Este sábado, 5 de abril, la iniciativa Charlas de Cine celebra una nueva edición de la propuesta gastronómica ‘Una Cena de Cine’, que esta vez recreará los platos servidos en la última comida de primera clase del Titanic, el 14 de abril de 1912, antes de su trágico hundimiento. Este evento único, de aforo limitado, tendrá lugar en Tenerife, en el Restaurante Casino de La Laguna, y promete transportar a los asistentes al lujo y la elegancia de la época, con un menú inspirado en el servicio original, a partir del documento de la carta que conservó uno de los supervivientes del naufragio en el viaje inaugural del trasatlántico, desde Inglaterra a Nueva York.
Bajo la dirección del chef Eduardo Venturini, el menú de esta acción organizada por la Asociación Cultural Charlas de Cine arrancará con una selección de pescados que incluye anchoas, arenques, caballas, gambas confitadas y un plato de salmón a la plancha. A continuación, se servirá una selección de patés y embutidos y un plato de ternera asada con ensalada. El postre consistirá con un surtido de quesos acompañado de un profiterol y la cena estará maridada con vinos de la Denominación de Origen Tacoronte-Acentejo y los cócteles de Royal Bliss.
Con un toque de humor
La velada dará comienzo a las 20:30 horas y contará con la participación especial del humorista Millán Salcedo, conocido por su trayectoria en Martes y Trece, y del cómico canario Aarón Gómez, quienes aportarán su toque de humor y entretenimiento. El periodista Miguel Ángel Rodríguez conducirá el evento, que también ofrecerá un cóctel de bienvenida y actuaciones musicales en directo, garantizando una experiencia enriquecedora y dinámica para los asistentes, en homenaje tanto a la historia del Titanic como a su huella en el cine, a través de películas como el icónico filme realizado por James Cameron, ganador de once premios Óscar en 1998.
‘Una Cena de Cine’ está organizada por Asociación Cultural Charlas de Cine, con el patrocinio de La Laguna Zona Comercial, Gobierno de Canarias, Comercio de Canarias, Zonas Comerciales Abiertas, Cabildo de Tenerife, Comercio de Tenerife, el ayuntamiento de La Laguna, la Confederación Española de Cascos Históricos, Fauca, Canary Islands Film, y la colaboración de Restaurante Casino La Laguna, Multicines Tenerife, Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, Cajasiete, Denominación de Origen Tacoronte-Acentejo, Coca-Cola, Royal Bliss y Fundación Diario de Avisos.
Imagen de ‘Una Cena de Cine’ anterior, dedicada a Pedro Almodóvar.
Sobre Charlas de Cine
La Asociación Cultural Charlas de Cine celebra este año su undécimo aniversario. Desde 2014, esta entidad sin ánimo de lucro mantiene una programación cultural periódica, dedicada a la proyección de películas clásicas o de estreno en las salas de Multicines Tenerife, en La Laguna, con un valor añadido en cada uno de sus eventos, como los coloquios alrededor del filme, con expertos en cine y en distintas especialidades, o los obsequios originales que el público colecciona a modo de recuerdo. Entre sus actividades, también se encuentra la organización del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, que el próximo noviembre alcanza su novena edición, la Muestra de Cine Español de Tenerife o los ciclos mensuales del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna.
Tras su presentación en Sitges y su paso por otros festivales internacionales, llega a los cines españoles la película documental Call me Paul, el acercamiento de Víctor Matellano a la figura de Paul Naschy.
¿Qué supone devolver a un mito del cine como Paul Naschy a la gran pantalla?
Sobre todo, supone un viaje, primero en pantalla grande, y luego en el resto de formatos, por los aspectos más íntimos de Jacinto Molina/ Paul Naschy, y sobre todo alrededor de su aportación como autor, a partir de sus vivencias personales. Y, en imagen, fragmentos de muchas de sus películas, lo cual es muy atractivo.
El documental se centra en un momento dramático que sufrió Jacinto Molina en 1991. ¿Por qué elegiste este punto de partida?
Poco después le conocí yo, tras aquel infarto que le tenía sumido en una depresión. Y me encontré con un luchador que no dejaba de intentar seguir aportando nuevas obras a su pasión, pero que en ese momento no solo no era considerado en su país por parte de la opinión y de la industria, si no que, aunque seguía escribiendo, se planteaba tirar la toalla. Ese es un punto muy interesante para alguien que se pregunta si el esfuerzo ha merecido la pena. Desde ahí, lentamente, pero afortunadamente, de forma irreversible, vino su renacer en su país, que llegó a disfrutar en sus últimos momentos, y que ahora es mayor aún. Eso sí, fuera de España siempre fue un icono. Y aquí tuvo el favor del público en los años setenta, los de eclosión de género, y ahora es reivindicado.
¿Cómo fue trabajar con Ángel Sala en el guion? ¿Qué aportó su conocimiento y experiencia, como historiador cinematográfico y director del Festival de Sitges, al proyecto?
