Energy Sistem lanza al mercado la nueva familia de altavoces portátiles Bluetooth Energy Outdoor Box, pensados para personas con espíritu aventurero que buscan disfrutar de su música en sus escapadas al aire libre ya sea a pie o en bici. Energy Outdoor Box se compone de dos dispositivos, Energy Outdoor Box Adventure y Energy Outdoor Box Bike.
Con características muy similares pero objetivos de uso muy diferentes, ambos altavoces disponen de conexión Bluetooth para reproducción inalámbrica, reproductor microSD-MP3, entrada de conexión Audio-In mediante minijack de 3,5 mm y radio FM.
Su batería de 2000 mAh le confiere hasta 14 horas de autonomía, la robustez de sus materiales le proporcionan resistencia a barro, salpicaduras y caídas de hasta 1 metro de altura. Además cuentan con linterna LED por si la ruta se alarga y caen los primeros rayos de sol.
El Energy Outdoor Box Bike incluye todos los accesorios necesarios para colocar sobre la bicicleta como soporte de sujeción al manillar y mochila para fijar el altavoz al cuadro de la bicicleta con compartimento para guardar el smartphone. Por su parte, el Energy Outdoor Box Adventure incluye mosquetón para colgarlo de la mochila y escuchar música durante las salidas a pie.
Además, con la nueva aplicación Energy Music, Energy Sistem pone a disposición de los usuarios la posibilidad de cambiar la ecualización del sonido para disfrutar de los mejores graves y agudos, sea cual sea el estilo musical.
A todo clásico del cine de terror le llega, más tarde o más temprano, un remake en la búsqueda de dar continuidad a un producto de éxito atrayendo a las salas a parte del público por nostalgia y a otros por curiosidad. Le ha llegado el turno a la película Al final de la escalera (The changeling).
Dirigida en 1979 por el realizador de origen húngaro Peter Medak, narraba una espeluznante historia recogida por el escritor Russell Hunter inspirado en sus propias vivencias en la mansión Henry Treat Rogers, situada en Cheesman Park, en Denver (Colorado), en los años 60. La película sin embargo no se rodó en la tristemente famosa mansión (actualmente desaparecida), sino que se construyó una gran fachada acorde con los intereses de la producción. Los interiores eran también decorados creados para la misma.
Este relato se encuentra entre las mejores películas de casas encantadas de todos los tiempos. El actor George C. Scott (a quien vimos en Patton y en la escalofriante El Exorcista 3) interpretaba en la original a John Russell, un prestigioso compositor que tras perder a su mujer y a su hija en un accidente de tráfico se traslada a Seattle para iniciar una nueva vida como profesor de música. Allí alquilará una antigua vivienda victoriana en las afueras de la ciudad, donde no tardará en percibir una presencia sobrenatural. Trish Van Devere acompañaba en el reparto a Scott, con quien estuvo casada hasta el fallecimiento del legendario actor en el año 1999. La actriz interpretaba a la agente que ayuda al protagonista a adquirir la casa y posteriormente en la investigación de los hechos paranormales.
Cineastas como Martin Scorsese, M. Night Shyamalan, Guillermo del Toro o Alejandro Amenábar han señalado la influencia del film en su obra y títulos como ‘Los otros’, del español, dan buena cuenta de ello. Estamos ante una obra maestra del género, que camina de forma paralela a propuestas enmarcadas en el slasher o el gore; una propuesta totalmente contraria donde la inquietante atmósfera, los planos subjetivos, el ritmo de la narración y lo sugerido frente a lo explícito, con el apoyo fundamental de su magistral banda sonora y su delicada fotografía, son las claves de su éxito.
