El cine actual tiene un problema con la saturación y el desgaste de sus fórmulas y franquicias. Las secuelas, los spin offs y los universos compartidos existen en el cine, al menos, desde el ciclo de terror de la Universal de las décadas de los 30 y los 40 del pasado siglo; sin embargo, la necesidad de convertir todo éxito cinematográfico en una franquicia con multitud de personajes que van confluyendo y creando una narrativa conjunta a lo largo de un sinfín de películas es ya (discúlpenme) cargante. Y no hablamos de aquellas que fracasaron desde el principio. Como decía Harvey Dent en El Caballero Oscuro: “O mueres como un héroe o vives lo suficiente para verte convertido en un villano”. Los grandes éxitos se prorrogan y se prorrogan en nuevas entregas, una tras otra, hasta el hartazgo, no sólo generando malas películas, sin un ápice de creatividad y encajonadas en una narrativa predeterminada, sino que además, acaban teniendo efecto retroactivo, generando desafección por los títulos originales que sí nos habían gustado en su momento.
DIOS NOS COJA CONFESADOS
Cuando James Wan estrenó Expediente Warren en 2013, supuso un regreso fresco y atractivo a un tipo de terror basado en la sugerencia, la atmósfera y el suspense con ecos al cine de los años 60 y 70. La aparición de una serie de criaturas sobrenaturales (originariamente la muñeca Annabelle) que no eran el centro de la trama principal, pero que dejaban el paladar del espectador con apetencia de profundizar más en ese complemento dio origen a la franquicia, donde no sólo hemos tenido la continuidad de los casos del matrimonio Warren, sino también spin offs específicos de estos otros personajes, por lo general en formato de precuela antes de la llegada de la pareja de expertos en fenómenos paranormales. El problema es que, si bien la idea de base puede ser atractiva, la ejecución ha sido muy decepcionante, sumando una serie de películas que nos parecen más de relleno y de sumación gratuita, que tramas verdaderamente necesarias y que aporten algo a la franquicia madre.
La Monja hizo su primera aparición de manera tangencial en Expediente Warren. El Caso Enfield y de ahí saltó directamente a su propio spin off en 2018. A diferencia de Annabelleu otros entes que pululan por la franquicia, aquí hablamos de una creación original de los guionistas y que no está inspirada en algún elemento real, vinculado o no con los Warren antes de su irrupción en la serie. Interpretado en todo momento por la actriz Bonnie Aarons, estrecha los lazos de la franquicia con la mitología católica y el componente siniestro que tienen los símbolos de la propia Iglesia. En este sentido, a modo de diseño de personaje y presencia en pantalla, la caracterización y la interpretación de Aarons es estupenda.
La Monja II, de Michael Chaves.
A SU IMAGEN Y SEMEJANZA
Esta segunda entrega mantiene una estrecha relación con la primera parte, sobre todo por la continuidad de tres personajes principales, la monja demonio, la monja Irene (interpretada por Taissa Farmiga) y Maurice (Jonas Bloquet). En esta ocasión, encontramos dos tramas principales que van confluyendo, una sobre los efectos de la Monja Demonio en un internado femenino donde se encuentra el personaje de Maurice; y la otra, las pesquisas de Irene para intentar descubrir qué se propone en esta ocasión el demonio y averiguar la manera de lograr volver a vencerlo.
La ambientación vuelve a ser uno de los elementos más destacados en la película. La fotografía oscurantista, el diseño de arte jugando con lo aterrador de la simbología cristiana y el estado semiderruido de los edificios antiguos donde se desarrolla la acción crean una atmósfera adecuada para la trama. El trabajo de los actores es correcto, con especial mérito para Taissa Farmiga, quien consigue darle una mayor proyección a su personaje de la que, a priori, aportaba el guion. Es cierto, que muchos de los personajes no van más allá del estereotipo y que su aporte dramático a la película es básicamente servir de carnaza (¿qué sentido tiene hacer una película de terror donde no muere nadie?).
PARA LO QUE ME QUEDA EN ESTE CONVENTO…
Lamentablemente, la trama resulta bastante plúmbea, carente de interés o incapaz de darle mayor peso a aspectos que podrían haber resultado mucho más atractivos. Por otro lado, la puesta en escena de Michael Chaves tampoco ayuda. Chaves parece que se ha convertido en el hombre de confianza de Wan en esta franquicia después de La Llorona y Expediente Warren: Obligado por el Demonio. Si bien en la segunda los resultados fueron más positivos, ahora, con este tercer capítulo a su cargo, podemos decir que estamos ante un realizador irregular, tendente a sobrecargar la tensión de las escenas, sin un sentido de la progresión dramática.