Primero, junto a Sergio Molina, con Ángel se sientan las bases de partida del documental. Qué estaba ya hecho y por dónde debíamos transitar ahora. Y decidimos, junto a los elementos de la autoría y de la influencia de la infancia, casi desde un punto psicoanalítico, que se debía de escuchar la voz de Paul, las reflexiones que dejó escritas en sus memorias. Ángel es un erudito, y su libro Profanando el sueño de los muertos ha sido una de las bases fundamentales para elaborar el guion. Un placer trabajar con él, además de que tenemos visiones del cine muy próximas y que somos amigos.
El documental ha pasado por festivales como Sitges y el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, entre otros. ¿Qué recepción ha tenido entre los críticos y el público especializado?
Pues la recepción está siendo buena, estamos satisfechos. El objetivo es que quien no conoce a Naschy, descubra un personaje fascinante, y que quien le sigue se le ofrezca un punto de vista aún más íntimo de Paul.
Sergio Molina, hijo de Paul Naschy, participa como coproductor, ¿cómo fue su implicación en el proyecto?
La implicación de Sergio fue fundamental. Ahí nace todo. Es a quien primero le cuento la idea, somos amigos y nos conocemos muy bien, y decidió que tiráramos hacia adelante. Después con Ángel Sala vemos las líneas y ya se trabaja la estructura del producto, que finalmente producen Womack y 39 Escalones Films. Y entre todos los que participan, es decisivo el trabajo de montaje de Abián Molina. Y, volviendo a Sergio, ha gestionado cuestiones muy importantes y decisivas de la producción.
En la película aparecen tres generaciones de los Molina: Jacinto, Sergio e Iván. ¿Qué simbolismo tiene esta conexión familiar dentro del relato?
Sobre todo, en la última secuencia de la película donde confluyen virtualmente los tres. Piensa que muchos de los elementos que forjaron a Jacinto, se producen a la edad de su nieto. Y que Sergio, primero actuó en las películas de su padre, y después fue quien frecuentemente le acompañaba en sus últimos años de vida a los eventos. Y además, Iván es muy cinéfilo y le encanta el trabajo de su abuelo.
Call me Paul, nuevo documental de Víctor Matellano.
Iván Molina, nieto de Paul Naschy, tiene un papel destacado en una escena clave. ¿Cómo surgió la idea de incluirlo y cómo fue dirigirlo?
Paul hablaba de que en una ocasión se encontró frente a frente con un lobo. Situar un niño de la edad del pequeño Jacinto Molina en un bosque, y frente a un lobo, tiene muchos significados y simbología. Entronca con los temores, con los cuentos de brujas, con la dualidad del licántropo. Y quién mejor que Iván para interpretar a su abuelo.
La película combina recuerdos personales con elementos oníricos, como el niño perseguido por un lobo en el bosque. ¿Qué buscabas transmitir con esta mezcla de realidad y ensoñación?
Eso es el cine fantástico. Todo aquello que nos saca de lo ordinario y de lo racional. Y es algo que no solo tienen los sueños, si no también los recuerdos, que se transforman y reinventan.
Caroline Munro, Jack Taylor y el actor de doblaje Héctor Cantolla son figuras fundamentales en el documental. ¿Cómo fue volver a colaborar con ellos para contar esta historia?
Son tres grandes y eran fundamentales para contar la historia ya que trabajaron con Paul. Caroline en El aullido del diablo y Jack en tres películas. Son grandes intérpretes, y muy grandes amigos. Y Héctor puso en muchas ocasiones voz a Paul en los doblajes al castellano. También querido, un gran profesional.
La música de Javier de la Morena y la fotografía de David Cortázar aportan una atmósfera única al filme. ¿Qué importancia tuvieron estos elementos en la narrativa?
Trabajo muy bien con Javier y con David. Y ambos son amigos. Supongo que hago mucha incidencia en que todos son amigos, pero es que para este tipo de proyectos, es necesario que haya mucha complicidad. Se cuáles son sus potencialidades, muy altas, y ellos saben lo que les pido. Y, sobre todo, saben adaptarse al lenguaje de cada proyecto, porque cada película es diferente, tanto en intención como en estética.
Paul Naschy es una figura icónica del cine fantástico mundial, pero también un autor profundamente personal. ¿Cómo crees que este documental redefine su legado?
En la tónica, tan maniquea, y para mi viejuna, de diferenciar cine de autor y comercial, tradicionalmente, y salvo con algunos cineastas, se ha tratado al cine de género como de industrial o de artesanos. Y un cineasta que hace género, en bastantes ocasiones, puede demostrar estilo en el fondo y en la forma. Este es el caso del cine de Paul, donde se encuentran constantes, estilo y un pensamiento unitario.
Actualmente, estás “embarcado” en un nuevo documental dedicado a la película de Enzo G. Castellari L’ultimo squalo, ¿qué nos podrías avanzar del proyecto?
