En unos días, abrirá sus puertas la 57º edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, el mayor escaparate de la producción mundial alrededor del género, donde cada año demuestran su compromiso por dar visibilidad a la mujer creadora en el cine fantástico y por impulsar la incorporación de nuevas profesionales a la industria.
En esta ocasión, en la prestigiosa Sección Oficial Fantàstic a competición participan un total de 33 películas, de las cuales una decena han sido dirigidas por mujeres. La lista incluye propuestas como Animale, de la cineasta francoargelina Emma Benestan; Basileia, de la italiana Isabella Torre; Call of Water, de la francesa Elise Otzenberger; o Desert Road, el debut como directora y guionista de Shannon Triplett, originaria de Iowa.
Cabe también destacar: Canina (Nightbitch), de la estadounidense Marielle Heller, protagonizada por Amy Adams; el filme futurista Planet B, con un potente reparto femenino integrado por la estrella del cine galo Adèle Exarchopoulos dirigido por la francesa Aude Lea Rapin; Fréwaka, de la irlandesa Aislinn Clarke, quien regresa a Sitges tras su ópera prima The Devil’s Doorway; o Mr. Kcon Crispin Glover a las órdenes de la cineasta noruega Tallulah H. Schwab.
De otro lado, la japonesa Yôko Kuno firma junto a Nobuhiro Yamashita el anime Ghost Cat Anzu, mientras que el tándem austríaco creativo formado por Veronika Franz y Severin Fiala regresa a Sitges con El baño del diablo.
HorrorGirls, 2nd Meeting of European Female Filmmakers Specializing in the Fantastic Genre
Por otra parte, el certamen acoge la segunda entrega del encuentro de cineastas europeas especializadas en el género Horror Girls, una serie de mesas redondas que pone de manifiesto el talento de las autoras en cada una de las etapas de la cadena de valor del producto cinematográfico.
En este marco, el programa contempla un encuentro con la actriz Heather Langenkamp (Nancy Thompson en Pesadilla en Elm Street, Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño y La nueva pesadilla, de Wes Craven), quien recibirá el Premio Màquina del Temps en el festival, y una conversación entre dos de las voces más provocadoras y frescas del terror contemporáneo: Coralie Fargeat (directora de La sustancia, una de las películas más esperadas de esta edición, dentro del apartado Sitges Collection) y Carlota Pereda (directora de Cerditay La ermita).
Coralie Fargeat dirige a Demi Moore en el set de ‘La sustancia’, una de las películas de terror más esperadas de la temporada.
Priscilla Smith, Manon Barat y Antonia Nava ahondarán en el rol de las distribuidoras a la hora de introducir el talento femenino en el mercado; Nahikari Ipiña, Nuria Valls y Enrique López Lavigne reflexionarán sobre las labores de producción en clave femenina; y Lauren LaVera, Desirée de Fez e Iván Fund pondrán el foco en el carácter heterogéneo de los iconos femeninos en el cine de terror.
También se desplegarán diálogos entre Paco Plazay Denise Castro, Marysia Nikitiuk y Paul Urkijo, y los mencionados Veronika Franz y Severin Fiala, sobre sus experiencias en la dirección, y una mesa redonda acerca de tres apasionantes estudios enfocados en la figura de la mujer creadora dentro del fantástico con tres destacadas autoras y expertas en el género: Mònica Garcia Massagué, directora de la Fundación del Festival de Sitges y coordinadora del libro Horror Girls; Heidi Honeycutt, autora de I Spit on Your Celluloid; y Victoria McCollum, autora de Bloody Women: Women Directors of Horror (Critical Conversations in Horror Studies).
Premio Woman in Fan
Asimismo, Sitges otorgará este año el Premio Woman in Fan a Mar Targarona, figura esencial para el cine de género nacional de las últimas décadas. En su faceta de productora, la barcelonesa ha llevado a la gran pantalla títulos como Los ojos de Julia, El cuerpo o El Orfanato, poniendo la primera piedra de filmografías capitales como la de J. A. Bayona. Como directora, ha firmado El fotógrafo de Mauthausen, ganadora de cuatro premios Gaudí y nominada a cuatro premios Goya, Dosy Secuestro, además de la miniserie Ull per Ull.
La sustancia (The substance) ya se ha convertido en una de las grandes experiencias cinematográficas del año. La esperada nueva película de Coralie Fargeat, protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, se hizo con el Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes y recientemente conquistaba el Premio del Público de la sección Midnight Madness, dedicada a los títulos de género, en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF).