Ya las secuencias no aterradoras vienen saturadas, avisando al espectador de la amenaza, aunque ésta aún tarde en aparecer. Esto provoca que cuando llega el momento de terror, ya el efecto en el espectador se ha diluido. Él quiere que la fotografía, el sonido, la música, la escenografía, los actores, todos estén dejando claro al público que están en una película de terror. Chaves usa todo, a la vez, en todas partes, en un mismo sentido inequívoco y acaba reventando la narrativa, que se anula a sí misma. Para mayor órdago, la película se saca de la manga un demonio cabra de manera forzada y sin que venga a cuento, dando a entender una falta de confianza en la capacidad aterradora de su propia protagonista.
La Monja 2, sin ser la peor película de la franquicia (ahí sigue ganando de calle la primera entrega de Annabelle), no puede evitar la sensación de desgaste, gratuidad y desinterés de sus autores, donde parece priorizar seguir sumando entregas a la franquicia, como cadena de montaje, por encima de tener una historia que contar y un director que sepa manejar los mimbres del terror.
La monja II, de Michael Chaves. (c) Warner Bros. Pictures
Para los amantes del cine fantástico hay una meca y un espacio anual donde se dan cita las películas de terror, ciencia ficción y subgéneros más esperadas y prometedoras, con una programación de proyecciones internacionales inabarcable donde todos los gustos se ven satisfechos. Se trata del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, Sitges, que este año celebra su 56ª edición del 5 al 15 de octubre. Esta semana se anunciaban todos los títulos, más de 200, que se proyectarán en sus distintos espacios y ya está disponible el programa con todos los horarios para facilitar al público general y profesionales del cine organizar y aprovechar al máximo su visita.
Los últimos trabajos de Hayao Miyazaki (El chico y la garza), Yorgos Lanthimos (Pobres criaturas), Takeshi Kitano (Kubi), Brad Anderson (Blood) o Hideo Nakata (The Forbidden play), quien además recogerá el Premio Màquina del Temps, y muchos otros se darán la mano con óperas primas y clásicos recuperados para disfrutar nuevamente en pantalla grande.
Sesiones Especiales
Así, destacan las sesiones especiales, que participarán dentro de la Sección Oficial Fantàstic, pero fuera de concurso, con títulos como Pobres criaturas, última película de Lanthimos, flamante León de Oro en el Festival de Venecia. Una extraordinaria Emma Stone protagoniza una historia sobre empoderamiento femenino con toques fantásticos y el humor particular que caracteriza la obra del cineasta griego quien ya en 2009 logró el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes y los premios Ciudadano Kane y Jurado Joven en Sitges, con Canino.
Emma Stone vuelve a ponerse a las órdenes de Yorgos Lanthimos en ‘Pobres criaturas’.
Otro de los grandes protagonistas de esta edición es el del director español J. A. Bayona, quien presentará La sociedad de la nieve, que hace tan solo unos días clausuraba el Festival de Venecia. Su adaptación para Netflix del libro homónimo de Pablo Vierci basado en la historia real de los supervivientes del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya ocurrido en 1972, llega con las mejores críticas antes de su próximo lanzamiento, que se espera para finales de año.
También se proyectará El chico y la garza, la última película de una leyenda de la animación como Hayao Miyazaki, el admirado fundador de Studio Ghibli y autor de títulos como El viaje de Chihiro, el primer anime en ganar un premio Óscar. En julio aterrizaba en los cines japoneses y fue todo un éxito, pese a estrenarse sin ningún tipo de promoción por petición expresa de su propio autor: ni tráileres, ni imágenes, ni sinopsis. Tras su paso por el Festival de Toronto, será la película inaugural de la 71ª edición del Festival de San Sebastián y llegará a la cartelera española el 27 de octubre.
El chico y la garza, de Hayao Miyazaki
Será también el turno de un título de corte más clásico que hará las delicias de los fans del terror: Blood de Brad Anderson, obra del responsable de Session 9 (con la que logró el premio al mejor director en Sitges 2001), un filme impactante alrededor del vampirismo que, a pesar de sus elementos sobrenaturales, destaca por el realismo que envuelve a la trama de terror. La cinta también formará parte del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, que tendrá lugar en noviembre.
Blood de Brad Anderson
Estas sesiones especiales incluyen otro nombre español, el de Daniel Benmayor, que presenta, por primera vez, el thriller de ficción científica Awareness, conPedro Alonso y María Pedraza. Otras propuestas de este género llegarán con UFO Sweden, largometraje dirigido por el colectivo de cineastas suecos Crazy Pictures, así como la comedia estadounidense de largo título Aliens abducted my parents and now I feel kinda left out, dirigida por Jake Van Wagoner.