Pues ha sido una consecuencia de este proyecto, y de mi relación de trabajo con Ángel Sala, y aquí codirigimos los dos, aparte de, de nuevo, escribir juntos el guion, en este caso junto a Vanesa Bocanegra. Lo hemos rodado en Roma y participan, aparte del propio Enzo, Gianni Garko, Luigi Cozzi, Fabiola Toledo, Andrea Bronston… y dibujando, Santiago García- Clairac. Relatamos la ocasión en que en Hollywood se pusieron nerviosos con una exploit italiana, estrenada como Tiburón 3 en varios países, y la reacción de la todopoderosa compañía estadounidense contra los italianos… Muy a propósito, en este 2025 en el que se celebran los 50 años de Tiburón.
Cartel de la película documental Call me Paul, de Víctor Matellano.
Este viernes 4 de abril llega a la cartelera española Call me Paul (Llámame Paul), película documental sobre Paul Naschy, figura clave del género fantástico, dirigida porVíctor Matellano, con guion de Ángel Sala y Matellano. Cuenta con la participación de la actriz británica Caroline Munro (El aullido del diablo); el actor norteamericano Jack Taylor (Dr. Jekyll y el hombre lobo, La venganza de la momia, Wax); el productor Sergio Molina, hijo de Jacinto Molina (Mi amigo el vagabundo, El aullido del diablo); y el actor de doblaje Héctor Cantolla, quien aquí pone voz a Naschy.
Pase especial con coloquio
Además, este sábado 5 de abril tendrá lugar una proyección especial en las salas MK2 Cine Paz, de la mano de Aeterna Madrid, con la presencia de Víctor Matellano, Sergio Molina e Iván Molina. El actor, el productor y el joven actor, nieto de Paul Naschy, intervendrán en un coloquio tras la proyección.
El noveno largometraje del cineasta Víctor Matellano, en este caso documental, tuvo su estreno en el Festival de Sitges, en septiembre de 2024, mes en el que Naschy hubiese cumplido noventa años. Tras el paso por el certamen, Call Me Paul se ha presentado en Mórbido Film Festival de México, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, el Festival Internacional de Almería, el Festival de Cine de Fantástico y Terror de Girona y la Semana del Festival de Sitges en Buenos Aires.
Call Me Paul (Llámame Paul) indaga en la personalidad y el carácter creativo del mítico cineasta madrileño Jacinto Molina, quien con el pseudónimo de Paul Naschy, se convirtió en una figura fundamental del cine fantástico mundial, primero como guionista y actor, y después también como director.
Rodada en inglés y español, en Reino Unido y España, cuenta con montaje de Abián Molina, fotografía de David Cortázar, sonido de Manuel Cora, vestuario de Marta Fenollar, ayudantía de dirección de Felipe Arguello y música de Javier de la Morena.
Sinopsis de CALL ME PAUL
Agosto de 1991. El cineasta Jacinto Molina, más conocido como Paul Naschy, está sufriendo un infarto. Mientras que es llevado a quirófano, todos sus recuerdos pasan por su mente como una película. Le vienen a la cabeza buenos y malos momentos, y una película en la que volcó sus filias y sus fobias, El aullido del diablo. Y todos los recuerdos de su niñez que le dejaron impronta en su cine, un claro símbolo de autoría. Mientras, como una ensoñación, un niño es perseguido por un lobo en el bosque…
Cartel de la película documental Call me Paul, de Víctor Matellano.
Que los hijos hereden la línea de trabajo de sus padres ha sido una constante en la civilización. Dentro de cada gremio, el conocimiento pasaba de generación en generación y las posibilidades de cambio o mejora en la situación social no se contemplaba. A día de hoy ese círculo se ha roto. El mercado laboral ya no es hereditario, pero sí es cierto que podemos encontrarnos con que en ocasiones los descendientes continúan la labor familiar por criarse en ese ambiente. En estos casos, contar como impulso con la labor de sus progenitores es una fortuna (en el sentido de fortuito, pero también en el económico).
EL REINO DE LOS NEPO BABIES
Muchas nuevas estrellas del cine actual han sido etiquetadas como Nepo Babies, por proceder de familia de artistas, donde la posición de los progenitores les ha servido de plataforma de lanzamiento para sus carreras. Eso se ha criticado, ya que son artistas, independientemente de su talento, que parten que parten de una posición de privilegio frente a otros aspirantes. Ahí tenemos casos como Margaret Qualley, Patrick Schwarzenegger, Zoë Kravitz, Jaden Smith, Maya Hawke, Mason Gooding, Lily Rose-Depp, Scott Eastwood, Dakota Johnson, Jack Quaido Ray Nicholson, por mencionar algunos. Que estos dos últimos sean los protagonistas de la cinta que aquí nos ocupa no es tan casual, sino un ejemplo más de este fenómeno en absoluto nuevo (recordemos referentes previos como Jeff Bridges, Jane Fonda, Michael Douglas, Drew Barrymore, Robert Downey Jr, Isabella Rossellini, Josh Brolin, Melanie Griffith, Jamie Lee Curtis, Kiefer Sutherland, Charlie Sheen y Emilio Estevez, Brandon Lee, Sofia Coppola), aunque recientemente se le haya dado más trascendencia con la creación de esta etiqueta.
