Con el estreno del capítulo final, desde este viernes 22 de agosto, la temporada completa de la serie Furia, compuesta por 8 episodios de 30 minutos de duración cada uno, estará disponible en HBO Max. Creada y dirigida por Félix Sabroso, y producida por Producciones Mandarina, Furiacuenta con la participación de cinco grandes actrices al frente que coinciden por primera vez en pantalla: Carmen Machi, Candela Peña, Cecilia Roth, Nathalie Poza y Pilar Castro.
El reparto se completa con Claudia Salas, Alberto San Juan, Ana Torrent, Claudia Roset, Mima Riera, Pedro Casablanc, Marilu Marini, Iván Pellicer, Francesc Garrido, Martxelo Rubio, Antonio Pagudo y Pepón Nieto, entre otros.
Félix Sabroso con parte del reparto principal de la serie Furia. (c) HBO Max
Furiaes un retrato contemporáneo de cinco mujeres: cinco personajes femeninos que lideran este drama sorpresivo, realista e intenso. Cinco mujeres dispuestas a todo ante situaciones límite como extorsión, opresión, engaño, exclusión o manipulación en un único universo compartido, contemporáneo, articulado alrededor de cinco conflictos que se desarrollarán como un efecto mariposa, uno como consecuencia del otro. Así hasta llegar a catarsis compartidas. Un retrato caleidoscópico del momento social actual con altas dosis de ironía y humor.
Episodio 8: «ESPERANZAS»
Escrito y dirigido por Félix Sabroso, en el último episodio de Furiatitulado Esperanzas, después de un encuentro inesperado con Marga, Tina regresa a la casa de su antiguo jefe, bajo varias condiciones. Más tarde, Nat vuelve a encontrarse con Rosa, Adela encuentra un nuevo propósito y Victoria y Vera tienen regresos triunfales a la televisión.
Alberto Carullo, Antonio Trashorras, David Ocaña y José María Caro son los productores ejecutivos de la serie por parte de Max. Santi Botello y Tedy Villalba Jr. son productores ejecutivos por parte de Producciones Mandarina.
Locarno es una pequeña ciudad de Suiza, situada en el cantón del mismo nombre, en la que, tiempos del cambio climático negado por muchos, en verano hace un calor húmedo y sofocante. Los habitantes y comerciantes de la ciudad están concienciados que en el mes de agosto van a ser invadidos por legiones de cinéfilos y periodistas provistos con metódicos planes de visionados de filmes, series o documentales y ruedas de prensa y conversaciones con los invitados estrella. Turistas ávidos de ver cine con su acreditación colgada al cuello, objetos y motivos decorativos del festival, principalmente con ese leopardo paseante y vigilante de color amarillo con pintas negras, combinación de colores que parece surgida de aquel cómic de la serie de Sin City.
Del 6 al 16 de agosto de 2025, Locarno acogió una nueva edición de su prestigioso festival.
La Piazza Grande, habitualmente despejada, es literalmente ocupada por una pantalla de cine que rivaliza en dimensiones con las de un edificio a su lado de 8 plantas. El sonido se provee con cientos de columnas distribuidas por la plaza. La invasión incluye la colocación de enormes columnas de sonido, repartidas por los reducidos balcones y terrazas privadas de las viviendas más próximas. El espacio de la plaza delante de la erigida pantalla gigante, hasta dar la curva con la calle principal, la vía Franchino Rusca, es literalmente ocupado por miles de butacas, que asegura una visión del filme proyectado desde cualquiera de ellas. Obviamente hay una división de zonas. El sector de la ocupación con entrada previamente comprada, más próximo a la pantalla y la zona posterior, gratuita para la prensa acreditada y una zona para todos aquellos particulares que quieran ver las películas que cada noche del festival.
Hay días que se emiten dos en lugar de un solo filme. La madrugada del domingo 10 de agosto al lunes 11, la Pantalla de Piazza Grande ofrecía una sesión continua. Después de la mini gala diaria, y tras el screening del estupendo western Testa o Croce?, de Alesio Rigo de Righi y Matteo Zoppis, la sala de la Piazza Grande de Locarno, a partir de las 0.00 horas, ofreció todo un festín para los amantes de las impresiones fuertes.
Es curioso cómo opera una especie de “cambio de guardia” las noches de pase doble. Mucha de la gente que acudió a presenciar el estreno de la noche, cuando éste termina, alrededor de la medianoche, luego se va. Al contrario, numerosa gente joven, que ha estado disfrutando de otras ofertas de la noche en Locarno, acude a la Piazza. Es el momento del subidón de adrenalina.
Ambiente durante las proyecciones en la Piazza Grande de Locarno.
La épica pesadilla de horror de Stanley Kubrick, en Locarno
La noche en Piazza Grande del domingo 10 al lunes 11, se tiñó de rojo sangre, mezclado con el color blanco de las dependencias del Hotel Overlook. Stanley Kubrick, que no había hecho nunca una película del género de terror, convierte la experiencia en una de las más aterradoras que se recuerdan. Culmina con este filme una década magnífica para el género, que ha aportado éxitos del calibre de El Exorcista (The Exorcist, EE. UU. 1973), de William Friedkin, o La Profecía (The Omen, EE. UU. 1976), de Richard Donner.
El terror se ha llevado en esa década al mar, con un filme que todavía 50 años después sigue sorprendiendo: Tiburón(Jaws, EE. UU. 1975), y también al espacio con Alien, el 8º Pasajero (Alien, EE. UU. 1979), de Ridley Scott. Todas estas propuestas fueron dirigidas por cineastas, como Kubrick, sin experiencia previa en el terror.
Kubrick convirtió imágenes en principio cotidianas como el paseo de un niño con triciclo por las dependencias moqueteadas del hotel y su encuentro con dos niñas gemelas que quieren jugar con él en una de las imágenes más aterradoras de la historia. Y qué decir de ese proceso mutante de Jack Torrance (un papel impresionante de un Jack Nicholson atado bien corto por parte de un director metódico y maniático, pero que al mismo tiempo lo licencia para que desate su histrionismo como pocas veces hemos visto).
Esa secuencia donde en la entrevista de trabajo se le cuenta a Torrance lo que pasó con el último empleado que se quedó con su familia vigilando las instalaciones del siniestro hotel que en invierno estará aislado, y que culmina con el rostro sonriente de Nicholson garantizando que nada de eso le ocurrirá a él, no puede ser más irónica.
Las secuencias de Torrance paseándose con el hacha por la cocina, el salón o los dormitorios del Overlook, y destrozando la puerta del baño donde está su esposa Wendy (Shelley Duvall), al tiempo que grita «Here’s Johnny» (Traducido en el doblaje español, supervisado por el realizador, como ¡Aquí está Jack!), constituyen parte indisoluble de la historia del género.
Una obra maestra del terror moderno
Kubrick, además, hace algo que sin duda cambia por completo la manera de acometer el terror. La mesa de mezcla de sonido, que constantemente explora nuevas maneras de pasear el horror ante el público, que sabe que hay de modo perceptible o no, algo que no para de inquietarle o martirizarle. Directores de cine posteriores como Paco Plazao M. Night Shyamalan han hecho esto mismo con muchísimo éxito.