Peter Medak, aún en activo a sus 80 años y con otros títulos a sus espaldas como Species II y capítulos de series de televisión como Más allá de los límites de la realidad en los ochenta y más recientemente Hannibal, Breaking bad o The Wire no dirigirá la nueva versión de su película. Según han anunciado esta semana fuentes de la productora Cornerstone Films, será Mark Steven Johnson, director de Daredevil (2003) y Ghost Rider: El motorista fantasma (2007), quien se ponga detrás de la cámara con un guion de su propia autoría. También se han conocido diversos cambios en la trama. La historia transcurrirá ahora en Venecia. Tras la muerte de su hija, Joe Carmichael regresará a la casa familiar donde creció en Italia, lo que modifica absolutamente argumento.
A la espera de conocer la fecha de lanzamiento en cines de la nueva Al final de la escalera’, en el horizonte se encuentran otros remakes de clásicos del género como Suspiria’ la segunda parte de It o Pet Sematary (Cementerio de mascotas).
Estrenada el 1 de mayo en Netflix, “The Maus” fue la película escogida para clausurar el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera el pasado mes de noviembre.
Rodada en parte en Tenerife, dirigida por Yayo Herrero y protagonizada por Alma Terzic, August Wittgenstein, Ella Jazz y Aleksandar Seksan, la cinta es una intensa narración, a medio camino entre el survivial y la alegoría histórica, con un leve componente sobrenatural.
Esta historia de una pareja (ella bosnia, él alemán) perdidos en el bosque y que se encuentran con dos montañeses serbios busca mantener al espectador en un estado de ansiedad continua. El espacio amenazador del bosque asume un protagonismo especial y opresivo, válido tanto para el componente histórico, realista, como para las escenas de corte onírico o irreal con la presencia del ser deforme, representación del odio y el miedo interior de la joven protagonista. Como heredera del survival, la trama nos retrotrae a conceptos como la confrontación entre un pacífico y amedrentado espectro civilizado frente al violento contexto de las zonas más profundas y agrestes. Al mismo tiempo, ese enfrentamiento entre la protagonista musulmana y los dos serbios se puede leer como una alegoría del conflicto de los Balcanes, con una pasiva Europa testigo de la violencia, pero incapaz de hacer nada. Los actores ofrecen un excelente trabajo, especialmente Alma Terzic.
Es ella quien logra mantener el interés del espectador en todo momento, mientas que Wittgenstein se esmera en defender un personaje demasiado pusilánime y carente de interés. Sobre el papel, la idea es potente y ambiciosa, sin embargo, en nuestra opinión, se abusa a la hora de dilatar y reiterar las situaciones para lograr el metraje necesario, extendiendo hasta la hora y media algo que podía resolverse con una duración mucho menor.
La saga de Jurassic Park es, sin duda, una de las más exitosas de la historia del cine. Las dos películas de Steven Spielberg, la de Joe Johnston y la de Colin Trevorrow han recaudado más de 3.500 millones de dólares y ahora, la nueva entrega dirigida por el español J. A. Bayona, promete volver a romper la taquilla y seguir poniendo de moda a los dinosaurios en todo el mundo.
Al calor del estreno de Jurassic World: El reino caído la Editorial Dolmen pone en las librerías La saga jurásica, un libro de 240 páginas en el que se estudia con detalle todos los aspectos de cada una de las cinco películas que han desarrollado el mito creado por el desaparecido Michael Crichton.
Escrito con un estilo dinámico y atractivo por Jorge Fonte, un ensayista cinematográfico que cuenta con casi una veintena de títulos en su haber, este libro te invita a adentrarte en el fantástico mundo de estos seres que dominaron la Tierra hace 65 millones de años.
