Hace unos días visitaban España Danny Boyle y los protagonistas de su nueva película 28 años después, Aaron Taylor-Johnson y Jodie Comer, para presentar la aterradora nueva historia de autor ambientada en el universo creado por el oscarizado director y el guionista Alex Garland en 2002.
En la película, el popular actor de Kraven el cazador, Nosferatu, Kick-Ass o Tenetes Jamie, el cariñoso marido de Isla, interpretada por la actriz británica Jodie Comer, que saltó a la fama por el papel de Villanelle en la serie de la BBC América Killing Eve. Cuando los conocemos, Jamie está preparando a su hijo Spike (Alfie Williams) para un importante rito de iniciación: acabar con su primer infectado.
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El director Danny Boyle, entre los actores Aaron Taylor-Johnson y Jodie Comer, en su paso por Madrid para promocionar su película. Foto: Nicolás Fumero.
Photocall de la presentación en Madrid de '28 años después'. Foto: Nicolás Fumero
Photocall de la presentación en Madrid de '28 años después'. Foto: Nicolás Fumero
En 28 años, evolucionó
Han pasado casi tres décadas desde que el virus de la rabia escapó de un laboratorio de armas biológicas, y ahora, bajo una implacable cuarentena forzosa, ciertos supervivientes han encontrado el modo de sobrevivir entre los infectados. Algunos viven en una pequeña isla con fuertes medidas de seguridad. Pero cuando parte del grupo decide abandonar este espacio, descubrirán secretos, maravillas y horrores provocados por la mutación.
Desde su debut en un largometraje con Tumba Abierta (1994), que inspiró el nombre de esta publicación digital especializada, que este año cumple su 25º aniversario, Danny Boyle se ha convertido en uno de los cineastas más innovadores, un auténtico visionario famoso por buscar los límites del séptimo arte. Ahora, presenta un crudo y terrorífico relato que hará las delicias de los aficionados al cine de terror y los fans de las anteriores entregas de la saga, 28 días después y la secuela dirigida por el canario Juan Carlos Fresnadilloen 2007.
Para 28 años después, Alex Garland ha escrito un intrigante guion que lleva al espectador a un mundo sorprendente. Además, aseguran que la visión única de Danny Boyle ha sido perfeccionada por el uso que el director de fotografía Anthony Dod ha hecho de la proporción de pantalla ultra panorámica de 2,76:1, una relación de aspecto extremadamente ancha, que da como resultado una imagen muy amplia y envolvente para ofrecer a los espectadores una experiencia única en la que vuelven a sumergirse en un Reino Unido asolado por el virus.
El objetivo de Danny Boyle ha sido conjugar esa sensación épica e inmersiva y encontrar nuevas formas de representar a los infectados, sin olvidar las entrañables relaciones entre los personajes que hicieron que la película original se convirtiese en todo un clásico del cine de terror.
¿Cómo ha logrado sobrevivir la humanidad?
28 años después transcurre parcialmente en la isla Holy, un terreno de unas 400 hectáreas en la costa noreste de Inglaterra, en el que han creado una pequeña comunidad que se ha aislado del mundo exterior para protegerse de los infectados. Esta cercana pero frágil comunidad está separada de la Europa continental por una carretera que permite a los isleños sentirse seguros. En palabras de Danny Boyle, “en vez de un entorno postapocalíptico parece más un pueblo de principios del siglo XX. Llega un momento en el que vuelven a poner el ojo en el continente, un territorio que ofrece nuevas oportunidades, pero también nuevas amenazas”.
En el reparto, también destaca el personaje interpretado por Ralph Fiennes, el doctor Ian Kelson, quien, sin técnicas quirúrgicas modernas ni medicinas a su alcance, ha construido un desconcertante templo como memorial para los muertos a base de huesos y cráneos.
En la ficción, han pasado veintiocho años desde la crisis del virus de la ira. El próximo 20 de junio, descubriremos en cines a la nueva generación de infectados.
Danny Boyle, en la presentación en Madrid de su película ’28 años después’. Foto: Nicolás Fumero
Partimos de un reconocimiento de ignorancia. Blindadoes un remake de 4×4, película argentina de 2019 que no hemos visto. Siendo una cinta, la original, que viene de la mano de los cineastas Mariano Cohn y Gastón Duprat nos inspira confianza, ya que otros trabajos de la este tándem nos han parecido excelentes, como es el caso de las películas El Ciudadano Ilustre o Competencia Oficial o las series Nada, Coppola, El Representante o El Encargado. Blindado, por su parte, pese a sus virtudes, que ahora desgranaremos, nos parece un trabajo fallido por lo inverosímil y tendencioso de su guion. En este punto, nuestro desconocimiento de la obra original nos impide saber si es un problema de este remake o ya venía de la obra original.
Centrémonos pues en lo que toca, que es esta película dirigida por David Yarovesky, con guion adaptado de Michael Arlen Ross y protagonizada casi en solitario por Bill Skarsgård y Anthony Hopkins. Yarovesky es un joven cineasta cuyo reconocimiento le viene sobre todo por ser el firmante de El Hijo, película de 2019 producida por James Gunn y con guion del hermano y el primo de éste, Brian y Mark Gunn. Aquella versión alternativa del origen de Supermanresultó un título llamativo, aunque, en nuestra opinión, irregular.
Con esta nueva película, Yarovesky se vuelve a mostrar virtuoso con la cámara. La planificación de una película que se desarrolla casi íntegramente dentro de un coche y logra mantener ritmo y vitalidad ya de por sí resulta loable. A esto, por supuesto, ayuda mucho la dirección de fotografía de Michael Dallatorre y el montaje de Andrew Buckland y Peter Gvozdas. La cámara está en continuo movimiento, jugando con planos imposibles y travellings forzados dentro del propio vehículo, que ayuda a mantener la atención del espectador y dar sensación de claustrofobia y de dinamismo al espectador.
Producida por Sam Raimi
Con un Anthony Hopkins físicamente ausente la mayor parte de la película, la acción física recae en Skarsgård, quien se convierte en un one-man show durante gran parte del metraje y la defiende con solvencia, construyendo además un personaje que va ganando en humanidad gracias a su interpretación a medida que avanza la película. Con respecto a su antagonista, aquí habría que matizar que la interpretación recae entre Anthony Hopkins o Camilo García, dependiendo de si se ve la película en versión original o doblada al castellano. Y es que durante casi toda la película sólo escuchamos la voz del personaje, eso sí, tanto en una versión como en la otra, con dos voces muy características y reconocibles.
Anthony Hopkins, de lo más inquietante en Blindado.
A esto hay que añadir otro personaje, ese SUV de lujo, de marca y características ficticias, pero que se convierte en uno de los principales atractivos visuales de la cinta. Dolus es una marca inventada, al igual que el modelo y prestaciones que se usa en la película. En la realidad, se trata de un Land Rover Defender personalizado especialmente para la película. En este sentido entramos en el terreno de la fantasía, no sólo por la invención del coche, sino por unas cualidades inexistentes en el mercado.