Jack Quaid (hijo de Meg Ryan y Dennis Quaid, sobrino de Randy Quaid) lleva trabajando de manera incansable desde 2012, cuando debutó en Los Juegos del Hambre, aunque fue con la serie The Boyscuando despuntó. El tono ácido de esta serie ha marcado muchos de los papeles que ha interpretado posteriormente. Hace unos meses le veíamos en La Acompañantey ahora es el protagonista de una comedia de acción irreverente como es Novocaine, donde se enfrenta a Ray Nicholson (hijo de Jack Nicholson), actor que también destacó el año pasado gracias a su pequeño rol en Smile 2.
POSOLOGÍA Y EFECTOS SECUNDARIOS
Novocainees el nuevo trabajo de Dan Berk y Robert Olsen, dos directores que llevan trabajando juntos desde 2015, con cuatro películas previas en su haber, pero que hasta ahora no habían despuntado al cine mainstream. Lo mismo podemos decir de su guionista, Lars E. Jacobson.
Nathan Caine no siente dolor
En esta época de superhéroes y de héroes indestructibles, indiferentes al dolor físico, la propuesta de una cinta de acción donde el protagonista es incapaz de sentir dolor no es especialmente original. El hecho de que éste sea una persona normal y corriente, de escasa trayectoria social debido a su particularismo, tampoco es especialmente novedoso. Que a un héroe de estas características le pongan en una cinta frenética, con persecuciones y rocambolescas escenas de acción y tampoco resulta demasiado original.
Para colmo, la cinta tampoco le termina de sacar partido a su premisa. Sí, hay determinadas situaciones que basan su comicidad en la insensibilidad del protagonista y en su faceta de hombre gris y apocado en medio de una situación extraordinaria, pero, con esta trama, daba para coger al personaje y hacerle pasar por conflictos mucho más disparatados. Ante un guion tan irrisorio, incongruente e inverosímil, lo que pedía el cuerpo es llevar la historia a límites de mayor desquicie de los que tiene.
Ray Nicholson es Simon en Novocaine, de Paramount Pictures.
El elenco de secundarios, es colorido, desde el mencionado Ray Nicholson (quien ha heredado el gusto por el histrionismo del padre, aunque de momento no tanto su talento), pasando por Jacob Batalon, Betty Gabriel o Matt Walsh, pero de nuevo, quedan muy desaprovechados, en favor de un tempo más acelerado en la historia y concretar el minutaje en unos (eso sí) bien aprovechados 110 minutos que pasan como si fueran 90.
Más que la puesta en escena (juguetona, pero vacía), hay que alabar la labor de montaje para mantener el ritmo narrativo sin que desfallezca el interés del espectador.
Con todo lo anterior, Novocaineno pasa de un entretenimiento bastante limitado. Su principal baza, y mayor potenciador, es Jack Quaid. Este nepo baby tiene parte de la picaresca del padre y el encanto cándido de la madre. El actor consigue dar vida a un personaje de escaso bagaje, lo vuelve humano y divertido, le aporta carisma y presencia en pantalla, haciendo verosímil toda la motivación por rescatar a una mujer con la que acaba de iniciar una relación.
Amber Midthunder es Sherry en Novocaine, de Paramount Pictures.
Amber Midthunder también le da entidad a un personaje creado a retazos, pensado más para dar justificación a la trama, que con un peso específico propio. Los dos protagonistas tienen buena química y salvan en gran parte la película.
Novocaine es un caso de película que no engaña a nadie, pero que al mismo tiempo uno guarda la esperanza de que aporte algo más de lo que se ve a simple vista. Quizás en otras manos, con otros directores y otro guionista. Pese a todo, entretiene y soluciona una tarde de aburrimiento.
La web especializada en entretenimiento fantástico Tumbaabierta.com, fundada en el año 2000 por Vanesa Bocanegra y Daniel Fumero, celebra este mes de abril su 25º aniversario. Con sede en Canarias, la plataforma se ha consolidado como un referente en el género fantástico, ofreciendo información, críticas y actualidad del mundo del cine, la televisión y la cultura pop. Desde su creación, Tumbaabierta.com, ha sido un punto de encuentro para los amantes del cine de terror, ciencia ficción y fantasía, brindando un espacio donde compartir pasión y conocimiento.
Para conmemorar esta importante efeméride, Tumbaabierta.com, en colaboración con el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna y la asociación cultural Charlas de Cine, ha organizado un ciclo especial de proyecciones en Multicines Tenerife. Los aficionados al cine fantástico podrán disfrutar de una selección de películas icónicas que representan el espíritu de la web.
