EL DIABÓLICO DOCTOR KNOX, nueva novela de Carlos Díaz Maroto sobre el personaje de WAX

Cuando se cumplen diez años del estreno de Wax, el primer largometraje de ficción del cineasta madrileño Víctor Matellano, el inefable Doctor Knox regresa con una nueva historia en formato novela. Escrita por Carlos Díaz Maroto, El diabólico Doctor Knox acaba de ver la luz publicada por Pigmalión en su colección Lumière. Se trata de una precuela a la película protagonizada por el veterano actor estadounidense afincado en España Jack Taylor, en la piel del terrible asesino y cirujano caníbal cuyos orígenes y motivaciones se desvelan al fin.

La historia arranca en un lugar indeterminado de Alemania en 1972, donde dos jóvenes indefensas irán a parar a la morada del científico loco. Pero el autor llevará en seguida al lector al pasado para conocer las acciones de este médico infernal, sus actividades alquímicas y cómo desarrolló sus peculiares aficiones culinarias.

Con prólogo del propio Jack Taylor, ilustraciones interiores de Claudio Sánchez Viveros, ilustración de cubierta de Sanjulián, y de contracubierta de Azpiri, se trata de una dinámica historia de fuerte componente pulp que, al tiempo, ofrece un homenaje al fantaterror español y al cine de la Hammer.

Book tráiler oficial, narrado por Jack Taylor

Anteriormente, el siniestro personaje había sido llevado a las páginas de Knox. El Cómic y ahora, aunque la novela de Carlos Díaz Maroto puede ser leída sin haber visto el filme original, si se conocen algunos elementos de Wax, puede ser mejor degustada.

Décimo aniversario de Wax

Con Geraldine Chaplin y Jimmy Shaw acompañando a Taylor en el elenco principal, el largometraje Wax, filmado en el Museu de Cera de Barcelona y en el Museo de Cera de Madrid, junto a otras localizaciones de Málaga y Girona, y cuyo rodaje se presentó en su día en el Festival de Sitges, se vio por primera vez en el extinto Nocturna Film Festival de Madrid, el 30 de mayo de 2014.

En Halloween de 2014, el mítico Charles Band de la compañía independiente de producción y distribución Full Moon estrenó Wax mundialmente en Estados Unidos, en vídeo bajo demanda, y posteriormente, en ese país y Canadá, salió en formato doméstico, el 16 de diciembre del mismo año.

En España se estrenó de manera limitada en salas cinematográficas de Madrid y Barcelona en febrero de 2015, como antesala a su inminente edición en formato doméstico y de plataformas, por parte de RedRum.

Jack Taylor en la piel del personaje del Doctor Knox.
Jack Taylor en la piel del personaje del Doctor Knox.

Continuó el estreno en otros países como Italia, y el paso por festivales como el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, donde su director Víctor Matellano, autor de más de 30 libros sobre cine, tanto individuales como colectivos, y documentalista, fue reconocido en 2021 con el Premio a la Difusión del Fantástico. En el Festival Buenos Aires Rojo Sangre de 2015, el filme logró una Mención especial a las interpretaciones de Taylor y Geraldine Chaplin.

En la actualidad, la película sigue en distribución nacional e internacional, mientras es visitable la escultura de cera de Jack Taylor caracterizado como Knox, en la Wax Horror Experience del Museo de Cera de Madrid.

Firma en la Feria del Libro de Madrid

El crítico de cine y escritor Carlos Díaz Maroto estará en la Feria del Libro de Madrid el próximo domingo 9 de junio firmando su novela El diabólico Doctor Knox junto a Jack Taylor.

CRÍTICA | EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS. Continúa el reinado

En esta época de franquicias y reboots, regresar a El Planeta de los Simios es recuperar una de las sagas más longevas de la historia del cine.

Poco podría imaginar el escritor Pierre Boulle que su novela de 1963, El Planeta de los Simios, iba a inspirar una franquicia tan lucrativa y longeva. Adaptada al cine en 1968 por Franklin Schaffner, no sólo dejó para la historia uno de los grandes finales del séptimo arte, sino que supuso toda una revolución en apartados como el maquillaje y los prostéticos. Aquella película inicial contó con cuatro secuelas producidas entre 1970 y 1973 (Regreso al Planeta de los Simios, Huida del Planeta de los Simios, Conquista del Planeta de los Simios y Batalla por Planeta de los Simios), cada vez más apresuradas y con mejor presupuesto, pero con ideas interesantes y un gusto por una cuidada narración artesanal. Hubo también dos series de televisión, una de imagen real y otra de animación de 1974 y 1975.

En 2001 Tim Burton dirigió un remake muy poco afortunado, aunque de nuevo el apartado de maquillaje a cargo del mítico Rick Baker era excepcional.

Resurgir de la saga

El verdadero resurgir de la saga llegó en 2011 con El Origen del Planeta de los Simios, dirigida por Rupert Wyatt, curiosamente, una cinta que se adelantaba en su argumento a la pandemia que viviría el planeta pocos años más tarde. Esta nueva andadura de la serie apostó por el uso de personajes digitales, en lugar de actores maquillados, tecnología que heredaba de El Señor de los Anillos, al igual que a su actor de captura de movimiento, Andy Serkis en el papel de Cesar.

Tras el éxito de esta primera entrega, el director Matt Reeves siguió desarrollando esta idea de precuela en las dos siguientes entregas, El Amanecer del Planeta de los Simios y La Guerra del Planeta de los Simios, cerrando una trilogía exitosa no sólo en taquilla, sino también de cara a la crítica.

Wes Ball da nueva vida a la saga

Con dos bloques cerrados y bien diferenciados, y con la 20th Century Fox adquirida por la Disney, los nuevos dueños de la franquicia anunciaron que continuarían explotando la gallina de los huevos de oro, generando temor entre los fans acerca de la trayectoria que iban a tomar las nuevas películas. La elección del director Wes Ball para liderar la primera producción no ayudó a aplacar la incertidumbre. Ball es el autor de la trilogía de El Corredor del Laberinto, no la peor adaptación de literatura fantástica juvenil reciente, pero desde luego tampoco una obra a inspirar confianza.