El problema es que todos estos elementos reman en todo momento contramarea, intentando no dejarse arrastrar por lo tramposo y tendencioso que es el guion. La suspensión de incredulidad debe bombear fuerte en el espectador ante una trama que mantiene a una persona varios días encerrado en un espacio reducido, prácticamente sin comida ni agua, en un vehículo de aparente batería inagotable para tener horas el aire acondicionado activado o mantener una música continua sin arrancar el motor (especialmente, lo que parece un coche eléctrico), por no hablar de su resistencia a los golpes continuos del protagonista para intentar salir o sus sistema de control remoto.
Por otro lado, aunque los actores luchan por dar entidad a sus personajes, lo cierto es que estos desde guion se presentan como puros estereotipos, defendiendo cada uno posicionamientos ideológicos opuestos, con sus luces y sus sombras, aunque estas suenen a discurso prefabricado. Con esto, los esfuerzos para construir ahí una película y mantener una trama que abarque una duración estándar son ímprobos y apenas exitosos.
Pese a sus intenciones, Blindadono es Buried, ni 127 Horas, que juegan en una liga muy superior. Más bien se trata de una película pequeña, modesta, realizada con oficio, pero que es incapaz de sobreponerse a sus propias limitaciones. Visto lo visto, y pese a títulos como It, que han lanzado su carrera, pero teniendo en cuenta otros derrapes recientes como El Cuervo o Kill Boy, tal vez Bill Skarsgård debería empezar a plantearse cambiar de agentes.
Uno de los elementos clave del éxito de las películas de John Wick es el carisma zen de Keanu Reeves y su singular destreza atlética, que han permitido a la serie profundizar en la historia de Wick y elevar la acción a niveles más espectaculares con cada capítulo.
El spin-off Ballerina, una historia protagonizada por una mujer en el mundo de Wick requeriría una intérprete de talento similar. Los aclamados y convincentes papeles de Ana de Armas en Sin tiempo para morir y Puñales por la espalda llevaron a los cineastas hasta ella.
“Había una especie de fuego en Ana que quería conocer y con el que quería trabajar”, recuerda el director Len Wiseman. “Al principio, le dije a Ana que, dado que Eve estaba empezando su andadura como asesina, el personaje iba a recibir, a veces, una paliza. La respuesta de Ana fue: ‘Genial. Vale, me apunto’. Durante la producción me enseñaba sus moratones de la acción y las acrobacias, y se convirtieron en insignias al mérito”.
“Es perfecta para el papel en muchos sentidos”, comparte Wiseman. “Lo que me encanta de esta franquicia es que se basa más en la acción. Y ella se prestó a ello”. Ella se apuntó a todo. No sólo los cineastas querían un entrenamiento riguroso, sino que Ana insistió en ello. Desde el primer día, insistió en un intenso entrenamiento de combate y trabajo práctico de acrobacias para honrar el legado de John Wick.
Ballet y acción
“Fue un entrenamiento muy intenso durante mucho tiempo”, dice Ana. “Hubo mucho entrenamiento de fuerza y luego horas y horas en las instalaciones de dobles en 87Eleven con el equipo de dobles más increíble. Trabajamos para prepararme para este tipo de acción al nivel que necesitaba”. “Fue una buena progresión de la formación, desde cosas muy básicas, que fueron una gran base para la formación y luego, ya sabes, cada vez más específicas en el diseño de las coreografías y apoyándome en mis puntos fuertes.”
Keanu Reeves, que también trabajó con Ana de Armas en la película Toc Toc, observó que “es una actriz maravillosa, con mucho talento. Y tiene esa fuerza interior y esa motivación de ser capaz de sacarlo y mostrarlo en la quietud de las escenas que teníamos juntos”.
Ana de Armas es Eve en Ballerina. (c) Murray Close
El viaje de Ana de Armas hasta Ballerina es una extraordinaria historia de determinación. Nacida en Cuba, Ana se trasladó a España al principio de su carrera para protagonizar películas en español. Su primer papel en inglés fue junto a Keanu Reeves en Toc Toc(2015), una película que rodó mientras aprendía literalmente inglés en el plató.
Ahora, una década después, se reencuentra con Keanu para consolidar su lugar como estrella de acción de pleno derecho en Ballerina. Entre sus muchos papeles de acción anteriores a Ballerina, algunos incluyen la película de ciencia ficción Blade Runner 2049 (2017), obteniendo su primera nominación al Globo de Oro por Puñales por la espalda (2019), y un giro estelar en la 25ª entrega de la franquicia de James BondSin tiempo para morir (2021), donde dejó boquiabierto al público y demostró que podía con la acción cinematográfica.
Aparte de sus papeles de acción, en Blonde(2022) asumió el icónico papel de Marilyn Monroe, que le valió nominaciones a los Oscar, los SAG, los Globos de Oro y los BAFTA. Como resultado, Ana es conocida como una de las actrices más trabajadoras de Hollywood. Ana aportó la misma intensidad y disciplina a su papel de Eve Macarro. Su interpretación es a la vez el núcleo emocional y físico de la película, canalizando todo lo que hace icónica a la franquicia John Wick.
Ana de Armas, por su parte, admiraba las películas de John Wick, pero también sabía que Ballerina era una historia que podía sostenerse por sí misma. “Queríamos que Eve fuera cercana y realista. Tuvo una infancia muy traumática que cambió la lente a través de la cual ve la vida”. Agrega Len Wiseman: “Eve está en busca de muchas cosas en la Ruska Roma, y realmente se encuentra a sí misma allí. Experimentamos, junto a Eve, nuevas capas y cómo funciona esa organización — esta vez desde el punto de vista de alguien que es completamente nuevo y está aprendiendo cómo entrenar y ascender en la jerarquía”.
Anjelica Huston es la Directora en Ballerina. Foto: Cortesía de Lionsgate
Angelica Huston es la Directora
Dado que Ballerina transcurre durante los eventos de John Wick: Capítulo 3 — Parabellum — en el que John acude a su antigua mentora, el personaje de Anjelica Huston, La Directora — era natural que su personaje autoritario estuviera en el centro de Ballerina. “Anjelica era esencial”, dice la productora Erica Lee. “Es una figura materna para Eve, pero también tienen una relación única e intensa”.
Huston se mostró encantada ante la posibilidad de regresar al universo de John Wick como La Directora. “Es una franquicia increíble, no solo por su popularidad, sino también por su arte — la acción, la coreografía, las acrobacias, las locaciones y el talento”, comenta. “Y me divertí muchísimo trabajando con Keanu y Chad en Parabellum”.
De Armas y Huston trabajaron estrechamente durante todo el rodaje. Reflexionando sobre su dinámica, Huston comparte: “La Directora acoge a Eve cuando es una niña y la entrena, y creo que realmente se preocupa por ella. Es una niña especial”. Hablando específicamente sobre De Armas, Huston añade: “Verla aprender ballet, combate y participar en estas secuencias de acción tan elaboradas fue como ver una danza hermosa. Es feroz y poderosa, y creo que el público la va a amar y a apoyarla”.
David Castañeda es Javier, el padre de Eve Macarro
La película comienza con un momento crucial en la vida de Eve: el asesinato de su padre. David Castañeda interpreta a Javier, el devoto padre de Eve. “Creo que el miedo de intentar mantener el mundo de la joven Eve lo más seguro y protegido posible, sabiendo que eventualmente la verdad sobre quién es y en qué mundo vive saldrá a la luz, lo lleva a un momento de lucha o huida. Y obviamente, entra en una especie de piloto automático para proteger a su hija”, explica Castañeda.