Este miércoles 2 de abril da comienzo el ciclo con la ópera prima de Danny Boyle, Tumba Abierta (1994), que fue inspiradora para los creadores de la página web en su origen. El resto de proyecciones consistirá en recordar el thriller psicológico Session 9 (Brad Anderson, 2001), la antología basada en los relatos de Edgar Allan Poe Historias de terror (Roger Corman, 1962), Hunter(Michael Mann, 1986), la primera aparición del personaje literario creado Hannibal Lecter en el cine, y como colofón, el viernes 2 de mayo, tendrá lugar un pase especial de la revolucionaria película de acción John Wick (Chad Stahelski y David Leitch, 2014), como cierre del ciclo. Todas las sesiones serán en versión original con subtítulos en español y darán comienzo a las 19.00 horas.
Este programa no solo rinde homenaje al legado del cine fantástico, sino también a los valores que han definido a Tumbaabierta.com durante sus 25 años: pasión por el género y compromiso con su comunidad.
Calendario del Ciclo de Proyecciones
– Miércoles 2 de abril: Tumba Abierta (Danny Boyle, 1994)
– Miércoles 9 de abril: Session 9 (Brad Anderson, 2001)
– Martes 15 de abril: Historias de terror (Roger Corman, 1962)
– Miércoles 23 de abril: Hunter (Michael Mann, 1986)
– Viernes 2 de mayo: John Wick (Chad Stahelski y David Leitch, 2014)
El cineasta sevillano Paco Cabezas rueda en Canarias la nueva temporada del fenómeno literario creado por Carmen Mola, que arrancó con La Novia Gitana. La plataforma atresplayer continúa su apuesta por la saga sobre la inspectora Blanco, con una adaptación libre de la tercera parte, que llega tras La Red Púrpura. Para La Nena, recuperan sus personajes Nerea Barros, Lucía Martín Abelló, Ignacio Montes, Mona Martínez, Vicente Romero, Francesc Garrido, Ginés García Millán, Daniel Ibáñez, Nuria González, Oscar de la Fuente, Carmen Prada, Roberto Álamo y Carlos Cabra. Además, la ficción televisiva incorpora a su elenco a los actores Eduardo Casanova, Raúl Sanz, Pepe Sevilla, Santi Prego y Daniel Freire, entre otros.
Vuelve la Brigada de Análisis de Casos (BAC) y todo su equipo, pero esta vez muy fragmentado y con heridas incurables. La veterana inspectora de homicidios Elena Blanco tomará cierta distancia con su trabajo mientras continúa su duelo. Por su parte, la agente Chesca Olmo buscará venganza tras todo lo sucedido después de desenmascarar a la macabra Red Púrpura. En La Nena, la BAC no solo tratará de descubrir quién está detrás de esa organización, sino que investigará sus orígenes en un recorrido cargado de simbología y misticismo.
Paco Cabezas lidera un destacado equipo técnico
Con una carrera imparable, desarrollada tanto en España como fuera de nuestras fronteras, Paco Cabezas cuenta en su filmografía con trabajos para cine, con títulos como Adiós, Tokarev, con Nicolas Cage, o Mr. Right, con Anna Kendrick, Sam Rockwell y Tim Roth. En el apartado de televisión, cuenta con créditos tan exitosos como Fear the Walking Dead, Penny Dreadful, The Umbrella Academy, Miércoles, y más recientemente algunos episodios de la tercera temporada de la serie derivada The Walking Dead: Daryl Dixon, pendiente de estreno. La Nenatambién cuenta en la dirección con Miguel Ángel Trudu, también director de montaje, y con José Rodríguez como guionista principal, ambos habituales colaboradores de Paco Cabezas.
Nadie regresa del infierno indemne
En La Nena, meses después de los sucesos de La Red Púrpura, la cacería no ha terminado. Tras la muerte de Lucas, Elena Blanco ha desaparecido. Solo Mariajo, la hacker del grupo, conoce su paradero, manteniéndolo en secreto incluso para el resto de compañeros. La lucha contra la Red le arrebató demasiado y en un intento desesperado por recuperar el control de su vida dejó atrás la BAC.
Pero la violencia no deja cabos sueltos y cuando un nuevo hallazgo sacude el tablero, no tiene más remedio que volver y regresar significa enfrentarse a lo que intentó dejar atrás. Mientras tanto, Chesca ha elegido otro camino. Separada de su antigua aliada, se ha sumergido en una guerra propia donde las reglas han dejado de importar. Sus pasos la llevan a los rincones más oscuros de la Red, donde cada movimiento tiene consecuencias provocando que la línea entre víctima y verdugo se vaya difuminando poco a poco. Asimismo, el equipo sigue tras la pista de Rocío Narváez, la Madre, pero cada avance solo revela un entramado aún más grande y peligroso.
La saga literaria superventas que ocupa la serie, escrita por Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero bajo el pseudónimo de Carmen Mola, arrancó en 2018 y hasta la fecha cuenta con otras dos entregas, Las Madres y El Clan.
La Nenaes una coproducción de Buendía Estudios Canarias y Diagonal (Banijay Iberia) con la participación de Atresmedia que se podrá ver próximamente en atresplayer. Tras su paso por las islas, diversas localizaciones de Madrid acogerán la grabación de la serie, que contará con 8 episodios de 50 minutos de duración cada uno.