Antes de su estreno en cines españoles, el próximo 11 de octubre de la mano de Elastica y Filmin, La sustancia ha participado en la destacada Selección Perlak (Perlas) de la 72º edición del Festival de Cine de San Sebastián, que recoge la mayor reunión de grandes autores del cine mundial, con las producciones más esperadas y celebradas de la temporada actual de los festivales internacionales más destacados.
Además, La sustanciatambién participará en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en la sección oficial Sitges Collection, dedicada a aquellos títulos que han dejado huella en otros grandes festivales del mundo. Está programada los días 4 y 5 de octubre en el festival.
SINOPSIS DE LA SUSTANCIA
¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Tú. Solo que mejor en todos los sentidos.
Tienes que probar este nuevo producto. Se llama La Sustancia. Genera otra tú. Una nueva tú, más joven, más bella, más perfecta.
Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?
Si respetas el equilibrio… ¿Qué podría salir mal?
Tras su impactante y frenética ópera prima Revenge, la cineasta francesa Coralie Fargeat regresa con La sustancia, un banquete de body horror (horror corporal) que ha sido descrito como «si David Cronenberg hubiera dirigido La muerte os sienta tan bien” y como «una gemela demoníaca de la Barbiede Greta Gerwig«. La sustancia ya es una de las películas más esperadas del año y, después de su sonado paso por la Croisette, apunta a fenómeno de culto.
En palabras de Coralie Fargeat, «La sustancia es una película sobre el cuerpo de las mujeres, sobre cómo los cuerpos de las mujeres son escrutados, fantaseados y criticados en el espacio público. Sobre lo mucho que, como mujeres, se nos hace creer que no tenemos más remedio que ser perfectas, sexis, sonrientes, delgadas, jóvenes y hermosas para ser valoradas en la sociedad. Y lo imposible que es para las mujeres escapar de esto, por muy educadas, fuertes de mente e independientes que seamos…». En definitiva: «Porque durante más de 2.000 años, los cuerpos de las mujeres han sido moldeados y controlados por los deseos de quienes las miraban…«.
El cine documental alrededor del género fantástico tiene en el Festival Isla Calavera una presencia destacada, y el programa de la octava edición abarca cinco destacadas propuestas, entre las que se encuentra Life after the Neverending Story, una celebración del clásico de Wolfgang Petersen a través de entrevistas con miembros del reparto y el equipo, como Noah Hathaway (quien daba vida a Atreyu), Deep Roy (Teeny Weeny), el cantante Limahl o el maestro de los efectos especiales y el maquillaje Colin Arthur. Su directora, Lisa Downs, y la actriz que dio vida a la Emperatriz Infantil en la película, Tami Stronach, visitarán Tenerife para presentar este trabajo.
Tras participar en ediciones anteriores de Isla Calavera sus documentales Memory: The Origins of Alien (2018) o Lynch/ Oz(2022), el documentalista Alexandre O. Philippe regresa con Chain reactions, sobre el impacto de La matanza de Texas en Takashi Miike, Stephen King, Karyn Kusama, Patton Oswalt y Alexandra Heller-Nicholas. Esta proyección formará parte de un evento especial con motivo del 50º aniversario de la película original de La matanza de Texas(1974), dirigida por Tobe Hooper, que incluirá también la proyección de la cinta original y un coloquio con la participación de Marcus Nispel, responsable del remake de 2003, quien recogerá en el festival un premio honorífico en reconocimiento a su carrera.
Cine documental de producción española
Dentro del programa de cine documental, el festival recibirá la visita de otra figura esencial en el cine fantástico español y habitual en Isla Calavera, Víctor Matellano, quien presentará su nuevo trabajo Call me Paul / Llámame Paul. La película indaga en la personalidad y el carácter creativo del mítico cineasta madrileño Jacinto Molina, quien con el pseudónimo de Paul Naschy, se convirtió en una figura fundamental del cine fantástico mundial, primero como guionista y actor, y después también como director.
La historia está contada por la actriz inglesa Caroline Munro, quien trabajó con Naschy en El aullido del diablo; el actor norteamericano Jack Taylor, que compartió con él proyectos como Dr. Jekyll y el hombre lobo o La venganza de la momia; el productor Sergio Molina, hijo de Molina/ Naschy y coprotagonista de varias películas suyas como Mi amigo el vagabundo o la propia El aullido del diablo; y el actor de doblaje Héctor Cantolla, quien pone voz a Naschy, tal y como hizo en la mayoría de sus películas.