Con su padre muerto, Eve es acogida por La Directora. Len Wiseman amplía: “Eve ha perdido a su familia, así que La Directora se convierte en una especie de madre sustituta. Pero Eve eventualmente emprende su propia misión, en contra de los deseos de La Directora, cuya lealtad real no es hacia sus jóvenes protegidos, sino hacia la propia Ruska Roma”.
Sharon Duncan-Brewster es Nogi
Sharon Duncan-Brewster se une al reparto como Nogi, una instructora en la Escuela de Ballet de la Ruska Roma. Fuerte pero reflexiva, Nogi le enseña a Eve el camino del asesino. Le muestra cómo convertir sus debilidades en sus armas más letales. “Cuando leí el guion por primera vez, pensé: esta es una visión muy interesante del mundo de John Wick — contada desde una perspectiva femenina, con tantas mujeres fuertes y poderosas en pantalla juntas. Hemos visto esa dinámica muchas veces con hombres, pero no tanto con mujeres”, comenta Duncan-Brewster.
Describiendo el vínculo de Nogi con el personaje de Ana de Armas, Eve, añade: “Su primera impresión de Eve es que es una sobreviviente fuerte y decidida que, de alguna forma como Nogi, viene de un mundo al que ya no puede pertenecer. Así que hay una comprensión mutua de lo que significa estar sola, ser huérfana. Y luego convertirse en tu propia fuerza, en tu propia identidad. Y creo que, a medida que crecen, su relación se fortalece, con un ligero vínculo maternal”.
La infancia de Eve con La Directora parece reflejar el misterioso pasado de John Wick, lo que subraya la conexión entre ambas mujeres. Cuando Wick llega a la Ruska Roma en John Wick: Capítulo 3 — Parabellum, lo hace con una profunda familiaridad. Lee señala que en esa película “obtienes un vistazo de cómo era John de niño y cómo fue criado”.
Ian McShane es Winston en Ballerina, de Len Wiseman. Foto: Murray Close
Ian McShane es Winston
Es Winston quien allana el camino para la llegada de la joven Eve a la Ruska Roma. Recluta a Eve — que aún está en shock por el asesinato de su padre — para la escuela. Años después, la ya adulta Eve, en busca de respuestas y venganza por la tragedia familiar, visita a Winston en su propio terreno.
Reflexionando sobre el papel de su personaje icónico tanto en este proyecto como en el universo más amplio de John Wick, Ian McShane observa que Winston de alguna manera “lo sabe todo y mantiene su hotel como un espacio seguro para asesinos”.
Como gerente de hospitalidad en este mundo despiadado, Winston parece evitar ensuciarse demasiado las manos. Aun así, mantiene un férreo control sobre este alojamiento único, que es solo uno de varios repartidos por el mundo, incluyendo Osaka, Praga, Roma y Casablanca. Sin importar las verdaderas afiliaciones y lealtades de Winston, sigue siendo una pieza central de la franquicia.
McShane aprecia cómo Winston aporta peso y equilibrio a estas películas llenas de acción, observando: “Winston tiene un efecto estabilizador. Es mordaz. Realmente no sabes quién es. Eso da una tensión misteriosa a sus escenas con Ana de Armas”.
Lance Reddick es Charon
También hay una aparición conmovedora del querido Charon, el estoico conserje del Continental, interpretado por Lance Reddick. Durante el rodaje, Reddick le comentó a Wiseman en el set que la película “se siente muy shakespeariana”. “El Wick original trata sobre individuos que intentan afirmar su individualidad dentro de los límites de las restricciones culturales”, continuó Reddick. “Pero esto lo lleva al nivel de la familia. Me hizo pensar en Lear, Hamlet y las tragedias griegas. Y la acción es una locura”.
Durante la producción de Ballerina, John Wick: Capítulo 4 — donde Charon tiene una muerte heroica — aún no se había estrenado. Como la nueva película retrocede en la línea de tiempo hasta Parabellum, Ballerina le dio a Reddick la oportunidad de interpretar una vez más al digno hombre tras el mostrador del Continental. Lamentablemente, la familia Wick no sabía que también perderían pronto al caballeroso actor.
Lance Reddick falleció el 17 de marzo de 2023, apenas semanas después de finalizar el rodaje principal. Fue una pérdida terrible para el reparto y el equipo de John Wick. Dice McShane, quien trabajó más de cerca con Reddick: “Tuvimos mucha suerte de poder trabajar con Lance. Fue un colega y amigo muy valioso, y sigue siendo una piedra angular de la franquicia”.
* Extracto de las Notas de Producción de Ballerina, de Len Wiseman.
Tras la serie The Continental, el universo de acción trepidante de John Wick se expande con Ballerinay la Alta Mesa invita al público a descubrir su historia. Dirigida por Len Wiseman, la actriz Ana de Armas se convierte en Eve Macarro, una joven asesina entrenada por la Ruska Roma. En la búsqueda de venganza por la muerte de su padre, la letal protagonista se cruzará en su camino con el mismísimo Baba Yaga, interpretado por Keanu Reeves.
La película está ambientada durante los acontecimientos de John Wick: Capítulo 3 – Parabellum. Eve es una voz nueva y poderosa en este mundo. Está dominada por asesinos despiadados, pero está muy bien entrenada y busca venganza a su manera, cambiando los términos de su épica y adrenalínica búsqueda.
Ballerinareúne caras conocidas y nuevos y emocionantes personajes. Los iconos que regresan del mundo de John Wick son: La Directora (Anjelica Huston), la formidable líder del temible campo de entrenamiento / escuela de ballet, la Ruska Roma; así como Winston (Ian McShane) y Charon (Lance Reddick) el jefe y el conserje del hotel para asesinos, The Continental New York, respectivamente. También tendremos nuevos personajes de la franquicia, incluyendo a Daniel Pine (Norman Reedus), con quien Eve tendrá un fatídico encuentro en el Continental de Praga; y El Canciller (Gabriel Byrne), el dominante jefe de un ejército de asesinos.
Len Wiseman redefine el universo de John Wick
Bajo la dirección del maestro de la acción Len Wiseman, Ballerinada un nuevo giro a los elementos distintivos de la franquicia, incluyendo persecuciones de alto nivel, piezas nunca antes vistas, impresionantes localizaciones internacionales, espectaculares coreografías de lucha, y un arsenal de armas, desde patines de hielo y espadas katana, a piolets y lanzallamas.
Una violenta historia de venganza
Al comienzo de la historia, el padre de la joven Eve es asesinado. Queda huérfana y es enviada a la Ruska Roma, una tenebrosa institución que utiliza su riguroso entrenamiento en ballet para enmascarar su verdadero plan de estudios: el asesinato por encargo.
Años después, Eve, ya adulta, rechaza la insistencia de la directora de la academia para que se abstenga de buscar venganza por el asesinato de su padre. Eve viaja al Continental de Nueva York en busca de la ayuda de Winston y Charon para descubrir información sobre su familia. A medida que se adentra en el misterio de su pasado, Eve se encuentra cerca de
Hallstatt, un remoto pueblo de montaña austriaco poblado exclusivamente por asesinos profesionales que la tienen en el punto de mira. A Eve no le queda más remedio que luchar para escapar, utilizando lo que le han enseñado los maestros de la Ruska Roma.