La trama de El Reino del Planeta de los Simios da un importante salto temporal con respecto a La Guerra del Planeta de los Simios, asegurándose así eliminar de la ecuación a los personajes de la trilogía anterior. Si bien el legado de Cesar sigue manteniéndose en esta nueva estirpe de simios, su mensaje se ha convertido, al igual que él, más en una leyenda.

Ambientada en varias generaciones del futuro tras el reinado de César

Nos encontramos en un momento más cercano al que retrató la película de 1968, aunque no se precisa cuánto tiempo antes de la llegada de Taylor (Charlton Heston). Esta ambigüedad nos parece normal, ya que nos aventuramos a decir que en el momento en el que las películas modernas alcancen a la cinta de 1968 la franquicia (o al menos, esta línea narrativa) habrá llegado a su fin. No hay que olvidar que, salvo la película de Tim Burton, el resto de las películas se suponen que se desarrollan en el mismo realidad.

El Reino del Planeta de los Simios tiene la responsabilidad de marcar las bases para las nuevas películas producidas por Disney (a priori, una nueva trilogía). Por de pronto, lo que llama la atención es su naturaleza continuista. Pese a todos los cambios, a todos los niveles (estética, narrativa, diseño de personajes) la película se mantiene deudoras de las anteriores. Es cierto que la puesta en escena de Ball no es tan robusta como la de Matt Reeves, pero viniendo de donde viene, resulta mucho más esforzada de lo esperado y temido. El despliegue visual y narrativo defiende con coherencia y respeto la continuidad de la historia.

Podemos acusar a la cinta de ser imitativa de las anteriores, pero determinadas set pieces, como el mismo prólogo, el ataque al poblado de noche o todo el tramo final se defienden por si solos, así como el desarrollo de personajes, como el nuevo protagonista, Noa, líder a su pesar y todavía inmadurez. Estamos en una etapa intermedia de la evolución donde la mayor parte de los seres humanos han caído ya en un estado irracional, pero todavía queda un reducto de representantes de la antigua estirpe, lo que abre una línea argumental interesante, esperemos que a desarrollar en futuras entregas.

Un guion basado en personajes creados por Rick Jaffa y Amanda Silver

En la trama resulta interesante las difusas líneas morales que separa a ambas especies y el desarrollo por parte de los simios de conductas humanas a medida que su civilización avanza. En este sentido, nos resulta muy sugestivo el personaje de Proximus Caesar, denominado villano de la función, pero cuyo discurso no resulta maniqueo y su confrontación con el personaje de la humana Nova evidencia las contradicciones de ambos bandos. En este sentido, aunque sin las cargas de profundidad que aportaban las dos películas de Reeves, nos congratula que el guion haya mantenido una línea reflexiva, más allá de la parte de acción y espectáculo que ofrece la película.

El apartado tecnológico, la creación de personajes por captura de movimiento, evidencia también un salto temporal, los siete años que separan esta película de su predecesora. Las mejoras a la hora de dar realismo y veracidad a los personajes simios se extiende también a la creación de entornos geográficos, donde cada vez más se va imponiendo también el uso de imágenes generadas por ordenador. En este sentido, la cinta está a la altura de las expectativas y ofrece un cuidado trabajo de animación digital.

Hablábamos de la sensación de nexo de continuidad que esta película aporta entre los dos bloques principales de la saga. Si bien estéticamente recuerda a las últimas entregas, vemos ya la aparición de algunas construcciones más cercanas a las de la civilización de los simios de 1968.

Apartado musical

Esto se amplía también al apartado musical. John Paesano no es de los compositores más reputados del Hollywood actual. Su presencia en la cinta viene de sus colaboraciones anteriores con el director Wes Ball. Por su parte, nos atrevemos a decir que la partitura de La Guerra del Planeta de los Simios está entre los mejores trabajos musicales de Michael Giacchino. Paesano no sólo sabe recoger el legado de Giacchino y desarrollar una partitura melódica y elegíaca, sino que da una nueva identidad musical a la saga. Con respecto a ese nexo con las películas clásicas, el compositor ofrece también un avance hacia el futuro, introduciendo citas a la partitura de Jerry Goldsmith de 1968 diseminadas a lo largo del metraje. De esta manera, también a través de la música sentimos cómo la cinta sirve de eslabón entre las dos grandes etapas de la franquicia.

Podemos concluir, por lo tanto, que El Reino del Planeta de los Simios, inferior como es a su más inmediatas predecesoras y a la película de 1968, es una digna heredera de este legado; es más, no sólo nos parece, de manera independiente, una estupenda película, sino una garantía del futuro de la franquicia si mantienen este nivel de integridad y respecto.

El reino del Planeta de los Simios. © 2024 20th Century Studios
El reino del Planeta de los Simios. © 2024 20th Century Studios

La FIMUCITÉ FILM SCORING ACADEMY anuncia programación, dedicada a los grandes musicales del cine

La FIMUCITÉ Film Scoring Academy, una de las actividades paralelas más esperadas del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), abre este año su programa al público general, que podrá disfrutar de clases magistrales y mesas redondas protagonizadas por nombres tan destacados como el compositor de la banda sonora de ‘La La Land’ Justin Hurwitz, ganador de dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro, tres Critics’ Choice Awards, dos Grammy y un BAFTA; o Andy Hill, decano y director de estudios de la Film Scoring Academy of Europe en Sofía, Bulgaria. La asistencia será de entrada gratuita y se podrá validar por un crédito académico de libre elección. Próximamente estará disponible el formulario de inscripción en la web del festival, www.fimucite.com.

