Medianoche en SUNDANCE 2021

Vanesa Bocanegra
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Medianoche en SUNDANCE 2021

La temporada de festivales arranca en Estados Unidos con el imponente certamen de Sundance, que se celebra tradicionalmente y desde hace ya cuatro décadas las dos últimas semanas de enero en Utah. Un festival que nació de la mano de Robert Redford y que precisamente toma su nombre del personaje que el actor interpretó en 1969 en Dos hombres y un destino. Un espacio que más allá de descubrir nuevos talentos y obras sorprendentes fruto del trabajo de estudios independientes, sirve como punto de encuentro para los amantes del cine que también pueden disfrutar de interesantes paneles de discusión con destacadas figuras de la industria y actuaciones musicales, entre otras actividades.

Como ha señalado su nueva directora Tabitha Jackson a la publicación especializada Entertainment Weekly: “reunir 120.000 personas (cifras habituales en Sundance) durante esta pandemia, sencillamente no podía suceder, así que tuvimos que plantearnos: ¿seguimos adelante o nos sentamos y ya lo intentaremos de nuevo el próximo año?”.

Jackson asegura que tomar esa decisión “duró aproximadamente un nanosegundo”. Y así es como han anunciado la programación completa de su próxima edición, que se celebrará entre el 28 de enero y el 3 de febrero de 2021 y que en esta ocasión se desarrollará de modo presencial, pero también en formato online. El programa de proyecciones se desarrollará en el Teatro Ray de Utah, así como en otras salas y autocines localizados por todo el país. Además, Tabitha Jackson ha destacado que se podrán ver muchas películas “concebidas y filmadas durante la incidencia del Covid”, de modo que esta edición “podrá ser un reflejo de la actividad en medio de esta situación y del ingenio de los cineastas”.

Lo más interesante es que para no perder ese sentido de comunidad cinéfila que caracteriza el Sundance Film Festival, el público online podrá registrarse para no sólo ver las películas sino también disfrutar de los estrenos en el momento y unirse a conversaciones con otros fans para hablar sobre los nuevos títulos.

Sección Midnight

Dentro de la sección Midnight (Medianoche), que abarca películas de terror, comedias bizarras y trabajos que desafían etiquetas de género, este año podrán descubrirse seis títulos de estreno mundial.

Censor

El día de apertura verá la luz Censor, primer largometraje de la galesa Prano Bailey-Bond, coescrito con Anthony Fletcher. De producción inglesa, advierten sobre este título de terror su contenido gore y de violencia extrema para narrar la historia de Enid, quien tras ver un duro vídeo extrañamente familiar, se propone resolver la desaparición de su hermana, recientemente declarada muerta al no haber pruebas directas de su paradero y existencia.

Coming home in the dark

Además, podrá verse el thriller de supervivencia neocelandés Coming home in the dark. Ópera prima del actor y cortometrajista James Ashcroft, quien entre 2007 y 2013 fue el director artístico de la compañía de teatro maorí Taki Rua. En el filme, la excursión familiar de Alan, su mujer y sus hijastros se torna en pesadilla al toparse con unos vagabundos despiadados.

Knocking

Debut también para la directora Frida Kempff, responsable de la producción sueca Knocking, un thriller psicológico que promete llevar al espectador a cuestionarse absolutamente todo, como la protagonista, hasta el final.

En ‘Knocking’, la protagonista enloquece al escuchar extraños ruidos en su apartamento, mientras sus vecinos aseguran no escuchar nada.
En ‘Knocking’, la protagonista enloquece al escuchar extraños ruidos en su apartamento, mientras sus vecinos aseguran no escuchar nada.

Violation

La producción canadiense Violation, ha sido coescrita, codirigida y coproducida por Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli, quienes se conocieron en 2015 en un laboratorio de talentos del Festival de Cine de Toronto. Madeleine también protagoniza esta historia que arranca como un drama familiar para sorprender a la audiencia con un giro radical que lleva la trama a una cruel espiral de venganza que desafía al espectador a no apartar los ojos de la pantalla.

Mother Schmuckers

También podrá verse en el turno de medianoche del Festival de Sundance la comedia belga Mother Schmuckers, escrita y dirigida por los hermanos Lenny y Harpo Guit, quienes además participan en el reparto del que estrenan como su primer largometraje. Es la historia absurda de dos jóvenes que tendrán que hacer todo lo posible para encontrar al pequeño perro de su madre o no podrán volver a casa. No apta para todos los públicos, también por sus contenidos de violencia sexual explícita y abuso contra los animales.

A glitch in the matrix

Se completa la propuesta con el nuevo largometraje documental de Rodney Ascher, director de Room 237, sobre El resplandor de Stanley Kubrick, o The Nightmare, acerca de la parálisis del sueño. Con A glitch in the matrix ofrece una exploración multimedia de la teoría de la simulación a través de los ojos de quienes sospechan que nuestro mundo no es real.

FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: THE OWNERS, de Julius Berg

Manuel García de Mesa
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FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: THE OWNERS, de Julius Berg

En algún lugar de la Inglaterra Rural, durante los años 90 del Siglo XX. Dos amigos de la infancia, Nathan (Ian Kenny) y Terry (Andrew Ellis), son persuadidos por otro joven, Gaz (Jake Curran), bastante macarra y de personalidad claramente psicopática, para llevar a cabo un robo aparentemente sencillo y lucrativo, con expectativas de impunidad total. Se trata de asaltar la casa hogar de los Huggins, un matrimonio de ancianos, donde trabaja la madre de Terry como asistente. Los Huggins son un aparentemente amable y senil doctor (Sylvester McCoy, a quien hemos visto en la trilogía de El Hobbit, de Peter Jackson, o en la serie Doctor Who) y su adorable esposa Ellen (Rita Tushingham, veterana actriz, vista en Doctor Zhivago, de David Lean, y en The Last Days of Soho, de Edgar Wright).