También de producción española, Isla Calavera acoge la proyección de Ishiro Honda: Memoirs of a film director, de Jonathan Bellés. Después de su trabajo sobre los orígenes de Godzilla The Dawn of Kaiju Eiga(2019), el documentalista se centra en la carrera del director de Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo (1954), la primera película sobre el titán.
La selección se completa con el documental José Lifante, mi aventura en el cine, de David García Sariñena, director del cortometraje El último guiony del documental Sanjulián, el poder de la ilustración. Un viaje a través de la vida personal y artística de José Lifante (1943-2024), uno de los actores de reparto más importantes y prolíficos del cine español, quien visitó el Festival Isla Calavera en 2021 para hablar de No profanar la tumba de los muertos y su último trabajo, Vampus Horror Tales.
Cartel de la película documental Call me Paul, de Víctor Matellano.
La actriz Tami Stronach, quien interpretó en 1984 a la Emperatriz Infantil de la adaptación de la novela de Michael Ende La Historia Interminablefilmada por Wolfgang Petersen, se suma a la lista de invitados de la octava edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera, que tendrá lugar del 8 al 17 de noviembre en Tenerife.
Tami Stronach recogerá el Premio Leyenda del Fantástico por su icónico personaje que ha quedado grabado en la memoria colectiva de varias generaciones y presentará en Multicines Tenerife su nueva película Man and Witch: The Dance of thousand steps. Dirigida por Michael Hines, es un conmovedor homenaje a las películas de fantasía de los años 80, con la participación de otras figuras clave del cine de aquella década, como Christopher Lloyd (Regreso al futuro) o Sean Astin (Los Goonies). En el filme, cuando un pastor de cabras solitario descubre que al nacer fue maldecido y nunca podrá tener esposa, hace un trato con una bruja solitaria para revertir el hechizo, pero tendrá que completar tres tareas imposibles para encontrar el amor verdadero.
Man and Witch: The Dance of thousand steps
Life after the Neverending Story
Además, Tami Stronach participará, junto a la directora Lisa Downs, en la presentación del documental Life after the Neverending Story, una celebración del clásico de Wolfgang Petersen a través de entrevistas con miembros del reparto y el equipo, como Noah Hathaway (quien daba vida a Atreyu), Deep Roy (Teeny Weeny), el cantante Limahl o el maestro de los efectos especiales y el maquillaje Colin Arthur (Premio Isla Calavera de Honor en la primera edición del festival).
Tami Stronach y Lisa Downs intervendrán además en el Encuentro de Industria: Rodar en Canarias del Festival Isla Calavera, que reunirá en Tenerife el sábado 9 de noviembre a destacados productores, directores y creadores con representantes de la industria audiovisual canaria.
En 2022 se estrenaba la película danesa Speak no Evil, del director Christian Tafdrup. En ella una familia danesa visita a una familia holandesa que conocieron en unas vacaciones. Lo que se suponía que iba a ser un fin de semana idílico se iría desmoronando lentamente ante el extraño y agresivo comportamiento de los neerlandeses. La película fue presentada en el Festival de Sundancey obtuvo críticas mayoritariamente positivas, donde se destacaba su sátira de la clase media.
Los derechos de la cinta pronto fueron adquiridos por la productora Blumhouse para iniciar la producción de un remake estadounidense, contando con el director británico James Watkins, quien había destacado con sus películas Eden Lakey La Mujer de Negro, y con el actor James McAvoy como principal estrella, con un reparto que completan Scoot McNairy, Mackenzie Davis y Aisling Franciosi.
CUENTOS CON MORALEJA
Los cuentos tradicionales, heredados de la Vieja Europa, eran relatos educativos, generalmente con moraleja final, destinado no sólo al sector infantil, sino también al juvenil, ya que se les aleccionaba y advertía con respecto a los peligros de la sociedad y la importancia de no salirse de los márgenes marcados, ya que más allá del sendero, habitaban lobos.
Caperucita Roja es, sin duda, uno de los relatos más conocidos y transmitidos de generación en generación. Curiosamente, podemos encontrar dos versiones principales del mismo relato. La primera fue la que registró Charles Perrault en 1697, en su colección Cuentos de Antaño. La segunda, y la más vigente hasta la actualidad es la de los Hermanos Grimm dentro de compilación Cuentos de la infancia y del hogarpublicada en 1812. La diferencia entre uno y otro es la redención. Mientras que, en la versión de Perrault, el relato acaba cuando el Lobo se come a la niña; los Hermanos Grimm añadieron un epílogo salvador, donde un cazador logra sacar a Caperucita y a la Abuela de las entrañas del Lobo y les salva la vida. Algo similar podemos apreciar en las dos versiones de la película que aquí nos ocupa.