Inauguración

En el marco del acuerdo alcanzado con la Universidad de La Laguna, la programación de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy dará comienzo el lunes 24 de junio en el salón de actos de la Facultad de Educación con la ponencia “FIMUCITÉ: 18 años de historia del festival de música para el cine más antiguo del mundo”, a cargo de su fundador y director, el reconocido compositor canario Diego Navarro. En esta master class, que tendrá lugar de 18:00 a 20:00 horas, Navarro compartirá sus conocimientos y experiencia en el mundo de la música para el cine, destacando su trayectoria personal y profesional, compartiendo detalles sobre sus procesos creativos, influencias y experiencias en la creación de música para diversas producciones cinematográficas. Una oportunidad única para estudiantes, profesionales y amantes de la música de cine que deseen inspirarse y adquirir conocimientos valiosos en este campo.

Clases magistrales y mesas redondas

El resto de las actividades del programa se desarrollarán los días 16, 17 y 18 de julio en el Espacio Cultural CajaCanarias, ubicado en Santa Cruz de Tenerife.

Así, el martes 16 de julio, a partir de las 18:00h, tendrá lugar la clase magistral “¿Componer para la escena o escenificar para la música?”, impartida por Leandro A. Martin. Compositor y docente e investigador de Didáctica de la Expresión musical en la ULL, ha estrenado obras e impartido conferencias en Alemania, Cuba, Italia, Argentina, España, Inglaterra, entre otros países.

El miércoles 17 de julio, está prevista una sesión doble que dará comienzo, a las 16:30h, con la ponencia “Cabaret, un clásico moderno”, que ofrecerá Isabel Castells Molina, profesora en la ULL de la asignatura “Literatura y cine”, quien se ha ocupado de las relaciones entre ambas disciplinas en artículos, libros y conferencias. Especialista en el género, realizará un acercamiento a la película de Bob Fosse, a través de sus temas musicales, prestando especial atención a la función narrativa de las canciones y las coreografías, que ilustran la evolución de los personajes y de la propia trama.

La jornada continuará a las 18:00h, con la participación de Andy Hill, con treinta y cinco años de experiencia en la industria musical del cine, quien brindará la master class “Lo que pueden aprender los compositores de cine de los autores de canciones”. Director en la actualidad del programa M. F. A. (Master in Fine Arts) en Música para películas y medio contemporáneo en la Film Scoring Academy of Europe, Hill hará un recorrido por los estándares del teatro musical y sus adaptaciones cinematográficas, desde “You’ll Never Walk Alone”, “My Favorite Things” y “Maria” hasta “Send In The Clowns” y “Memory”, para descubrir que, “incluso en una época en la que la melodía no parece ser la piedra angular de la música de cine, un buen motivo y un conjunto de acordes con gancho aún pueden ser de mucha ayuda”.

El programa previsto para el jueves 18 de julio comenzará a las 16:30h con “La evolución del musical”, una ponencia del creador del portal especializado Love4musicals.com Paco Dolz. Como experto y divulgador del género, realizará un recorrido en el que se recordarán los más legendarios musicales de la historia del cine, que luego se podrán disfrutar en directo en el gran concierto sinfónico de clausura ‘A Million Dreams’, que tendrá lugar el sábado 20 de julio en el Auditorio de Tenerife, bajo la dirección de Diego Navarro.

Justin Hurwitz y Andy Hill, ponentes estrella de la Fimucité Film Scoring Academy 2024
Justin Hurwitz y Andy Hill, ponentes estrella de la Fimucité Film Scoring Academy 2024

El broche final a las jornadas de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy 2024 lo pondrá, a partir de las 18:00h, una mesa redonda con Justin Hurwitz, Paco Dolz y Robert Townson, uno de los más prolíficos productores de música para el cine en el mundo. Los amantes del cine y la música están invitados a participar en este evento especial donde tendrán la oportunidad de adentrarse en el fascinante mundo de la composición musical para el cine, centrándose en el éxito cinematográfico ‘La La Land’. Moderado por Gorka Oteiza, fundador y director del medio digital SoundTrackFest, será un encuentro exclusivo, el complemento perfecto para disfrutar en vivo de la experiencia “Live to Picture” de ‘La La Land in concert’ el viernes 19 de julio dentro de la programación del festival.

La FIMUCITÉ Film Scoring Academy arrancó en 2016 en el compromiso del festival por la formación especializada en este ámbito y ofrece una oportunidad única a estudiantes y músicos profesionales interesados en la creación de música para el audiovisual. En su trayectoria ha contado con un extraordinario plantel de ponentes, a los que se suman este año relevantes figuras que acercarán su experiencia y conocimientos también al público general con inquietudes musicales y audiovisuales.

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), referente mundial en su género, cuenta con el apoyo como máximo patrocinador de Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, junto a los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna y Gobierno de Canarias. Asimismo, cuenta con el apoyo de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Auditorio de Tenerife, la colaboración especial de Fundación Disa, Emmasa, Fundación SGAE, Fundación CajaCanarias, Domingo Alonso y AUDI como coche oficial del Festival; y la Fundación Diario de Avisos, el Grupo Plató del Atlántico y la Televisión Canaria como principales media partners. FIMUCITÉ celebra su 18ª edición del 5 al 20 de julio de 2024.