En la medida en que Kubrick fue un realizador de mucha personalidad y visualmente arrollador, y de que siempre estuvo al día en las innovaciones técnicas de su oficio, El Resplandor hizo gala de un conjunto de innovaciones técnicas muy importantes. En La Naranja Mecánica (The Clockwork Orange, EE. UU. 1971), el cineasta había hecho un, digamos “uso primitivo” y puntual del steady cam, esa modalidad de cámara en mano, mecanismo que permite al operador desplazar uniformes movimientos con la cámara sin que haya percepción de que hay un ser humano manejándola, imprescindible en el cine contemporáneo. El Resplandores un filme rodado casi en su integridad con Steady Cam. Es la manera diseñada por el cineasta de seguir a Torrance en su camino tortuoso, así como de levantar acta del drama de su hijo Danny, que tiene un amigo imaginario, y que ve personajes muertos en macabras circunstancias. Es claramente un niño con atribuciones especiales.
Con el director de fotografía John Alcott, Kubrick diseñó una labor fotográfica en función del uso de un equipo ligero, la cámara Arriflex de 35 milímetros, y el uso de una gama amplia de tipos de lentes, y en particular el gran angular de 9,5 mm, que se había utilizado contadas veces en el cine, como ya había hecho con la mencionada La Naranja Mecánica. Cineastas de la llamada Generación de la primera televisión estadounidense como Sidney Lumet y John Frankenheimer habían experimentado, con mucho éxito, con el uso contrastado de diversas lentes con fines narrativos.
Para gran dolor de Stephen King, que todavía no era un escritor prolífico y que su relación con el cine no poseía aún un volumen considerable, supuso una decepción. No solo no fue llamado para el proceso de escritura, más bien fue apartado de él (Kubrick decidió escribir el filme con la escritora Diane Johnson), sino que dejó atrás muchísimos elementos que componían el libro, y se varió por completo el final. King había escrito un detallado libreto que no fue utilizado. El escritor aliviaría este desencanto firmando el texto de la versión televisiva de su novela, realizada por Mick Garrisen 1997. Para Stanley Kubrick, el libro era simplemente un punto de partida y el texto se reescribía constantemente, adaptándose al espacio de las localizaciones del hotel. Además, introdujo algunas muertes, pues no veía sentido a que no muriese nadie salvo Jack, ya que estábamos al fin y al cabo ante un filme de terror.
La copia en 35 mm vista en Piazza Grande, con la autenticidad que proporciona el celuloide y su grano, así como el inmenso tamaño de la pantalla, convirtieron la experiencia en algo inigualable.
Milena Canonero recoge el Vision Award en Locarno.
Vision Award para la diseñadora de vestuario Milena Canonero
La propia presencia en la Piazza a las 21.30 horas de la noche de la diseñadora de vestuario italiana, Milena Canonero, toda una gran dama del cine, que recibió el Vision Award, en el Festival de Cine de Locarno que reconoce su destacada carrera y su influencia en el lenguaje cinematográfico a través de sus innovadores diseños de vestuario, que han dado forma a la imaginación colectiva en películas como las dirigidas por Kubrick, Francis Ford Coppola o Wes Anderson. Canonero presentó su tercera y última colaboración con Stanley Kubrick como un filme compendio de las inquietudes del realizador y un baluarte del absoluto control de todo lo que hacía.
Milena Canonero recoge el Vision Award en Locarno.
Ángel Sala, Director Artístico del Festival, Mònica Garcia i Massagué, Directora de la Fundación, y Jordi Sànchez-Navarro, miembro del Comité de Programación, han anunciado la incorporación de más títulos en dos de las secciones más populares del Festival de Sitges: Noves Visions, dedicada a las apuestas que retan las convenciones del fantástico y del propio medio cinematográfico, y Anima’t, que reúne propuestas de animación que en la edición de este año demostrará la capacidad de transgresión de este lenguaje cinematográfico, tanto temáticamente como desde una perspectiva formal.
Noves Visions: ambición formal y temática mirando hacia el futuro del fantástico
About a Hero, de Piotr Winiewicz
La identidad, los afectos y las posibilidades (y límites) de lo humano son ejes fundamentales en esta edición de Noves Visions. De todo ello hablará, a modo de introducción de la sección, en una sesión especial, About a Hero, del polonès Piotr Winiewicz, que se sumerge de lleno en el debate contemporáneo sobre la inteligencia artificial y lo hace con una audaz mezcla de tecnología, ironía y cinefilia. Con un guion generado por IA y referencias explícitas al cine de Werner Herzog, Winiewicz convierte su película en una reflexión que apunta hacia el futuro del cine y las posibilidades de la IA.
The Things You Kill, de Alireza Khatami
The Things You Kill, producción turca del director iraní Alireza Khatami, será la encargada de abrir una amplia selección de títulos que sirve como premonición del futuro del género. La película de Khatami tuvo un exitoso paso por el Festival de Sundance, conquistando el premio a la mejor dirección en la sección World Cinema. Absorbente, inquietante e imprevisible, The Things You Killexplora la identidad (y la fragilidad) masculina con una violencia que pasa de generación a generación.
Every Heavy Thing, de Mickey Reece
En un año en que la comedia de terror es parte importante del leitmotiv del Festival, en Noves Visions se encuentran algunas de las propuestas más interesantes al respecto. A las ya anunciadas Dead Lover de Grace Glowicki y Fucktoysde Annapurna Sriram, se le suman Every Heavy Thing de Mickey Reece, un thriller cargado de humor negro y absurdo que empuja los límites del género mezclando arte digital de inspiración vaporwave con formatos clásicos analógicos. La película está protagonizada por un icono del cine fantástico (y una de las invitadas a esta edición del Festival) como es Barbara Crampton.
Anything That Moves, de Alex Philips
El humor negro tiene una importancia clave en Anything That Moves, de Alex Philips, una película sobre un repartidor de comida que, después de tener sexo por dinero, se ve involucrado en una serie de asesinatos que se remontan a alguien que pasó por su cama.
Buffet Infinity, de Simon Glassman
Otro filme que apuesta por un lenguaje cinematográfico innovador con grandes dosis de humor es Buffet Infinityde Simon Glassman, una historia de desapariciones contada desde el punto de vista de un espectador anónimo que está viendo un canal de televisión local.
The Infinite Husk, de Aaron Silverstein
No solo el terror recibirá un tratamiento diferente en Noves Visions, sino también la ciencia ficción, el otro gran estandarte genérico del Festival. The Infinite Husk, debut en el largometraje de Aaron Silverstein, trata sobre una conciencia alienígena que es enviada a la Tierra para espiar a una persona y, en el camino, aprenderá lo que significa ser humano.
OBEX, de Albert Birney
En un terreno más experimental juega OBEXde Albert Birney, una cinta que arranca cuando su protagonista, Conor Marsh, empieza a jugar a un videojuego de última generación que pone título a la historia. Cuando su perra Sandy desaparece, la línea entre realidad y ficción empieza a difuminarse y el director se adentra en saltos dimensionales y tonales radicales.
A Grand Mockery, de Adam C. Briggs y Sam Dixon
Otros trabajos también nos llevarán a otros mundos que no estarán a años luz de distancia ni promovidos por tecnologías de última generación, sino por el lado oscuro del propio individuo. Así lucirá A Grand Mockery, de Adam C. Briggs y Sam Dixon, que explica la historia de un hombre que vive una vida impasible hasta que sus enfermedades psíquicas le deformen y le hagan acabar en una selva tropical.