HIC SUNT LUPI
La película original de Christian Tafdrup era una alegoría sobre la Nueva Europa. Los protagonistas son una familia pudiente danesa, con pensamiento moderno, concienciados con el medio ambiente, una educación a su hija de apoyo y comprensión, sin empleo de la violencia o castigos físicos, educados, y confiados en que nuestra civilización es un espacio seguro para ellos, siempre y cuando no se salgan del camino. Pero llega la tentación, en este caso, una familia neerlandesa de costumbres más abiertas y lúdicas, sin las cortapisas del pudor o las buenas maneras.
Tafdrup nos presenta un relato repleto de advertencias, pero donde nuestros protagonistas, desconocedores de que se han salido del camino, reaccionan con prudencia y cordialidad ante las cada vez más acuciantes salidas de tono de sus anfitriones. La premisa de no ofender, de respectar las costumbres, de no juzgar de manera abierta los comportamientos ajenos, a la vez que, al menos en un principio, se dejan llevar por la excitación de romper los moldes en los que han sido encapsulados. El desenlace final de la cinta original no hace concesiones. Es la advertencia para esta Nueva Europa buenista, que se siente en espacio seguro bajo las normas de cordialidad y civilización que ella misma ha establecido.
REDENCIÓN
La película de James Watkins sigue pieza a pieza, a veces de manera demasiado mimética, el guion original, pero se reserva un giro al estilo los Hermanos Grimm, dando la posibilidad de redención a los protagonistas. En esta parte se añade todo un trasfondo más detallado que en la anterior con respecto al pasado de los protagonistas, el peso de la educación y el legado que pasa de padres a hijos (en este caso, sobre todo plural masculino y no tanto plural neutro). Hay también un discurso sobre la civilización y la naturaleza que recoge el testigo de la película danesa, donde el personaje masculino, al igual que los protagonistas de la película de 2022, es incapaz de asimilar la brutalidad de la naturaleza más animal a la que se enfrenta; pero habilitando, en este caso, una vertiente de empoderamiento femenino.
VIOLENCIA
La película de Tafdrup es seca, contundente, implacable. Con una puesta en escena gélida y distante, que mantiene al espectador dos pasos por detrás de los protagonistas. Con un cierto distanciamiento emocional, pero también con un alejamiento, testigos mudos, que impide que puedan advertir a los protagonistas de lo que está por llegar. Aquí la violencia es inesperada, rápida y firme, sin recrearse, ni dar tiempo para la salvación. Por su parte, Watkins se ajusta más a los patrones narrativos estadounidenses. La distancia del espectador con los personajes no es tan insalvable, recurre más a la complicidad emocional para justificar los comportamientos de ambas parejas antagonistas, dejando un mayor espacio para la acción y la confrontación y, por lo tanto, para el espectáculo pirotécnico del cine de Hollywood. La puesta en escena de Watkins, aunque cargada de tensión, no resulta tan asfixiante, ni siquiera en los momentos más angustiosos de la trama.
LOBOS Y CORDEROS
El principal atractivo comercial de la versión de 2024 es la presencia de James McAvoy, actor que bajo el sello Blumhouse ya había demostrado lo intenso que podía llegar a ser en este tipo de roles con Múltiple de M. Night Shyamalan. McAvoy sabe graduar bien las diferentes transiciones de su personaje, de manera que la permanencia de los protagonistas en la casa no anule la suspensión de incredulidad del espectador, aunque es cierto que hay varios momentos que cuesta entender que los protagonistas no huyan.
Particularmente, nos parece también más que loable la labor de Scoot Nairy, contrarrestando los histrionismos de McAvoy con una tensa pasividad. Mackenzie Davis y Aisling Franciosi resultan convincentes en sus papeles, aunque queda claro que al director le interesa más reflejar en antagonismo de los personajes masculinos. Vehículo de lucimiento para McAvoy aparte, sí es cierto que nos parece mucho más convincente la labor del cuarteto protagonista en la versión de 2022.