Además, el portugués Gabriel Abrantes presentará el thriller de terror, Amelia’s children; mientras que el director norteamericano Macon Blair firma The Toxic Avenger, el esperado remake del clásico de culto de 1984.
Especial Mitjanit
Y para los aficionados más extremos, llegan dos opciones al Especial Mitjanit de la Sección Oficial: La bala de Dios, thriller de acción del cineasta estadounidense Nick Cassavetes, con un reparto de lujo encabezado por Nikolaj Coster-Waldau y Maika Monroe, y The Deep Dark (Gueules Noires), una espeluznante muestra de cine de monstruos que dirige Mathieu Turi, que estuvo en el Festival hace tres años presentando la sorprendente El Tubo.
La última película de Hayao Miyazaki, Kimitachi wa Do Ikiruka (The Boy and the Heron, El chico y la garza), inaugurará fuera de concurso la 71ª edición del Festival de San Sebastián. Tras su paso por el Festival de Toronto el 7 de septiembre, San Sebastián acogerá el estreno europeo de la nueva propuesta del director de El viaje de Chihiro. El filme será proyectado en el Auditorio Kursaal este viernes, 22 de septiembre, tras la gala de inauguración.
Hayao Miyazaki (Tokio, 1941) fundó junto a Isao Takahata el Studio Ghibli en 1985. Desde entonces ha dirigido películas como Tenku no Shiro Rapyuta (El castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no Takkyūbin (Nicky, la aprendiz de bruja, 1989), Kurenai no Buta (Porco Rosso, 1992) y Mononoke Hime (La princesa Mononoke, 1997).
Sen to Chihiro no Kamikakushi(El viaje de Chihiro, 2001) batió todos los récords de taquilla en Japón y cosechó numerosos reconocimientos, entre ellos el Oso de Oro de Berlín y el Oscar a la mejor película de animación.
Hauru no Ugoku Shiro(El castillo ambulante, 2004) fue también nominada al Oscar y recibió el Premio Osella en el Festival de Venecia y Miyazaki obtuvo el León de Oro a la trayectoria al año siguiente. Kaze Tachinu (El viento se levanta, 2013) fue nominada al Oscar a la mejor película de animación. En 2012 Miyazaki fue nombrado Persona de Mérito Cultural por el Gobierno de Japón. En 2014 recibió el Oscar honorífico a toda su trayectoria y fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Will Eisner del Cómic.
Miyazaki en San Sebastián
Es la cuarta vez que una película del cineasta japonés, quien también escribe, dibuja y diseña edificios, es programada en el Festival de San Sebastián, pero es la primera en la que forma parte de la Sección Oficial. Previamente, estuvo en el Velódromo con El viaje de Chihiroy Gake no Ue no Ponyo (Ponyo en el acantilado, 2009) y en Perlak con El viento se levanta.
Además de las películas mencionadas, otras dos películas del Studio Ghibli han sido seleccionadas en la sección Perlak: Kaguya-hime no Monogatari (El cuento de la princesa Kaguya, 2013) de Isao Takahata, y La tortue rouge (La tortuga roja, 2016) de Michael Dudok de Wit.
Kimitachi wa Do Ikiruka (The Boy and the Heron/ El chico y la garza) es una historia original escrita por su director. La banda sonora está firmada por el compositor habitual de las películas de Miyazaki, Joe Hisaishi.
Es curiosa la evolución que han tenido las Tortugas Ninjadesde su creación en 1984. Lo que inicialmente nació como un comic underground que canibalizaba y parodiaba el cómic de superhéroes de la época, nada pueril y con autores como Frank Miller a la cabeza, pasó rápidamente a convertirse en una franquicia infantil una vez se vendió los derechos para la serie de animación estrenada en 1987. De la estética sucia y violenta de los originales de Kevin Eastman y Peter Laird se saltó a unos dibujos mucho más simples y estilizados, con unas tramas marcadas por el humor y a las que se le había extirpado la mala uva y la agresividad primigenia. De repente, la adaptación se convirtió en canon y nos olvidamos del verdadero origen de las tortugas.
A partir de aquí han sido diferentes los acercamientos tanto en cine, televisión, como otros medios al universo de las Tortugas Ninja. Si bien la primera adaptación a cines, nacida bajo la sombra del Batmande Tim Burton y estrenada en 1990, recogía un poco el espíritu original, las posteriores secuelas optaron directamente por ajustarse al tono de la serie. El itinerario posterior ha sido un tanto errático y, en cines, ni la versión animada de 2007, ni las dos entregas en imagen real producidas por Michael Bay en 2014 y 2016 estuvieron a la altura del potencial de los personajes.
