El director danés Nicolas Winding Refn prepara serie de televisión y su teaser póster y -sobre todo- su primer tráiler han puesto los dientes largos a todos sus seguidores, ante las posibilidades de Too old to die young (“Demasiado viejo para morir joven”, según la traducción literal que coincide casualmente con el título de la opera prima de Isabel Coixet, de 1989). Sus visuales marcas personales están presentes en cada uno de los planos del avance, pues no en vano ha escrito y dirigido todos sus capítulos, diez en total, y es uno de los creadores, junto al célebre autor de cómics Ed Brubaker, también productor de la serie Westworld. Amazon Prime estrenará el serial del visionario director a lo largo del próximo año, sin fecha concreta confirmada.
Too old to die young cuenta con el aclamado actor Miles Teller (Whiplash, Cuatro fantásticos) como protagonista, en el papel de Martin, un detective de la policía de Los Angeles que acaba de perder a su compañero. Una trama criminal en la que tienen cabida narcotraficantes mexicanos, miembros de la Yakuza, mafia rusa y bandas adolescentes, y por supuesto, acción trepidante y colores intensos. El reparto se completa con nombres tan destacados como William Baldwin (Llamaradas), quien también se encuentra en el elenco de la adaptación a serie de televisión de la saga de terror The Purge: La noche de las bestias que preparan para su emisión en USA Network y SyFy; el actor nominado al Oscar por Winter’s bone John Hawkes; y la fabulosa Jena Malone, de Los Juegos del hambre y The Neon Demon.
Miles Teller en ‘Too old to die young’.
Los tres últimos largometrajes de Winding Refn, Drive, Solo Dios perdona y The Neon Demon, han estado nominados a la Palma de Oro en Cannes, festival en el que sí logró el premio al mejor director en 2011 por el primero, adaptación de la novela de James Sallis, un thriller neo-noir protagonizado por Ryan Gosling y Carey Mulligan que el director dedicó a su amigo y mentor Alejandro Jodorowsky. En televisión, anteriormente escribió la serie danesa De udvalgte (2001) dirigió, en 2007, dos capítulos de la serie Agatha Christie’s Marple.
En el adelanto la música también tiene un papel esencial a través de los sintetizadores de uno de sus colaboradores habituales, Cliff Martínez.
La 51ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Sitges 2018, ya ha abierto el período de inscripciones de largometrajes y cortometrajes. Las productoras, distribuidoras y directores/as pueden presentar sus películas, que serán valoradas por el comité de selección del Festival.
La plataforma Festhome es el único sistema aceptado para subir la pieza inscrita. La organización no aceptará DVD ni otros formatos, así como ningún otro sistema que no sea el de Festhome. Las empresas titulares de las películas seleccionadas por el comité de programación recibirán un formulario a través del cual formalizarán su participación en el certamen. El Festival contactará únicamente con los titulares de los films seleccionados.
La hoja informativa para formalizar las inscripciones en la 51ª edición del Festival de Sitges está disponible aquí.
Este viernes 1 de junio, la iniciativa Charlas de Cine propone celebrar los cincuenta años del estreno de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio. Con motivo de este aniversario el director Christopher Nolan ha reeditado el film en 70 mm a partir de los negativos originales y el resultado se proyectará en Multicines Tenerife, a las 20:30 horas. Tras la película, habrá un coloquio abierto al público con expertos en cine.
Organizan esta sesión especial dedicada a 2001: Una odisea del espaciola Asociación Cultural Charlas de Cine y Multicines Tenerife. Colaboran: TUMBAABIERTA.COM, el Aula de cine de la Universidad de La Laguna, la revista del audiovisual canario Alisios, Ksa Mario, Fundación Cine+Cómics, el programa de radio Días de Radio, Noches de Cine y JMF Eventos.
El Universo Expandido de Star Wars se acuñó para incluir todas aquellas historias que no tenían ninguna relación con lo visto hasta el momento, en el año 1977, en la pantalla.