LOBOS CONTRA LOBOS
No Hables con Extrañoses un thriller intenso, jugoso e inquietante, que mantiene al espectador atento a los acontecimientos de la pantalla, especialmente, si no se ha visto antes la película de Christian Tafdrup. Es precisamente donde la cinta diverge de la película original, donde pierde interés en favor de una resolución más estereotipada y desproporcionada. Como espectáculo, da juego; como relato, nos quedamos con la original.
La película mejor puntuada en la popular y respetada IMDb, con un 9,3, es la adaptación de la novela de Stephen KingCadena Perpetua(1994). El filme está dirigido por el estadounidense Frank Darabont, y producido por los estudios Castle Rock Entertainment fundados por Rob Reiner, entre otros, quien a su vez puso a la compañía el nombre de la ciudad ficticia de la novela de King La zona muerta, con motivo del éxito de su largometraje Cuenta conmigo, también basada en uno de sus relatos. La película protagonizada por Tim Robbins y Morgan Freeman logró 7 nominaciones a los premios Óscar en el año 1995 y está en el primer puesto del top 5 de la respetada Internet Movie Database por delante de El Padrino, El Caballero oscuro, El Padrino IIy Doce hombres sin piedad.
En el puesto 27 se sitúa otra adaptación del maestro del terror, La milla verde (1999), con un 8,6 de puntuación, también escrita, producida y dirigida por Frank Darabont. Protagonizada por Tom Hanks y Michael Clarke Duncan, La milla verdefue nominada a cuatro premios Óscar, incluidos también mejor película y mejor guion adaptado.
Con un 8,4, en el número 67, encontramos El resplandor (1980), dirigida por Stanley Kubrick y considerada una de las mejores películas de terror de la historia, con interpretaciones y escenas inolvidables de Jack Nicholson, Shelley Duvall y el niño Danny Lloyd.
Premio del Público del TIFF para LA VIDA DE CHUCK
El público manda y puede que muy pronto otra traslación al cine de una historia de King entre en el afamado ranking: La vida de Chuck. El cineasta estadounidense Mike Flanagan vuelve a introducirse en el universo del escritor tras El juego de Gerald (2017) y Doctor Sueño(2019), secuela de El resplandor, a través de la adaptación del relato corto publicado en el libro If it bleeds(La sangre manda), que vio la luz en 2020 con cuatro historias, de las cuales El teléfono del señor Harrigan ya fue a llevada a la pantalla por Netflix. Con Tom Hiddelston en el papel principal, junto a Mark Hamill, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan y Jacob Tremblay, La vida de Chuck tuvo su estreno mundial el pasado 6 de septiembre en el Festival Internacional de Cine de Toronto, con la sorprendente presencia de Stephen King acompañando al director y al reparto.
Al término del TIFF, la película logró el prestigioso Premio del Público y grandes críticas que la sitúan directamente en la carrera a los Óscar, mientras se desconoce su fecha de estreno en salas.
Acronológicamente, La vida de Chuckaborda tres capítulos de la vida de un hombre llamado Charles Krantz. Nostálgica, bella, hermosa, moderna, son algunos de los calificativos que acompañan a las críticas de la nueva película del responsable de las mejores series de terror de los últimos tiempos, con originales propuestas como Misa de medianocheo La maldición de Hill House.
Premio Honorífico Màquina del Temps de Sitges para Mike Flanagan
Flanagan, quien se ha convertido en un referente, con una personalidad única en la adaptación no solo de Stephen King sino de otras firmas fundamentales como Shirley Jackson, Henry James o Edgar Allan Poe, visitará en octubre el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges donde recogerá el Premio Honorífico Màquina del Temps.
Resulta curioso cómo la filmografía de Tim Burton se ha bifurcado de manera tan generacional. Los inicios de su carrera (de La Gran Aventura de Peewee a Big Fish) son de referencia rigurosa para los Gen X (nacidos entre 1965 y 1981), mientras que a partir de Charlie y la Fábrica de Chocolate en adelante han acompañado a los Millenials (nacidos entre principios de la década de 1980 y mediados de la década de 1990) y Gen Z (nacidos desde mediados o finales de la década de 1990 hasta finales de la década de los 2000). Eso sí, todos ellos comparten la misma conexión con el espíritu divergente de los personajes de Burton, protagonistas que no encajan en los patrones de la sociedad, sensibles, tremendamente creativos e inteligentes, pero con pocas habilidades sociales, a los que les cuesta entender la crueldad o el egoísmo imperante en nuestro entorno.