Aunque la historia de Eve está ambientada en el mundo de John Wick, Wiseman se propuso hacer de ella un personaje muy singular, con una perspectiva diferente a la de Wick. El director quería llevar la acción al límite, y aceptó el reto de dar vida a un nuevo personaje en un universo conocido. “Una de las cosas que más me gustó del guion de Ballerina”, recuerda Wiseman, “es que es un poco lo contrario de la historia de John Wick. Wick intenta salir de su vida como asesino; Eve quiere entrar: quiere ser asesina. Me interesaba explorar las circunstancias en las que alguien elige esa vida.”
Ian McShane y Ana de Armas en Ballerina. (c) Diamond Films
Así nació la idea de ampliar el universo John Wick sin su protagonista
El productor Chad Stahelski, director de los cuatro largometrajes de John Wicky artífice de la franquicia, recuerda que empezó a pensar que el universo John Wick podía existir al margen del personaje central cuando se topó con un guion original, con una protagonista que era bailarina, de una joven escritora, Shay Hatten, cuyo marcado estilo y mezcla de acción y venganza impresionaron al cineasta y especialista en acción.
“Fue más o menos cuando estábamos rodando John Wick 3 – Parabellum”, cuenta “y a mí me gustaba mucho el ballet por aquel entonces. Intentaba incluir una secuencia de bailarinas en la película, como parte de la Ruska Roma, de donde procede John Wick. Leí el guión de Shay y pensé: ‘Oh, eso encaja en este mundo‘”.
La productora Erica Lee recuerda haber conocido a Hatten y haber quedado igualmente impresionada por su trabajo. Esto la llevó a convencer a Lionsgate para que comprara su guion. “La voz de Shay es realmente extrema, chiflada y divertida”, señala Lee. “Escribe escenas nunca vistas”. “El borrador original de Ballerina era una locura, y nos preguntamos si podríamos incorporarlo al mundo de John Wick”, continúa. Resulta que el equipo principal de realizadores de la franquicia –Lee y su compañero en Thunder RoadBasil Iwanyk, Stahelski y Keanu Reeves– estaban ideando formas de ampliar ese universo.
Hatten tuvo un papel como colaboradora en los guiones de John Wick: Capítulo 3 – Parabellum y John Wick: Capítulo 4, mientras los cineastas consideraban el lugar adecuado para Ballerina.
Una de las primeras decisiones que tomó el equipo fue qué lugar ocuparía esta película dentro de la línea temporal de John Wick. Después de terminar John Wick: Capítulo 3 – Parabellum, volvieron a visitar Ballerina y se sumergieron en el desarrollo y perfeccionamiento de la historia, manteniéndose fieles a la sensibilidad y el estilo del mundo de John Wick, al tiempo que hacían de Ballerina una parte de ese mundo, con su propio sabor.
* Extracto de las Notas de Producción de Ballerina, de Len Wiseman.
El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), referente mundial en su género, creado y dirigido por el compositor y director de orquesta Diego Navarro, celebra una nueva edición del 7 de junio al 12 de julio, con el patrocinio del Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, el Gobierno de Canarias a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural, los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna, la Orquesta Sinfónica de Tenerife y Auditorio de Tenerife.
FIMUCITÉ 19 da comienzo este sábado 7 de junio con un concierto de la Pop Culture Band, que se desarrollará por primera vez al aire libre. La formación pop rock residente del festival desde 2014 ofrecerá el espectáculo ‘Tarantino Unchained. Volumen 2’ en un gran escenario ubicado en la emblemática Plaza de la Candelaria de Santa Cruz de Tenerife.
Dos horas de concierto en las que el público podrá bailar al ritmo de una selección musical dedicada a la filmografía de Quentin Tarantino, con temas como Little Green Bag, de su ópera prima Reservoir Dogs; Misirlou, la icónica canción interpretada por Dick Dale que suena en los créditos iniciales de la película Pulp Fiction; Woo Hoo, de Kill Bill Vol. 1, o Across the 110th Street, deJackie Brown, entre otros.
Bajo la dirección artística y musical del guitarrista Gonzalo de Araoz, la Pop Culture Band está formada por Francisco J. Díaz (guitarrista), Juan de Araoz Álamo (guitarrista), Daniel Lukacs (bajista), Siddharta Dorta (baterista), Nuria Herrero (percusionista), David González Álvarez (teclista), Luis Cuan Amieva (saxo), Elio Rodnell Bignotte (trompetista) y Cristo Rubens Delgado Bautista (trombonista).
‘Tarantino Unchained. Volumen 2’ contará además como solista invitada con Cristina Ramos, reconocida internacionalmente por su versatilidad vocal y su capacidad para fusionar diversos géneros como la ópera, el rock, el pop y la música latina; y otros cantantes como Zuleyma Medina, Estefanía Rodríguez, Carlos Ortega, Héctor Quintero y el mencionado Juan de Araoz Álamo.
Este evento, de entrada libre, dará comienzo a las 21:00 horas y el público podrá asistir caracterizado de personajes de las películas de Quentin Tarantino, lo que convertirá este primer concierto de FIMUCITÉ 19 en una gran fiesta temática.
Tras el concierto de la Pop Culture Band, la celebración continuará de la mano de una sesión de DJ con NAGOBA, que promete un viaje musical lleno de energía. Percusionista, compositor y productor musical, NAGOBA comenzó sus estudios musicales a los 8 años y dio sus primeros pasos como DJ hace ya más de una década. Actualmente, se encuentra terminando su formación, en la especialidad de composición, en el Conservatorio Superior de Música de Canarias, mientras explora nuevas formas de conectar con el público y transmitir su pasión por la música en sus sesiones.
Tarantino Unchained Volumen 2
Rueda de prensa de presentación
El concierto inaugural y el resto del programa fue presentado en rueda de prensa en el ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el alcalde, José Manuel Bermúdez, destacó la importancia de Fimucité para la vida cultural de la ciudad y señaló que “Santa Cruz vuelve a convertirse en el gran escenario de la música de cine. Este concierto de apertura, al aire libre y con entrada gratuita, demuestra nuestro compromiso con una cultura accesible y de calidad. Por eso invitamos a la ciudadanía y a quienes nos visitan a disfrutar de esta gran celebración”.
El compositor y director de FIMUCITÉ, Diego Navarro, explicó cuál es la agenda del festival desde el 7 hasta el 12 de julio y señaló que “esta producción tendrá una banda extraordinaria en el escenario, un montaje fantástico y a Cristina Ramos como solista. Una oportunidad para disfrutar de las grandes bandas sonoras del repertorio cinematográfico italiano escritas por genios”.
Por su parte, la consejera delegada de Turismo de Tenerife, Dimple Melwani, indicó que “la promoción turística nos está proporcionando muy buenos resultados y FIMUCITÉ, el festival de música de cine más longevo del mundo, pues es muestra de ello, porque nos proporciona una experiencia de calidad que genera muchos impactos positivos para la isla de Tenerife para nuestra capital Santa Cruz de Tenerife”.