PROGRAMA FIMUCITÉ FILM SCORING ACADEMY

Lunes 24 de junio

Salón de Actos de la Facultad de Educación de la Universidad de La Laguna
18:00-20:00h: «FIMUCITÉ: 18 años de historia del festival de música para el cine más antiguo del mundo»
Impartida por Diego Navarro

Martes 16 de julio

Espacio Cultural CajaCanarias Santa Cruz de Tenerife
18:00h-20:00h: «¿Componer para la escena o escenificar para la música?»
Impartida por Leandro A. Martín

Miércoles 17 de julio

Espacio Cultural CajaCanarias Santa Cruz de Tenerife
16:30-18:00h: «Cabaret, un clásico moderno»
Impartida por Isabel Castells Molina
18:00-19:30h: «Lo que pueden aprender los compositores de cine de los autores de canciones»
Impartida por Andy Hill

Jueves 18 de julio

Espacio Cultural CajaCanarias Santa Cruz de Tenerife
16:30-18:00h: «La evolución del musical»
Impartida por Paco Dolz
18:00-19:30h: Mesa redonda con Justin Hurwitz, Robert Townson y Paco Dolz
Modera Gorka Oteiza

LA MUJER DORMIDA, de Laura Alvea, un thriller psicológico con Almudena Amor y Javier Rey

Este viernes 31 de mayo llega a los cines La mujer dormida, dirigida por Laura Alvea y protagonizada por Almudena Amor (La abuela) y Javier Rey (El verano que vivimos). Amanda Goldsmith (Competencia oficial) completa el elenco de este thriller psicológico escrito por Daniel González, Miguel Ibáñez Monroy y Marta Armengol y que también cuenta con la colaboración de Laura Alvea. Rodada en Sevilla y Gran Canaria, cuenta también con intérpretes de las islas en el reparto, como Yanely Hernández.

Antes de su estreno en cines, La mujer dormida tuvo su première nacional en el Festival de Cine de Málaga, dentro de la Sección Oficial fuera de competición.

Internacionalmente ha sido seleccionada para participar en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Oporto, Fantasporto, dentro de su Sección Oficial a Competición. Siguiendo la estela de festivales, también se ha podido ver en el Ibero American Film Festival Miami- IAFF, donde recibió una Mención Especial del Jurado, e inauguró la 30 edición del Festival de Cine Fantástico-FANT, de Bilbao el pasado 3 de mayo.

La directora andaluza Laura Alvea cuenta con más de dos décadas de experiencia en diversas áreas cinematográficas. Ha sido guionista de largometrajes como Ánimas (Netflix), ayudante de dirección en decenas de películas y series (La Trinchera Infinita, Arde Madrid, El Autor, Pan de Limón con Semillas de Amapola…) y ha dirigido documentales como Fernando Torres: El Último Símbolo (Amazon Prime), largometrajes como Ánimas o The Extraordinary Tale (Filmin) y series como el thriller La Chica de Nieve (Netflix), con Milena Smit, Tristán Ulloa y José Coronado.

Sinopsis de La mujer dormida

Ana (Almudena Amor), auxiliar de enfermería, comienza a sentirse atraída por Agustín (Javier Rey), el marido de una mujer en estado vegetativo a la que ella cuida. Es entonces cuando empieza a ser acosada por extraños fenómenos que parecen tratar de echarla de casa y separarla de Agustín.

La mujer dormida es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo y Carlos Rosado Sibón para La Claqueta PC y Marta Ramírez para Coming Soon Films, con la producción ejecutiva de Sara Gómez y la producción delegada de Lluís Ruscalleda. Cuenta con la participación de RTVE, HBO Max y con la colaboración de 3Cat, con la financiación del ICAA y con el apoyo de la Junta de Andalucía, con la financiación de CreA SGR e ICO y con la colaboración de Filmax, que se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales.

La mujer dormida, de Laura Alvea. (c) Filmax
La mujer dormida, de Laura Alvea. (c) Filmax

DEXTER: ORIGINAL SIN: Una nueva familia Morgan

El universo televisivo de Dexter Morgan, el famoso asesino en serie con código moral, sigue ampliándose y pronto conoceremos sus orígenes a través de una nueva temporada.

Hace 20 años, el autor estadounidense Jeff Lindsay publicaba la primera de ocho novelas sobre el también conocido como el Carnicero de la Bahía, Darkly dreaming Dexter, titulada en España El oscuro pasajero. Este fue el punto de partida para la serie de Showtime que llegó en octubre de 2006 a la cadena planteando la historia de un forense especializado en análisis de salpicaduras de sangre en el Departamento de Policía de Miami. Un ambiente que ya nos resultaba familiar gracias a CSI: Miami, la primera serie derivada de CSI: Las Vegas.

El actor Michael C. Hall, quien logró un Globo de Oro por su interpretación en 2010 y fue nominado en otras cuatro ocasiones, dio vida al personaje a lo largo de nueve temporadas, enfrentándose a memorables psychokillers como Trinity, interpretado por John Lithgow, el Asesino del camión de hielo, el Despellejador, el Asesino del Juicio Final o el Neurocirujano.
Las primeras ocho entregas llegaron en años consecutivos desde el estreno de la original, desde 2006 a 2013, pero buscando acabar en alto Michael C. Hall regresaba en 2021 con Dexter: New Blood.

DEXTER: ORIGINAL SIN

Tratándose de una de las series más vistas de Showtime, el canal no pretende abandonar al carismático personaje y prepara una precuela alrededor de sus orígenes. La trama de Dexter: Original Sin (“Pecado original”) estará ambientada en 1991, quince años antes de los acontecimientos narrados en la serie original.

Esta semana, Variety anunciaba en primicia el reparto principal de la nueva serie, que liderará Patrick Gibson tomando el relevo al memorable Michael C. Hall. Conocido por sus papeles en las series de género fantástico The OA y Sombra y hueso, el actor irlandés será Dexter en su paso de estudiante a asesino en serie vengador.

Su padre adoptivo Harry Morgan, en la serie original interpretado por James Remar, será Christian Slater. El icónico actor de El nombre de la rosa, de Jean-Jacques Annaud; Amor a quemarropa, de Tony Scott; o Entrevista con el vampiro, de Neil Jordan, actualmente protagoniza la serie de Las Crónicas de Spiderwick que descartó Disney+ y es un éxito en la plataforma de streaming estadounidense Roku.

Por último, la actriz Molly Brown (Vuelta al insti) será la hermana adoptiva de Dexter, Debra Morgan, años antes de convertirse en la teniente del departamento de Homicidios de Miami que conocimos interpretada por Jennifer Carpenter.