Es cierto que hay una clara separación entre estos dos bloques de la filmografía de Burton, marcados, entre otros elementos, por el regreso del cineasta a la factoría Disney, donde ha firmado algunos de sus mayores éxitos comerciales, pero donde hemos apreciado un edulcoramiento de los aspectos más ácidos de su discurso (Sweeney Todd se presenta como excepción a esto). La salida de Burton de la Disney parece haber reflotado su faceta más ácida, algo ya apreciable (aunque aún a medio gas) en la primera temporada de Miércoles.
Bitelchús Bitelchús
EL MUERTO ANDA SUELTO
Los aspectos definitorios del cine de Burton los podíamos encontrar ya prácticamente definidos en su opera prima, La Gran Aventura de Pee Wee; sin embargo, fue su siguiente largometraje, Bitelchúsel que estableció de manera ya clara el perfil más irreverente del cineasta.
La historia de un matrimonio de fantasmas recién difuntos atrapados en su casa con una familia de yuppies y la presentación del bioexorcista Bitelchús no encajaba en los patrones de los estudios de Hollywood, pero su éxito comercial demostró que la mirada desproporcionada de la realidad que aportaba Burton tenía un público que compartía su devoción por el expresionismo alemán, los clásicos de terror de la Universal y su desprecio por lo artificioso de la sociedad de zona residencial, donde todo es prefabricado con el mismo molde.
El personaje de Bitelchús, pese a contar con poco tiempo en pantalla, bien diseminado por el metraje de la película, se convirtió en un icono cultural, incrementado por la subsiguiente serie de animación o, más recientemente, el popular musical creado por Eddie Perfect, Scott Brown y Anthony King. Es más, esos fans de Burton de segunda generación es probable que conozcan más al personaje por el espectáculo musical que por la cinta de 1988.
Bitelchús Bitelchús (c) Warner Bros. Pictures
RESUCITANDO AL ESPÍRITU MACABRO
Antes de convertirse en un director clase A en Hollywood con Batman, Bitelchúsya creó una legión de fans que, durante décadas, no han parado de pedir una secuela y el regreso del bioexorcista a la gran pantalla. Finalmente, Burton y Keaton se han prestado a regresar a la cinta original, aunque Burton ha querido permanecer impermeable a la evolución que ha tenido el personaje fuera de su control. Bitelchús Bitelchús es una secuela directa de la cinta de 1988, que ignora por completo todo el lore posterior construido con la serie de animación o el musical.
Varios son los elementos que ha utilizado Burton para dar nueva vida al ADN de la cinta original. En parte el regreso de los actores Winona Ryder, Catherine O’Hara y, por supuesto, Michael Keaton. Alec Baldwin y Geena Davis han sido adecuadamente excusados en esta secuela, mientras que el personaje de Charles Deetz continúa, pero no así el actor que lo encarnó Jeffrey Jones (condenado por tenencia de pornografía infantil y agresión sexual en 2003 y 2009).
Se incorpora también Jenna Ortega, quien protagonizara Miércolesa las órdenes de Burton y que encaja perfectamente en la troupe Burton, de la que también encontramos a Willem Dafoe o Danny DeVito.
A estos se suma Justin Theroux y Monica Bellucci, no sólo extraordinaria actriz, sino también continuadora de la tradición de Burton de dar un papel a sus parejas sentimentales en sus películas.
En otros apartados nos volvemos a encontrar a Danny Elfman en la música o Bo Welch como asesor artístico. La fotografía de Haris Zambarloukos bebe mucho del trabajo original de Thomas E. Ackerman y el vestuario de Collen Atwood también se inspira en los diseños de Aggie Guerard Rodgers.
Burton también ha querido mantener lo máximo posible el componente artesanal de los elementos visuales, priorizando maquillajes, maquetas y decorados por encima de efectos digitales. Esto es fundamental en este título, donde, para evitar en caer en la reiteración con respecto a la película anterior, el cineasta da mayor protagonismo al Más Allá, aspecto, por otro lado, que también le permite desplegar con mayor libertad todo su ingenio conceptual y visual.
LLEGÓ EL DAY O
Con Bitelchús Bitelchús podemos decir que recuperamos al Tim Burton primigenio, aunque no en todo su esplendor. La cinta adolece de varios obstáculos. El primero es la acumulación de subtramas y personajes que no terminarán de desarrollarse adecuadamente, diluyendo el desarrollo de la historia (más bien excusa argumental) de la película. Esto también provoca que la cinta tarde en arrancar al tener que presentar demasiados elementos y construir el escenario para la confrontación de los personajes. Sin embargo, una vez Burton consigue agarrar fuerte las riendas de todos estos componentes, la cinta se convierte en una comedia cáustica, irreverente, imaginativa, muy divertida y con las dosis justas de fan service, sin convertir esto en el motor principal de la película.