Mary (Maisie Williams, Arya Stark en la serie Juego de Tronos, y el auténtico reclamo del filme), la novia de Nathan, se encuentra en el lugar, es decir, en las inmediaciones del hogar de los ancianos, simplemente porque han utilizado su coche para llegar y la joven lo necesita inmediatamente para irse a trabajar. Por supuesto que se opone al plan. Al cabo de unas horas todos, incluidos los Huggins, están en la casa, al lado de una caja fuerte complicada de abrir y en una situación que no va a ser la que aparenta ser…

Ópera prima de Julius Berg

Uno de los puntos álgidos de la cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera tuvo lugar con el pase del filme The Owners, es decir, “los propietarios”, debut en el largometraje del francés Julius Berg, que estudió arte y cine en la prestigiosa universidad gala de La Sorbona, y que antes del presente filme ha realizado algunos cortos, spots publicitarios y episodios para series de televisión francesas como Mata Hari (2017) y Ríos de Color Púrpura (Lés Riviéres Pourpres, 2018).

El filme, rodado en Inglaterra, concretamente en Kent, cerca de Londres, es de producción británica, y ha sido escrito entre el propio realizador y Mathieu Gompel, con la participación de Geoff Cox, inspirado en la novela gráfica francesa de 2011 Une nuit de pleine lune, con ilustraciones de Hermann Huppen, y dibujos de Alain de la Mata.

Home invasion

Comienza como un filme de atraco a un domicilio, del tipo contemplado en el código penal español denominado “robo con fuerza en las cosas con la agravante de casa habitada”, que se convierte en una home invasion, es decir, un filme de intromisión de la morada, con sus legítimos propietarios y moradores dentro, es decir, de profanación de algo tan privado e íntimo como es la vivienda personal, el reducto de seguridad más sagrado de todo individuo, apelando así al terror más básico de cualquier espectador.

La propia morada, en este sentido, constituye un espacio marcadamente aterrador. Por lo tanto, un considerable tramo de la película, donde los propietarios que han regresado a la casa mientras los atracadores aún permanecen en ella, ocupa gran importancia en el desarrollo del filme. La narración contiene algunas secuencias de tortura y de cierto salvajismo gore, para a continuación, en el giro narrativo severo de la película, los adorables viejecitos propietarios… digamos que no son tan adorables y pasan de ser víctimas a depredadores, creándose una atmósfera realmente perturbadora e irrespirable.

El filme de Julius Berg destila un cóctel bien agitado, con unos ingredientes bien utilizados y servidos: violencia, humor, suspense, tensión, terror psicológico, considerables dosis de mala uva e incorrección política, lucha por la supervivencia y todo un cúmulo de falsas apariencias, en un giro, como decíamos, muy bien dosificado hacia la mitad de la película. Todos estos elementos, y algunos más, componen los ingredientes de este atractivo coctel fílmico que arrancó unas cuantas risas, chascarrillos y admiraciones entre el público festivalero.

El reparto

Los guionistas van proporcionando todas las pistas y piezas necesarias para seguir y componer este duelo de inteligencias macabro y psicológico. El filme, en este sentido, posee muy buen ritmo, un correcto in crescendo de la acción, y estupendas interpretaciones.

Destaca de sobremanera el Sr. Huggins, interpretado por Sylvester McCoy, como ya mencionamos, que hace gala de amplios registros, entre los cuales se encuentra la sutilidad con la que deja entrever cuál es su pasado, sin duda la razón para ubicar la acción de la película en los años 90.

Por supuesto, destacamos también el interesante papel de la joven Maisie Williams. Su personaje, que parece meramente decorativo, cobrará decisiva importancia, y por supuesto se convierte en una final girl con todas las de la ley.

La veterana actriz británica, en activo desde los años 60, Rita Tushingham, realiza igualmente una brillante composición, que fluctúa entre una anciana senil, amable, educada, y una vertiente de lo más inquietante.

ATENCIÓN: SPOILERS A CONTINUACIÓN

La trama y cierto giro del filme nos recordará inevitablemente al magnífico filme No respires (Don’t Breath, EEUU, 2016), de Fede Álvarez, uno de los thrillers de terror y suspense más apasionantes de la industria de Hollywood de los últimos años.

Es necesario decir, que el filme de Julius Berg no es tan modélico y hábil como el de Álvarez, que era absolutamente turbador en el uso del espacio fílmico y en muchas cosas más.

En cualquier caso, The Owners cumple de manera solvente con sus premisas y planteamientos y nos entregó una muy buena dosis de terror y aderezos de fantástico, que hace que el filme encajase magníficamente en la programación del Festival.

The Owners se alzó en la cuarta edición del Festival Isla Calavera con el Premio del Jurado a la mejor interpretación masculina para Sylvester McCoy, ex aequo con Saturnino García por su interpretación en el filme colectivo Vampus Horror Tales.

FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: SKIN WALKER, de Christian Neuman

Manuel García de Mesa
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FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: SKIN WALKER, de Christian Neuman

La cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera fue el expositor perfecto de joyas cinematográficas del género como Skin Walker, el debut en el largometraje del realizador Christian Neuman. El luxemburgués ha sido un artista visual y modista antes que director de cine. Sorprendió a propios y a extraños con un cortometraje absolutamente embriagador, The End of the world as you know it. A Guide, que podemos traducir como «El fin del mundo como lo conoces. Una Guía». Un trabajo cinematográfico de un importante empaque visual que aventuraba todo un talento tras la cámara.

Regine es una hermosa joven urbanita que posee una importante fragilidad psicológica. Vive en una ciudad europea cuyo nombre nunca se menciona que decidió alejarse de la zona rural en la que pasó una infancia atormentada, como consecuencia de unos traumas, que la han vuelto emocionalmente inestable y vulnerable. El nacimiento de su hermano Isaac se saldó con la muerte de éste y la pérdida de la cordura de su madre. La joven trata de reconstruir su vida en la ciudad, que también le resulta estresante. El brutal asesinato de la abuela tiene lugar. Regine debe regresar a la oscura y vieja mansión aislada, donde el horror de su infancia acaeció, donde va a tener lugar gran parte de la trama, en un ambiente marcadamente claustrofóbico, y de alguna manera enfrentarse a ese pasado trauma familiar. Los problemas del pasado reaparecen, con una extraña manera de tratar de resolverlos, aunque la delgada línea entre realidad y percepción personal no siempre aparecerá del todo clara. ¿Es realmente cierta la historia familiar que Regine tenía claro hasta ahora? ¿Reaparecerá algún familiar con ideas de venganza? Skin Walker nos ofrece todos los elementos para ordenar y construir la historia, pero hay que visionarla con cierta concentración, que a veces es complicada en estos tiempos tecnológicos de fácil distracción.