Cronológicamente hablando, dicho Universo empezó a desarrollarse en las páginas del magazine juvenil Pizzazz, cuyo primer número tiene fecha de portada octubre 1977, aunque es probable que el magazine llegara al mercado al mismo tiempo que la sexta y última entrega de la miniserie gráfica original, que adaptaba el Episodio IV. Dentro de la revista se publicaron dos historias seriadas de Star Wars – a razón de tres páginas por número- tituladas The Keeper’s World y The Kingdom Of Ice. Por esas mismas fechas, Marvel Comics publicó las primeras entregas del Universo Expandido en la serie gráfica original. Star Wars# 7-10: New planets, New Perils; Eight for Aduba; Showdown on a Wasteland; Behemoth from the World Below (fecha de portada: enero-abril 1978) componen este primer arco argumental.
Krieg der Sterne# 3 Williams-Verlag GMBH. Alemania 1978 Star Wars# 7-10 FP enero-abril 1978, íntegros salvo por dos páginas Roy Thomas, Donald F. Glut, Howard Chaykin, Tom Palmer y Alan Kupperberg Portada: GIl Kane y Tony DeZuniga
Además, en febrero de 1978, llegaba a las librerías Star Wars: Splinter of the Mind’s Eye, novela escrita por Alan Dean Foster -el escritor que realmente escribió la versión novelada de Star Wars, que luego firmara George Lucas-, un libro del que durante mucho tiempo se dijo que serviría como base para la segunda película de la trilogía galáctica original. Estos tres ejemplos son los que dieron el pistoletazo de salida oficial del nuevo Universo Expandido, que quedó circunscrito al formato gráfico hasta el estreno de la segunda película, The Empire Strikes Back (junio 1980), salvo por la emisión del televisivo Star Wars Holiday Special (Twentieth Century Fox Television, noviembre 1978) y por la publicación de un par de novelas dedicadas al personaje de Han Solo (Han Solo at Stars´End, abril 1979, y Han Solo´s Revenge, noviembre de 1979).
Precisamente este último fue uno de los personajes que más interés despertó tanto en los lectores como en aquellos que guionizaron, dibujaron y/o novelaron sus aventuras. No en vano, Han Solo es con mucho uno de los personajes más carismáticos de cuantos han aparecido en el universo creado por George Lucas, por lo que no es de extrañar que el tándem Lucasfilm-Disney decidiera presentar una película en donde se contaran las primeras andanzas del contrabandista coreliano.
La primera sensación que se tiene al ver la película Han Solo: Una historia de Star Wars es que Lawrence Kasdan, junto con su hijo Jonathan, son mejores guionistas que George Lucas. Esta afirmación no es gratuita, dado que entre el fandom galáctico, siempre se ha considerado El Imperio Contraataca la mejor película de toda la saga. Este guión específico fue obra de Lawrence Kasdan, partiendo, eso sí, de las ideas originales de Leigh Brackett.
Otra cosa que queda clara es que el director, Ron Howard, no articula su discurso como si se tratara de una película del universo de Star Wars, sino como quien quiere contar la historia de un joven que pasó de ser una persona cargada de ilusiones a un cínico aventurero, curtido en mil y una batallas. En realidad, la propia historia de su apellido, Solo, fruto de la inventiva de un oficial imperial, demuestra que una trayectoria vital puede terminar consolidando a una persona sin que ésta tenga unas raíces familiares previas.
Después está la capacidad de los guionistas por añadir, sugerir y/o nombrar, elementos del anteriormente comentado Universo Expandido, que siempre han formado parte del discurso del personaje, tales como a quién le ganó y cómo el Halcón Milenario; o cierta carrera a lomos de dicha nave, la cual se ha descrito en cómics, novelas y tiras de prensa.
Han Solo: Una historia de Star Wars también nos sirve para conocer aquellos personajes, además de Chewbacca, que cincelaron el carácter, los modos y las maneras de Han Solo, algo que en el universo cinematográfico nunca se había tocado. El problema viene cuando a un personaje tan carismático como éste se le da un anclaje personal que demuele parte de esa aura de “rebelde sin causa” a la que nos tenía acostumbrado. Personalmente creo que, todo lo que ayude a humanizar a un personaje, servirá para que lo conozcamos mejor, pero Star Wars y sus seguidores no se rigen por las mismas reglas que se aceptan en otros entornos.