Ninja Turtles. Caos Mutante se presenta como un nuevo reboot dentro de la franquicia, regresando al terreno de la animación, pero apostando por una cierta recuperación de la estética underground de los comics originales.
COWABUNGA
En una época en la que el género de superhéroes parece estar en recesión, con evidente desgaste por saturación y con los universos de Marvel y DC en pleno proceso de reevaluación y cambio ante los deficientes resultados económicos de las últimas películas, resulta llamativo cómo en este verano de 2023, las propuestas más interesantes han venido de la mano de la animación. Primero con Spiderman. Cruzando el Multiverso y ahora con Ninja Turtles. Caos Mutante, dos películas que cuentan con varios puntos en común, como el uso vanguardista del dibujo y la animación o el tono abiertamente adolescente, pero inteligente y bien construido de los personajes y la historia.
La trama de la cinta vuelve a explicarnos el origen de nuestros héroes y su maestro Splinter, encontramos la nueva versión de April O’Neil y nos presenta como villanos a otros seres afectados por el mismo líquido radioactivo, introduciendo algunos personajes clave de la franquicia, como Bebop o Rocksteady. Resulta llamativa el reparto de voces en la versión original, con el rapero Ice Cube poniendo la voz a Super Fly (un claro guiño al clásico de la Blaxploitation) o Jackie Chan como el Maestro Splinter. Eso sí, apreciamos una cierta confusión entre artes marciales japonesas y chinas. Si bien como su nombre indica, los héroes se presentan como Ninjas, su entrenamiento es a base de ver películas de los hermanos Shaw y la voz de Jackie Chan también apunta claramente al Kung Fu.
CÓCTEL MUTANTE
La cinta no deja momento de descanso y ya sea a base de acción, animación, música, diálogos o humor la narrativa se convierte en una sucesión constante de impulsos. Es cierto que, en algunos momentos, esta aglomeración de estímulos puede llegar a saturar, pero, por lo general, se consigue un espléndido equilibrio entre todo, sin perder nunca de vista la importancia de la historia y los personajes.
El dibujo es apabullante, no sólo por su regreso a un estilo underground más cercano a los dibujos originales de Kevin Eastman y Peter Laird, sino por las posibilidades expresivas que dan tanto a la imagen como al montaje, potenciando ese ritmo enloquecido que caracteriza a la puesta en escena. Se respeta el carácter adolescente de las tortugas y April, manifiesto en unos diálogos ágiles, pero que no resultan una imitación artificiosa del argot juvenil.
A todo este tono jovial se une no sólo la elección de canciones, sino la partitura electrónica creada por Trent Reznor y Atticus Ross, esencial para la dinámica de la película.
Si bien uno le guarda cariño nostálgico a la primera adaptación de 1990 de estos personajes, en nuestra opinión, Ninja Turtles. Caos Mutantees, por fin, la adaptación cinematográfica que necesitaban estos personajes y que hace justicia no sólo a sus orígenes, sino al legado de la franquicia. Esperemos que las futuras secuelas sepan mantener estos aciertos.
El festival de cine fantástico de Málaga – Fanciney el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera han confirmado este jueves la participación del icónico actor de Hollywood Richard Dreyfuss en sus próximas ediciones, que se llevarán a cabo durante el mes de noviembre en Málaga y La Laguna (Tenerife), respectivamente.
El encuentro con el legendario intérprete de títulos imprescindibles de la gran pantalla promete ser uno de los momentos culminantes de ambas citas, dos de las más destacadas del panorama cinematográfico español. Este doble compromiso subraya el reconocimiento y la vigencia de la influyente contribución del veterano actor estadounidense a la industria del cine, que acudirá a sendos eventos con la voluntad de compartir su extensa experiencia e interactuar con los amantes del cine de género.
Encuentros en Málaga
La visita de Dreyfuss comenzará en la capital malagueña durante Fancine, que ha programado para la ocasión un pase especial de Encuentros en la tercera faseel jueves 9 de noviembre con cinefórum posterior. Desde el escenario principal del céntrico cine Albéniz, desvelará secretos y anécdotas de esta obra de culto de Spielberg que marcó un hito en el subgénero de las invasiones alienígenas dado su enfoque pacifista. Además de la magistral interpretación de Dreyfuss como el entrañable Roy Neary, la película se erigió icono de la cultura pop gracias a sus innovadores efectos visuales, especialmente la poderosa secuencia en la que la nave espacial se comunica con luces y sonidos, y su partitura, compuesta por John Williams.