Un poderoso drama familiar con elementos fantásticos

El filme visto en el Festival Isla Calavera 2020 tiene una compleja estructura de thriller psicológico, con pinceladas considerables de dosis de terror. Conforma igualmente un poderoso drama familiar con elementos fantásticos de fondo. Un complejo universo familiar atormentado con oscuros secretos que eclosionan desde el pasado, constituye el leit motiv de esta historia construida con mucha personalidad, dotada de una convincente atmósfera, una solvente imaginería gótica que envuelve la trama, en la que no es difícil encontrar reminiscencias a las paletas de colores, que incluyen diversas tonalidades de oscuridad, muy propias del cineasta italiano Darío Argento, uno de los reyes de la ciencia ficción y el terror en Italia en los años 60.

La atmósfera del filme subraya convenientemente la intrincada “tela de araña” argumental tejida por Christian Neuman, que también es el guionista del filme, entre cuyas influencias visuales también hallamos la de los filmes de horror de la mítica productora británica Hammer Films. Neuman sabe obtener óptimos réditos visuales de localizaciones como largos pasillos, las entrañas de un pozo, que ocultan un importante y terrible secreto, o un tétrico bosque filmado con admirable simbología visual.

'Skin Walker', de Christian Neuman
‘Skin Walker’, de Christian Neuman

Udo Kier, pura historia del cine

Pero por encima de todo, Neuman obtiene muy buenos resultados filmando de diversas maneras el inquietante rostro del actor alemán Udo Kier, todo un veterano del séptimo arte, a quien hemos podido ver en multitud de películas. Desde el thriller Suspiria (Italia, 1976), del mencionado realizador Darío Argento, hasta Brawl In Cell Block 99 (EEUU, 2017), de S. Craig Zhaler. En extravagancias de los años 70 como Carne para Frankenstein (Flesh for Frankenstein, EEUU, 1973) o Sangre para Drácula (Blood for Dracula, EEUU, 1974), ambas del realizador, actor y artista underground Paul Morrissey, o en el filme erótico sado-masoquista Historia De O (Historie d’O, Francia, 1975) de Just Jaeckin.

Kier ha sido actor fetiche de algunos cineastas de importancia como Gus Van Sant, quien dirigió su inquietante presencia en filmes tan memorables como Mi Idaho Privado (My own private Idaho, EEUU, 1991) o No te preocupes no llegará lejos a pie (Don´t worry, he won´t get far on foot, EEUU, 2018).

Su personalidad apabullante se ha dejado ver en joyas de género fantástico como Melancolía (Melancholia, Dinamarca, 2011), de Lars Von Trier; Blade (EEUU, 1998), de Stephen Norrington; Barb wire (EEUU, 1996), de David Hogan; El Fin de los Días (The End of Days, EEUU, 1999), de Peter Hyams; o The Lords of Salem (EEUU, 2012), de Rob Zombie. Kier es pura historia del cine. Sin duda, merece una importante retrospectiva. Quien sabe si en futuras ediciones del Isla Calavera seremos testigos de alguna.

Amber Anderson, protagonista

En cualquier caso, el filme deposita sus pilares narrativos en la actriz Amber Anderson, a quien en 2020 hemos podido ver en la nueva versión del clásico de Jane Austen, Emma (Reino Unido, 2020), de Autumn de Wilde. Anderson dota a su personaje de la necesaria paranoia y vulnerabilidad mental, para que la trama avance de manera confusa, hasta la impactante secuencia final.

Este largometraje se presentó en el Festival del Cairo en noviembre de 2019 (festival de donde vino Juanma Bajo Ulloa directamente al Festival de Cine Fantástico de Canarias 2020 para presentar su filme Baby. Skin Walker se exhibió con mucha aceptación en el Luxemburg City Film Festival de 2020. Su siguiente destino ha sido la mencionada cuarta edición del festival de cine fantástico tinerfeño, que acogió dos pases, uno en cada sala asignada por Multicines Tenerife.

En algunos países, este competente filme ha ido destinado directamente a plataformas, por lo que Skin Walker no es un título que pueda ser disfrutado asiduamente en la pantalla de una sala de cine.

FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: ‘COSMÉTICA DEL ENEMIGO’, de Kike Maíllo

Manuel García de Mesa
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FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: ‘COSMÉTICA DEL ENEMIGO’, de Kike Maíllo

La escritora Amélie Nothomb nació en Japón por accidente. Su padre, de nacionalidad Belga, era diplomático de carrera, y ejerció de embajador. De ese modo, la joven pasó su infancia y adolescencia entre países tan variados como Japón, China, EEUU, Laos o Birmania. Probablemente ese carácter nómada y cosmopolita de la familia, estimulase su creatividad literaria. Nothomb ha publicado numerosas novelas, muchas de ellas marcadas por la influencia cultural del país nipón, y está considerada como una de las letras en lengua francesa más interesantes de la actualidad. Algunas de sus obras han sido adaptadas al cine. La Cosmética del Enemigo es una de sus más populares historias.

La adaptación cinematográfica de la novela mencionada, A perfect enemy, ha sido escrita entre el propio realizador, la guionista barcelonesa Cristina Clemente, así como el escritor, productor y actor Fernando Navarro. La dirección ha corrido a cargo de Kike Maíllo, nacido en Barcelona, en el que es su tercer largometraje, tras Eva (España, 2011), un filme que denuncia el actual diseño casi cibernético, poco carnal y nada pasional de las relaciones emocionales en estos tiempos tecnológicos, que le valió el premio Goya al mejor realizador novel. Su segundo filme Toro (España, 2016), todo un vehículo al servicio de dos presencias imprescindibles en el cine español actual, como son Mario Casas y Luis Tosar, constituye una road movie con aroma de thriller, que contiene momentos de cierta intensidad. Maíllo ha realizado también algunos cortometrajes y episodios en series de televisión.