Elastica y La Aventura estrenan este 28 de marzo en cines el nuevo largometraje de Pablo Hernando (El ruido solar, Berserker), Una ballena.
El cineasta vasco firma un thriller noir protagonizado por Ingrid García-Jonsson, Ramón Barea y Kepa Errasti. En Una ballena, Hernando presenta la historia de una solitaria asesina a sueldo que recibe un encargo especial. La película, rodada en País Vasco, incorpora el clima lluvioso del norte para crear la personal atmósfera del film.
Tras presentarse en la sección oficial del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Una ballena ha seguido un circuito de festivales nacionales e internacionales entre los que destacan el Festival Internacional de Cine de Gijón, el Thessaloniki International Film Festival o el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, donde fue distinguida con el Premio «Jack Taylor» al mejor actor para Ramón Barea.
Ramón Barea en Una ballena, de Pablo Hernando.
Sinopsis de UNA BALLENA
Cuando Ingrid aprieta el gatillo, sus víctimas no saben quién les ha disparado. Su habilidad para infiltrarse y desaparecer sin dejar rastro la convierte en una asesina a sueldo implacable. Pero ese poder viene de otro mundo.
Ingrid recibe el encargo de Melville para eliminar a un poderoso hombre de negocios que ha llegado a la ciudad y quiere hacerse con el control del puerto. El empresario vive atrincherado en un edificio repleto de vigilantes y guardaespaldas armados. Matarlo es un trabajo que sólo Ingrid puede hacer.
Una ballenaes una producción de Señor y Señora, en coproducción con Sayaka Producciones y Orisa Produzioni (Italia). Una coproducción entre España e Italia con la financiación del Instituto de la Cinematografía (ICAA)/Ministerio de Cultura y Deporte/Gobierno de España, con la colaboración del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, con el apoyo de la Diputación Foral de Gipuzkoa, del Ministero dei Beni delle Attività Culturali e del Turismo (Italia), Lazio y con la participación de EITB y Filmin.
La India tiene una de las industrias cinematográficas más prolíficas del mundo y su concepto de industria es mucho más estructurado incluso que el de Hollywood. Tiene un star system robusto y conoce al dedillo las demandas de su público, la mayor parte de él, de consumo interno. Sin embargo, como sucede en Hollywood, para encontrar producciones de mayor calado social, que den visibilidad a la realidad del país, hay que salir del cine industrial y bucear en el cine independiente, la mayor parte en régimen de coproducción con países como Reino Unido para evitar la censura estatal.
Secretos de un Crimenes un ejemplo de esto último. Coproducción entre Reino Unido, La India, Alemania y Francia, supone el primer trabajo dentro del terreno de la ficción de la documentalista Sandhya Suri, quien, a través de una trama policíaca, aprovecha para hacer una doble denuncia de la discriminación de su país por cuestión de género y de casta. Secretos de un Crimen nos cuenta la investigación de un caso de violación y asesinato de una joven de 15 años procedente de la casta de los Intocables.
La protagonista, Santosh(título original de la película), es una joven viuda sin hijos que se acoge al llamado “nombramiento por compasión”, un plan del gobierno para dar salidas laborales y económicas a mujeres en desamparo social, heredando el puesto de trabajo de sus maridos cuando estos fallecen. En el caso de Santosh, su marido era un alguacil de una zona rural de La India, muerto en acto de servicio durante una manifestación.
A través de la mirada de Santosh, descubriremos el tratamiento discriminatorio que reciben las mujeres policías frente a sus equivalentes masculinos, pero también el nivel de corrupción y sobornos existente dentro del cuerpo policial. El desprecio evidente hacia aquellos procedentes de una casta inferior y la inmunidad que disfrutan los prohombres de la sociedad. Solo la inspectora Sharma, superior de Satosh, parece haber roto ese techo de cristal.
En este caso, el asesinato de la joven se convierte para Sandhya Suri en un MacGuffin que le permite, acompañando a la protagonista con su cámara, introducirse en diferentes estratos de la sociedad y recoger la realidad de manera cruda y realista. En este sentido, aunque ficción, la película evidencia el pasado documentalista de la cineastas, con muchas escenas rodadas en plena calle, y sin embellecer el bullicio, la superpoblación y la pobreza de la sociedad.
Galardonada en los Premios British Independent Film Awards (BIFA) al mejor guion y mejor producción revelación
A nivel interpretativo destacan especialmente las dos actrices protagonistas, Shahana Goswami y Sunita Rajwar, especialmente la primera que carga sobre sus hombros todo el peso de la película. De ritmo pausado y mirada detenida en aspectos sistémicos y tradicionales dentro de la cultura de La India, la película hace un retrato nada halagüeño de la sociedad de La India y no se muestra especialmente optimista al cambio, dejando claro el hondo arraigo de los elementos discriminatorios que abarca la cultura del país.