Richard Dreyfuss vs. Tiburón en Isla Calavera
Tras este encuentro de tintes galácticos con la audiencia malagueña, el mítico actor viajará hasta el archipiélago canario para reunirse con los espectadores de Isla Calavera, quienes podrán disfrutar junto a Dreyfuss de la proyección de Tiburón. En esta cita, que tendrá lugar el domingo 12 de noviembre en Multicines Tenerife, se tratará en tono cercano y distendido el accidentado rodaje de este clásico de todos los tiempos, en el que dio vida al inolvidable Matt Hooper, un valiente oceanógrafo que se enfrenta a un aterrador tiburón blanco en las costas de Amity Island. Steven Spielberg abordó esta superproducción con apenas 27 años, convirtiéndose en un éxito de taquilla y todo un fenómeno cultural que trasciende generaciones, dejándonos una banda sonora inmortal y frases para el recuerdo como la categórica “necesitaremos un barco más grande”. El actor recogerá en Canarias el Premio Isla Calavera de Honor 2023 en reconocimiento a su trayectoria.
El cine de Dreyfuss
La rica y variada filmografía de Richard Dreyfuss es un testimonio de su versatilidad y talento. Nacido en Nueva York en 1947, esta leyenda del cine contemporáneo ha dejado una huella imborrable durante sus cinco décadas de impecable trabajo tras las cámaras. Además de sus memorables papeles en las dos cintas de Spielberg que se revisitarán durante Fancine e Isla Calavera, Dreyfuss también ha participado en proyectos emblemáticos como Cuenta conmigo, El buen padre, American Graffiti o Mr. Holland’s Opus. Cuenta con un Oscar en su haber, con el que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas premió en 1977 su trabajo en la comedia romántica La chica del adiós.
La confirmación de Richard Dreyfuss como invitado de honor en Fancine e Isla Calavera es fruto de la colaboración entre los dos certámenes, cuya relación y buena sintonía nace de su actividad como miembros de Noviembre Fantasma, una alianza de cuatro festivales (en la que también están presentes la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei) para impulsar la afición por la ciencia ficción y el terror a través de la difusión de contenido exclusivo para los apasionados del género. Esta plataforma, gratuita y abierta todo el año, publica de manera regular piezas audiovisuales de interés común, como podcasts, entrevistas con realizadores, mesas redondas o videoanálisis.
Sobre Isla Calavera
Desde su creación en 2017, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera ha logrado una importante repercusión nacional e internacional, consolidándose como una de las citas de referencia dentro del circuito de festivales de género, gracias a la participación de figuras tan relevantes como John Landis, Neil Marshall, Belén Rueda, Álex de la Iglesia, Sarah Douglas, Caroline Munro o Colin Arthur. Está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, la Asociación Cultural Isla Calavera, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, el Cabildo de Tenerife, Promotur, Turismo de las Islas Canarias del Gobierno de Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Canarias avanza con Europa; el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Canary Islands Film y Tenerife Film Commission; y la colaboración de la Universidad de La Laguna, entre otras entidades públicas y privadas. El certamen tinerfeño celebrará su próxima edición del 10 al 19 de noviembre de 2023.
Cartel Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera 2023
Sobre Fancine
El festival de cine fantástico de la Universidad de Málaga – Fancine es un evento cinematográfico de renombre internacional que se celebra anualmente en la ciudad de Málaga. Desde su fundación en 1990, Fancine se ha convertido en uno de los certámenes de género más destacados a nivel mundial, con más de 80 películas proyectadas por edición y 25.000 usuarios de media. Se trata del único festival de cine en Europa organizado por una universidad pública y por él han pasado, a lo largo de sus más de treinta años de vida, destacadas personalidades del ámbito cultural y cinematográfico, como Linda Blair, Rutger Hauer, Tippi Hedren, Brian Yuzna o Brillante Mendoza. Fancine cumplirá su 33 edición del 8 al 16 de noviembre de 2023.
Ángel Sala, director del Festival de Sitges, y Mònica Garcia i Massagué, directora de la Fundació Sitges, han protagonizado la rueda de prensa, abierta al público, más esperada por los fans del macroencuentro del cine fantástico, que abrirá las puertas de su 56ª edición el próximo 5 de octubre. Nombres de referencia, óperas primas, clásicos recuperados forman parte de un line up que incluye los últimos trabajos de Hayao Miyazaki, Yorgos Lanthimos, Takeshi Kitano o Hideo Nakata. Una larga batería de títulos, que incluye algunas de las películas de terror, ciencia ficción y fantástico más esperadas y prometedoras del año.
La preventa de entradas para el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2023 será a partir del miércoles 20 de septiembre a las 13:00, mientras que la venta oficial se abrirá el día 21 a las 13:00.