Si la novela (de lectura recomendada) tiene como único escenario la terminal de un aeropuerto, el filme lleva la historia a diferentes localizaciones. La película comienza unas horas antes que la novela (que directamente arranca con los personajes ya en la terminal del aeropuerto), y, además, a lo largo del metraje, contiene unos flashbacks que nos coloca directamente en París, un tiempo atrás. El filme de Maíllo se toma unas licencias visuales, realmente originales, correctamente insertadas en la trama, como son los hermosos planos en picado o a ras de la maqueta de la terminal del aeropuerto en el que los personajes esperan. La terminal y la maqueta han sido diseñadas por el propio protagonista. En el bosquejo, vemos la pequeña representación de dos figuras, que coinciden con las de los dos protagonistas, ubicadas en los diversos lugares del complejo en el que se desenvuelve la mayor parte de la acción.

La intrigante historia de Cosmética del enemigo

Jerôme August (Tomasz Kot) es un arquitecto de éxito. Construye edificios y terminales emblemáticas e imparte charlas y simposios marcadamente triunfalistas. El filme comienza con una clase magistral en un auditorio de París. Jerôme es un triunfador. Su discurso cala en el público entregado a su oratoria. De camino al Aeropuerto para regresar a su residencia en Polonia se apiada de una joven aparentemente desvalida Textor Texel (Athena Strates) a quien rescata del azote de una lluvia torrencial y acepta su petición de llevarla en el vehículo contratado por el hombre para ir al Aeropuerto. Después de tener que dar la vuelta al punto de recogida, pues la joven se ha olvidado su maleta, ambos se despiden junto a la parada de taxis a la entrada de la terminal. Jerôme ha perdido su vuelo de regreso. Adquiere billete del siguiente vuelo disponible. Tiene unas horas de peregrinaje por el aeropuerto. Cuando está sumido en sus quehaceres, irrumpe la joven nueva y súbitamente. Se entabla una conversación un tanto agresiva, claramente acosadora, que poco a poco va convirtiéndose en todo un examen de conciencia. ¿Qué sabe la joven de la vida del Arquitecto de mediana edad?.

El filme de Kike Maíllo triunfa en el empleo de las localizaciones, en la frescura de los diálogos, y en el memorable trabajo de los dos actores principales, muy naturales, que comprenden perfectamente los personajes a ellos atribuidos. Él es un hombre maduro, enigmático, un tanto impermeable emocionalmente, que protege un recuerdo del pasado aparentemente encerrado de manera hermética en su cabeza. Ella es una joven pasional, aparentemente desequilibrada, que intenta sonsacarle, tejiendo una suerte de tela de araña, a través de varias historias que le cuenta, que constituyen, a su vez, varias capas de una realidad compleja, que atormenta. El frío escenario de un aeropuerto, donde todo el mundo está de paso como almas en pena, constituye el escenario perfecto para este enfrentamiento dialéctico, para este juego perverso, muy bien medido y resuelto con un vigor y una pasión encomiables.

A Athena Strates la hemos podido ver este año en carteleras españolas con el filme La Gran Mentira (The Good Liar, EEUU, 2009), de Bill Condon junto a Ian McKellen y a Helen Mirren. Por su parte, a Tomasz Kot, actor veterano, le hemos visto recientemente en la obra maestra Cold War (Polonia, 2018), de Pawel Pawlikovski.

Cosmética del enemigo en el Festival Isla Calavera

A Perfect Enemy pudo ser apreciada en la última jornada de la cuarta edición del Festival de Cine Fantástico Isla Calavera, en dos pases, en cada una de las dos salas de Multicines Tenerife asignadas al Festival, después de su exhibición en el Festival de Cine Fantástico de Sitges 2020. El filme gustó tanto en el festival canario, que se erigió con los premios más importantes: el premio del Jurado al mejor largometraje visto en el Festival, premio del Jurado a la mejor interpretación femenina para Athena Strates y premio del Público al mejor largometraje. Todo un éxito que agradecieron el realizador y la actriz enviando sendos videos de agradecimiento al jurado, al público y a la organización del Festival.

FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: ‘ALONE’, de John Hyams

Manuel García de Mesa
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FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: ‘ALONE’, de John Hyams

Durante los días del Festival de Cine Fantástico de Canarias, los cinéfilos pudieron apreciar, en las dos salas asignadas por Multicines Tenerife, el correctísimo filme dirigido por John Hyams, Alone. Es un remake de una película sueca llamada Gone (Försvunnen, Suecia, 2011), dirigida por Mattias Olson y Henrik JP Àkesson. Mattias Olson, también guionista del filme sueco, además de codirector, ejerce mismas labores en el libreto de este remake.

El filme propone un juego bastante familiar en el thriller estadounidense “con psicópata”, bastante propio de los años 80 y 90 del siglo XX. En aquellas décadas florecieron las producciones con un perturbado complicándole la vida al protagonista (o a la protagonista) y a su entorno, en un macabro y tóxico juego del gato y el ratón.

Entre estos filmes de este tipo, encontramos algunos botones de muestra ambientados en autovías del país, como son Carretera al Infierno (The Hitcher, EEUU, 1986), de Robert Harmon (que tuvo a su vez un olvidable remake en 2007), o esa especie de actualización del cuento de Caperucita Roja que fue el thriller Freeway (Sin Salida) (Freeway, EEUU, 1996), de Matthew Bright. Los filmes de Harmon y de Bright se colocan a la cabeza de las referencias de este de Hyams, que también transcurre en carretera y parajes naturales. Pese a la familiaridad de su trama, no debemos pasar por alto este filme, rodado con una absoluta pulcritud y corrección con unos resultados muy estimulantes.