SOBRE EL AUTOR
Jorge Fonte (S/C de Tenerife, 1967) es autor de los siguientes libros de cine: Woody Allen(Ed. Cátedra, 1998. Sexta edición 2012), Walt Disney. El universo animado de los largometrajes(1937-1967) Vol. I (T&B Editores, 2000. Segunda edición 2005), Walt Disney. El hombre, el mito (T&B Editores, 2001), Walt Disney. El universo animado de los largometrajes(1970-2001) Vol. II (T&B Editores, 2001), Todo empezó con un ratón(T&B Editores, 2004), Steven Spielberg. En busca de la película perfecta(Ediciones Jaguar, 2008), Oliver Stone (Ed. Cátedra, 2008), Robert Zemeckis(Ed. Cátedra, 2012), Russ Meyer. El indiscutible rey del cine erótico(Ediciones JC, 2012), Woody Allen. Escritor y cineasta(Ed. La página, 2012), John Lasseter (Ed. Cátedra, 2013), Woody Allen. Músico y cineasta (Ed. Milenio, 2015), Ridley Scott (Ed. Cátedra, 2016), Woody Allen. El cine dentro de su cine (Ed. Diábolo, 2017), Sobre Jurassic Park. Un libro que empezó a escribirse hace 75 millones de años (Ed. Dolmen), El sonido Disney. En busca de la canción perfecta (Ed. Milenio) y The Disney Staff(Theme Park Press).
Con la editorial Idea ha publicado tres obras de ficción: una antología poética titulada Poemas de juventud que vio la luz en mayo de 2008, un libro de relatos eróticos llamado Natalia y otros relatos sólo para adultos (2016) y, finalmente, su primera novela, Una isla a la deriva (2018).
El Jurado de la XXIV edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 24, integrado por el escritor y guionista, Joanes Urkixo; el realizador donostiarra Koldo Almandoz, y la periodista especializada en cine Janire Zurbano ha otorgado el Premio FANT 2018 a la Mejor Película, al largometraje Mayhem, (EE.UU, 2017) del cineasta Joe Lynch.
Mayhem, de Joe Lynch.
El jurado de FANT se ha decantado por este film “por su incorrección política, por saber revisar el género de los zombis de una forma original y por su escenificación dentro de un espacio cerrado que lleva a una crítica salvaje del capitalismo”. El protagonista es Derek Cho que después de ser despedido injustamente de su trabajo, descubre que el edificio del bufete está en cuarentena por un misterioso y peligroso virus. El caos irrumpe en la oficina cuando las víctimas de la enfermedad comienzan a actuar siguiendo sus impulsos más salvajes.
En el apartado de cortometrajes, el jurado ha concedido el premio al Mejor Cortometraje a Bailaora (España, 2018, 15’) de Rubin Stein. El tribunal se ha decantado por este trabajo de ficción por “su apuesta visual única y su sorprendente, original e hipnótica mezcla de géneros”.
El galardón al Mejor Cortometraje Vasco, según el criterio del jurado, ha sido para el trabajo de ficción Ziren (2017, 15 min) de Aitzol Saratxaga, que han justificado en el acierto de “su ritmo pausado a pesar de ser una propuesta de género y arriesgarse a reflexionar sobre la existencia del alma”.
Como novedad, esta edición la Unión De Actores Vascos – Euskal Aktoreen Batasuna ha fallado un premio a la Mejor interpretación de cortometrajes vascos. El galardón se ha concedido por unanimidad a Fernando Albizu por su papel en Aprieta pero raramente ahoga de David Pérez Sañudo, “por defender un personaje complejo y ofrecer una mezcla de humor-ternura-terror manteniendo el objetivo del personaje claro sin caer en la caricatura y manteniendo una aparente cotidianidad que resulta creíble dentro de la atmósfera en la que se mueve”.
Por su parte, el público de la presente edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 24 ha votado como Mejor Cortometraje RIP (España, 2017) de Albert Pintó y Caye Casas. El premio del Público a la Mejor Película de Sección Oficial ha sido para “Tigers are not Afraid” de la mejicana Issa López.
PANORAMA
Por su parte, el jurado de Panorama ha estado integrado esta edición por el cineasta Daniel Romero, la directora de videoclips, cortos y documentales, Mentxu Sesar, y la directora del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – ZINEBI, Vanesa Fernández Guerra.