Dawning, de Patrik Syversen
En esta misma línea, en la que van a faltar palabras para describir qué estamos viendo, trabajará Patrik Syversen en Dawning, un experimento perturbador en forma de terror psicológico.
Lucid, de Ramsey Fendall y Deanna Milligan
También juega con los límites de la realidad Lucid de Ramsey Fendall y Deanna Milligan, la historia de una estudiante de arte que empieza a usar un elixir para romper su bloqueo creativo, lo que la llevará a un viaje surrealista por su inconsciente, en el que se enfrentará a sus demonios internos.
Crocodile Tears, de Tumpal Tampubolon
En ocasiones, esos viajes íntimos deconstruirán esferas tan próximas como la familiar, como ocurre en Crocodile Tears de Tumpal Tampubolon, la cual nos trasladará a una granja de cocodrilos tan apartada como la mente de su protagonista. Allí conoceremos a una madre autoritaria cuya obsesión por controlar a su hijo se convierte en una inquietante y delirante manifestación de un amor extremo.
Feels Like Home, de Gábor Holtai
Otro asunto de familia es Feels Like Home de Gábor Holtai, un thriller que narra la historia de una mujer que es secuestrada por una familia que afirma que ella es su hija desaparecida. Para intentar sobrevivir mientras trata de escapar, deberá hacerse pasar por esta otra persona.
The Fin, de Park Syeyoung
Noves Visions presentará propuestas que dan giros imprevistos a contenedores clásicos del género fantástico como la distopía que veremos en The Fin del surcoreano Park Syeyoung (una de las selecciones previas de Fantastic 7), la cual reimagina la figura fantástica de la sirena en clave distópica, en una historia donde el viaje hacia lo humano está lleno de dolor, burocracia y violencia poética.
Forte, de Kim Kimbo
Texturas más propias del terror serán en cierta manera deconstruidas o reinterpretadas en propuestas como Forte de Kim Kimbo, una película que transforma un estudio musical en un enclave de terror psicológico.
Be a Good Girl, de Louiza Zouzias
En la misma línea juega Be a Good Girl, de Louiza Zouzias, un retrato perturbador de dinámicas de poder, dependencia emocional y control masculino donde una mujer sumisa deberá enfrentarse a su propia oscuridad cuando el hombre al que ama secuestra a una adolescente para sustituirla.
The Home, de Mattias J. Skoglund
Por otra parte, The Home, del sueco Mattias J. Skoglund, realiza una aproximación serena pero profundamente inquietante al terror emocional y existencial, a través de una historia sobre la pérdida y la desintegración de la identidad.
The True Beauty of Being Bitten by a Tick, de Pete Ohs
Mientras, en The True Beauty of Being Bitten by a Tickde Pete Ohs, seremos testigos de un encuentro entre amigos en el campo que, tras la mordida de una garrapata, se convierte en una pesadilla kafkiana.
Astrid’s Saints, de Mariano Baino
Otro tema recurrente en el cine de terror, tanto clásico como contemporáneo, y que no podía faltar en esta sección, es el del terror religioso. En Astrid’s Saints, el cineasta y artista visual Mariano Baino (conocido especialmente por su inquietante Dark Waters, convertida en película de culto con el tiempo) nos transporta a un limbo entre la fe y la desesperación, donde una madre se aferra al poder de los santos en un intento imposible por revertir la muerte.
Camp, de Avalon Fast
Una espiritualidad más oscura recorre Camp, el inquietante segundo largometraje de Avalon Fast: una historia de redención imposible, brujería moderna y duelos que se repiten como ciclos malditos.
The Holy Boy, de Paolo Strippoli
En esta línea, Noves Visions tendrá como película de cierre de la sección The Holy Boy, de Paolo Strippoli, fábula rural impregnada de religiosidad malsana, en la que la felicidad colectiva esconde un sacrificio escalofriante que explotará en uno de los climax finales más aterradores que podremos ver en el Festival de este año.
Roqia, de Yanis Koussim
Desde Algeria, y directamente llegada del Festival de Venecia, recibiremos Roqia, de Yanis Koussim, una inquietante historia de posesiones.
Transcending Dimensions, de Toshiaki Toyoda
Para concluir el bloque religioso con un estallido de imaginación, Transcending Dimensions, lo nuevo del japonés Toshiaki Toyoda, combina misticismo y ciencia ficción: un asesino y su amante llegan a un santuario en busca de un monje desaparecido y, en su búsqueda, atraviesan las fronteras del espacio hasta otro planeta, donde les espera una batalla mágica.
Tengosei – Shaman Star, de Hidenori Inoue
Como en ediciones anteriores, Noves Visions tendrá un epílogo desde Japón con Tengosei – Shaman Star de Hidenori Inoue, un autor que reivindica el teatro kabuki mediante el geki cine (obras de teatro japonesas grabadas con gran presupuesto). Inoue mezcla humor con un género como el jidaigeki (dramas históricos nipones), dotando a lo clásico de un toque novedoso.
El último arrebato, de Marta Medina y Enrique López Lavigne
En el apartado documental, presentarán El último arrebato, de Marta Medina y Enrique López Lavigne, un desbordante ejercicio de meta-ficción en sintonía con su legendario objeto de estudio: la película con la que Iván Zulueta entraría (y se consumiría-en) la historia del cine.
Animación en Noves Visions
Por otra parte, este año, la animación en Sitges cobra una importancia especial por la calidad y la cantidad de obras que regala la sección Anima’t. Además de que en Noves Visions podremos gozar de algunas de las obras de animación más novedosas e irreverentes del año, con una selección de tres películas ya anunciadas en la rueda de prensa en la Fàbrica Moritz el pasado día 16 de julio: Heart of Darkness de Rogério Nunes (que abrirá propiamente la sección Anima’t), Lesbian Space Princessde Emma Hough y Leela Varghese y The Great History of Western Philosophyde Aria Covamonas, todas ellas a competición en ambas secciones.
Anima’t o el largometraje animado como una de las grandes tendencias del fantástico actual
Este año la animación tendrá un protagonismo capital en el Festival de Sitges. Animación de una calidad espectacular, de todo tipo de géneros y de todos los rincones del planeta. A las tres películas ya mencionadas que también formarán parte de Noves Visions se le suman una gran selección ya anunciadas: All you need is killde Kenichiro Akimoto, Another Worldde Tommy Kai Chung Ng, Arcode Ugo Bienvenu, ChaOde Yasuhiro Aoki y Decoradode Alberto Vázquez.
Angel’s Egg (1985), de Mamoru Oshii
Además, hay buenas noticias para los fans de la animación clásica como son la participación de la versión remasterizada en 4K de Angel’s Egg (1985), de Mamoru Oshii, primer trabajo original de OVA del realizador de Ghost in the Shelly en colaboración con el ilustrador Yoshitaka Amano. Obra vanguardista basada en el libro del Génesis tiene como protagonista a una joven que sostiene un huevo en sus brazos en una ciudad sumergida.
Willy, el gorrión (1989), de József Gémes
Otra recuperación es la del clásico de la animación húngara Willy, el gorrión(1989) de József Gémes,
Retrospectiva dedicada a Bruno Bozzetto
Asimismo, se dedicará una extensa retrospectiva al director de animación italiano Bruno Bozzetto, que abarcará una selección de cortometrajes así como sus largometrajes Vip, mi hermano superhombre(Vip, mio fratello superuomo, 1968), parodia de las historias de superhéroes o Allegro non troppo(1976), homenaje/ parodia de Fantasía, el famoso musical de Disney de 1940.