Otras referencias

A Alone podemos colocarla igualmente en un grupo de filmes recientes, donde vemos a un personaje femenino aparentemente vulnerable, pero definitivamente potente, que sobrevive a una amenaza masculina en un entorno salvajemente hostil. Hablamos de títulos como Range Runners (ídem, EEUU, 2019) de Phillip S. Plowden, Swing Low (Ravage) (EEUU, 2019), de Teddy Grennan, o de la francesa Revenge (ídem, Francia, 2017), de Coralie Fargeat.

El realizador John Hyams es hijo del también realizador y guionista Peter Hyams, autor de piezas del fantástico tan convincentes como Capricornio Uno (Capricorn One, EEUU, 1978), Atmósfera Cero (Outland, EEUU, 1981) o The Relic (EEUU, 1997), vista ésta última en la tercera edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera (edición 2019), cortesía de la distribuidora Reel One, que la ha editado en formato doméstico.

John Hyams, por su parte, ha dirigido el sorprendente documental Smashing Machine (EEUU, 2002), sobre una lucha extrema prohibida en USA por su brutalidad; el drama de apuestas deportivas All Square (EEUU, 2018); y al actor belga Jean Claude Van Damme en dos secuelas de la franquicia Soldado Universal. Hyams ha realizado también mucha televisión. Capítulos en la serie Z Nation (EEUU, 2014) o Justicia ciega (Blind Justice, EEUU, 2005), avalan una trayectoria profesional de más de 20 años de carrera.

Alone es el filme que coloca a John Hyams en el disparadero de la industria como un talento a tener en cuenta. Su siguiente trabajo es una versión de la mítica película de los 80, Maniac Cop (EEUU, 1988), de William Lusting.

ATENCIÓN: SPOILERS A CONTINUACIÓN

La joven Jessica, interpretada por Jules Willcox, se encuentra en un momento de su vida de shock, de cambios, como consecuencia de una tragedia familiar. Su esposo se acaba de suicidar. Abrumada emocionalmente, la joven decide recorrer un largo camino en su vehículo con un remolque que contiene sus objetos personales. En la carretera se cruza un hombre de mediana edad que conduce un Jeep Cherokee. El conductor juega con ella al gato y al ratón y posteriormente la secuestra. El hombre tiene una macabra doble vida que la joven va descubriendo a medida que avanza la trama.

El filme que comienza como un duelo en carretera, se convierte en un filme de supervivencia, una pugna de la joven víctima por perdurar en un entorno forestal que en otras circunstancias sería un auténtico paraíso en la tierra. Los bosques de Portland, Oregón, proporcionan un solemne marco de terror a plena luz del día. El suspense está dosificado y el crescendo de la acción es óptimo. La inmersión como espectador en la trama es bastante completa.

El filme está dividido en cinco capítulos que van marcando el entorno específico del glorioso paisaje westerniano donde se desarrolla el filme. “Carretera”, “río”, “lluvia”, “noche” y “claro”, son los descriptivos títulos de las cinco partes en que aparece diseccionada la historia.

El reparto

A la competente puesta en escena hay que reseñar la estupenda labor de los actores, la joven Jules Willcox, vista en Lo Que Esconde Silver Lake (Under the Silver Lake, EEUU, 2018) de David Robert Mitchell y en el filme de Sofía Coppola, On The Rocks (2020), y en la serie Bloodline (Netflix, 2015- ), efectúa un importante despliegue físico, y pasa del miedo al dolor físico y a la obstinación por subsistir, con notable convicción. Su personaje que apenas tiene un contexto dramático resulta correctamente construido en su condición de personaje torturado marcado por el shock emocional.

Jessica debe desplegar su inteligencia para librarse del aparentemente encantador conductor, definitivamente perturbado interpretado magníficamente por Marc Menchaca, muy versátil, con un potente personaje entre manos, que pasa de ser un cariñoso hombre de familia, aparentemente de viaje de negocios, pero que desarrolla un terrible “hobby” de asesinatos y secuestros sin la menor contemplación. El personaje pasa de la corrección y educación más pulcra, al sadismo más absoluto. A Menchaca lo hemos podido ver en las miniseries de HBO El Visitante (The Outsider, EEUU, 2020), y Generation Kill (EEUU, 2008).

Reconocida en el Festival Isla Calavera

Alone gustó mucho en la cuarta edición del Festival Isla Calavera, y sin ser un filme que “sorprende”, con innecesarios giros narrativos, fue apreciada en su corrección y sobriedad por parte del Jurado de largometrajes, que le otorgó el premio a la mejor realización, con una mención especial para la actriz Julie Willcox.

‘LOS CROODS: UNA NUEVA ERA’, la película de animación de estas navidades

Redacción
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‘LOS CROODS: UNA NUEVA ERA’, la película de animación de estas navidades

Este miércoles 23 de diciembre llega a los cines españoles Los Croods: Una nueva era, la secuela de la exitosa cinta de Dreamworks que se convirtió en una de las películas más taquilleras del 2013. Esta nueva entrega llega a los cines dispuesta a convertirse en el evento cinematográfico de las navidades para las familias españolas, ya que está especialmente recomendada para la infancia.

Además, Los Croods: Una nueva era cuenta con Anna Castillo y Raúl Arévalo, que han puesto voz en español a dos nuevos personajes, y que participan por primera vez en un proyecto de estas características. La actriz también dobla la versión catalana de la película. Aquí podéis ver cómo fue su experiencia durante el doblaje de la película.

Sinopsis de Los Croods: Una nueva era

Los Croods han sobrevivido a todo tipo de peligros y desastres, desde bestias prehistóricas de inmensos colmillos hasta el mismísimo fin del mundo, pero ahora deberán afrontar su mayor desafío hasta la fecha: conocer a otra familia.