Serán diez episodios, aún sin fecha de lanzamiento, que ahondarán en el momento en el que los impulsos sedientos de sangre de Dexter ya no pueden ser ignorados y es necesario canalizar su oscuridad interior. Entonces, con la guía de su padre Harry, adoptará el conocido código de conducta diseñado para ayudarle a acabar con las personas que merecen ser eliminadas de la sociedad, evitando entrar en el radar de las fuerzas del orden. Este será un desafío particular para el joven Dexter, cuando comienza una pasantía forense en el Departamento de Policía Metropolitana de Miami.

CRÍTICA | AMIGOS IMAGINARIOS, de John Krasinski. En ocasiones veo «amis»

Para su quinta aventura como director, John Krasinski abandona el terror y regresa al género de la comedia, en este caso, comedia familiar y de fantasía. La vis cómica del cineasta ya había quedado patente delante y detrás de la cámara, sin embargo, Amigos Imaginarios supone un nuevo reto como director (bueno, director, guionista, productor, actor) y una apuesta por no repetirse teniendo en cuenta que, tras dirigir las dos primeras entregas de Un Lugar Tranquilo, prefirió dejar la precuela en otras manos y centrarse en esta historia de corte familiar, con el drama de la pérdida y la enfermedad como telón de fondo.

La cinta nos presenta la historia de Bea, una niña de 12 años, que se ha esforzado por madurar antes de tiempo tras la muerte de su madre, víctima de cáncer. Ante la proximidad de una operación a corazón abierto de su padre, Bea tiene un regreso a aquella infancia perdida y empieza a ver amigos imaginarios, criaturas fantásticas que cumplen la función de servir de apoyo emocional a niños en momentos de trauma, pero que después quedan abandonados y olvidados cuando se ha superado la crisis. Bea, acompañada de Cal, vecino de su abuela y que también puede ver a estas criaturas, intentará cerrar círculos, reuniendo a estos seres con sus otrora amigos infantiles.

Una producción de Sunday Night / Maximum Effort

Amigos Imaginarios se presenta como una cinta emotiva, tierna, para toda la familia, con mensaje familiar y reflexivo sobre la naturaleza de las relaciones humanas. El guion es sencillo, pero bien construido, con personajes simples, pero con los que podemos empatizar. Su colorido y tono de cuento de hadas hace que todo resulte amable y conmovedor, sirviendo de apología del niño interior que todos tenemos y como rebeldía de la maldición de la madurez.

La película nos apela a no perder la fantasía, a no dejarnos arrastrar por lo gris de las responsabilidades y los compromisos laborales de los adultos.

La fotografía es muy luminosa (curioso, viniendo de Janusz Kaminski, director de fotografía especializado en el uso del claroscuro), la dirección artística nos introduce en un mundo de fantasía más cercano a la animación infantil que al mundo real. La música de Michael Guiacchino parte también de un tema principal de inspiración infantil. Todo está construido para hacernos retroceder a nuestra infancia.

Protagonizada por Ryan Reynolds, John Krasinski, Cailey Fleming y Fiona Shaw

La puesta en escena de Krasinski, el trabajo de los actores, la compaginación de los personajes animados dentro del entorno físico, todo fluye de manera amable y agradable para el espectador.

Sin embargo, más allá de sus confesos guiños clásicos a películas como El Invisible Harvey, la cinta arrastra a lo largo de todo su metraje una sensación de déjà vu, de cóctel indisimulado de películas de Pixar. Desde Monstruos S.A. hasta Up, de Toy Story a Del Revés. A esto se suma un emparentamiento demasiado próximo para ser accidental con El Sexto Sentido (personaje infantil, acompañado de un adulto, con trauma familiar y que tiene la habilidad de ver seres sobrenaturales, y con sorpresa final).

Todo esto no quita valor a los méritos de la película, entre otras cosas, por que tampoco la cinta pretende tomarse demasiado en serio a sí misma; sin embargo, también es cierto que estas referencias de las que se alimenta Amigos Imaginarios marcan un listón muy superior. El nuevo trabajo de Krasinski es una película amable, pero carece de la trascendencia, de la finura cinematográfica y de la factura sobresaliente de estos otros títulos.

Pese a esto, seguimos considerando Amigos Imaginarios como un título recomendable, muy especialmente si la visita al cine se hace de manera familiar y se cuenta con hijos entre los 7 y los 12 años. Seguramente, esto beneficie la recepción de la película por parte del público adulto. Si no, pues siempre nos queda aprender la lección de la película, despertar a nuestro niño interior y hacernos acompañar por nuestro amigo imaginario a la sala.

Cartel Amigos Imaginarios. (c) Paramount Pictures Spain
Cartel Amigos Imaginarios. (c) Paramount Pictures Spain

EL EXORCISMO DE GEORGETOWN: Terror meta sobrenatural

Los orígenes de la película El Exorcismo de Georgetown, de estreno en España el 31 de mayo, se remontan a la infancia de Joshua Josh Miller (coguionista y director del filme), cuando veía a su padre, Jason Miller, en el papel del padre Karras arrojándose por una ventana en el clímax de El exorcista. Por si eso no fuera lo bastante inquietante por sí mismo, Jason nunca se privó de contarle a Josh historias sobre lo «maldita» que estaba la película: los misteriosos incendios que asolaron la producción, las extrañas muertes, las lesiones de por vida… y la lista seguía y seguía.

En uno de los muchos especiales del making-of, el padre de Josh contaba que un cura le paró por la calle de la nada para afirmar que «cuando nos atrevemos a desenmascarar al diablo, el diablo se venga«. Jason ni siquiera estaba rodando ese día, y tampoco era todavía una figura reconocible. El momento le persiguió, y la leyenda de cualquier «película maldita» los ha cautivado a ambos desde entonces.