Dog of God, de Lauris y Raitis Abele
La sección Anima’t se completa con una serie de propuestas que, desde distintos rincones del mundo, elevan el lenguaje de la animación a nuevas cotas narrativas y estéticas. Como novedad, la sección tendrá una serie de proyecciones late night con propuestas muy especiales y perturbadoras. Dog of God, de Lauris y Raitis Abele (otra joya que previamente pusimos en el radar a través de la iniciativa Fantastic 7) nos traslada a una aldea medieval en Livonia donde se unen la superstición, la brujería y las leyendas licántropas en un relato tan oscuro y húmedo como su paisaje.
Memory Hotel, de Heinrich Sabl
La animación en stop-motion brilla en Memory Hotel de Heinrich Sabl, una pieza gestada durante más de dos décadas, que parte del final de la Segunda Guerra Mundial para atrapar a cuatro personajes en un tiempo suspendido, tan real como onírico.
Nightmare Bugs, de Osamu Fukutani y Saku Sakamoto
Nightmare Bugs, de los japoneses Osamu Fukutani y Saku Sakamoto, se adentra en una historia de fantasmas y leyendas urbanas que brotan de un viejo complejo de apartamentos.
Tamala 2030: A Punk Cat in Dark, de t.o.L
El espíritu punk y el caos cósmico regresan en Tamala 2030: A Punk Cat in Darkde t.o.L, continuación del clásico de culto japonés de 2002, donde su protagonista se sumerge en una oscura conspiración felina en el corazón de Cat Tokyo.
Endless Cookie, de Peter y Seth Scriver
En la línea habitual de Anima’t habrá propuestas como la más lúdica y desbordante en su forma, Endless Cookiede Peter y Seth Scriver, un viaje a través del tiempo y el espacio protagonizado por dos hermanastros en busca de conexión, identidad y libertad.
Soy Frankelda, de Arturo y Roy Ambriz
Por su parte, Soy Frankelda, de Arturo y Roy Ambriz, es una potente fábula mexicana sobre la imaginación, el miedo y la reconciliación entre los mundos que habitamos y los que creamos.
The Girl that Stole Time, de Ao Yu y Zhou Tienan
La animación china volverá a sorprendernos con The Girl that Stole Time, de Ao Yu y Zhou Tienan, historia de viajes temporales en clave romántica y emocional que ha triunfado en festivales como Annecy y Fantasia.
The Square, de Kim Bo-sol
Por su parte, The Square, primer largometraje de Kim Bo-sol es una obra animada de belleza contenida y perturbadora que combina la melancolía del amor imposible con las tensiones políticas de un entorno hermético como Corea del Norte.
Una batería de nuevas incorporaciones para dos secciones que redefinen el género y consolidan al Festival de Sitges como buque insignia del Fantástico.
Drácula, la nueva película del aclamado director francés Luc Besson (El profesional (Léon), El quinto elemento, Dogman) que llegará a los cines españoles el próximo 21 de noviembre de la mano de Vértice 360.
Sin abandonar el terror que caracteriza a la novela original de Bram Stoker, publicada en 1897 y adaptada en más de un centenar de series y películas, Besson reinventa el clásico y nos presenta un nuevo enfoque de la historia del famoso vampiro.
Caleb Landry Jones (Dogman, Tres anuncios en las afueras) se mete en la piel del vampiro, mientras que Christoph Waltz (Django desencadenado, Malditos Bastardos), Zoë Bleu Sidel (The Bling Ring, Gonzo Girl) y Matilda de Angelis (Citadel: Diana, Atlas) completan el reparto de Drácula.
Drácula, de Luc Besson. (c) Vértice 360
SINOPSIS DE DRÁCULA, DE LUC BESSON
Tras una devastadora pérdida, el príncipe Vlad II, conde de Drācul (Caleb Landy Jones), renuncia a Dios y es maldecido a la vida eterna, condenado a vagar solitario a lo largo de los siglos. Este es el relato sobre la historia de amor jamás contada del infame vampiro, que desafiará al destino y la mortalidad en busca de su amor perdido.
SOBRE LA PELÍCULA
Drácula es todo un espectáculo cinematográfico. Sus paisajes góticos, trajes suntuosos y una belleza espeluznante definen la estética y sumergen al espectador en esta historia épica que abarca varios siglos, y en la que se mezclan el romance gótico, la acción y el humor negro y que cuenta con impresionantes efectos visuales. Besson nos presenta a un Drácula como nunca antes lo habíamos visto: trágico, encantador y profundamente humano.
En 2024 arrancó el rodaje en localizaciones de Finlandia y París. Además, se realizó un decorado de más de 4.000 metros cuadrados con todas las estancias que componen el castillo del conde en Transilvania.
El actor Caleb Landry Jones y el director Luc Besson se reencuentran en este filme tras haber trabajado juntos en Dogman. Según palabras del propio Luc Besson, decidió escribir el guion de Drácula específicamente para el actor: «Estábamos charlando sobre otros papeles que podrían funcionar para él. Le dije: ‘Estarías genial como Drácula’. Entonces pensé: ‘¿Sabes qué? Voy a escribirlo’».
Para interpretar al famoso vampiro de la forma más cuidada posible, Caleb Landry Jones perdió peso y trabajó el acento rumano que caracteriza a Drácula.
The Walt Disney Company presenta el tráiler de Avatar: Fuego y Ceniza, del cineasta ganador del Óscar James Cameron. La tercera película de Avatarse estrenará en exclusiva en cines de todo el mundo en IMAX 3D, Dolby Cinema 3D, RealD 3D, Cinemark XD, 4DX, ScreenX y pantallas premium el 19 de diciembre de 2025.
El pasado fin de semana, el tráiler se estrenó en la gran pantalla con Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos, ofreciendo a los espectadores un primer vistazo a los efectos visuales, los nuevos clanes y las criaturas de la película.
Con Avatar: Fuego y Ceniza, James Cameron lleva al público de vuelta a Pandora en una nueva aventura con el marine convertido en líder Na’vi Jake Sully (Sam Worthington), la guerrera Na’vi Neytiri (Zoe Saldaña) y la familia Sully.
La película, con guion de James Cameron, Rick Jaffa y Amanda Silver, y una historia de James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, Josh Friedman y Shane Salerno, también está protagonizada por Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Britain Dalton, Trinity Bliss, Jack Champion, Bailey Bass y Kate Winslet.
El slasher juvenil tuvo su época dorada en la década de los 80 donde franquicias como Pesadilla en Elm Street, Viernes 13, Muñeco Diabólico o Halloweencampaban a sus anchas, generando secuelas que se convertirían en citas anuales para los fans. El género se fue desgastando hasta que, en 1996, Wes Craven, uno de los promotores de esta era, dio un vuelta de tuerca curiosa de la mano de Kevin Williamson con Scream, proponiendo un juego metafictivo, entre parodia y reevaluación de los patrones. Un año más tarde, Williamson se apuntó otro tanto con Sé lo que Hicisteis el Último Verano, película que fusionaba los componentes clásicos del slasher con la nueva perspectiva marcada por Scream.