El premio al Mejor Largometraje de Panorama ha sido para Dhogs, de Andrés Goteira (España, 2017), “por ser una película poderosamente visual, cruda y muy directa, y sobre todo, por la invitación a la reflexión que nos hace sobre el consumo de violencia”, ha explicado el jurado.
En el apartado de cortometrajes el premio ha sido para À Chacun Sa Malédiction (Bélgica, 2017) de Lorène Yavo, “por la creación de un universo especial y único, para hablar a través del fantástico de algo tan cotidiano como cercano”. El jurado ha concedido además una mención especial al corto Bye Bye Baby (España, 2017) de Pablo S. Pastor por la impecable dirección y el uso de la estética a favor de una historia muy cinéfaga.
Este viernes 11 de mayo llega a los cines españoles Verdad o reto, la nueva película producida por Blumhouse Productions, responsable de éxitos como Déjame Salir, Feliz día de tu muertey Múltiple. La cinta está dirigida por Jeff Wadlow y protagonizada por Lucy Hale (Pequeñas mentirosas) y Tyler Posey (la serie Teen Wolf). Su estreno en Estados Unidos tuvo lugar hace un mes, el día 13 de abril.
En este thriller sobrenatural comprobamos que no solo «jugar» a la Ouija es peligroso. Así, en Verdad o reto una inofensiva partida de «Verdad o reto» entre un grupo de amigos acaba convirtiéndose en un juego letal cuando alguien -o algo- empieza a castigar a aquellos que no cuentan la verdad o no aceptan el reto.
Dirigida por Jeff Wadlow (Kick-Ass 2: Con un par, Rompiendo las reglas), coprotagonizan Verdad o retoViolett Beane, Hayden Szeto, Landon Liboiron, Sophia Taylor Ali y Nolan Gerard Funk. Jason Blum, de Blumhouse Productions, se encarga de la producción y Wadlow, Chris Roach, Jeanette Volturno y Couper Samuelson son los productores ejecutivos.
El mito de los cazadores espaciales regresa a la actualidad cinematografica en el primer tráiler de Predatorque ha liberado 20th Century Fox.
Bajo la dirección de Shane Black, creador de Arma Letal y quien apareciera en la película original como actor, la nueva entrega de la saga cuenta con escrito por Black (Arma Letal) en colaboración con Fred Dekker, un peso pesado del género fantástico responsable de Una pandilla alucinante, El terror llama a su puerta o Robocop 3.
La película cuenta en el reparto con Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Jacob Tremblay, Keegan-Michael Key, Olivia Munn, Sterling K. Brown, Alfie Allen, Jane Thomas, Augusto Aguilera, Jake Busey y Yvonne Strahovski
Predator llegará a los cines españoles el 14 de septiembre de la mano de 20th Century Fox.
SINOPSIS
Desde lo más profundo del espacio exterior hasta las calles de una pequeña ciudad en las afueras. La caza vuelve a casa con la explosiva reinvención de la saga de Predator.
Después de mejorar sus capacidades con ADN de otras especies, los cazadores más letales del universo son más fuertes, más inteligentes y más mortíferos que nunca. Cuando un chaval activa accidentalmente su regreso a la tierra, sólo un dispar grupo de exsoldados y una profesora de ciencias desencantada pueden prevenir el fin de la raza humana.
Este viernes 11 de mayo llega a la cartelera española el thriller psicológico Noctem, de Marcos Cabotá, con guion firmado por el director y Eduardo Zaramella (colaborador de TUMBAABIERTA.COM). La película cuenta en el reparto con Adrián Lastra (serie de televisión Velvet) y Álex González (X-Men: Primera generación, 2011) y el debut de Esteban Piñero.
Noctemtuvo su première dentro de la sección oficial en el Festival Nocturna Madrid 2017. En el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sant Cugat se coronó con los premios del Jurado y del Público a la Mejor Película. También se encuentra participando en la presente edición del Festival Fant de Bilbao.