Lista con la selección completa de largometrajes divididos por secciones:
1 de octubre de 1968. Llega a los cines La noche de los muertos vivientes, una película de terror de serie B dirigida por George A. Romero, su ópera prima. Cerca de la treintena, el cineasta fundó la productora Image Ten Productions y logró reunir 114.000 dólares para el largometraje, escrito junto a John A. Russo inspirándose en la novela Soy leyenda, escrita por Richard Matheson. En un primer momento fue criticado por su violencia explícita, pero el resultado está considerado la primera película moderna de zombis, “cultural, histórica o estéticamente significativa” por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y ha influido enormemente en el género del terror, no solo en el cine y la televisión, sino también en videojuegos, literatura y cómics. No en vano, recaudó en su lanzamiento más de 30 millones de dólares.
Filmada en blanco y negro, narra la historia de un grupo de personas que se atrinchera en una granja en Pensilvania para salvaguardarse de muertos que, por una razón desconocida, vuelven a la vida en busca de carne y sangre humana.
Cuando Romerorealizó el filme, no se planteó la transcendencia que logró ni que con su propuesta establecería las bases de la mitología de los muertos vivientes en la cultura popular a partir de la década de los 60. La noche de los muertos vivientes daría lugar a una saga que continuó con Zombi: El regreso de los muertos vivientes(Dawn of the Dead, 1978), El día de los muertos (Day of the Dead, 1985), La tierra de los muertos vivientes (Land of the Dead, 2005) y La resistencia de los muertos vivientes (Survival of the Dead, 1985), así como El diario de los muertos (Diary of the Dead, 2007), fuera del canon, todas ellas escritas y dirigidas por el creador.
Además, Tom Savini, quien había trabajado al frente de los efectos especiales y de maquillaje en varias películas de Romero, dirigió en 1990 el remake de La noche de los muertos vivientes, basado en el guion original.
En 2006, se estrenó una nueva versión en 3D dirigida por Jeff Broadstreet, y en 2015 llegó una tercera, bajo la dirección de Zebediah de Soto y Krisztian Majdik, Night of the Living Dead: Origins, con poco que aportar.
Fallecido en julio de 2017, con 77 años, Romero trabajaba en dos guiones: Road of the Dead y Twilight of the Dead (“El crepúsculo de los muertos”, según su traducción literal), título que concibió como continuación de La tierra de los muertos vivientesy con el fin de que fuera su despedida del género.
Gracias al deseo de su esposa, Suzanne, presidenta de la George A. Romero Foundation, para que Twilight of the Dead vea la luz de la mejor manera posible, la compañía Roundtable Entertainment trabaja en el proyecto que será rodado a finales de este mismo año en Puerto Rico, si nada retrasa el calendario previsto. Así, el séptimo y último capítulo de la franquicia seguirá “a los últimos supervivientes de la humanidad en una tierra asolada por varias facciones de zombis”.
Brad Anderson, director de la séptima entrega de la franquicia de los muertos vivientes
Además, esta misma semana se ha conocido que el director Brad Anderson, responsable del thriller psicológico de culto Session 9(2001), El maquinista (2004), protagonizada por Christian Bale, o Transsiberian (2008) ha firmado para dirigirla y se ha manifestado muy feliz por su conexión especial con el clásico, así como por el componente de crítica social que Romero dio a sus películas de zombis desde la primera entrega. Mientras tanto, cinco años después del thriller de acción y espionaje ‘El rehén’, temporada en la que se ha centrado en proyectos para plataformas.
El largometraje El Cuco ha sido la cinta ganadora de la XXIV Semana Internacional de Cine Fantástico de la Costa del Sol tras alzarse con 4 galardones: mejor película, mejor guion, mejor interpretación femenina para Belén Cuesta y mejor música para Diego Navarro. El sábado 9 de septiembre se celebraba la gala de clausura y entrega de premios en el Auditorio de Estepona.
El productor Joaquin Padró, la directora Mar Targarona y el compositor Diego Navarro.
Después de un próspero recorrido por diversos festivales, El Cuco se estrena este viernes 15 de septiembre en salas de cine. Es un thriller de suspense con tintes fantásticos, la cuarta colaboración del compositor y director de orquesta Diego Navarro con la directora y productora Mar Targarona tras éxitos como El Fotógrafo de Mauthausen, El Páramo o Dos.
La partitura de Navarro describe y ahonda en los sentimientos de tensión, a medida que va avanzando la cinta, impactando emocionalmente al espectador con sus ricas orquestaciones y el sello inconfundible del compositor, tal y como ha sabido reconocer el jurado, presidido por el actor Ramón Langa. El prestigioso sello sueco de música para el cine MoviesScore Media, va a editar el álbum discográfico de la banda sonora que estará disponible en todas las plataformas digitales y en versión física próximamente.