Obligados a partir en busca de un nuevo lugar donde vivir, la primera familia prehistórica se aventura a explorar el mundo con el objetivo de localizar un lugar más seguro al que llamar hogar. Pero cuando encuentran un idílico paraíso amurallado que cumple con todas sus necesidades y que creen que ha resuelto todos sus problemas, se encuentran con que ese lugar esconde una sorpresa: hay otra familia que ya vive allí, los Masmejor.

Y es que los Masmejor (con énfasis en «mejor»), con su elaborada casa en un árbol, sus asombrosas invenciones y sus enormes huertos, van un par de pasos por delante de los Croods en la escala evolutiva. Y cuando les reciben como sus primeros invitados, no tardan en surgir tensiones entre nuestros queridos cavernícolas y sus nuevos y modernos semejantes.

Pero cuando todo parece perdido, una nueva amenaza embarca a las dos familias en una aventura épica más allá de la seguridad de la muralla, que les obligará a aparcar sus diferencias, aunar fuerzas y luchar por un futuro juntos.

‘SAINT MAUD’: Cine de terror por Navidad

Redacción
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‘SAINT MAUD’: Cine de terror por Navidad

Saint Maud, el impactante thriller de terror psicológico escrito y dirigido por la directora británica Rose Glass, llega finalmente a los cines de toda España este miércoles 23 de diciembre.

Rose Glass debuta con este primer largometraje protagonizado por la ganadora de dos premios Tony y un BAFTA Jennifer Ehle (La noche más oscura, Historia de una pasión o la miniserie Orgullo y Prejuicio) y por la estrella emergente Morfydd Clarck.

Saint Maud se ha convertido recientemente en una de las grandes sorpresas cinematográficas del año, liderando la lista de los Premios del Cine Independiente Británico (BIFA) con 17 nominaciones, incluyendo las categorías de Mejor Película, Mejor Guion, Mejor Dirección (Rose Glass), Mejor Actriz (Morfydd Clark) y Mejor Actriz de Reparto (Jennifer Ehle).

La película ha conquistado a público y crítica allí donde ha sido estrenada, en festivales o comercialmente. Y ha sido el propio director de cine español Juan Antonio Bayona quien ha calificado esta película como “una joya del terror”.

Tras su paso por la última edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges, en la sección Noves Visions, y su estreno en el Festival de Cine de Toronto, la película ha sido aclamada por la crítica.

SINOPSIS DE SAINT MAUD

Maud (Morfydd Clark), una joven y devota enfermera llega a la casa de Amanda (Jennifer Ehle), una famosa bailarina postrada en su aislada casona a causa de una enfermedad. Al principio, Amanda se muestra intrigada por esta joven religiosa que consigue distraerle de su mala salud.

Maud, a su vez, está hechizada por su nueva paciente. Pero Maud no es todo lo que parece. Vive atormentada por un violento secreto de su pasado y por momentos de éxtasis que cree recibir directamente de Dios. Maud se convence de que ha sido enviada a Amanda no simplemente como enfermera, sino para cumplir un propósito divino.

A medida que pierde el control sobre su conexión con la realidad, los cuidados de Maud se convierten en una misión letal para salvar el alma de Amanda, por todos los medios.

Póster de Saint Maud
Póster de Saint Maud

CRÍTICA: ‘BABY’. Cuento de cuentos

Manuel Díaz Noda
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CRÍTICA: ‘BABY’. Cuento de cuentos

El cine de Juanma Bajo Ulloa ve la realidad con filtro de cuento de hadas oscuro. Eso es evidente en sus primeros trabajos, Alas de Mariposa y La Madre Muerta, y lo repitió en Frágil; sin embargo, también hay mucho de cuento de hadas, psicotrópico y vitriólico, pero cuento en Airbag o Rey Gitano. No es de extrañar por lo tanto que su último largometraje deambule por el terreno de lo metafórico y lo iconográfico.

El concepto de la maternidad lo emparenta también con sus dos primeros trabajos, por lo que no es baladí hablar aquí de una recuperación de algunos de los valores primigenios de su cine. Sin embargo, si ya incluso en su época de mayor popularidad el director siempre se negó a plegarse a unos patrones industriales, lo cierto es que su destierro del círculo de confianza del audiovisual español le ha dado alas para profundizar en su discurso y radicalizarse en sus propuestas narrativas.

Baby se desprende de los tratamientos narratológicos tradicionales y apuesta por un discurso libre, que lleva al espectador fuera de cualquier zona de confort. Aunque la escenografía resulte decadente y los acontecimientos desemboquen en momentos truculentos, la película evita con elegancia el morbo de recrearse en el sadismo y la monstruosidad, y nos habla principalmente del Arte y la Naturaleza como portadores de La Belleza, sin canon y sin prejuicio.

La cuidada dirección de arte de Llorenç Mas, la fotografía de Josep M. Civit y la música de Bingen Mendizábal y Koldo Uriarte son algunas de las herramientas con las que Bajo Ulloa construye su propia poética y desafía al espectador a amar lo que ve, aunque sea aterrador. Y esa es la base de los cuentos.

FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: ‘THE RECKONING’, de Neil Marshall

Manuel García de Mesa
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FESTIVAL ISLA CALAVERA 2020: ‘THE RECKONING’, de Neil Marshall

Entre las joyas de cine fantástico que pudieron verse en flamante primicia en la cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, se encuentra The Reckoning, el quinto largometraje del realizador, guionista y montador Neil Marshall, destinado a contribuir a la creación de iconos del cine fantástico en la “mitología calavera”. Nacido en Newcastle, Inglaterra, el 25 de mayo de 1970, tuvo ocasión en su niñez de ver westerns o filmes de terror de Universal en compañía de su padre. Fue el visionado de En Busca del Arca Perdida (Riders of the Lost Ark, EEUU, 1981), el mítico filme de Steven Spielberg, el que realmente despertó su pasión por hacer películas.

El cineasta se formó y se graduó en la NewCastle Film School. Tras dirigir los cortometrajes Brain Death (1992) y Combat (1999), debutó en el largometraje el año 2002 con el filme Dog Soldiers, “un filme de asedio, un filme de soldados con hombres lobo y no al revés”, como el propio Marshall ha sostenido.