REBOOT DE LA CARTELERA DE LOS 90
Menos prolífica que la contemporánea Destino Final (dos secuelas en 1998 y 2006 y una serie de televisión a modo de reboot en 2021), esta nueva serie de películas no tardaría en mostrar el agotamiento de ideas, máxime teniendo en cuenta que poco o nada aportaba al esquema que la propia Screamse había encargado de criticar. Casi 30 años más tarde, la cartelera sigue trayéndonos nuevas entregas de Screamo de Destino Final, por lo que alguien debe haber pensado si no sería un buen momento para relanzar también esta franquicia.
La nueva entrega de Sé lo que Hicisteis el Último Verano (que obvia en su título cualquier adenda numérica, como también pasó conScreamen su relanzamiento de 2022) canibaliza todos los componentes que ya definieran la resurrección de su hermana mayor. Tenemos un reparto nuevo, se suman componentes propios de nuestra cultura actual (podcasts de true crimes), pero se mantiene el mismo esquema argumental, el lugar donde tienen lugar los crímenes y hay papeles relevantes para protagonistas de la cinta original (incluso algún cameo “inesperado”).
La base argumental reitera sin avergonzarse las mismas ideas de la película de 1997. Un grupo de amigos, en una salida de fiesta, provocan un accidente y ocultan su implicación en la muerte, para después ser asesinados uno a uno por alguien con la misma indumentaria tradicional de la saga. Cambia la relación entre los personajes, cambia la escenificación de los crímenes y se añaden un par de giros sorpresa, especialmente dirigidos a los espectadores veteranos de la saga. Poco más que añadir.
Ni el guion de Jeff Howard y Leah McKendrick, ni la dirección de Jennifer Kaytin Robinson resultan mínimamente destacables. Sí, se evidencia un aprecio por la película original y un intento de hacer algo que honre el legado, además de abrir la puerta a nuevas películas, pero todo resulta demasiado plano y formulaico, sin un apunte de originalidad o frescor.
El nuevo elenco (Madelyn Cline, Chase Sui Wonders, Jonah Hauer-King, Tyriq Withers, Sarah Pidgeon) carece de presencia, y mucho menos con los personajes y los diálogos que les han proporcionado. Tal vez no hayamos hecho demasiado mayores para este tipo de pelis, pero nos da la impresión de que este grupo de adolescentes resulta aún más estúpido y caricaturesco de lo que ya eran sus equivalentes en los 90. Por otro lado, el componente fan service no sólo es irrelevante, sino que está metido con calzador.
No sabemos si este nueva entrega servirá para interesar a las nuevas generaciones en una franquicia que ya hace 30 años tampoco era relevante. Como relanzamiento, nos parece no sólo innecesario, sino mal ejecutado. Esperemos no tener que repetir dentro de un año eso de “sé lo que hicisteis hace 30 años (…y no hace falta que me lo recuerdes)”.
El pasado viernes, en la Comic-Con de San Diego, los fans abarrotaron el panel de Gen V cuando Prime Video desveló el tráiler oficial de la esperada segunda temporada de la aclamada serie spin-off, ambientada en el universo de la ganadora de un Premio Emmy The Boys. Esta temporada de Gen V presenta acontecimientos y revelaciones clave que afectarán directamente a la temporada final de The Boys. Los tres primeros episodios se estrenarán el 17 de septiembre en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo.
Los miembros del reparto Jaz Sinclair, Maddie Phillips, London Thor, Derek Luh, Hamish Linklater, y la showrunner Michele Fazekas subieron al escenario para el panel, moderado por un miembro muy querido por los fans de la franquicia, P.J. Byrne.
Gen V Season 2 Panel at 2025 San Diego Comic-Con Créditos: Chris Frawley/Prime Video Copyright: Amazon MGM Studios
Estrella invitada
El panel empezó con el saludo sorpresa del miembro de Los Siete y exalumno de la Universidad Godolkin, Profundo, interpretado por Chace Crawford, que vuelve como estrella invitada en la segunda temporada de Gen V.
El tráiler oficial de la segunda temporada adelanta novedades para los personajes favoritos de los fans, sorprendentes cameos del universo de The Boys, Ethan Slater (Wicked) como nuevo miembro del reparto en el papel recurrente de Thomas Godolkin, y más revelaciones inesperadas. Sean Patrick Thomas (Till), que interpreta a Polarity, pasa a ser personaje regular para la nueva temporada.
Ethan Slater es más conocido por su papel de “Boq” en la ganadora del Oscar Wicked, además de haber conseguido una nominación a los SAG y a los Tony por su papel protagonista en el musical de Broadway de Bob Esponja. También ha sido aclamado por Spamaloty además de en Gen V aparecerá en Elsbeth, de CBS.
Sinopsis de GEN V 2T
En la segunda temporada, un nuevo curso está en marcha. Mientras el resto de América se ajusta a la mano de hierro de Homelander, en la Universidad Godolkin, el misterioso nuevo decano promueve un plan de estudios que promete hacer a los estudiantes más poderosos que nunca. Cate y Sam son celebrados como héroes, mientras Marie, Jordan y Emma vuelven a la universidad a regañadientes, con el peso de meses de trauma y pérdida encima. Pero preocuparse por las fiestas y las clases se hace cuesta arriba con una guerra entre Humanos y Supers gestándose tanto dentro como fuera del campus. El grupo descubre la existencia de un programa secreto que se remonta a la fundación de la Universidad Godolkin y que podría tener implicaciones mucho mayores de lo que imaginan. Y, de algún modo, Marie forma parte de ello.
La segunda entrega está protagonizada por Jaz Sinclair interpretando a Marie Moreau, Lizze Broadway como Emma Meyer, Maddie Phillips como Cate Dunlap, London Thor y Derek Luh en el papel de Jordan Li, Asa Germann como Sam Riordan y Sean Patrick Thomas como Polarity. Se une al reparto de esta nueva temporada Hamish Linklater como el decano Cipher.
Michele Fazekas es showrunner y productora ejecutiva, mientras que Eric Kripke, Seth Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Neal H. Moritz, Pavun Shetty, Ken Levin, Jason Netter, Garth Ennis, Darick Robertson, Michaela Starr, Ori Marmur, Thomas Schnauz, Steve Boyum y Brant Englestein también ejercen como productores ejecutivos. Loreli Alanís, Gabriel Garcia y Jessica Chou son co-productores ejecutivos. La serie está producida por Sony Pictures Television y Amazon MGM Studios, en asociación con KripkeEnterprises, Point Grey Pictures y Original Film.
Los suscriptores Prime en España pueden disfrutar de ofertas, envíos gratuitos y entretenimiento, todo en una misma suscripción por tan solo 4,99€ al mes o 49,90€ al año. Además, se ofrece a los estudiantes una suscripción con descuento por solo 24.95€ al año a través de Prime Student, que incluye una prueba gratuita de 90 días.
Gen V Temporada 2 – Poster Copyright: Amazon MGM Studios
El mes de agosto estará plagado de depredadores marinos en las salas de cine, y es que desde el lanzamiento de Tiburón(Jaws), de Steven Spielberg, el 20 de junio de 1975, no faltan películas de este subgénero cada verano.