La Banda Municipal de Música de Santa Cruz de Tenerife protagonizará el sábado 14 de junio un segundo concierto gratuito, al aire libre, en este caso en la Plaza del Príncipe. Bajo el lema ‘De Fellini a Tornatore: La música del cine italiano’, el programa incluirá obras representativas del repertorio cinematográfico italiano, escritas por genios como Ennio Morricone, Nicola Piovani o Nino Rota, para clásicos del cine como La Misión, La vida es bella, Cinema Paradiso o la saga de El Padrino.
Ese mismo día, tendrá lugar en El Hierro, en el Cine de Frontera, el concierto ‘Percusionistas de la Gran Pantalla’, a cargo del Grupo de Percusión del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife. Un ensemble de alumnado de la especialidad, bajo la batuta de Emilio Díaz, que interpretará grandes bandas sonoras de la historia del cine. Este evento se repetirá el miércoles 2 de julio en la sede de la Fundación CajaCanarias, de Santa Cruz de Tenerife.
Cinema e Paradiso, con Pino Donaggio
El jueves 3 de julio, FIMUCITÉ ofrecerá en el Teatro Leal de La Laguna el concierto ‘Cinema e Paradiso’, imperdible para los amantes del cine y la música: un recorrido inolvidable a través de las grandes partituras del cine italiano. El programa será interpretado por solistas de la Orquesta Italiana del Cinema, formación que dirigió Ennio Morricone, junto con la Orquesta Filarmónica de Tenerife, y contará con la presencia del legendario Pino Donaggio, compositor de culto del director Brian de Palma. Además, contará con la intervención como solista estrella de Héctor Ulises Pasarella, uno de los mejores intérpretes de bandoneón del mundo, solista original de la partitura de El cartero (y Pablo Neruda).
Gladiator in concert, con Lisa Gerrard
Como colofón al programa de conciertos, FIMUCITÉ 19 rinde homenaje a la historia y la cultura de la Antigua Roma con un nuevo espectáculo “live-to-picture”único: Gladiator in concert. Dirigida por Diego Navarro, los días 11 y 12 de julio, la Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretará en directo en el Auditorio de Tenerife la aclamada banda sonora del oscarizado largometraje de Ridley Scott en el marco de su 25º aniversario, mientras se proyecta la película en versión original con subtítulos en español.
Le acompañarán en el escenario, el coro oficial del festival, el Tenerife Film Choir, bajo la dirección de Juan Ramón Vinagre, a quien se incorporan las voces del Coro Contemporáneo de Tenerife, dirigido por Esther Wagenaar, y el Coro EnArmonía, dirigido por Miriam Luz Fumero Morales y Esther Wagenaar. Cabe destacar la participación de la artista australiana Lisa Gerrard, coautora junto a Hans Zimmer de la banda sonora de Gladiator, cuya icónica voz está muy presente a lo largo de la partitura, destacando la icónica canción Now We Are Free.
Cine de verano
Para vivir la experiencia al completo, entre las actividades paralelas de la decimonovena edición de FIMUCITÉ, se desplegará una nueva edición del esperado cine de verano, que tendrá lugar las noches del 20, 21 y 22 de junio en la plaza de Residencial Anaga. El programa contempla las proyecciones al aire libre de El cartero (y Pablo Neruda) (Michel Radford, 1994), Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988) y la comedia Un italiano en Noruega (Quo vado?) (Gennaro Nunziante, 2016).
Una propuesta cultural familiar que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Distrito Centro-Ifara y Fundación Disa.
FIMUCITÉ Film Scoring Academy
Este año, la FIMUCITÉ Film Scoring Academy (Academia de Música para el Cine de FIMUCITÉ) llega con un atractivo programa de clases magistrales y mesas redondas, protagonizadas por figuras relevantes del género. De inscripción gratuita, la asistencia a estos encuentros será reconocida con un crédito académico ECTS.
El martes 1 de julio tendrá lugar en el Espacio Mutua Tinerfeña la charla inaugural del director del festival Diego Navarro: ’FIMUCITÉ: 19 años de historia del festival de música para el cine más antiguo del mundo’, así como una conferencia del profesor de la Universidad de La Laguna José Delgado Delgado sobre el contexto del filme Gladiator.
En la misma ubicación, el viernes 4 de julio tendrá lugar la proyección del documental Ennio, el maestro(2021), dirigido por Giuseppe Tornatore, un retrato exhaustivo del compositor de cine más popular y prolífico del siglo XX, dos veces ganador del Óscar y autor de más de quinientas partituras inolvidables. Este encuentro estará acompañado de una charla coloquio entre Diego Navarro y Marco Patrignani, director del Roma Film Music Festival.
Posteriormente, las actividades de la Academia se trasladarán al Espacio Cultural CajaCanarias. El martes 8 de julio tendrá lugar una conferencia del profesor de la ULL Gonzalo Pavés Borges, sobre el Neorrealismo italiano; y el miércoles, día 9, Massimo Privitera, cineasta italiano especialista en música de cine, quien ofrecerá un recorrido por compositores italianos de música de cine, mientras que el compositor Luis Ivars ofrecerá una charla, sobre derechos de autor e inteligencia artificial. El jueves 10 de julio, Lisa Gerrard, coautora de la banda sonora de Gladiator, hablará sobre esta superproducción, junto al productor de música de cine Robert Townson.
Como cierre al programa de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy, la mañana del sábado 12 de julio, el popular arqueólogo, divulgador y escritor segoviano Néstor F. Marqués ofrecerá una charla inmersiva sobre la Antigua Roma.
La 19ª edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, FIMUCITÉ, tendrá lugar del 7 de junio al 12 de julio de 2025, con el apoyo como máximo patrocinador del Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, el Gobierno de Canarias a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural, los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna y el Organismo Autónomo de Actividades Musicales de La Laguna. Asimismo, FIMUCITÉ agradece la implicación de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Auditorio de Tenerife, así como de otros colaboradores públicos y privados, entre los que se encuentran Mutua Tinerfeña, Distrito Centro-Ifara del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Fundación DISA, Emmasa, Domingo Alonso y AUDI como coche oficial del festival, Fundación SGAE y Fundación CajaCanarias.
El festival de cine y series Lo Que Viene, organizado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), se celebrará en Tenerife del 8 al 11 de julio. Durante cuatro días la prensa especializada y la industria audiovisual se reunirán para conocer lo más destacado de la producción audiovisual española del segundo semestre del año y analizar el momento del sector y para compartir con el público algunos de los estrenos más esperados de los próximos meses.
Lo Que Viene Tenerife es mucho más que un festival al uso, sino un foro de encuentro entre la prensa especializada en cine y series y destacados agentes de la industria audiovisual. Una oportunidad única, en un ambiente distendido, de debatir sobre los principales temas de actualidad y mostrar un avance de los grandes estrenos antes de que lleguen a las pantallas de cine o de televisión. Todo ello sin olvidarnos del preestreno de películas y series en primicia para el público local.
Premieres, presentaciones y mucho más
Lo Que Viene se estructura en cuatro grandes secciones:
PREMIERES – en las que los aficionados podrán disfrutar en primicia y de forma gratuita, de algunos destacados estrenos del verano.
MESAS REDONDAS – donde destacados profesionales del sector ponen sobre la mesa, sin cortapisas, los temas más relevantes del momento que afectan a la producción, el desarrollo de proyectos, la distribución o la exhibición del presente y, sobre todo, del futuro.