The Descent, su mejor filme

A este filme sucedió The Descent, estrenada en 2005, otro filme de supervivencia, despiadado, magníficamente filmado, con un grupo de mujeres tratando de sobrevivir a unas letales criaturas que habitan en las entrañas de una cueva sin explorar en la cordillera de los Apalaches, en EEUU. A partir de este modélico e impactante filme, Marshall se aseguró el tener un personaje femenino de protagonista o antagonista siempre en su cartelera particular.

El siguiente filme, Doomsday: El Día del Juicio, es un remake encubierto de 1997: Rescate en Nueva York, el mítico filme de John Carpenter, que le dio la oportunidad de rendir homenaje a uno de sus realizadores más admirados. Curiosamente, el filme Península, visto en el Festival, también bebe muchísimo de la mítica película, cuya banda sonora escuchábamos en salas entre sesión y sesión.

En 2010, Marshall estrena Centurión, un filme histórico, filmado con estructura de película de terror, con aderezos de western itinerante, así como de influencias históricas, estilo el regreso a casa del guerrero acosado por sus enemigos. El regreso de Ulises a su reino de Ítaca, tras la guerra de Troya, o el de Jenofonte a Grecia con sus diez mil guerreros atenienses a través de territorio duramente hostil, y, por supuesto, el tamizado de esta historia realizado por el californiano Walter Hill en su mítica The Warriors (EEUU, 1979), son algunos referentes directos a nivel temático y formal del filme de Marshall.

Tras pasar la mayor parte de la década de 2010 filmando episodios para series de televisión como Juego de Tronos, Constantine, Westworld, Hannibal o Lost in Space y después de haber sido considerado para dirigir filmes como Predators, Drive, Orgullo y Perjuicio y Zombies, en 2019, Marshall regresó al largometraje, y a la gran pantalla, con el estreno en cine del fallido reboot de Hellboy, demasiado mecánico, previsible e impersonal, pese a contar con un actor perfecto, David Harbour, para encarnar el personaje de cómic creado por Mike Mignola.

Neil Marshall, uno de los miembros del «Splat Pack»

El caso de Marshall es el de un artesano muy correcto, experto en hacer un cine de supervivencia, plagado de violencia áspera, seca, salvaje y sin concesiones. El historiador de cine Alan Jones en la revista británica Total Film acuñó la expresión “Splat Pack” (cuya traducción en español puede ser algo así como el atajo de salpicadores), para hacer referencia a una suerte de “Nueva Ola” de realizadores que hacen filmes de horror particularmente violentos y brutales aproximadamente desde 2002. En ese grupo de cineastas, Jones introduce a Neil Marshall, junto a directores como Alexandre Aja, Eli Roth, James Wan, Rob Zombie, Leigh Whannell o Darren Lynn Bousmann.

Reseña de The Reckoning

The Reckoning, rodado en 2019 en Hungría, nos traslada a algún lugar de Inglaterra en el siglo XVII, concretamente en 1665, una época en la que la plaga de la peste la pandemia de entonces hace estragos. Las claras referencias al “fin del mundo biológico particular” propiciado por la Covid-19, y a la mezquindad del ser humano en unos tiempos donde la solidaridad es requerida, pero la gran olvidada, donde se acusa indiscriminadamente a inocentes, son coyunturas oportunísimas en las fechas de estreno del filme, pero no de su rodaje y concepción. Poco imaginaban Marshall y su equipo las circunstancias del mundo en el 2020 cuando el año anterior filmaban esta película.

El filme constituye un reencuentro del realizador con uno de los protagonistas de Dog Soldiers, Sean Pertwee (el Alfred de la serie de televisión Gotham), rodado de manera absolutamente precaria y en régimen de auténtica supervivencia (Marshall asume labores de producción ejecutiva, escritura y montaje).

The Reckoning, cuya traducción es en el contexto del filme “ajuste de cuentas”, posee estupendas imágenes. La historia está muy bien contextualizada, y el filme se esfuerza en situar la historia en la época concreta en que transcurre y en otorgarle una fuerza inusitada al personaje principal, Grace Haverstock, interpretado por Charlotte Kirk (Ocean’s 8, Vice), que también ejerce de coguionista del filme.

Marshall ejerce, además de realizador, como editor, productor ejecutivo y coguionista. El tercer guionista del filme es Edward Evers-Swindell, que fue parte del departamento de sonido de la mencionada The Descent, la mejor película de su director hasta la fecha. Evers-Swindell es también director y guionista del atractivo filme de misterio Dark Signal (Reino Unido, 2016).

ATENCIÓN: SPOILERS A CONTINUACIÓN

Los 11 primeros minutos introductorios, combinan un flashback en la infancia de Grace (su madre se sacrifica por ella, reforzando la fortaleza de temperamento y espíritu de la joven, y siendo condenada por brujería y quemada en la hoguera ante la forzada mirada de la pequeña), con imágenes en el presente de la acción, donde la joven entierra con sus propias manos bajo una lluvia torrencial a su amado Joseph (Joe Anderson), que se ha ahorcado porque se contagió de la peste. Las imágenes poseen una gran fuerza narrativa.

Grace se verá viuda, con una hija recién nacida, en una tierra arrendada que produce trigo, y que tiene que pagar una renta a Pendelton (Steven Waddington), el Squire (arrendador, propietario de tierras) de la región. Las complicaciones surgen para Grace y su pequeña, cuando habiendo llegado a un acuerdo para el pago de la renta de los siguientes seis meses (los dos anillos de boda, el suyo y el de su esposo muerto, son la moneda de pago), el terrateniente pretende seducirla y en un acto de violencia, es completamente rechazado y golpeado por la joven.

Despechado por el rechazo, el terrateniente inicia una campaña de brujería contra la joven. Se hace traer a la ciudad a un juez inquisidor, Moorcroft (Sam Pertwee), que viaja con guardaespaldas, una mujer de aspecto siniestro, desfigurada, pues sobrevivió a la quema en la hoguera por bruja. Una mujer peligrosa y determinada a proteger al juez. Lo siguiente serán severas sesiones de tortura para doblegar la voluntad de la joven y arrancar su confesión, en un proceso judicial sin la menor garantía, donde las evidencias son meramente indiciarias carentes de peso. Todo ello durante los cuatro días protocolarios para arrancar la ansiada confesión.