La película, sin embargo, nos ofrece secuencias absolutamente memorables, diálogos que poseen un claro subtexto sin un maestro Jedi de por medio -sobre todo los que mantiene Han con Beckett- y un tira y afloja emocional entre Han y Qi’ra. Sobra decir que algunos de los mejores momentos son aquellos en los que aparece en la pantalla la pareja Han-Chewbacca, dado que es difícil pensar en uno sin incluir al otro. ¿Y qué me dicen de Lando Calrissian? Pues que si era cínico y encantador de mayor no lo era menos de joven, aunque con el paso del tiempo aprendió a vestir de una forma menos escandalosa, pero sin perder el gusto por las capas.
Al final, y como suele ocurrir en el universo de Star Wars, ni los malos son tan rematadamente malos -salvo en el caso de El Emperador- ni los buenos son unos ángeles castos y puros, un elemento que el guión de los Kasdan trata de potenciar, sobre todo con los personajes de Beckett y Qi’ra.
Han Solo: Una historia de Star Wars, en realidad, no deja de ser una “historia jamás contada” del universo Star Wars, pensada en parte para quienes conocen al personaje, el Universo Expandido y la propia idiosincrasia del universo galáctico. No obstante, la película la puede disfrutar un neófito, dado que Ron Howard no dirige una película para seguidores de la saga, sino para todos los que disfrutan con una buena película de género.
Ya lo he dicho los últimos años, y lo seguiré diciendo, en este tema influye mucho tu actitud y tu capacidad por asimilar lo que estás viendo sin dejarte llevar por los prejuicios que lastran este tipo de propuestas. Quienes le quieran encontrar defectos lo harán con las luces de la sala aún encendidas, pero esto no es óbice, ni cortapisa para disfrutar de una película que, sin estar planteada como uno de los grandes títulos de la saga, llega a cumplir tan bien como lo hiciera Rogue One, hace dos años.
A título personal diré que los exteriores rodados en Fuerteventura lucen realmente bien como el planeta donde se refina un elemento sobre el que bascula buena parte de la trama. Además, la banda sonora de John Powell es otro de los aciertos de esta película, banda sonora que no se olvida de incluir una composición del mítico John Williams, Han Solo Theme.
El resto, como suele ser habitual una vez al año, cuando se estrena una película de la saga galáctica, corre por cuenta de quien acude al cine a verla. Yo ya lo he hecho, y no me arrepiento.
En 1975 recibí como premio por haber escrito la mejor redacción de mi clase un cómic de Superman. Se trataba y se trata -dado que, mientras escribo esta reseña, tengo dicho cómic en mi mesa de trabajo- del número 996 de la colección publicada por la editorial mejicana Novaro. Para mí fue el comienzo de una relación personal con un personaje gráfico, la cual me ha llevado no solamente a leer todo aquello que estuviera protagonizado por él, sino a escribir, comisariar exposiciones, dar conferencias y recopilar todo aquello que tuviera relación con el personaje, sobre todo en formato papel y durante más de cuatro décadas.
Sin embargo, debo admitir que, por el contrario, mi relación con Lois Lane llegó unos años después, justo cuando acudí a una sala de cine a ver la primera adaptación cinematográfica, dirigida por Richard Donner y protagonizada por Christopher Reeve, en el papel de Superman, estrenada, ésta, en nuestro país en el año 1979. Antes de eso, no había podido leer ninguna historia gráfica en la que apareciera dicho personaje, aunque sí que se nombraba a “Luisa” Lane en algunas de aquellas historias publicada por Novaro que pude leer tras recibir mi primer ejemplar de la colección.