Secretos de un Crimenes, por lo tanto, una película densa y contundente, muy cruda a la hora de tratar la violencia del sistema, pero manteniendo en todo momento una elegancia a la hora de mostrar en pantalla los elementos más explícitos. Sin duda, un trabajo a recomendar y visionar, por la importancia de su temática y su retrato social.
La versátil y popular actriz cordobesa Macarena Gómez se mueve cómodamente entre la comedia y el cine fantástico, donde comenzó su carrera en el cine, con la película Dagon: la secta del mar(2001), bajo la dirección de Stuart Gordon. Popular por su papel en la serie de televisión La que se avecina, donde explota su vis cómica, fue nominada al Premio Goya por su papel protagonista en Musarañas(2014), un thriller psicológico dirigido por Juanfer Andrés y Esteban Roel y producido por Álex de la Iglesia, con quien ya había trabajado en Las brujas de Zugarramurdi. Su colaboración con el cineasta bilbaíno ha continuado en otros trabajos, como la serie de televisión 30 monedas.
Su carrera en el género, que le convierte en una de las actrices más representativas del fantaterror español, incluye entre otros títulos la película para televisión de Jaume BalagueróPara entrar a vivir (2006); Sexykiller, morirás por ella (Miguel Martín, 2008), Platillos volantes (Óscar Aibar, 2013); Pieles, de Eduardo Casanova (2017), El hombre del saco (Ángel Gómez Hernández, 2023) y numerosos cortometrajes. Además, el pasado mes de noviembre visitaba el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera para presentar la película Historias de Halloween, junto al director del filme Kiko Prada y otra de las actrices del reparto, Elizabeth Anne Miller.
Macarena Gómez, en el Festival Isla Calavera 2024.
Ahora se lanza a la producción con el thriller de terror psicológico Tábula Rasay el policíaco Polar, un homenaje al género homónimo del cine francés.
Polar
Tras su presentación en noviembre en Córdoba donde tuvo lugar gran parte del rodaje de Polar, esta semana se presentaba en el marco del 28º Festival de Málaga, dentro de la sección Estrenos Especiales. “Sabía que mi primera producción tenía que tener a mi ciudad como testigo, porque quiero que el mundo vea su belleza y su riqueza cultural”, ha señalado la artista.
Polares el primer largometraje del cineasta sevillano Alberto Palma, con quien ya había trabajado la actriz en el corto Nieves(2003). Se trata de una película metacinematográfica, en la que la protagonista da vida a MG, una exdetective de homicidios, expulsada del cuerpo de policía por sus problemas con el alcohol y las drogas que arrastra desde que murió su hijo. Entonces, recibe la llamada de un hombre pidiéndole que busque a Macarena Gómez, una famosa actriz de televisión, desaparecida en circunstancias extrañas. Pero lo que comienza como una búsqueda rutinaria, pronto se convierte en una pesadilla donde la realidad y la ficción se mezclan en un relato hipnótico y absorbente.
“Siempre he querido contar historias desde mi propia visión”, señala la intérprete. “Con Polar, no solo he tenido la oportunidad de interpretar a un personaje fascinante y complejo, sino también de estar involucrada en todo el proceso de creación. Ha sido un viaje desafiante, intenso y lleno de aprendizaje, pero también profundamente enriquecedor”, añade.
Para ello, se ha rodeado de un elenco de lujo, con nombres como Pedro Casablanc, Rubén Cortada, Lucía Díez, Salva Reina, Álvaro Cervantes, Pol Hermoso y Jordi Vilches, entre otros. En el apartado técnico, el filme destaca por la dirección de fotografía de Daniel Sánchez López, la música compuesta por Aldo Comas, Miquel Mestres y Andrés Pérez, y un guion escrito por el director, Alberto Palma, que promete sumergir al espectador en una atmósfera de suspense, acción y drama.
Tábula Rasa
De otro lado, Tábula Rasaestá dirigida por los responsables de la mencionada Musarañas, Juanfer Andrés y Esteban Roel, en cuyo cartel también cuenta con Macarena Gómez y Pedro Casablanc, además de Amaia Salamanca y Carlos Bardem. Su argumento parte de la desaparición de un recién nacido, que lleva a la revelación de imponentes secretos familiares.
Hora y veinte
Además, el viernes 21 de marzo, en la sección ‘5 Minutos’ del Festival de Málaga, también presentaba la actriz el avance de la película Hora y veinte. Dirigida por Marc Romero, producida por Salva Reina y protagonizada por Macarena Gómez junto a Roberto Álamo y Emma Suárez, con la colaboración esxpecial de Álex Ubago. En el filme, interpreta a Manuela, «una madre en una desgarradora búsqueda de su hijo. La imagen que proyecta Manuela no se ajusta a los estándares de ‘una buena madre’. Ella es demasiado seria, demasiado fría, poco afectiva, con aspecto de villana… a través del dolor y la dignidad conoceremos a un personaje lleno de humanidad y oscuros secretos«.