PRESENTACIONES – los principales productores audiovisuales ofrecerán un avance de los proyectos más suculentos que tienen en cocina a los acreditados al festival (solo a los inscritos).
ENCUENTROS – orientados fundamentalmente a estudiantes del audiovisual, para que tengan disponibles de una forma cercana a reconocidos profesionales, que compartirán con ellos su experiencia, sus tropiezos y algunas anécdotas.
Todos los detalles y novedades pueden seguirse en la web del festival loqueviene.es y en las redes sociales de los Premios Feroz.
Tom Cruise ha querido conmemorar los 30 años de su franquicia cinematográfica de Misión Imposiblecon un año de antelación. Misión: Imposible – Sentencia Final ha llegado a nuestras carteleras 29 años después de que la estrella protagonizara y produjera la primera entrega. Durante todo este tiempo, si bien Cruise ha estado involucrado en otros proyectos, lo cierto es que el personaje de Ethan Hunt ha monopolizado su filmografía. Salvo las dos últimas, cada entrega ha funcionado de manera episódica, aunque la relación entre algunos personajes haya dado juego para guiños internos a lo largo de toda la franquicia.
EXPEDIENTE FMI
Es cierto que hay un componente repetitivo, formulaico, en todas ellas. Recuperar la Lista NOC, evitar un ataque terrorista bioquímico, evitar que la Pata de Conejo llegue a manos de un traficante de armas, y así hasta completar las ocho aventuras; no importa el objetivo a cumplir, éste es simplemente el McGuffin, una excusa para colocar al equipo Fuerza Misión Imposible (FMI) siempre al límite y, sobre todo, que su líder despliegue todo tipo de alambicadas pruebas físicas. Para un amante de los deportes de riesgo, esta saga de acción le ha permitido a Tom Cruise llevar a cabo proezas en la gran pantalla realmente arriesgadas, imposibles que diría alguno.
No importa quién firme el guion (y ha tenido guionistas de prestigio como Robert Towne, David Koepp o el propio Christopher McQuarrie), la trama es lo de menos y debe ajustarse a una serie de requisitos: persecuciones en coche, en moto, corriendo, subir a trenes de alta velocidad en marcha, buceo a pulmón, escalada escarpadas, trepar por el edificio más alto del mundo, saltar a un precipicio en moto, skydiving, saltos halo, despegar en el fuselaje de un avión. A Ethan Hunt Tom Cruise siempre le exige el más difícil todavía. Y como espectadores, recordamos la película más por estas secuencias de riesgo que por la misión a cumplir o incluso por lo actores involucrados en cada entrega.
Misión Imposible – Sentencia Final. (c) Paramount Pictures y Skydance.
ESPÍRITU CLÁSICO
Tom Cruise ha ideado siempre esta franquicia como un vehículo para construir un tipo de cine de entretenimiento clásico, donde el asombro del espectador no viene dado por imágenes virtuales, sino por la emoción de saber que lo que sucede en pantalla lo ha llegado a cabo físicamente la estrella de la película. Las referencias, más allá de la propia serie de televisión original, son claras, no sólo la saga de James Bond, de la que Cruise ha querido ser siempre una alternativa ambiciosa, llegando incluso a propiciar un cambio de enfoque en la competencia. El 007 de Daniel Craig, le debe tanto o más a Ethan Hunt que a Jason Bourne.
El referente original nos atrevemos a decir que está en Alfred Hitchcock y Con la Muerte en los Talones, no por nada, Cary Grant y su Roger O. Thornhill ya fueron el modelo a seguir por la franquicia cinematográfica de Bond, y tampoco es complicado ver la endiablada estructura de montaña rusa de la cinta de Hitchcock como base de las películas de Ethan Hunt. La diferencia es que, de haber estado en las manos de Tom Cruise, el clímax final se hubiese rodado en el verdadero Monte Rushmore y no en una réplica en plató (¿Se imaginan a Ethan Hunt colgado de la nariz de George Washington?).
CERRANDO EL RELATO
Esta nueva entrega, precisamente por su probable despedida del personaje principal, pretende ser un sumum de todo lo que ha sido la saga, tanto a nivel de acción, como argumental, con regreso de algunos personajes o referencias a circunstancias vistas en las siete entregas anteriores. Esto puede resultar un tanto forzado en alguna ocasión (algún personaje que de repente cambia su nombre para desvelar un parentesco con un histórico de la franquicia), y da una sensación de falsa continuidad, de destino marcado a toda la trama. Aun así, también podemos celebrar la reaparición de cierto analista de la CIA no demasiado fan de los cuchillos o los laxantes.
EL MÁS DIFÍCIL TODAVÍA
Vamos a decir que Misión: Imposible – Sentencia Finalno es la mejor entrega de la saga, a pesar de lo amplios esfuerzos de Cruise y su equipo para que así sea. La principal debilidad la encontramos en una primera parte del metraje, casi a modo de prólogo muy extendido, que busca resumir muchas acciones hasta colocar la historia en el punto de partida que realmente interesa a sus creadores. Eso sí, no es un prólogo pasivo, todo lo contrario, está repleto de acción y situaciones que van tensando el tono narrativo, pero sí da una sensación premura en el primer tercio de película, como si estuviéramos viendo un resumen de la temporada anterior de una serie.
Otro aspecto, destacado históricamente de la franquicia, pero que toca en este octava entrega su punto más flojo, es el musical. Es cierto que partimos de uno de los temas principales más emocionantes y vibrantes de la historia de la televisión, obra del gran Lalo Schifrin, pero mientras en entregas anteriores se ha contado con espléndidos músicos que han sabido aportar con su partitura al conjunto de la película (Danny Elfman, Hans Zimmer o, sobre todo, Michael Giacchino), la contribución del tándem Max Aruj y Alfie Godfrey, aunque efectiva, resulta insulsa y sin personalidad.
Foto del rodaje de Misión Imposible – Sentencia Final. (c) Paramount Pictures y Skydance.
AL FILO DEL ABISMO
Sin embargo, esto no convierte a la cinta en una entrega endeble, ni mucho menos. La factura a manos de McQuarrie vuelve a ser pulcra y elegante. El guionista y director puede no ser un cineasta de la pericia de Brian de Palma, pero se ha convertido en el mejor socio de Tom Cruise para dar a la franquicia el ritmo y la sofisticación esperada, sino cuestionar las decisiones de la estrella y productor. Bajo su batuta, las secuencias de acción vuelven a ser extremadamente alambicadas y excitantes. Evidentemente, toda la parte de la avioneta pasará a los anales de la franquicia, pero no podemos olvidar esa extensa set-piece paralela entre la subtrama de los submarinos y la de la Isla de San Mateo.
McQuarrie da en esta segunda parte, por su carácter conclusivo, una mayor relevancia a la relación de los personajes. Hay un buen apoyo de los personajes secundarios, sobre todo la química entre Cruise, Simon Pegg y Ving Rhames. Probablemente, dentro de esto, lo más débil sea el personaje de Esai Morales, Gabriel, cuya presencia en pantalla viene para cerrar un hilo pendiente de la cinta anterior, y, sobre todo, dar al héroe un antagonista de carne y hueso al que poderse enfrentar cara a cara. Y es que, siguiendo la estela de la séptima entrega, aquí concluimos la trama de ciencia ficción, con la inteligencia artificial como gran adversario.