En aquella película, conocí a los padres originales de Kal-El, Jor-El (Marlon Brando) y Lara (Susannah York); a sus padres adoptivos, Jonathan Kent (Glenn Ford) y Martha Kent (Phyllis Thaxter) antes de reparar en la intrépida reportera Lois Lane (Margot Kidder) una vez que ésta entra, cual huracán, en el despacho del editor en jefe por excelencia del Daily Planet (Jackie Cooper), tras finalizar su artículo con la inestimable colaboración de Jimmy Olsen (Marc McClure). En aquel recinto, Lois terminará por darse cuenta de que su jefe trata de presentarle a otra persona que también está en la habitación, por más que la reportera siga ensimismada con su trabajo. El cuarto en discordia es Clark Kent (Christopher Reeve) alguien quien, a pesar de su aspecto pusilánime y retraído, terminará por ser capital en su vida, a partir de ese momento. [1]
No obstante, debo admitir que, a pesar de que me encantó su avasalladora y decidida personalidad -una mujer del siglo XXI, anclada en los convulsos años setenta del pasado siglo XX- hubo algo que no me gustó; es decir, la voz del doblaje en castellano. La verdad es que no me gustó por una simple cuestión de agravio comparativo, motivado, éste, por haber podido escuchar la voz de la actriz canadiense en la banda sonora original de la película, la cual se comercializó antes de su estreno en España. Admito que, en aquellos momentos, no entendí prácticamente nada de lo que decía, porque aún no había empezado a estudiar idiomas en el colegio, y eso que ya tenía nueve años. Eran otros tiempos y estudiar una segunda lengua no era, ni mucho menos, una prioridad para el sistema educativo vigente entonces.
Sea como fuere, ver a la actriz Margot Kidder, recientemente fallecida, interpretando a la reportera del Daily Planet me ayudó a completar el círculo más íntimo del personaje y a entender mejor algunas de las cosas que había leído hasta ese momento. Su trabajo mezclaba ese carácter indómito con la fragilidad que muestra, por ejemplo, cuando está volando por los cielos de Metrópolis y lo hacía con una naturalidad que engrandeció al personaje creado tiempo atrás por Jerry Siegel y Joe Shuster, los responsables de todo esto. Con el paso del tiempo, y de los sucesivos estrenos, Margot Kidder fue añadiendo nuevos matices a su personaje, aunque su mejor interpretación se pudo ver en Superman 2, estrenada dos años después, a pesar de los problemas a los que se vio sometido el rodaje de dicha película.
Además, la actriz supo recoger el testigo de Noel Neill, la actriz que durante cinco años interpretó al personaje en la adaptación televisiva Adventures of Superman (1952-1958), protagonizada por el actor George Reeves. Esta serie no se pudo ver en la única cadena de televisión nacional, entre otras muchas cosas, porque al personaje de Superman -al igual que otros tantos superhéroes- fueron prohibidos en nuestro país hasta finales de los años sesenta. [2]
A lo largo de 78 episodios, la actriz norteamericana Neill -quien deseaba ser periodista como su padre, aunque luego se decidiera por la carrera de actriz- interpretó a una Lois Lane que ya mostraba maneras propias de una mujer del siglo XXI, justo cuando el mundo estaba arrastrando aún las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, los últimos estertores de la Guerra de Corea y la irracional “caza de brujas” en los Estados Unidos de América. No es disparatado pensar que, en su infancia -la actriz canadiense nació en 1948- Margot Kidder viera la serie de televisión interpretada por George Reeves y Noel Neill, recuerdos que luego incorporara a su papel en la película de Richard Donner.
Lo que sí sé es que, para quienes vimos Superman en la pantalla de un cine, la actriz pasó a formar parte del espíritu de aventura que siempre han marcado el tono y la impronta de las historias gráficas de uno de los últimos hijos del planeta Krypton, además de ser un referente para luego escoger una profesión como la de “junta letras” profesional.
Ahora, tanto Lois como Clark podrán seguir volando juntos entre las nubes y ella seguirá preguntándose si Kal-El puede leer su mente…
1– Con Lex Luthor sí que había cruzado mi camino “gráfico” anteriormente, pero, tras ver la película, siguió sin gustarme, de la misma forma que sigue sin gustarme hoy en día, salvo cuando el personaje formaba parte del reparto de la serie de televisión Smallville(2001-2011), instantes en los que entendí algunas cosas que explican el comportamiento posterior del demente por excelencia del panteón del hombre de acero.