Cuando Walt Disney creó en 1955 Disneyland, uno de los principales atractivos del parque era ofrecer a sus visitantes una experiencia de primera mano en sus favoritas películas y personajes de la compañía. Todo eso en un contexto del parque de atracciones más grande, complejo y moderno construido hasta la época. Por supuesto, la notoriedad del parque y sus otros enclaves ha servido también para dar popularidad a otras atracciones originales que se han vuelto icónicas e históricas.
Dentro de este grupo, la Mansión Encantada es una de las más afamadas. Creada en 1969 y posteriormente llevada a los otros parques, como los de Orlando, Tokio o París, supone la sublimación del concepto de la casa del terror. Diseñada con la forma de una casa colonial, en su interior se presentaron diferentes creaciones sobrenaturales y paseos inquietantes con los que sumergir al espectador en un viaje al Más Allá. Aunque la atracción fue creada hace 54 años y los avances tecnológicos de la época ya han quedado superados, hay aspectos de la atracción que han permanecido inalterables dado su valor icónico.
Si los personajes de las películas Disney podían viajar de la pantalla al parque y tener allí sus propias encarnaciones y atracciones, qué menos que ofrecer un recorrido a la inversa a las atracciones más queridas por el público. Evidentemente, aquí Piratas del Caribe encabeza el éxito en ambos espacios, consiguiendo el triunfo de la película protagonizada por Johnny Depp y sus posteriores secuelas revitalizar el interés del público por una atracción que ya formaba parte del parque en su inauguración. La fama de esta franquicia animó al estudio a llevar otras atracciones al cine, como Mansión Encantada, Tomorrowlando Jungle Cruise, aunque ninguna con tanta fortuna.
PRIMER INTENTO
La primera versión cinematográfica de Mansión Encantadacontó con una producción muy cuidada. A partir de algunos de los elementos existentes en la famosa atracción, se construyó una historia de referencia colonial y ambientada en Luisiana firmada por David Berenbaum, quien después del éxito de Elfse había convertido en un guionista emergente en la industria. La dirección corrió a cargo de Rob Minkoff, quien había codirigido para la compañía ni más ni menos que El Rey Leóny que había triunfado en taquilla con las dos entregas de Stuart Little.
El reparto estaba encabezado por Eddie Murphy, y contaba también con Terence Stamp o Jennifer Tilly. La dirección de fotografía corrió a cargo del nominado al Oscar por Elizabethy responsable también de la serie de televisión Hermanos de Sangre, Remi Adefarasin. El creador de los efectos de maquillaje fue el veterano Rick Bakery la banda sonora corrió a cargo de Mark Mancina. Todo un lujo, pero donde había un elemento discordante.
Mientras todos los ingredientes de la cinta actúan en busca de una misma meta y, de haberse consolidado, se podría haber conseguido una película sólida e interesante, lo cierto es que la necesidad de convertir todo eso en un vehículo estelar para Eddie Murphy y su vertiente cómica supuso desdoblar la naturaleza de la película. Murphy venía de fracasos como Pluto Nash, Soy Espía o Papá Canguroy necesitaba urgentemente un éxito de taquilla. Desgraciadamente, su interpretación y la introducción abrupta de sus chascarrillos en la película rompen por completo una narrativa que apostaba por una atmósfera diferente. Cada vez que la película parecía coger oxígeno, llegaba Murphy y desinflaba por completo la atmósfera del momento.
REGRESO A LA MANSIÓN
En 2021, Disney + estrenó el primer especial de Halloween de Los Muppets, fusionando a los personajes creados por Jim Henson con la famosa Mansión Encantada de Disneyland. En este caso, los elementos clásicos de la atracción eran rediseñados para ajustarse a la estética de los Muppets, pero manteniendo viva su esencia. Como buen especial de los Teleñecos, esta pieza de 50 minutos incluyó diferentes cameos o personajes interpretados por rostros conocidos del cine y la televisión. El resultado es un entretenimiento ligero y divertido, manteniendo le humor propio de los Muppets y sus números musicales, y que sirve de honroso homenaje a la mítica atracción.
Curiosamente, Disney ha apostado ahora, veinte años más tarde de la primera película, por una nueva versión, que vuelve a inspirarse en algunos de los apartados de la atracción, pero que modifica la trama original. Aquí el origen de la maldición vuelve a estar vinculado al matrimonio Gracey, pero en este caso el protagonista es un científico, abrumado por el duelo de la muerte de su mujer, quien pese a haber desarrollado una cámara capaz de recoger imágenes de lo sobrenatural, se mantiene escéptico con respecto a la existencia del Más Allá. Su encuentro con un peculiar sacerdote, quien le pide su colaboración para ayudar a una madre que vive sola junto a su hijo en una casa aparentemente encantada, nos presenta una trama donde estos y otros personajes estrambóticos se van a ver recluidos en la Mansión intentando desvelar su misterio para así poder abandonar el lugar.