La labor de montaje de la película es también todo un logro. No sólo por cómo están construidas las escenas, con varias acciones funcionando de manera paralela; sino por su sensación de conjunto. Salvo las dificultades de su arranque, para sus casi tres horas de duración, el ritmo y la habilidad para mantener la tensión en el espectador es ejemplar.
Curiosamente, con todo el complot internacional, ésta es probablemente la entrega que se ajusta más al cine de espías de toda la saga. Es más, nos atreveríamos a decir que la referencia en esta entrega no es tanto las películas de espionaje tipo James Bond, sino que los ecos nos llevan hacia otro personaje literario, Jack Ryan, y las tramas propias de Tom Clancy (con confrontación con rusos y submarinos nucleares de por medio).
MISIÓN CUMPLIDA
El resultado es una película apasionante, magnífico ejemplo de lo que debe ser un blockbuster veraniego, que a penas sufre sus casi tres horas de metraje y que nos ofrece uno de los mayores espectáculos cinematográficos del año. No sabemos si ésta será la última entrega de la franquicia, si ésta continuará sin Tom Cruise o si Tom Cruise querrá mantenerse al frente de la acción. Tampoco es la primera vez que la saga está en este impasse. Ya sucedió cuando Paramount intentó quitarle la franquicia a Cruise después de Misión Imposible 3en 2006, teniendo que volver a recurrir a él en 2011 para mantener el futuro de la saga. Sin embargo, todo apunta a que es el propio Cruise quien entiende que su tiempo como Ethan Hunt ha llegado a su final y por primera vez en casi 30 años, el actor no cuenta con el rodaje de una nueva entrega de Misión Imposibleen su line up de futuros proyectos.
El sur de Gran Canaria se ha convertido en el Salvaje Oeste para el rodaje de una prometedora producción española ambientada a finales del siglo XIX con un llamativo elenco liderado por las actrices Gabriela Andrada (Culpa tuya), Paz Vega (ganadora del Goya por Lucía y el sexo), Milena Smit (nominada al Goya por No matarás y Madres paralelas), la niña Sofía Allepuz (Rita) y Karla Sofía Gascón (premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes y nominada al Óscar por Emilia Pérez), dando vida a la villana.
El tándem creativo formado por Laura Alvea y José Ortuño, codirectores de los largometrajes Ánimas, The Extraordinary Tale of the Times Table (protagonizado por la actriz canaria Aïda Ballmann) y el documental Fernando Torres, el último símbolo, además de una importante filmografía en solitario, son los creadores y directores de Trinidad, una producción de 14 millones de euros en la que se han construido más de 50 decorados de época, de la mano del diseñador de producción Alexis Santos Santana.
Parte del rodaje de Trinidad ha tenido lugar en el parque temático Sioux City, del sur de Gran Canaria.
Una pistolera llamada Trinidad
Cuenta la historia de una joven española llamada Trinidad, que llega al lejano oeste americano acompañada de su madre y de su hermana, huyendo de la justicia que la persigue en su país. Desafiando los roles que la sociedad de la época impone a las mujeres, Trinidad descubre su innata habilidad con las armas, un talento que le permite sostener a su familia, pero que también la convierte en blanco de prejuicios y enemigos, entre los que se encuentra la viuda Bronson. Cuando la joven pistolera es acusada injustamente de un crimen que no ha cometido, Trinidad se verá obligada a convertirse en una fugitiva, liderando una banda de delincuentes que la ayudarán a planear su venganza.
Homenaje al western
Un gran tributo al género, desde el título en recuerdo al clásico del spaguetti western Le llamaban Trinidad, dirigido por Enzo Barboni y protagonizado por Terence Hill y Bud Spencer, al homenaje explícito a Charles Bronson, inolvidable en filmes como Los siete magníficos, Érase una vez en el Oeste o Hasta que llegó su hora.
El reparto se completa con nombres como Guillermo Bedward (series Perversoy The Outlaws), James Giblin (Way Down, de Jaume Balagueró), Antonio Dechent (Intacto, de Juan Carlos Fresnadillo) o Alfonso Sánchez (El mundo es nuestro), así como intérpretes canarios, entre los que se encuentra Aarón Gómez.
En palabras de José Ortuño y Laura Alvea, “el rodaje de Trinidad ha superado todas nuestras expectativas. No solo hemos contado con los medios, recursos y presupuestos técnicos necesarios para llevar esta historia a la pantalla tal y como la concebimos, sin concesiones ni recortes, sino que hemos tenido la suerte de trabajar con un equipo técnico y artístico de primer nivel”. Así, también destacan en los créditos figuras como el director de fotografía David Azcano (La casa de papel, Sky Rojo) o la diseñadora de vestuario Deborah del Pino, con quien Ortuño ya había colaborado en el thriller Normas para una página de sucesos, película disponible en la plataforma Divergente.
Trinidades la primera gran producción de ISII Group, con sede en Canarias, a través de Inefable Productions, compañía detrás de la mencionada Normas para una página de sucesos, además de otros largometrajes como La farola del mar, Se alquila, Las coordenadas exactas, Cataratasy Tal vez, con Silvia Carvalho como productora del filme.
Del 2 al 8 de junio se celebra en Bilborock la 23ª edición del Festival Internacional de Cortos y Videoclips Caostica. Un total de 56 obras provenientes de todos los rincones del planeta conforman la sección oficial.
Entre los participantes, se encuentran realizadores como Javier Fesser, Laura Obradors, Marc Riba, Anna Solanas, Mikel Bustamante, las ALSO Sisters, María Lorenzo Hernández, Lander Castro, Sam Ortí, Unai Hernández Unda, Gastón Haag, Izibene Oñederra, Rene Nuijens, Koldo Almandoz, Imanol Muro, Iyán Altube, Unai Madariaga, Eneko Ajangiz, Aurelien Laplace, Ximon Agirre, Alex Perez, Iván López Núñez, Delia Hess, J.K. Álvarez, Sara Koppel, Jordi Romero, Rosario Capozzolo o Charlie Mars. Además, participarán videoclips de artistas y bandas musicales como Sara Socas, EZEZEZ, Rally48, Xatiro, The Covids, Guda Dantza, TOC, Eladio Carrión & Nach, Tigre Balsámico o La Sessualità.
El jurado está formado por la artista, cineasta y directora del Festival Zinegoak Alaitz Arenzana, el guionista Aitor Eneriz y la directora Alba Lozano.
El cartel de este año, obra de Leone Artworks, rinde pleitesía a Freaks(AKA La parada de los monstruos, de Tod Browning, 1932) y a la figura del freak en el cine y en otras disciplinas.
Cine, proyecciones, exposiciones, conciertos…
Además de las proyecciones de sección oficial, se realizarán otras actividades paralelas, como la exposición One Of Us! A Freaks Comic Tribute.
El lunes 2 de junio, tendrá lugar el estreno en Euskadi del largometraje El Barón contra los demonios (Ricardo Ribelles, 2006), con presencia de su productor y supervisor de efectos digitales Alfonso Ruiz Rallo (actividad en colaboración con Zinebi y con el apoyo de Isla Calavera, Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna).