Han pasado treinta y seis años desde que un joven cineasta de veinticinco años debutaba con su película Sexo, Mentiras y Cintas de Video, revolucionando el mercado de la industria del cine independiente estadounidense. En todo este tiempo, Steven Soderbergh ha fluctuado entre un cine independiente de autor y un cine de industria de autor, ha probado fortuna en diferentes géneros y ha experimentado con diferentes propuestas tecnológicas buscando nuevas vías expresivas del medio audiovisual. Tal vez la valoración final de su carrera no va a ser tan reputada como sus intenciones, pero no se puede negar al cineasta el mérito de haber apostado por el riesgo a lo largo de su carrera. Curiosamente, uno de los géneros que le quedaba por abordar era el terror, algo que cumple con su película Presence.
UNA HISTORIA DE FANTASMAS
El cine y la literatura nos ha dejado diferentes tipos de historias de fantasmas, pero es cierto que, en muchos de los casos, el componente espectral, lejos de absorber toda la historia, se convierte más bien en un desencadenante, un elemento que provoca que elementos reales y humanos acaben aflorando y que se convierte en un vehículo metafórico para dramas intimistas. Presencese suma a este tipo de historias. Sobre el papel tenemos la historia de una familia que se muda a una casa donde reside una presencia fantasmal, detectable únicamente por la hija menor del matrimonio. En el subtexto, tenemos un drama acerca de las relaciones disfuncionales dentro de una familia de clase media acomodada, donde la personalidad más práctica y egocéntrica de la madre y el hijo mayor chocan contra la forma de ser más sensible y emocional del padre y la hija menor. Los primeros son de carácter más fuerte y dominante, mientras que los segundos son más dóciles y empáticos. La cinta es también una historia de terror, no por la presencia del fantasma, sino por horrores más terrenales.
Presence, de Steven Soderbergh.
CUESTIÓN DE PERSPECTIVA
La principal particularidad de Presencees que la historia no está narrada desde el punto de vista de ninguno de los miembros de la familia, sino desde la mirada del espectro, además en plano subjetivo constantemente. La cámara de Steven Soderbergh ser convierte en los ojos del fantasma, y por extensión, nosotros, los espectadores, nos convertimos también en el propio fantasma. Soderbergh ha rodado la película a base de planos secuencia (33 en total), donde el fantasma va siguiendo las acciones de los diferentes miembros de la familia, convirtiéndose en un testigo casi siempre pasivo de lo que sucede en la casa, pero que asume la función de único narrador.
Con un guion obra de David Koepp (recordemos, director de otra interesante incursión en el terreno de los fantasmas, El Último Escalón), la cinta se apoya en el uso de una cámara ligera, con un soporte que equilibra la imagen y permite suaves travellings por toda la casa. La narrativa es de movimiento fluido y constante entrando y saliendo de las habitaciones y subiendo y bajando escaleras, pero manteniendo los límites del interior de la casa como espacio único, lo que provoca que el espectador se sienta mucho más implicado en la historia, aunque también se marque una distancia con los personajes. Esto no implica que Soderbergh desatienda a los personaje, en absoluto. Especialmente, los personajes de Chris y Chloe (padre e hija), a través de las interpretaciones de Chris Sullivan y Callina Liang, resultan muy cálidos, frente a la frialdad de Rebekah y Tyler (Lucy Liu y Eddy Maday).
TOQUE DE AUTOR
Técnicamente cuidada, Soderbergh ofrece esa perfecta factura técnica que suele acompañar a sus películas, pero con una puesta en escena que también puede resultar desafectada y fría. En este sentido, Soderbergh se está más emparentado con cineastas como Kubrick o Nolan, cerebrales y pulcros, pero con pocas concesiones a lo emocional. Como decíamos, además en este caso, el uso del plano subjetivo y procedente además de esa presencia sirve de filtro entre la acción y el espectador. A esto se suma que los recorridos del fantasma por la casa o su reclusión en uno de los armarios provoca que su punto de vista no siempre sea directo y que muchos momentos tengan lugar fuera de plano. Donde más podemos hablar de conexión del espectador con la película es en lo referente al espacio, con la casa. Ahí la dirección de fotografía y el montaje del propio Soderbergh, además de la partitura musical de Zack Ryan, juegan un valor fundamental.
Presence, de Steven Soderbergh.
ASUNTOS PENDIENTES
En Presence encontramos ecos de otros títulos, desde La Sogade Alfred Hitchcock hasta A Ghost Story de David Lowery, pasando por el cine de M. Night Shyamalanpor esa idea de utilizar lo sobrenatural como excusa para abordar las crisis personales y familiares (además del gusto por los giros argumentales finales). Aunque la mano de Steven Soderbergh es evidente en todo el concepto de la película y su puesta en escena, es cierto que aquí el cineasta también consigue aportar algo distinto a su filmografía, regresando más a la esencia más independiente y modesta de su cine. El resultado es una película bien ejecutada, solvente, a contracorriente en cuanto a ritmo con el cine de género, pero que consigue transmitir todo lo que pretende al espectador, de manera clara y sencilla.