Si bien esta nueva entrega vuelve a combinar lo sobrenatural con la comedia, con personajes abiertamente cómicos, como los interpretados por Owen Wilson, Danny DeVito o Tiffany Haddish; en esta ocasión, la trama principal se construye más sobre los conceptos de la pérdida y el duelo que acompaña al personaje que interpreta Lakeith Stanfield, pero también Rosario Dawson y Chase Dillon. Curiosamente, la mezcla de géneros resulta equilibrada de manera que la película mantiene su toque humorístico, pero también emotivo y dramático, añadiendo incluso una dosis de terror ligeramente superior de lo que uno podría esperar de una producción familiar de Disney.
Gran parte del atractivo vuelve a residir en el apartado artístico, en la forma en la que la producción ha reproducido las características de la atracción original y ha adaptado sus elementos más icónicos dentro de la escenografía de la película, dando en esta ocasión el rol del villano al Fantasma de la Sombrerera, interpretado para la ocasión por Jared Leto. Otros personajes rescatados son La Novia, la Armadura Viviente, el Marinero o, por supuesto, Madame Leota, interpretada por Jamie Lee Curtis.
El guion está armado, como ya sucediera en 2003, en base a la incorporación de estos elementos propios de la atracción, por lo general, bien integrados, aunque acabe siendo más una acumulación de elementos que ingredientes con una verdadera función dramática en la historia, sobre todo llegando a la parte final.
LOS ENGRANAJES DE LA ATRACCIÓN
La cinta funciona de manera correcta, ofreciendo al público lo que ha ido a ver. La dirección de Justin Simien es correcta, el guion de Katie Dippold consigue, como decíamos, ir más allá del mero vehículo comercial y los actores cumplen, no sin caer algunos de ellos en cierto regodeo histriónico (Haddish, DeVito). La música de Kris Bowers se ajusta a las necesidades de la película. A destacar nuevamente todo el apartado de escenografía.
Tanto la versión de 2003 como esta nueva película depositan mucho peso, como no podía ser de otra manera, en la construcción de la casa, en ambos casos con decorados reales inspirados en la mansión original de California, aunque añadiendo sus particularidades y dejando un margen para que los efectos digitales aporten el componente fantasmagórico.
Seguimos pensando que, de no haber caído en la servidumbre a Eddie Murphy, la versión de 2003 tenía mimbres para haber sido una película muy superior; sin embargo, atendiendo a los resultados finales, Mansión Encantadaen su versión de 2023, resulta una cinta más equilibrada y centrada en las características de la atracción original de Disney.
En cualquier caso, independientemente de sus deudas con el modelo original, esta película funciona como un adecuado entretenimiento familiar estival. Ni es la versión definitiva de la Mansión Encantada, ni entrará en el listado de los grandes estrenos del verano o las mejores películas fe año, pero salva con holgura una tarde de cine en familia.
Este viernes, 15 de septiembre, llega a los cines Misterio en Venecia, el thriller dirigido por el ganador del Oscar Kenneth Branagh que cuenta un misterio aterrador en el que asistiremos al regreso del célebre detective Hercule Poirot.
Basado en la novela Las Manzanasde Agatha Christie, en la película Branagh da vida al famoso detective Hercule Poirot , y cuenta con un reparto que incluye a Kyle Allen, Camille Cottin, Jamie Dornan, Tina Fey, Jude Hill, Ali Khan, Emma Laird, Kelly Reilly, Riccardo Scamarcio y Michelle Yeoh.
Misterio en Venecia está ambientada en la espeluznante Venecia posterior a la Segunda Guerra Mundial en la víspera de Halloween y cuenta un misterio aterrador en el que asistiremos al regreso del célebre detective Hercule Poirot. Poirot está ahora jubilado y vive en un exilio autoimpuesto en la ciudad más glamurosa del mundo. Allí asiste a regañadientes a una sesión de espiritismo en un palazzo embrujado y en ruinas. Cuando uno de los invitados es asesinado, el detective se ve envuelto en un siniestro mundo de sombras y secretos.
Misterio en Venecia reúne a muchos de los cineastas que participaron en Asesinato en el Orient Expressde 2017 y en Muerte en el Nilo de 2022. La película está dirigida por Kenneth Branagh con guion de Michael Green, nominado al Oscar, basado en la novela Las manzanasde Agatha Christie. Los productores son Kenneth Branagh, p.g.a., Judy Hofflund, p.g.a., Ridley Scott y Simon Kinberg, con Louise Killin, James Prichard y Mark Gordon como productores ejecutivos.