DANGEROUS ANIMALS
Para abrir boca, el viernes 14 se estrena en España el esperado thriller de terror Dangerous Animals, que tuvo su premiere mundial en la Quincena de Realizadores del Festival Internacional de Cannes. Una nueva apuesta que combina el género de asesinos en serie con la amenaza de tiburones, y llega de la mano del director y guionista nacido en Tasmania, Sean Byrne. Responsable de thrillers de terror como The Loved Ones(2009) y The Devil’s Candy(2015), se ha convertido en uno de los talentos más interesantes del terror independiente contemporáneo.
Dangerous Animals está protagonizada por Jai Courtney (Escuadrón suicida), Hassie Harrison (Yellowstone) y Josh Heuston (Dune: Prophecy), para contar la historia de Zephyr, una surfista de espíritu libre que es secuestrada por un asesino obsesionado con los tiburones. Cautiva en su barco, tendrá que averiguar cómo escapar antes de que el psicópata lleve a cabo su grotesco ritual de alimentación a los escualos.
TIBURÓN BLANCO: LA BESTIA DEL MAR
Una semana más tarde, el 22 de agosto, los cines reciben la película Tiburón Blanco: La bestia del mar, también dirigida por otro cineasta australiano, Kiah Roache-Turne, tras atreverse en Sting. Araña asesina con las temibles criaturas de ocho patas. Conocido por su arriesgada e innovadora visión cinematográfica, ha escrito, dirigido y editado este largometraje que le consolida como talento especializado en el género de terror con toques de gore.
Su relato tiene lugar en medio del mar de Timor, en el extremo oriental del océano Índico, donde tras un ataque brutal de las tropas japonesas, un pequeño grupo de reclutas queda varado. Sin provisiones ni manera de regresar a casa, los soldados pronto descubrirán que un tiburón blanco con sed de sangre está siguiendo sus pasos muy de cerca.
El reparto está encabezado por los actores también australianos Mark Coles Smith, popular por la miniserie Vinagre de manzana, Lee Tiger Halley (miniserie Chico come Universo), Sam Parsonson (Love my way) y el debutante Joel Nankervis. Por cierto, ya en mayo de 2021 aterrizaba en cines españoles otra película titulada Tiburón Blanco, de los creadores de El arrecife y A 47 metros, dirigida por Martin Wilson.
50 años de TIBURÓN
Pero, aunque cada año se sumen megalodones prehistóricos, los tiburones voladores de la franquicia Sharknado, los modificados genéticamente y otras amenazas, aún no ha habido otro título que haya logrado hacer sombra al mítico Tiburónde Spielberg, que cumple este año su 50º aniversario.
El clásico del género se podrá volver a ver en pantalla grande el próximo 28 de agosto, en un evento especial organizado por la asociación cultural Charlas de Cine en Multicines Tenerife, en La Laguna. La proyección de la película vendrá arropada por un coloquio abierto al público en el que los expertos invitados recordarán la mítica producción, su rodaje, su genial banda sonora, compuesta por John Williams, y cómo se convirtió con su estreno en punta de lanza del concepto moderno de blockbuster veraniego.
El cine de tiburones sigue conquistando a nuevas generaciones porque apela al instinto más primitivo del ser humano: la necesidad de sobrevivir frente a fuerzas incontrolables. Así, cada propuesta actual no solo homenajea al Tiburón de Spielberg, sino que reimagina el “terror de supervivencia” como el motor que mantiene a los espectadores al filo de la butaca verano tras verano.
Evento Especial Charlas de Cine Tiburón 50º Aniversario
El esperado nuevo trabajo de Alberto Vázquez, responsable de Unicorn Wars, formará parte de la Sección Oficial de la 58ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebrará del 9 al 19 de octubre. Decoradollegará posteriormente a los cines españoles, el 24 de octubre, de la mano de Barton Films.
Decoradoes un largometraje de animación que combina sátira, surrealismo y humor negro para sumergirnos en una realidad inquietante y absurda. Su protagonista, un ciudadano aparentemente corriente, comienza a sospechar que todo a su alrededor —su trabajo, su pareja, su ciudad— forma parte de una gigantesca farsa.
Con un estilo visual único y un enfoque mordaz sobre la existencia humana, Alberto Vázquez (Psiconauta, Unicorn Wars) firma una fábula oscura e hipnótica sobre el control social, el artificio de la vida y la fragilidad de nuestras certezas. Una obra tan provocadora como hermosa, destinada a convertirse en una de las películas de animación más aclamadas y sorprendentes del año.
Con guion de Alberto Vázquez y Francesc Xavier Manuel, Decoradoes una producción de Chelo Loureiro, Iván Miñambres, J. M. Fdez de Vega, Nuno Beato y Diogo Carvalho.
SINOPSIS DE DECORADO
Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial. Su matrimonio se desmorona, su vida le parece absurda y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja. Lo que comienza como una paranoia cotidiana se convierte en una huida desesperada hacia algo que se parezca, aunque sea un poco, a la libertad.
NOTAS DE ALBERTO VÁZQUEZ
En palabras de Alberto Vázquez: “La historia de Decoradonace de un largo camino lleno de casualidades, hallazgos artísticos y personas que hicieron posible este largometraje. Siempre me ha interesado abordar temas contemporáneos a través de la fantasía. La metáfora y el cuento permiten narrar desde otro lugar, ofreciendo nuevas perspectivas sobre la realidad. Los animales, al no estar atados a un tiempo ni a un espacio concretos, pertenecen a todas las culturas; provienen de las fábulas, de los cuentos clásicos, pero también de los orígenes del cómic y la animación. Por eso están profundamente arraigados en nuestro imaginario colectivo y se entienden en cualquier lugar del mundo. Además, los animales son más bonitos en todos los sentidos que los humanos».
«En 2016, justo tras terminar la película Psiconautas, escribo y dirijo el cortometraje Decorado, de unos diez minutos, donde recupero parte de esas historias y utilizo una gráfica inspirada en los grabados del siglo XIX, al estilo de Gustave Doré. Decoradorefleja la lucha existencial de Arnold y María, una pareja de ratones ordinarios atrapados en la mediocridad de un mundo superficial, controlado por una megacorporación omnipresente: ALMA (Almighty Limitless Megacorporative Agency), que fabrica y domina absolutamente TODO, como si Google, Amazon o Monsanto se hubieran fusionado en una sola entidad. Arnold atraviesa una crisis múltiple —existencial, laboral, emocional y amorosa— y su batalla personal frente a esta sociedad prefabricada marcará su camino hacia la búsqueda de la libertad. la película se convierte en una fábula crítica sobre el sentido de la vida y la libertad humana y refleja que la única salida posible reside en los vínculos afectivos reales y sinceros. La verdadera amistad y el amor aparecen como salvación frente a un mundo saturado de relaciones superficiales y de trabajo vacío. A nivel gráfico, Decoradoguarda una continuidad con las películas anteriores y con el cortometraje original, aunque en esta ocasión la dirección de arte de José Luis Ágreda aporta una visión gráfica propia que enriquece el resultado: un dibujo sólido y un uso del color narrativo, expresivo y simbolista. La animación, dirigida por Pamela Poltronieri, mantiene un equilibrio delicado para lograr que los personajes, aunque sean animalitos, tengan unas emociones muy humanas”, añade.
Según el productor ejecutivo Grant Curtis, lo que diferencia a Los 4 Fantásticos de otros héroes es el hecho de que son una familia. «El Universo Cinematográfico Marvel ha explorado temas de familia en el pasado con Los Vengadoresy los Guardianes de la Galaxia– pero son la familia que eliges, la familia de la que puedes alejarte», dice Curtis.