En palabras de Joshua Josh Miller y M. A. Fortin (coguionista): «Cuando escribimos esta película por primera vez en 2019, ya no había muchas cosas que no se sintieran malditas. Una corriente de maldad se había desatado en la vida cotidiana, aparentemente concediendo permiso a muchas personas (públicas y privadas, a veces en nuestras propias familias) para ser su peor yo. Los cambios que vimos en algunos individuos fueron tan extremos que bromeábamos diciendo que parecían poseídos. La rabia era contagiosa, y nadie era inmune a ella. Como pareja homosexual, ver cómo ciertos segmentos de la fe cristiana se ensañan con las mujeres y las personas LGBT nos resulta especialmente inquietante, aunque no sorprendente. Aunque reconocemos que la Iglesia es una fuente de gran alegría y consuelo para muchos, también ha demostrado ser un instrumento de abuso y vergüenza con la misma frecuencia, como Hollywood. Cuando empezamos a escribir esta película, salieron a la luz muchos comportamientos terribles en ambas instituciones: personas heridas que infligían heridas a quienes les rodeaban. De este guiso «meta» surgió El Exorcismo de Georgetown«.

«Con El Exorcismo de Georgetown, queríamos actualizar la fórmula de las películas de
posesión («Un hombre heroico rescata a una mujer de unos poderes contra los que no puede luchar por sí misma») para adaptarla a un mundo en el que ningún colectivo es dueño de la bondad y la decencia por encima de otro. Contamos con un reparto y un equipo creativo extraordinarios para contar una historia sobre cómo todos somos vulnerables a la oscuridad, y a perpetuarla, si no nos enfrentamos a nuestros demonios. Puede que el diablo tome represalias, pero ¿qué otra opción tenemos?«, añaden.

A finales de mayo, Russell Crowe regresa a los cines con ‘El exorcismo de Georgetown’.
A finales de mayo, Russell Crowe regresa a los cines con ‘El exorcismo de Georgetown’.

SOBRE LA PRODUCCIÓN DE EL EXORCISMO DE GEORGETOWN

El concepto del mal y de fuerzas malignas al acecho justo bajo la superficie de la vida cotidiana es aterrador. Esa sutil frontera entre lo real y lo irreal es el escenario de la película de terror meta sobrenatural El exorcismo de Georgetown, una película dentro de otra película sobre un actor con problemas que empieza a desmoronarse durante el rodaje de una película de terror.

Tony Miller (Russell Crowe) era una gran estrella de Hollywood hasta que la muerte de su esposa y su adicción le dejaron sin trabajo. Encargado de protagonizar una película de exorcismos, tiene una última oportunidad de reconstruir su antigua vida y su familia. Es un cliché total vender tu alma al diablo por el éxito y Tony nunca lo haría. Pero, ¿y si el diablo se la roba de todos modos?

CÓMO EMPEZÓ TODO

El productor Kevin Williamson (franquicia Scream, Dawson crece) estaba con Joshua John Miller y M. A. Fortin mientras hablaban sobre buscar un proyecto que sucediera a su película, Las últimas supervivientes (The Final Girls, 2015). «En ese momento«, dice Williamson, «sugerí una película de posesión«. Williamson era consciente de la conexión de Miller con El exorcista. El padre de Miller, Jason Miller, interpretó al padre Karras en
la icónica película. Williamson conocía las historias y leyendas relacionadas con el rodaje de la película de William Friedkin. Al conocer la conexión personal de Miller, Williamson pensó que Joshua podría aportar algo «muy real y emocionalmente original» a esa película. «Y así fue como le propuse la versión meta cinematográfica de esta película y la película dentro de la película«.

Al principio Miller dijo que no. «Mark y yo queríamos seguir con Las últimas supervivientes, que era esencialmente una carta de amor a mi madre Susan Bernard, una antigua scream queen, con algo que honrara la figura de mi padre«, dice Miller. «Cuando Kevin sacó el tema de una historia de posesión, en un primer momento no nos atrajo, pero en plena presidencia de Trump, Mark y yo empezamos a preguntarnos si tal vez los hombres poseídos eran un filón inexplorado».

Fortin, coguionista de Miller, añade: «A menudo, las películas de posesión parecen una especie de rutina, por lo que no nos llamó la atención de inmediato. No fue hasta que empezamos a pensar en cómo subvertir la narrativa sexista de la posesión cuando nos dimos cuenta de que tal vez podíamos hacer de esto un personaje«. Miller concluye: «Quería que hiciéramos algo más inquietante e incómodo que sólo sustos. Mark y yo nos dijimos: «¿Y si en Noche de estreno (Opening Night, 1977) de Cassavetes hubiera un demonio?«.

Miller contactó de nuevo con Williamson poco después. Williamson señala: «Mark y él idearon juntos esta meditación emocional sobre el dolor y la entrelazaron con la idea de la película de posesión demoníaca. Fue después cuando le añadieron el inteligente aspecto meta. Ahora la película tenía multitud de capas que la situaban en un nuevo lugar, y ahora sí que me encantaba. En ese momento, fue cuando me dije: «¡Hagámoslo!«.

El exorcista, dada la conexión personal de Miller, actúa como punto de referencia para El Exorcismo de Georgetown. La historia de una posesión demoníaca sobrenatural resulta tan aterradora hoy como lo era hace 50 años, cuando se estrenó. En octubre de 2023, la revista Time Out la calificó como la película de terror número 1 de todos los tiempos y no hay que olvidar los numerosos premios que ha recibido, entre ellos 10 nominaciones a los Oscar (ganó dos) y cuatro Globos de Oro, incluido el de Mejor película (drama).

El productor Ben Fast trabaja con Kevin Williamson y quedó totalmente prendado de la propuesta de Miller y Fortin. Fast dice: «El Exorcismo de Georgetown es una película que surge dentro del rodaje de una película. Y que se combina con una historia emotiva y poderosa sobre una familia rota que intenta reconectarse. Para mí, tiene un enorme valor de entretenimiento ver entre bastidores cómo la película se convierte en algo horrible que trastorna sus vidas y se interpone en el camino de un padre y una hija que intentan arreglar su maltrecha relación. La mezcla de fuerza emocional y sustos terroríficos era claramente una combinación ganadora».