Es cierto que esta cresta de la ola se rompe antes de llegar al final con un epílogo que pierde la fuerza del clímax final y que hay elementos que no pasan del mero guiño nostálgico, como la aportación musical de Danny Elfman, depositando la película más valor a la selección de canciones preexistentes. Burton, antes de Tarantino ya había destacado por la introducción de su melomanía (y su particular devoción por Tom Jones) en la selección musical de sus películas, siendo ésta quizás donde más rienda suelta da a esta particularidad. Sí, regresa el guiño a Harry Belafonte, pero el verdadero highlight de la cinta reside en la particular versión de MacArthur Park de Richard Harris.
TREN AL INFRAMUNDO
Una vez más Burton y Keaton logran que todos los personajes pivoten alrededor de Bitelchús, a pesar de que éste juega un papel secundario en la trama; sin embargo, sus apariciones están, como en la original, tan bien medidas que no echas de menos al personaje.
Hay también un espléndido mensaje de solidaridad femenina intergeneracional en la forma en que Lydia, Astrid y Delia, pese a sus personalidades tan dispares, logran superar sus discursos particulares para establecer una poderosa conexión familiar. Muchos personajes secundarios carecen de peso argumental y sus apariciones resultan gratuitas, como es el caso de Bellucci o Dafoe, pero no hay duda de que aportan color y humor a la cinta y es Bitelchús el que justifica en mayor o menor medida su presencia en la película.
De hecho, en el camino, la cinta deja muchos aspectos para el recuerdo, como los ayudantes jibarizados de Bitelchús(especialmente Bob), el detective/actor de Willem Dafoe, el Soul Train o las incontenibles transformaciones del propio Bitelchús.
Más prescindibles, en nuestra opinión, son las dos subtramas pseudorománticas con Justin Theroux y Arthur Conti, es más, la trama de romance adolescente nos parece lo más desechable de toda la película.
TRAS LA INVOCACIÓN
Bitelchús Bitelchús es una secuela inferior al original. La película de 1988 resultaba más cohesionada y el peso de los personajes en la trama estaba mejor medido. Aquí el guion resulta más disperso e irregular, pero eso no quita que el visionado de la película está plagado de grandes momentos que nos devuelven la esperanza en un Tim Burton que parecía haber perdido su toque. A esto se suma la capacidad visual de Burton, quien logra mantener la frescura y la explosión de imaginación de la original. Con sus defectos e irregularidades, a éste espectador Gen X le ha satisfecho reencontrarse con el Tim Burton de los 80, aunque aún resulte algo descafeinado después de sus años Disney.
Queda menos de un mes para el inicio del 57º Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y Ángel Sala y Mònica Garcia i Massagué protagonizaron la rueda de prensa más esperada por los fans del certamen. Ante los asistentes a Casa SEAT, presentaron todos los títulos que se han estado cocinando en secreto desde los primeros anuncios del pasado mes de julio. Eminencias del género, clásicos incontestables, los nombres del momento y las óperas primas que marcarán tendencia conviven en su line-up.
Asif Kapadia, director de Senna, Amyo Diego Maradona, deja de lado su idilio con el biopic para volver a abrazar sus orígenes vinculados al cine fantástico. Lo hará con 2073, un largometraje inspirado en La Jetée de Chris Marker que deambula entre la ciencia ficción y el documental.
Por su lado, el cineasta que nos enamoró en 2019 con ¿Dónde está mi cuerpo?vuelve a visitar Sitges, esta vez con Meanwhile on Earth. Jérémy Clapin se lanza a la acción en imagen real con este relato de extraterrestres que generó muy buenas reacciones en el pasado festival de Berlín.
Los que aterrizan directamente de Venecia serán los hermanos Quay, monolitos de la animación experimental, para presentar la oscura Sanatorium Under the Sign of the Hourglass, una fantasmagoría en stop-motion que enloquecerá a los fans de Phill Tippet.
Activistas, desapariciones y un planeta extraño. La actriz Adèle Exarchopoulos, habitual indiscutible del festival, protagoniza Planet B de la realizadora francesa Aude-Lea Rapin.