«Pero ¿y si tu equipo de superhéroes fuera también tu familia nuclear, la familia de la
que no puedes alejarte? ¿Y si son tu hermano, tu hermana, tu marido, tu mujer, tu mejor amigo de la universidad? Nos dimos cuenta de que teníamos un nuevo lienzo sobre el que pintar».
PERSONAJES Y TALENTO
REED RICHARDS
Es un brillante inventor, astronauta y explorador, a menudo llamado imaginauta por su capacidad para soñar e impulsar a la humanidad hacia adelante, y eso es lo que era antes de convertirse en Míster Fantástico. Aunque sus logros benefician a la humanidad, Reed lucha con las conexiones personales. A menudo se siente más cómodo enfrentándose a los retos cósmicos del universo que abordando los problemas del día a día. Reed se define por sus ideas visionarias y por la inmensa responsabilidad de proteger el mundo que carga sobre sus hombros.
Pedro Pascal interpreta al marido, inventor y superhéroe. Según Matt Shakman, «Pedro es un actor brillante, con mucha humanidad y mucha inteligencia en lo que hace. Tiene seriedad. Se le puede creer como el jefe de este grupo tan importante, el líder al que mira la humanidad cuando todo está en problemas. Necesitábamos a alguien que tuviera la inteligencia de un Doctor Extraño o Tony Stark, pero también mucho corazón. No es arrogante ni ostentoso, sólo tiene los pies en la tierra y esa ‘energía de padre’ que hace que sea fácil conectar con él. Pedro está increíble en este papel».
Según Pascal, los poderes del personaje tienen mucho sentido. «Reed Richards tiene poderes de estiramiento», dice el actor. «Es elástico y puede estirar cada parte de su cuerpo. Me encantó la metáfora de estirarse demasiado, o de excederse, porque creo que a veces se le sube demasiado a la cabeza.»
Pascal añade que las habilidades especiales de Reed se extienden a su vida doméstica. «Puede coger una caja de cereales desde el otro lado de la habitación».
La historia explora la fuerte conexión y el matrimonio de Reed con Sue Storm. Su dinámica les convierte en un equipo ideal: mientras que Reed piensa las cosas con más detenimiento, Sue actúa por instinto.
Es una de las figuras más poderosas y multidimensionales de Marvel. La Mujer Invisible representa una evolución del personaje original, que crece tanto en fuerza como en complejidad. En Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, Sue es un personaje resistente, emocionalmente rico y lleno de recursos que inspira respeto y admiración. Vanessa Kirby fue la encargada de dar vida a la heroína. «Vanessa es capaz de transmitir el poder y la humanidad de Sue de forma brillante», dice Shakman. «Es dura, pero también es la líder emocional. Sabe manejar todas las situaciones. Y es un poco adicta a la adrenalina. Vuela sobre la marcha».
Sue también aparece como directora de la Fundación Futuro. Según Vanessa Kirby, «queríamos centrarnos en sus esfuerzos por hacer avanzar a la humanidad y realizar cambios positivos sin que se tratara de que rompiera barreras como mujer. Me gustó mucho ese enfoque porque no quería que el género fuera el centro de atención».
Kirby trabajó con la entrenadora Jennifer White para establecer un lenguaje de movimiento para crear campos de fuerza y demostrar sus poderes de invisibilidad. A Kirby le gustaba la idea de que la energía partiera de un punto central, fluyera hacia sus brazos y manos y creciera a partir de ahí. Juntos desarrollaron un patrón general para cada movimiento, que variaba en función de la urgencia y la intensidad de la situación; los movimientos iban de etéreos y aéreos a más inmediatos y agresivos.
BEN GRIMM
Era un atleta de talento y piloto de caza antes de convertirse en La Cosa. Cuando se transformó en un ser rocoso casi indestructible, Ben se apoyó en su capacidad para proteger y defender.
Pero, aunque sus poderes incluyen resistencia, durabilidad y una fuerza aplastante, la transformación también le hizo sentirse aislado y cohibido; siente que ya no puede llevar una vida normal. «La Cosa es el personaje más grande, fuerte y duro de los cómics, pero también es el más blando y dulce por dentro», dice Shakman. «Es una persona increíblemente sensible. Ebon Moss-Bachrach es el actor perfecto para dar vida a esa fuerza y vulnerabilidad simultáneamente.»
A Moss-Bachrach le fascinó el personaje. «En el fondo, es un hombre profundamente conflictivo dentro de este exterior de roca», dice el actor.
«Desde el punto de vista de la interpretación, es un gran combustible con un material infinito que explorar y con el que jugar para intentar casar estos dos personajes tan dispares».
Efectivamente. Ben Grimm siempre está luchando contra esa tensión entre estar conectado con el mundo humano y ser alguien que no pertenece a él. En la película, regresa a la casa de su infancia en Yancy Street, descubriendo la oportunidad de reconectar con su pasado, lo que eleva su lado más sensible.
Según Shakman, la interpretación de Moss-Bachrach es el corazón del personaje en la pantalla. «Me centré en todo lo que hace de Ebon un actor tan brillante: su forma única de moverse y de hablar. Todos esos matices se trasladan a la versión CGI del personaje, dándole profundidad y haciéndolo sentir auténtico.»
Es el clásico adicto a la adrenalina que se define por sus poderes y la emoción de ser un héroe. Como Antorcha Humana, su ardiente personalidad cobra vida, pero Johnny siempre ha vivido al límite, persiguiendo el próximo subidón. Sin duda, no le importaría encontrar una conexión significativa, y cuando encuentra a su pareja, no puede dejar de pensar en ella.
Joseph Quinn fue el encargado de dar vida a este animado héroe. «Es un alma un poco perdida, siempre buscando el amor, como muchos de nosotros, y encontrándolo a veces en los lugares equivocados», dice Quinn.
«Pero intenta dar sentido a esta situación extraordinaria en la que se encuentra, y a menudo está que arde».
Shakman también trabajó con Quinn en Juego de Tronos. «Es un actor brillante capaz de tantos enfoques diferentes en tonos y estilos», dice el director. «Aporta mucho encanto, mucha profundidad, así como humor a lo que hace. Es el actor perfecto para reinventar e imaginar de nuevo este personaje».
GALACTUS
Es una de las entidades cósmicas más poderosas y temibles del Universo Marvel, que apareció por primera vez en Fantastic Four nº 48 en 1966. Conocido como Devorador de Mundos, Galactus no es un villano en el sentido tradicional, sino más bien una fuerza intergaláctica de la naturaleza que debe consumir planetas para sobrevivir.
Ralph Ineson, que interpreta al personaje, describe a Galactus como un jardinero cósmico. «Es la necesidad», dice Ineson. «Mantiene el universo en equilibrio. Los sentimientos y pensamientos de los mortales de cualquier planeta que esté comiendo no tienen realmente ninguna importancia para él.»
En Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, Galactus se da cuenta de la existencia de vida inteligente en la Tierra gracias a los últimos experimentos de Reed. Una vez que la Tierra es elegida como próxima comida del voraz gigante, Silver Surfer transmite la alarmante noticia, desencadenando la acción de los héroes.