La película narra la historia de dos amigos que desaparecen hasta que, pasado un tiempo, un joven informático encuentra sus móviles y comenzará la investigación para saber lo ocurrido. Sin embargo, una figura paranormal entrará en escena. Como curiosidad, en Noctem la mayoría de los actores se interpretan a sí mismo, como es el caso de los protagonistas Álex González, Esteban Piñero, Adrián Lastra, Mariam Hernández y Carla Nieto.
El director mallorquín Marcos Cabotá es uno de los artífices -junto a Tony Bestard- del documental I am your father, dedicado al actor Dave Prowse, el intérprete tras la máscara de Darth Vader, y su polémica historia.
Desde el estreno en 2008 de ‘Iron Man’, Marvel Studios ha ido implantando y desarrollando una progresión en forma de bola de nieve.
Si en Fase 1 todo desembocaba en la primera entrega de Los Vengadores, donde confluían todos los héroes presentados hasta el momento, con ‘Vengadores: Infinity War’ llevan este modelo al paroxismo, dotando de protagonismo no a 6 personajes, sino a 25, cada uno con su espacio de lucimiento y su relevancia en la trama. Es cierto que incluso para los parámetros de hoy en día, las dos horas y media de metraje superan la longitud standard, pero dada la tarea que había que llevar a cabo, hasta poco parece. Quizás ese sea el problema que le encontramos a este macroevento cinematográfico.
Desde un punto de vista de espectáculo palomitero, nada que objetar, la cinta arranca con acción desde la primera secuencia y mantiene un ritmo creciente hasta el final. La confluencia de elementos físicos y digitales resulta sobresaliente, especialmente con un villano, Thanos, que corrige los problemas que lastraban a Ultron. No sólo esta vez el villano tiene desde guion un mayor trasfondo psicológico, sino que la animación digital le otorga una presencia más emblemática.
El trabajo de edición es minucioso y matemático para dar cabida de manera equilibrada a todo. Sin embargo, esto tiene un precio. La acción es tan rápida que no hay tiempo para preguntas, pero lo cierto es que la cinta deja demasiados elementos sin respuesta, hilos de continuidad que se solventan a base de elipsis y situaciones aparentemente caprichosas que supuestamente quedan abiertas a explicaciones futuras.
No ponemos en duda, por lo tanto, la cualidad de gran espectáculo de la película, pero sí hubiésemos preferido algo menos de pirotecnia y un poco más de cohesión argumental.
Un presupuesto escueto, pocos actores, un espacio reducido y el reto de prescindir lo máximo posible de los diálogos conforman la propuesta que nos hace John Krasinski en su tercer largometraje como director y el primero en el que se desmarca del tono de comedia.
Un Lugar Tranquilo se presenta como un ejercicio de estilo, jugando con las claves del suspense y el terror, pero de la mano de Krasinski logra ir más lejos. No es un mero cul-de-sac, con los personajes atrapados frente al ataque de monstruos alienígenas, sino que a través del guion y la labor de puesta en escena consigue trascender la excusa argumental y se saca de la manga una sentida película sobre la pérdida y el sentimiento de culpa. La puesta en escena de Krasinski es modélica: Sencilla, austera, minuciosa y jugando precisamente con la dualidad entre quietud y el desasosiego.
La dirección de fotografía es espectacular y el trabajo de los actores es notable, especialmente la labor de Emily Blunt, quien logra hacer creíble incluso los momentos potencialmente más inverosímiles. Sin embargo, donde la cinta alcanza niveles de maestría es en el uso del sonido y la música. Ante la economía de diálogos, la narración pasa a depender mucho de estos componentes, que conducen a la perfección la atención del espectador.
Un Lugar Tranquilo deja patente que una producción cinematográfica puede ser modesta, pero no por ello falta de ambiciones. La etiqueta de obra maestra o clásico instantáneo que se le ha adjudicado por ahí nos parece excesiva, pero la película tampoco requiere, ni aspira a serlo. Su intención no es revolucionar el género, sino aportar una película honesta y entretenida a su público, y lo logra de manera holgada.