2– Una vez que el falangismo perdió fuerza, merced a la caída del fascismo tras el triunfo aliado en la Segunda Guerra Mundial, fue la nueva fuerza dominante, el nacionalcatolicismo, la que apuntilló a los cómics estadounidenses. Estos mostraban a seres cuasi-divinos, como Superman, que contradecían la fe católica. De ahí que, escudándose en que dichos cómics importados contenían demasiada violencia o que fomentaban fantasías irreales, se vetasen en España. En realidad, el problema no residía tanto en la violencia que exudaban como en ese contenido fantástico que se oponía a las enseñanzas de la Iglesia Católica. No en balde se rechazaban los superhéroes, pero se potenciaba la presencia de santos, ángeles y querubines. Jiménez, J. (2015, January 16). La censura contra el cómic español. Retrieved from http://www.rtve.es/rtve/20150116/censura-contra-comic-espanol/1081957.shtml
Verdad o Reto se viene a unir a esa línea de cine de género que tan buenos réditos le ha dado a la productora Blumhouse desde sus inicios en 2009, donde sin una gran inversión económica, sin contar con grandes nombres de la industria y apoyándose casi exclusivamente en una propuesta llamativa y la promesa de un rato de terror, se logra atraer a un importante grupo de espectadores a las salas, especialmente de un target juvenil.
La fórmula ya está bien engrasada, pero eso no quiere decir que los resultados estén siempre bien afinados en cuanto a calidad del resultado. Frente títulos destacados como la primera entrega de Insidious, Sinister, Múltiple o Déjame Salir, también hemos tenido que sufrir naderías como toda la saga de Paranormal Activity, Infierno Verde o el último intento de resucitar Amityville. En el caso de esta última propuesta, hay que decir que nos encontramos ante una de las producciones más insulsas y olvidables de la productora.
Partiendo de la estructura del clásico juego de “verdad o consecuencia”, el director Jeff Wadlow se acopla al formato de otra saga de terror, Destino Final, restando lo único verdaderamente destacable de ésta, es decir, su gozoso y gamberro sentido de la truculencia y el gore.
Verdad o Reto es una cinta de terror sin mucha chicha, sin ninguna sorpresa y donde los rasgos atractivos del género han quedado vergonzosamente higienizados en la puesta en escena, apostando por tiros de cámara que escondan la parte más escabrosa, pero sin aportar tampoco ningún sentido de la sugerencia o la atmósfera. Si a esto le sumamos que el apartado interpretativo es bastante insulso y que el apartado de efectos parece sacado de una aplicación de Smartphone, el resultado no puede ser más desalentador.
De un modo u otro los planes de fugas cinematográficos siempre han dado como resultado productos entretenidos, más cuando el fantástico entra en juego.
En un repaso rápido podríamos iniciar nuestro particular tour carcelario con Fuga de Alcatraz (Don Siegel, 1979) y Cadena perpetua (Frank Darabont, 1994), dos clásicos del drama entre rejas con algunas pinceladas de género protagonizadas por Clint Eastwood y Tim Robbins respectivamente. Las cintas dirigidas por John Carpenter1997: Rescate en Nueva York (1981) y 2013: Rescate en L.A. (1996) convirtieron a Snake Plissken (Kurt Rusell) en el reo de acción más reconocido del género con una trama similar en ambas películas que además fue versionada en MS1: Máxima seguridad (2012) bajo la producción de Luc Besson. El realizador Stuart Gordon firmaba en 1992 su personal visión de Alcatraz en Fortaleza Infernal’ con Christopher Lambert al frente del reparto y cuya mitología tendría continuación ocho años más tarde pasando de la serie B a la Z. Siendo el actor de moda, Ray Liotta entregó su carrera al fantástico con Escape de Absolom (Martin Campbell, 1994), entrando en un islote de máxima seguridad cuyo concepto inspiraría a la historia de los clones disidentes de La Isla (Michael Bay, 2005).
En el tema que nos ocupa, los musculados personajes interpretados por Sylvester Stallone han pisado la “trena” en varias ocasiones, comenzando por la tangencialidad de interpretar en 1981 a Robert Hatch, el portero del equipo de fútbol de un campo de prisioneros aliados durante la Segunda Guerra Mundial, en Evasión o Victoria (John Huston, 1981). Durante 1989, Sly protagonizó un programa doble compuesto por Encerrado (John Flynn) y Tango y Cash ( Andrey Konchalovskiy).