Ineson se enfrentó a la enormidad de Galactus centrándose en la idea de tamaño y poder. Trabajó para profundizar en su respiración, experimentando con un estilo más yóguico. Para ayudar a visualizar su inmenso poder, Ineson vio vídeos de catástrofes naturales como tsunamis y tornados. Pero es su voz la que realmente ancla el papel. «Tengo una voz naturalmente grave», dice el actor. «Pero este personaje me dio la oportunidad de profundizarla aún más, de hacer que Galactus sonara como un ser que no ha hablado en millones de años, como si estuviera luchando por arrancar, con una calidad áspera, cansada y profunda para reflejar el largo silencio y la inmensa edad de Galactus».
El impresionante diseño del traje de Galactus supuso un reto único para la diseñadora de vestuario Alexandra Byrne y su equipo, no sólo por el tamaño, sino también por la complejidad de la armadura. El traje se diseñó a un tamaño humano normal, y luego se amplió mediante magia cinematográfica para el enorme personaje en pantalla. Cada detalle tenía que estar meticulosamente elaborado para que, al ampliarlo, siguiera pareciendo completamente real.
Ryan Meinerding, jefe de desarrollo visual de Marvel, imaginó a Galactus y su armadura como una nave espacial. Esta idea ayudó a dar forma al diseño: Galactus podía ser tanto un ser vivo como una nave espacial gigante. El resultado fue uno de los trajes más grandes y detallados jamás construidos. Rodaron al personaje casi como una miniatura, lo que requirió una iluminación exhaustiva para garantizar que todo estuviera perfectamente enfocado.
Más luces significaba más calor, así que Ineson llevaba un aparato de aire acondicionado personal en el traje entre los montajes para mantener baja su temperatura corporal. También supuso un reto para la diseñadora de maquillaje y peluquería Elizabeth Yianni Georgiou. El diseño combina maquillaje tradicional con efectos visuales. El equipo de peluquería y maquillaje trabajó para adaptar los tonos de piel del personaje al traje, utilizando dorados y verdes oscuros con mucho brillo para mantener intactas las cualidades humanas de Galactus.
SILVER SURFER
Con su presencia metálica y etérea, irradia fuerza, misterio e intrepidez. Heraldo de Galactus, Silver Surfer viaja por el cosmos en busca de planetas valiosos y vulnerables para que el insaciable gigante los consuma. Pero el heraldo no parece disfrutar con esta ingrata tarea.
Julia Garner fue elegida para interpretar al escurridizo personaje. «Es tranquila, pero también indiferente», dice Garner. «No va a dar sus cartas rápidamente. Como mensajera, simplemente transmite los hechos sin enredarse en conversaciones hipotéticas.»
La misteriosa coraza exterior de Silver Surfer esconde una historia complicada. «Cuando algo está profundamente reprimido y reprimido, se acumula hasta que algo lo desencadena, como abrir la caja de Pandora», dice Garner. «Como actriz, me pareció muy interesante explorar ese aspecto. Es un personaje muy complejo de interpretar».
El primer día de rodaje de Garner fue una gran introducción al papel. En la escena, Silver Surfer transmite un escalofriante mensaje a los neoyorquinos desde lo alto de una torre situada a 9 metros por encima de 300 extras durante una fría y ventosa noche de noviembre en un plató de Pinewood.
Según la actriz, la icónica tabla de surf contribuyó a su interpretación. «La tabla es sin duda una extensión de ella», dice. «Es como la postura o el modo de andar de una persona puede revelar su estado de ánimo. Cómo me muevo sobre la tabla refleja mi estado interior. Si está alterada, sus movimientos pueden ser más erráticos; si está tranquila o estoica, su surf es más firme».
Para prepararse para el papel, Garner aprendió zenn-lavian, un lenguaje construido para la película. «Es un idioma divertido en el que sumergirse, y es genial interpretar a un personaje que habla una lengua alienígena», dice.
HARVEY ELDER
Alias La Cosa, es un antiguo enemigo de los Cuatro Fantásticos, pero hace tiempo que disfrutan de una frágil paz. El Hombre Topo, un brillante científico rechazado por su aspecto y sus ideas, encontró consuelo y comunidad bajo tierra con unos seres parecidos a los mutantes conocidos como los Moleoides. En Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, la relación entre Harvey y Sue Storm es buena, basada en el respeto mutuo y en una especie de parentesco. Sue comprende a Harvey. Reimaginar al villano del cómic, el Hombre Topo, fue un reto apasionante para los realizadores, cuyo objetivo era que pareciera una persona real dentro del mundo establecido. El personaje tenía que ser cercano y, al mismo tiempo, mantenerse fiel a las raíces del Hombre Topo en los cómics. Por eso va vestido con ropa realista y cotidiana.
Paul Walter Hauser, que interpreta a este excéntrico personaje, es un gran fan del traje. «Me dieron todo lo que podía soñar como fan: los guantes y la capa improvisada de bajos ingresos. Todo da la sensación de haber sido usado durante mucho tiempo, el olor, el tacto, el aspecto… realmente ayuda a explorar el personaje». «Hay algunos momentos llamativos», continúa Hauser. «Pero al final, lo basé en la realidad, más como una figura descontenta de tu pasado, como un director gruñón, un vecino con el que no te llevas bien o un senador al que nunca votarías. Ese es el ambiente que buscaba».
LYNNE NICHOLS
Es jefa de personal de los Cuatro Fantásticos y de la Fundación Futuro. Dedicada y capaz, hace su trabajo. Lynne mantiene una relación especial con Sue Storm, basada en la comprensión y el respeto mutuos.
Sarah Niles, encargada de interpretar a Lynne, dice que el personaje no es tímido. «Es muy testaruda y tiene un sentido del humor seco e ingenioso», dice Niles. «Realmente mantiene a los Cuatro en vilo y avanzando». Niles añade que el personaje tiene mucho estilo. «Tiene grandes peinados, y lleva mucho color – hay un montón de rosas y azules. Siento que tiene una cierta confianza en sí misma que se refleja en su traje.»
Es el pegamento que mantiene unida a la Primera Familia de Marvel. Es la mano derecha de Reed Richards en el laboratorio, el cocinero de Ben Grimm en la cocina y el ayudante de todos. H.E.R.B.I.E. fue una construcción de efectos especiales práctica y compleja con mejoras de efectos visuales para crear los efectos de balanceo y suspensión. El supervisor de efectos especiales Alistair Williams y su equipo tuvieron libertad creativa para hacer que el robot se moviera y se emocionara, manteniéndose fieles a sus orígenes en los cómics. H.E.R.B.I.E. tiene partes móviles, como los dedos, los codos, los hombros y la cabeza, que requieren motores y fuentes de energía.
Williams afirma: «Exploramos mucho la emoción y la amplitud de movimientos y enseguida nos dimos cuenta de que era una combinación de cosas lo que daba a H.E.R.B.I.E. su carácter. Si no movía los brazos, se alejaba un poco de su carácter. Si su cabeza no se inclinara, o sus ojos no giraran, o si no tuviéramos las pequeñas protuberancias de la boca moviéndose, perderíamos algo. Realmente es una suma de sus partes».
H.E.R.B.I.E. se construyó en 16 semanas. Está hecho de resina impresa en 3D, plexiglás y aluminio. En el plató, H.E.R.B.I.E. fue manejado por un equipo de cinco personas. También había una versión más sencilla del robot que Jack Parker manejaba con marionetas en los decorados a los que era más difícil acceder con la versión teledirigida.