Una «caza de brujas»

La metáfora de esta “caza de brujas” con los tiempos inquisidores que vivimos actualmente, donde la veracidad de lo dicho en redes sociales no es contrastada, no es baladí ni casual.

El guion del filme aparece astutamente reforzado con el empleo de palabras muy sonoras en la fonética inglesa, que, además, aparecen oportunamente remarcadas por los intérpretes: términos como Isolate, solitude, pay the rent or lose everything, If you are alive pay the rent, Town is dangerous, Times are though, confess all charges, who you love the most?, Judgement is coming! Evidences are clare and you persist in your innocence, Dévil´s mark, fornicating with the beast, o sentence you to death, son algunos botones de muestra sonoros que resonaron por las salas 17 y 6 de multicines Tenerife como auténticos puñetazos al imaginario de los espectadores-calavera.

A lo largo del metraje de este filme, próximo a los 110 minutos de duración, Marshall nos proporciona imágenes tan impactantes como la de los dos perros devorando a un hombre sentado en el pueblo asolado por la peste, o la de los hombres del pueblo ataviados con máscaras con pico puntiagudo y curvilíneo que acuden a la casa de la joven a capturarla, para juzgarla como bruja, emponzoñados por las palabras del pérfido terrateniente. La casa arde, hay una tormenta con aparato eléctrico y vemos un majestuoso encuadre del caballo de la joven relinchando y a dos patas. En el filme se intercalan imágenes oníricas de carácter fantástico. En un momento del filme entra en el imaginario de la joven, como un fauno, una criatura alada articulada, con cornamenta, a quien parece entregarse sexualmente.

The Reckoning se erige como un irregular pero definitivamente estimulante filme para los aficionados al género y que nos devuelve a un atractivo realizador, muy necesario en el panorama actual del fantástico.

‘MIDNIGHT MASS’: La “misa de medianoche” de Mike Flanagan

Vanesa Bocanegra
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‘MIDNIGHT MASS’: La “misa de medianoche” de Mike Flanagan

Nacido en Estados Unidos, en Salem, la conocida como “Ciudad de las Brujas” con motivo de los juicios que allí tuvieron lugar a finales del siglo XVII, parece que el futuro del guionista y director Mike Flanagan como cineasta especializado en el género del terror estaba predestinado.

Desde los primeros Fantasmas de Hamilton Street (2003) y Absentia (2011), en su trayectoria se acumulan los títulos fantásticos. En 2014, presentaba en el Festival de Sitges la aterradora e impactante Oculus: El espejo del mal, producida por Jason Blum, responsable de éxitos como Paranormal activity e Insidious. Esta historia de dos hermanos huérfanos y el enigma por resolver del asesinato de sus padres, tuvo una gran acogida por parte del público y logró más de 44 millones de dólares de recaudación en todo el mundo.

En 2016, llegaban Hush (Silencio), su primer trabajo para Netflix, y Somnia: Dentro de tus sueños, y, en 2017, la secuela de Ouija, El origen del mal, y la adaptación, también para la plataforma de vídeo bajo demanda, de la novela de terror de Stephen King El juego de Gerald.

A partir de entonces, creó, produjo y dirigió para Netflix la reconocida miniserie La maldición de Hill House, basada en la novela de Shirley Jackson. Su continuación veía la luz este mismo año, a través de la antología La maldición de Bly Manor, inspirada en la aclamada obra de Henry James Otra vuelta de tuerca, una historia que este mismo mes de diciembre también llegaba al cine dirigida por Floria Sigismondi.

Y entretanto, en 2019, estrenaba la magnífica Doctor Sueño, basada en la novela homónima de 2013 de Stephen King, segunda parte de El resplandor, de 1977. Una propuesta que también sirve como secuela directa de la versión cinematográfica dirigida por Stanley Kubrick, sustentándose en varias de sus escenas icónicas.

Una carrera imparable que este año remata con el rodaje de la nueva serie para Netflix titulada Midnight Mass (“Misa de medianoche”). Flanagan ha confirmado vía Twitter que la grabación de todos los capítulos ya ha sido terminada, con estrictos protocolos de seguridad requeridos ante la pandemia. De hecho, según ha indicado, el rodaje se ha extendido entre el 17 de agosto y el pasado 15 de diciembre, con un total de 83 días de trabajo, sin interrupciones. Una producción que se ha convertido en referente y otros estudios han pedido consejo a sus artífices en cuanto a medidas sanitarias, mientras grandes proyectos como The Batman, Jurassic World: Dominion o Mission: Impossible 7 (con gran y mediático enfado de Tom Cruise de por medio) han tenido que parar al conocerse casos positivos de coronavirus en sus filas.

En palabras de Mike Flanagan: “Esta serie supone un proyecto soñado por mí durante muchos, muchos años. Es la historia más personal que jamás he contado. Estaba reacio a dirigir una temporada completa tras Hill House, pero estoy muy contento de haberlo hecho en este caso. Soy muy afortunado de haber trabajado con este elenco y este equipo”.

Está previsto que Midnight Mass, sin fecha de estreno anunciada, cuente con siete episodios para narrar la historia de la comunidad que habita una isla, y que experimenta acontecimientos milagrosos y percibe presagios aterradores, cuando llega un joven sacerdote carismático y misterioso. La serie estará protagonizada por Kate Siegel, esposa de Flanagan y habitual en sus trabajos para cine y televisión. Además, se especula con la posibilidad de que haya una conexión entre Midnight Mass y la película Hush, que también contaba con Siegel en el papel principal de una escritora sorda y muda de nombre Maddie Young.

La nueva serie ‘Midnight Mass’ podría estar conectada con el largometraje ‘Hush’, de 2016.
‘Hush’, de Mike Flanagan.
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