Guiños al terror clásico con un giro fresco

Kevin Williamson no es nuevo en el género de terror, ya que ha escrito Scream y algunas de sus secuelas, así como títulos como Sé lo que hicisteis el último verano, Sick y La maldición (Cursed).

Williamson explica: «Lo bonito del género de terror es que cuando escribes un guion de terror realmente bueno, suele ser un espejo de la sociedad y habla de la condición humana. En El Exorcismo de Georgetown, un actor alcohólico ha perdido el rumbo, y se le observa con sus demonios, demonios que se manifiestan externa e internamente y de todas las formas posibles. Tiene una relación rota con su hija. Son dos personas rotas, devastadas por la pérdida de una esposa y una madre, que se reparan a sí mismas y se curan mutuamente en una película de posesión demoníaca. Es una hermosa historia emocional envuelta en una película de posesión muy terrorífica».

«También trata del infierno que supone hacer algo en Hollywood», ríe Fortin, coguionista de Miller.

* Extracto de las Notas de Producción de El Exorcismo de Georgetown. (c) Vértice 360

El FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO DE CANARIAS ISLA CALAVERA abre convocatoria de películas

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera ha abierto el plazo de inscripción para la preselección de películas de género fantástico (terror, ciencia ficción, fantasía, thriller…) para participar en su octava edición, que tendrá lugar del 8 al 17 de noviembre de 2024. Los titulares de los filmes de cualquier nacionalidad, tanto largometrajes como cortometrajes, de imagen real o de animación, podrán presentar sus trabajos, en las modalidades de ficción y documental hasta el 1 de octubre de 2024, fecha de cierre de la convocatoria para todas las categorías.

Las obras seleccionadas formarán parte del programa a competición y Sección Panorama (fuera de concurso) que se desplegará en Multicines Tenerife, sede de proyecciones del Festival Isla Calavera durante su celebración. El Jurado de la Sección Oficial a concurso fallará los premios Isla Calavera al Mejor Cortometraje, Mejor Largometraje, Mejor Dirección, Mejor Guion, Mejor Actriz, Premio “Jack Taylor” al Mejor Actor, Premio “Colin Arthur” a los Mejores Efectos Especiales y Premio “Deborah Nadoolman Landis” al Mejor Diseño de Vestuario.

También considerarán los miembros del Jurado la concesión del Premio “Fantástico Solidario” al Mejor Cortometraje con contenido solidario y/o cívico. Asimismo, habrá sendos premios del público al Mejor Cortometraje y al Mejor Largometraje, que decidirán los espectadores asistentes.

Se aceptan títulos con fecha de producción posterior al 1 de enero de 2023, que no hayan sido estrenados comercialmente en salas de exhibición españolas, en televisión ni plataformas de vídeo bajo demanda. La duración máxima de los cortometrajes es de 20 minutos.

Las inscripciones se pueden realizar a través de las plataformas digitales Festhome y Filmfreeway. Toda la información sobre el procedimiento para presentar los materiales y las bases de participación se encuentran disponibles en la web www.festivalislacalavera.com.

El Festival, que en su octava edición celebrará el 70º aniversario de Godzilla y el subgénero de ciencia ficción conocido como Kaiju, se encuentra en pleno proceso de programación y el comité de selección ya trabaja en los visionados de los títulos que configurarán la próxima edición de Isla Calavera.

Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera

Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, entre otras entidades públicas y privadas, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera nace en 2017 y en sus siete años de trayectoria ha logrado una importante repercusión nacional y está considerado como uno de los cinco festivales de cine fantástico más relevantes del país.

En el ámbito internacional también se ha convertido en una de las citas a tener en cuenta, gracias a la participación de figuras tan relevantes como John Landis, Joe Dante, Sam J. Jones, Deborah Nadoolman, Sarah Douglas, Rick Baker, Caroline Munro, David Naughton, Enzo G. Castellari, Mick Garris, Neil Marshall, Charlotte Kirk, Nicholas Rowe, Colin Arthur, Jack Taylor o la estrella de Hollywood Amber Heard y Eduardo Noriega, quienes presentaron en Isla Calavera su película ‘In the fire’ en première nacional.

Otros invitados que han visitado Tenerife en el marco del Festival de Cine Fantástico de Canarias y que han puesto el evento en el mapa de encuentros cinematográficos son Belén Rueda, Álex de la Iglesia, Manuela Velasco, F. Javier Gutiérrez, Víctor Clavijo, Silvia Tortosa, Paco Plaza, Carolina Bang, Paco Cabezas, Víctor Matellano, Juanma Bajo Ulloa, Eugenio Mira o Lola Dueñas, entre otros.

Teaser de DUNE: LA PROFECÍA, la serie original de Max se estrena en otoño

El extenso universo de Dune, creado por el aclamado autor Frank Herbert, seguirá sus pasos en televisión el próximo otoño con la serie Dune: La Profecía. Ambientada diez mil años antes de la ascensión de Paul Atreides, sigue a dos hermanas Harkonnen en su lucha contra las fuerzas que amenazan el futuro de la humanidad y establecen la secta legendaria que se conocerá como las Bene Gesserit.

Así, se dio a conocer con un primer avance durante la presentación esta semana de Warner Bros. Discovery Upfront. Esta precuela está inspirada en la novela Sisterhood of Dune, escrita por Brian Herbert, hijo del venerado creador de la mitología, y el también escritor de ciencia ficción Kevin J. Anderson.

El extenso reparto lo lideran la actriz nominada al Óscar Emily Watson (Rompiendo las olas), Olivia Williams (El sexto sentido), Travis Fimmel (Warcraft: El origen), Jodhi May (Un mundo aparte) y Mark Strong (1917), junto a Sarah-Sofie Boussnina, Josh Heuston, Chloe Lea, Jade Anouka, Faoileann Cunningham, Edward Davis, Aoife Hinds, Chris Mason, Shalom Brune-Franklin, Jihae, Charithra Chandran, Jessica Barden, Emma Canning y Yerin Ha.