Aislinn Clarke dará el salto de Midnight X-Treme, donde sorprendió en 2018 con su The Devil’s Doorway, a la Sección Oficial. Esta vez nos regala la inquietante Fréwaka, una relectura del folclore irlandés que hizo temblar al festival de Locarno.
J.T. Mollner, responsable de Ángeles y forajidos, abandona a los cowboys para invitarnos en Strange Darling a una noche romántica con un asesino en serie.
No tan romántica será la sesión de Basileia, el debut en formato largo de la cineasta italiana Isabella Torre, una misteriosa expedición arqueológica con ecos lovecraftianos.
Basileia, de Isabella Torre.
Tras su paso por el festival en 2021 con Atrapados en la oscuridad, el neozelandés James Ashcroft nos abrirá las puertas de The Rule of Jenny Pen, un thriller geriátrico con ancianos asesinos protagonizado por el homenajeado Geoffrey Rush y John Lithgow.
Desde Asia visita Sitges Li Yang con Escape from the 21st Century, un divertido cuento sobre viajes en el tiempo.
El cine de acción del realizador chino vuelve a las pantallas del festival tras sorprender en 2012 con su ópera prima, Lee’s Adventure.
Y desde Brasil llega una interesante sesión doble. Por un lado, Marco Dutra vuelve a la Sección Oficial, tras hacerlo con As boas maneirasen 2011, con el crudo retrato de dos recogedores de animales muertos en Bury Your Dead. Por el otro, Davi Pretto, director de las aplaudidas Castanhay Rifle, pondrá a dialogar lo sobrenatural con el western en su nueva Continent.
La noruega Tallulah Hazekamp Schwab se lanzará por primera vez al cine de género con Mr. K, un thriller claustrofóbico sobre un hotel con vibraciones de Overlook.
Y necesitaremos una vez más ponernos la mascarilla, pues Thibault Emin trae la adaptación al largometraje de su corto Else, en el que despliega una extraña pandemia sin forma.
Por último, la actriz Élise Otzenberger se estrenará en la dirección con Call of Water, una odisea de ciencia ficción familiar a la orilla del mar.
Sony Pictures presenta el nuevo tráiler de Venom: El último baile, el regreso de Tom Hardy a uno de los más grandes y complejos personajes de Marvel, para cerrar la trilogía cinematográfica.
Junto a Tom Hardy, completan el reparto protagonista Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu, Alanna Ubach y Stephen Graham.
Escrita y dirigida por Kelly Marcel, basada en una historia de Hardy y Marcel, Venom: El último baile está producida por Avi Arad, Matt Tolmach, Amy Pascal, Kelly Marcel, Tom Hardy y Hutch Parker.
La película llegará en exclusiva a los cines de toda España el próximo 25 de octubre.
SINOPSIS DE VENOM: EL ÚLTIMO BAILE
Eddie y Venom están a la fuga. Perseguidos por sus sendos mundos y cada vez más cercados, el dúo se ve abocado a tomar una decisión devastadora que hará que caiga el telón sobre el último baile de Venom y Eddie.
Con MaXXXine, el director Ti Westllega al final de su trilogía X, completando el recorrido de su protagonista Maxine Minx, 16 años después de los acontecimientos de la primera película.
Si en la primera (X, 2022), West hacía un cruce curioso entre la incipiente industria del porno y la redefinición el terror en una sociedad estadounidense que afrontaba una nueva etapa de madurez, aquí el salto temporal nos lleva a 1985, al pleno apogeo del slasher como subgénero cinematográfico. En esta ocasión, los referentes temáticos y visuales de West van del Brian De Palma más “De Plasma” a la mirada calvinista de Paul Schrader en películas como Hardcore. Un Mundo Oculto, sin descuidar la vertiente más europea, especialmente el giallo italiano tardío.
La puesta en escena del director es espléndida, cuidando todo elemento estético como si realmente estuviéramos ante una producción de aquella época, a lo que se suma el uso del montaje, la fotografía o la música de manera precisa.
Mia Goth vuelve a dominar la película con una interpretación carismática y poderosa. Es cierto que, después de la magnífica Pearl, MaXXXinese convierte en la más referencial de la trilogía, y su trama acaba teniendo menor peso y una resolución precipitada; sin embargo, para los amantes del slasher ochentero, la película se convierte no sólo en un gozoso homenaje y una mirada reivindicadora de aquel cine de explotación, trasgresor, irreverente y rupturista, sino que nos recuerda las dosis de atrevimiento que ha perdido el cine de género actual.