En 1993 pisó su primera prisión de alta seguridad criogénica bajo el nombre de John Spartan en Demolition Man (Marco Brambilla); y dos años después, en otro futuro distópico, le retiraron la placa del Juez Dredd (Danny Cannon, 1995) por estar involucrado en un asesinato (que por supuesto no cometió mas allá de perpetrar la irregular adaptación del personaje del cómic).
Plan de escape (Mikael Håfström, 2013) supuso su reingreso más esperado por protagonizar la cinta junto a Arnold Schwarzenegger, otro intérprete de la vieja guardia de los héroes de acción y con quien ya se había topado en pantalla tras el cameo del austríaco en Los mercenarios de 2010. Para esta conjunción, Sly eligió el papel de Ray Breslin, un experto en fugas que acepta el encargo de poner a prueba el complejo carcelario más seguro del mundo con algunos giros de guion que hicieron más interesante el personaje.
El primer avance de Plan de escape 2: Hades ha sacado tímidamente la cabeza en la red para confirmar la ausencia de Arnold y la incorporación de Dave Bautista (‘Guardianes de la Galaxia, Blade Runner: 2049) como el nuevo compañero hipervitaminado del protagonista de ‘Rambo’ (quien por cierto grabará la quinta entrega de la franquicia en Canarias, según se confirmaba recientemente).
Preparada para su estreno el 29 de Junio en Estados Unidos, está dirigida por Steven C. Miller (Los conspiradores, 2016) sobre el libreto del creador de la saga, Miles Chapman, promete nuevos retos, un recinto más cruel y un festival de acción multitudinaria bajo la inevitable influencia de The Raid 2. Además , Escape Plan 3: Devil’s Station (La estación del diablo), tercera entrega de esta apresurada saga, ya se encuentra en fase de post-producción con Stallone y Bautista de nuevo en el reparto.
Que a gusto va uno a ver una película esperada cuando confía. Deadpoolo Ryan Reynolds, el que más os guste, nos han, y siguen dándonos motivos para confiar.
La primera parte fue una demostración de autoconsciencia y creatividad libre poco común en un cine de targettan masivo. Poco tenía pinta de fallar, ya que Reynolds demostró previamente que tenía el juego muy bien entendido. Sin embargo, nosotros sufridores, no podíamos quitarnos de la cabeza la posibilidad de que hubiese sido un golpe de suerte.
Sin embargo, las dudas empezaron a disiparse a medida que el material promocional iba apareciendo. Y es que es muy interesante como, en un ejercicio tan meta como es la propia película, Reynolds consiguió sacar el personaje fuera de las salas haciendo que su existencia no se limitase tan solo a las películas. Por qué a día de hoy el público está interesado en más que una simple entrevista en la que se repitan las mismas preguntas de siempre. Quiere interacción. Quiere ver reflejado en los creadores el fenómeno fan del que tanto disfruta. Quiere acortar distancias. Y así está siendo. Y así funciona precisamente el fenómeno Deadpool, en que en el interior de la sala sentimos también interés por el exterior. Por quien hay detrás de toda esa orquestación de gags, referencias, y muchas licencias, que en esta ocasión es aún más loca y potente que en la primera parte, que ya es decir.
Deadpool 2 es una secuela con conocimiento de causa. Pese a que se trate de un ejercicio referencial y meta cinematográfico, al final ambas entregas están construidas de manera realmente clásica. No hay trampa ni cartón en la trama que vertebra el arco de crecimiento del mercenario bocazas (quien iba a decirnos que tendría, con ese carácter), es sencilla y lineal. No hay problema en ello, pues va totalmente acorde con lo honesto y transparente que es su núcleo. Al fin y al cabo esto va de romper costura y enseñarlo todo.
¿No sería hipócrita querer embarullar la historia mientras sus personajes te hablan hasta del primo del perro del productor ejecutivo? Donde muchos pueden ver una falta de riesgo, que bien puede ser real o no, un servidor ve coherencia. Y pese a que es cierto que así la cosa corre más peligro de agotarse de cara a un hipotético futuro de la saga, es cierto también que funciona. De hecho mejor de lo que ya funcionó hace un par de años.