Además, la pasada semana se confirmaba el nombre de Tabu, una de las mayores estrellas de la India, quien también forma parte del elenco de la serie Max Original, interpretando a la hermana Francesca. Fuerte, inteligente y seductora, este personaje deja una huella imborrable a su paso. Antaño fue un gran amor del Emperador y su regreso a palacio tensará el equilibrio de poder en la capital.

Tabu se une al reparto de la serie Max Original Dune: La profecía

Tabu ha ganado dos veces el Premio Nacional de Cine a la Mejor Actriz y ha recibido ocho Premios Filmfare, incluido el récord de cuatro Premios de la Crítica a la Mejor Actriz. El gobierno indio le concedió el Padma Shri, el más alto honor del país. Entre sus créditos internacionales figuran la miniserie de la BBC Un buen partido, aclamada por la crítica; La vida de Pi, de Ang Lee; y El buen nombre.

El mesías

La serie está coproducida por Max y Legendary Television, y Legendary Pictures también produce la franquicia cinematográfica, que ha estrenado dos entregas dirigidas por Denis Villeneuve con gran éxito, cuya primera parte obtuvo seis premios Oscar.

La propuesta de seis episodios llegará a Max este mismo año, haciendo más cómoda la espera durante el desarrollo de una previsible Dune 3. El filme se encuentra en desarrollo, a partir de El mesías de Dune (1969), segundo libro de Frank Herbert sobre la saga de Paul Atreides, el personaje al que da vida en la trilogía cinematográfica el actor Timothée Chalamet.

Dune (2021) y Dune: Parte dos (2024) adaptaban el libro escrito por Frank Herbert en 1965, y que anteriormente había llevado al cine David Lynch, en 1984, con Kyle MacLachlan como Paul Atreides y Sean Young como Chani. La tercera parte, si continúa a través del relato del Mesías, comenzará doce años después de la victoria de Atreides en la Batalla de Arrakeen.

Tras su rotundo triunfo en su paso por las pantallas de cine, Dune: Parte dos verá la luz en streaming en Max este martes 21 de mayo.

En las películas de Denis Villeneuve, Rebecca Ferguson da vida a una poderosa Bene Gesserit.
En las películas de Denis Villeneuve, Rebecca Ferguson da vida a una poderosa Bene Gesserit.

FANTASTIC 7 presenta en Cannes las grandes películas fantásticas que están por venir

En su 6ª edición, la iniciativa Fantastic 7, capitaneada por Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, ha reafirmado su condición de evento imprescindible en la cada vez más concurrida agenda de encuentros del Marché du Film del Festival de Cannes.

Este domingo 19 de mayo, a las 12:00h del mediodía, y como ya es habitual, hemos abarrotado la Sala K del Palais des Festivals, en una full house tan rotunda que una vez llenado el aforo a base de juntar a productores, programadores, periodistas y otros actores del sector, ha dejado al exterior una larga de cola de gente esperando poder entrar.

Juan Carlos Fresnadillo, quien en funciones de Padrino de Fantastic 7, junto a Mònica Garcia i Massagué, Ángel Sala y Pat Salvatierra, jefa del Departamento de Industry de Sitges, ha dado el pistoletazo de salida a una sesión de pitchings. En palabras del cineasta tinerfeño (quien está convencido de que el género fantástico es una herramienta clave para comprender mejor la condición humana), los nuevos autores deben trabajar sus dotes hipnotizadoras para, precisamente, hipnotizar a la audiencia con sus historias.

Fantastic 7 regresa al Marché du Film – Festival de Cannes.
Fantastic 7 regresa al Marché du Film – Festival de Cannes.

Daniela Forever, de Nacho Vigalondo

Y precisamente esto ha pasado a continuación. El primer “ilusionista” encargado de romper el hielo ha sido Nacho Vigalondo, quien con su nuevo y esperadísimo trabajo, Daniela Forever, promete llevarnos al lugar donde los sueños lúcidos confluyen con ChatGPT; donde los héroes hacen lo propio con los villanos”.

Esper’s Light, de Jae-hoon Jung

Después, el Bucheon International Fantastic Film Festival ha presentado Esper’s Light, de Jae-hoon Jung, una película episódica sobre las nuevas fantasías y canales de comunicación que usa la juventud, a lo mejor, para llegar y conquistar nuevos territorios.

A Tale of a Feather & a Fish, de Ahmed El-Hawarey

A continuación, el Festival Internacional de Cine de El Cairo ha ofrecido una primera toma de contacto con A Tale of a Feather & a Fish, de Ahmed El-Hawarey, un drama familiar sobre la enfermedad somatizada como una carga insoportable de culpabilidad, y aderezado con toques de realismo mágico.

Maleficarum, de Antonio Gäehd

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara ha apostado por Maleficarum, de Antonio Gäehd, un muy prometedor cuento en el que el toque fantástico es una puerta peligrosamente abierta hacia la venganza.

Mommy’s Home, de James Morosini

Por su parte, el South By Southwest de Austin ha presentado Mommy’s Home, de James Morosini, una enloquecida comedia familiar en la que se da la vuelta, hasta marearnos, a los lazos materno-filiales.

Dog of God, de Raitis y Lauris Abele

Desde el Tallinn Black Nights ha llegado Dog of God, de Raitis y Lauris Abele, una delirante muestra de cine de animación capaz de producir imágenes extasiantes y aterradoras a partes iguales.

Foreign Body, de Tom Sainsbury

Por último, el Whanau Marama de Nueva Zelanda ha descubierto el gamberrismo y pasión de Tom Sainsbury, quien con Foreign Body promete crear “incidentes diplomáticos” entre su país natal y Europa.

Más tarde, a las 17:00h, y ya de vuelta al campamento base del Fantastic Pavilion, ha tenido lugar el Meet the Fantastic 7, un encuentro más distendido pero igualmente fructífero entre los artistas detrás de estos futuros hits y los agentes de la industria que los harán posibles.

Meet the Fantastic 7
Meet the Fantastic 7