Caostica 23 acoge la proyección de El barón contra los demonios, con la colaboración del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera.
Por otro lado, la proyección especial Lo más Caostico de Macabro VOL. IX (actividad en colaboración con Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México).
También será el estreno en Euskadi del cortometraje documental Kemonito: la última caída, con un encuentro con su directora Teresa de Miguel y su protagonista Kemonito; la sesión especial de música electrónica MIX-A CAOSTICA-N con el colectivo Jarrera (actividad en colaboración con Media Attack y Bilbao Gazte); la proyección infantil Caostica KIDS (actividad en colaboración con Gazte Film); y la entrega de premios «con electrocución de ganadores como manda la tradición» y el DJ Set Meneo & VJ Náuseas.
Asimismo, se desplegarán las clases magistrales ‘La asimilación del Fantástico en las prácticas de la Escuela Oficial de Cinematografía’ (EOC), con Seve Casalderrey Conde, y la proyección especial del mediometraje Los Buenos Samaritanos (Francisco Montolío, 1966); y otra sobre audiovisual bizarro con la realizadora Beatriz Sánchez.
Todas las actividades del festival son gratuitas hasta completar aforo.
Cartel de Caostica 23, homenaje a Freaks, de Tod Browning.
La saga de Destino Finalno pasará a la historia del séptimo arte por su alta calidad cinematográfica. Precisamente, gran parte de su encanto es su falta de aspiraciones, su carácter modesto, pero entretenido. Dejemos para el sofá del psicólogo por qué el ser humano encuentra tan atractivo y entretenido el morbo de ver muertes grotescas en la gran pantalla, pero lo cierto es que el gran secreto de esta franquicia no está tanto en grandes guiones o espléndidos personajes, sino en el efecto dominó que acaba desembocando en accidentes más alambicados y grotescos del cine.
EL SENTIDO DEL HUMOR DE LA MUERTE
Entre 2002 y 2011, durante cinco entregas, la franquicia se dedicó a diseñar las muertes más espectaculares (especialmente en las llamativas secuencias iniciales), siempre con un fondo de humor negro en la mezcla. El espectador entraba en la sala y sabía que ese conjunto coral de personajes iba a morir de manera rocambolesca como producto de un efecto dominó de lo más desquiciado. La estupidez congénita de los personajes, expuestos a situaciones de peligro por descuidos tontos o el atrevimiento de ponerse en situaciones de peligro de forma absurda formaba parte de esa parte de comedia de las películas.
Ya que las cartas estaban echadas y para ellos no había posibilidad de salvación, ya que no se esperaba que el espectador sintiera pena por sus truculentas muertes, qué mejor que hacer que éstas fueran merecidas y llevar a la audiencia a celebrar las situaciones más sádicas.
RESURRECCIÓN
Como muchas sagas prolíficas en corto espacio de tiempo, las películas de Destino Final entraron en un cierto desgaste por agotamiento. Las escenas de muerte seguían siendo muy elaboradas, pero los acontecimientos que llevaban a ellas y los propios personajes cada vez importaban menos. Todos dábamos la franquicia por clausurada, una franquicia de terror intrascendente, pero divertida, que había tenido su momento, pero que había llegado a su muerte natural. Esto no quitaba que algunas de las secuencias icónicas de la saga perduraran en el subconsciente colectivo, o que el propio concepto de las películas ya formase parte del discurso habitual, donde, ante situaciones cotidianas, ya podíamos imaginar el resultado si nuestras vidas fueran una película de Destino Final.
El regreso de la franquicia, 14 años más tarde, puede parecer una operación mercantilista, como tantas otras del cine moderno, para sacar rédito nostálgico a un producto de éxito moderado, y no podemos negar que así sea; sin embargo, vista la película, nos congratula saber que no se trata de un intento vacío, sino que estamos ante una película que amplía la mitología de la saga.
Destino Final. Lazos de sangre
VARIANTE Y REPETICIÓN
Aquellos que conocen la saga y se acerquen a la película, van a encontrar aquello que buscan, una secuencia inicial extensa y espectacular y una sucesión de set pieces con imaginativos escenarios que conducen a la muerte desproporcionada de alguno de los personajes. Sin embargo, hay pequeñas variaciones de guion que hacen que esta sexta entrega resulte una incorporación original al conjunto.
El primer elemento llamativo es que la secuencia inicial, la que desencadenará todo el plan de La Muerte, no tiene lugar en el presente, sino en 1968. Los personajes principales no van a ser los supervivientes del accidente escenificado como arranque de la película, sino que, en un giro novedoso en la saga, se trata de los herederos de la mujer que tuvo la visión, hijos y nietos de ella que no hubiesen existido si no se hubiese burlado los planes de La Muerte. Es cierto que las cosas que cambian, lo hacen para que todo siga igual. La dinámica de la película va a mantener la tradición de las entregas anteriores, pero con ese añadido argumental, que nos permitirá, entre otras cosas, conocer el origen de un personaje icónico de la franquicia.
EL JUEGO DE LA MUERTE
Dentro de los parámetros de la franquicia, Destino Final. Lazos de Sangreno sólo supone una revitalización de una saga que parecía agotada, sino que, en nuestra opinión, se trata de una de las mejores películas de la serie. La secuencia inicial es verdaderamente espectacular (curiosamente, emparentada con otro estreno reciente, La Cita), desde ya una de nuestras favoritas de las seis que conforman la franquicia. La película cuenta también con un par de set pieces marca de la casa y altamente recomendables, como toda la secuencia en el hospital, el salón de tatuajes (ya exhibida en el tráiler inicial) o el picnic.
Más allá del entretenimiento principal que suponen las muertes de los personajes, la cinta cuenta con algún giro de guion inesperado que permite a los guionista y los directores jugar con las expectativas del espectador.
El trabajo de Zach Lipovsky y Adam B. Stein tras la cámara es correcto y solvente, por encima de la media de la saga, con secuencias muy bien resueltas, aunque en algún caso la saturación de CGI afecte al conjunto final. Del reparto principal nos parece destacable muy por encima del resto del cast Brec Bassinger, en su rol de 1968, y Richard Harmon, como el más irreverente de los personajes de esta sexta entrega.
Kaitlyn Santa Juana, como intérprete del personaje protagonista, cumple con corrección, pero se ve condicionada por las limitaciones de su personaje. Por supuesto, mención aparte merece Tony Todd, quien vuelve a repetir cameo en la serie, pero en esta ocasión con carácter de despedida, ya que el actor murió en 2024 víctima de un cáncer que ya resultaba evidente cuando rodó sus escenas. No sólo la calidad interpretativa de Todd es superior al resto del elenco, sus frases vienen acompañadas de un hálito de fatídica premonición que las hacen aún más demoledoras en la película.
DESTINO FINAL
Destino Final. Lazos de Sangre es consciente de jugar en la misma liga que sus predecesoras y no pretende ir más allá del entretenimiento culpable que ya suponían la cinco entregas anteriores. Dentro de estas fronteras, sí hay que decir que es una película de factura más que competente, y que eleva el listón de calidad con respecto a muchos de los títulos previos, mejorando las principales aciertos de la saga y aportando pequeñas píldoras de originalidad que la distancian de sus hermanas y resultan refrescantes para el espectador ya conocedor de la franquicia.