Ya en la primera entrega se hacía extraño que todo girase entorno de una historia tan melosa y blanca teniendo en cuenta el carácter irreverente y agresivo de la película, lo cual crea un contraste casi cómico, como de gran gag en sí mismo a la vez que casa, de nuevo, con el alma del personaje y la saga. En este caso, pese a que lo sentimental vuelve a mover la acción, la cosa va un paso más allá, dándole el carácter grandilocuente de las segundas partes. Realmente la buena toma de las decisiones de esta entrega está muy bien integrada en su carácter continuado, que parece equivalente a su primera parte sin serlo del todo.
Pero si hay una decisión acertada en esta secuela, que además añade ese toque de riesgo moderado que hará sentir algo mejor a los más puristas, es la de elevar el absurdo a una potencia aún más alta que la de la vez anterior. Estos niveles de absurdo no solo funcionan de cara a las risas, en los que ya queda claro que si poco hay por qué preocuparse es por los límites. También, y sobretodo, son usados de cara a dirigir la trama. Una trama que pese a su linealidad explota en personajes, subtramas y situaciones mucho más exageradas, que se mantienen dentro del baremo gracias a esta exacerbación totalitaria. Sin ello varias situaciones (una de las mejores secuencias de la película, en la que hay involucrados paracaídas, sería imposible de imaginar en un tono más sobrio, por mínimo que fuese) o personajes no quedarían verosímiles. En cambio tenemos en pantalla a alguien con un súper poder tan loco como el de Domino, que se vuelve instantánea favorita a los dos minutos de aparecer en escena.
La introducción de estos nuevos personajes refresca muchísimo la película, y de una forma no siempre habitual. Hay grandes secundarios, apariciones (MUY) estelares y personajes que se quedan en el mero guiño o gag pero permiten a la trama respirar y no caer en la redundancia. E incluso, pese a lo detallista, cumplir con algunas peticiones de los fans, como la aparición de uno de los personajes más demandados de la franquicia, o el running gag de Yukio, que dentro de lo blanco, gustará mucho a la comunidad LGBT ya que juega a favor de la la normalización social del colectivo, al igual que la trama lo hace con el entendimiento de los nuevos modelos familiares. No trata de convencer a nadie, que esta clase de declaraciones siempre se cogen con pinzas, si no que contribuyen al no hacer alusión directa a ello.
Al final tanta mala leche, y va a ser pool el personaje más empático de Marvel. Tal vez al final es por ello que cae tan bien.
Este viernes 18 de mayo se estrena en cines la película Deadpool 2, dirigida por David Leitch y nuevamente con Ryan Reynolds en el papel del personaje Marvel y con la incorporación de Josh Brolin como Cable. Tras arrasar en 2016 con una recaudación de más de 10 millones de euros en cines españoles, llega esta secuela directa de la película más irreverente de los cómics Marvel.
En Deadpool 2, cuando un súper soldado aparece para cumplir una misión homicida, Deadpool se ve obligado a reflexionar sobre la amistad, la familia y qué significa realmente ser un héroe, todo esto mientras reparte estopa a diestro y siniestro. Porque, a veces, para hacer lo correcto, tienes que pelear sucio.
Brolin interpreta a Cable, un superhéroe relacionado con los X-Men. Curiosamente Josh Brolin se encuentra en estos momentos en cartelera interpretando a otro personaje de Marvel Cómics, el todopoderoso Thanos, en Vengadores: Infinity War.
Los gags y la violencia explícita siguen funcionando como la primera vez. Los guiños a la cultura pop y los cameos son brutales.
PlayStation España ha desvelado un nuevo vídeo en el que el humorista español Joaquín Reyes se pone en la piel de Kratos para protagonizar junto a Atreus un divertido sketch sobre God of War al más puro estilo ‘chanante’.
Joaquín Reyes, conocido por sus numerosas imitaciones de personajes famosos poniendo acento manchego, se atreve esta vez con el mismísimo dios de la guerra caracterizado con kilos de látex y gomaespuma que convierten su cuerpo albaceteño en un apolíneo torso macerado por los vientos nórdicos.
God of War ya está disponible para Playstation 4 en los puntos de venta habituales en formato físico y en la tienda online PlayStation Store en formato digital, en cinco ediciones distintas y con un PEGI 18.
