamar; y The Roundcup, de Lee Sang-yong.
La imagen gráfica de la 55ª edición de Sitges está inspirada en los mundos virtuales de ‘Tron’.
