CRÍTICA | BALLERINA. Caza menor

Ballerina pretende ser la respuesta a la pregunta ¿cuánto tiempo más van a aguantar las rodillas de Keanu Reeves en la franquicia de John Wick? Efectivamente, la saga de Baba Yaga se ha construido alrededor de su protagonista absoluto. Con una quinta entrega en marcha, resulta complicado desasociar no sólo el personaje, sino toda la franquicia de la figura de Keanu Reeves. La alta entrega física que requieren este tipo de películas, con la estrella llevando a cabo muchas de sus escenas de riesgo, implican un desgaste. Reeves está en forma, pero no es Tom Cruise. Su pasión por las motos le ha generado diversos accidentes que han pasado factura a las rodillas del actor. Independientemente de sus ganas de seguir interpretando el mismo papel, no está claro cuánto tiempo más Reeves podrá seguir manteniendo el listón físico que ello requiere.

CAMINOS ALTERNATIVOS

Por ello, para dar continuidad a la serie, nuevas vías de desarrollo se han abierto. Por un lado, está la serie The Continental, que particularmente dudamos que sea la vía adecuada, y ahora nos ha llegado Ballerina, una nueva cinta de acción, situada dentro del Universo de John Wick, pero que introduce a un personaje totalmente nuevo y presenta a Ana de Armas como una alternativa para el futuro de la serie, si no como cabeza de cartel, sí como variante alternativa a la línea principal.

Ballerina ha sido una película de producción azarosa. Su estreno se fue posponiendo en lo que se entiende como una lucha interna por solucionar problemas en el montaje y algo de eso se aprecia en el resultado final, especialmente en el clímax final. Pese a ello, hay que reconocer un gran esfuerzo porque la cinta mantenga el tipo, especialmente tras una cuarta entrega del protagonista principal absolutamente desquiciada y desbordante de acción.

La cinta narra la historia de Eve (¿referencia a la mujer original para el primer personaje protagonista de la saga?), una joven adiestrada, al igual que John Wick, por la Ruska Roma y convertida en asesina a las órdenes de esta organización. Al mismo tiempo, Eve emprenderá un camino de venganza para descubrir quién mató a su padre y saldar esa cuenta. Argumentalmente, la película no tiene mucho más fondo. Tampoco las películas protagonizadas por Keanu Reeves lo tenían. Sí se permite seguir ampliando los componentes de la franquicia. No sólo nos adentra en el proceso de adiestramiento, con guiño a los programas soviéticos de formación de sicarias con el fin de seducir y eliminar objetivos durante la Guerra Fría, sin también en clave comiquiera (influencia indispensable e innegable) nos recuerda a los orígenes de la Viuda Negra. Por otro lado, se presenta una facción independiente, más brutal y peligrosa que aquí ejercerá de antagonista y que, de continuar esta subdivisión de la franquicia, se supone que seguirá teniendo más desarrollo.

Ana de Armas es Eve y Robert Masser es Dex in Ballerina. Foto:  Murray Close
Ana de Armas es Eve y Robert Masser es Dex in Ballerina. Foto: Murray Close

EL ARTE DE LA GUERRA

La dirección de la película ha recaído en las manos de Len Wiseman, realizador conocido por ser el creador de la saga Underworld, de las que dirigió las dos primeras entregas, y que a principios de los 2000, y tras la estela de Matrix, ayudó a construir una cierta estética de cine de acción y fantasía para el siglo XXI. Sus siguientes aportaciones no fueron tan bien recibidas. La Jungla 4.0 y el remake de Desafío Total pasarán a la historia si cabe como demoledoras de franquicias.

Refugiado desde entonces en televisión, Ballerina supone su regreso a la gran pantalla, con una película donde tiene el reto de recoger el testigo de manos de un cineasta, Chad Stahelski, que ha dado un estilo muy personal a la acción con las cuatro películas de John Wick. Por otro lado, de la misma manera que sabíamos que Stahelski estaba muy implicado con el equipo de secuencias de acción y especialistas, aquí habría que precisar cuánta responsabilidad corresponde realmente a Wiseman con respecto a las escenas de acción de la cinta.

Hay elementos que podemos entender como aportaciones del director, como por ejemplo el tratamiento ligeramente más sangriento que en las anteriores entregas de John Wick. El bagaje de Wiseman dentro del género fantástico y de terror se evidencia en algunos planos que recrean un poco más en cierta truculencia.

En cualquier caso, hay que decir que las escenas de acción mantienen el sello de la casa. Se trata de secuencias extensas y elaboradas, con un componente acumulativo que va intensificando el calado de la acción.

Se agradece también el haber tenido en cuenta el margen de progresión del personaje de Eve y cómo a cada nueva escena de acción se va convirtiendo en una asesina más experimentada. Por otro lado, dentro de esta progresión, hay elementos que aportan a la acción un nivel de contundencia a la violencia que distingue también esta película de las anteriores (por no caer en spoilers, hagamos referencia únicamente al momento Érase Una Vez en Hollywood).

Norman Reedus es Daniel Pina en Ballerina. Foto: Larry D. Horricks para Lionsgate
Norman Reedus es Daniel Pina en Ballerina. Foto: Larry D. Horricks para Lionsgate

CARNE DE CAÑÓN

Si bien, como decimos, a nivel de cine de acción la película logra superar el reto con nota, hay algunos elementos que nos parece que lastran el resultado final de la película. Más allá del personaje de Eve, hay muy poco tratamiento de personajes. Mientras que en la saga madre cada personaje secundario contaba con una impronta que le daba personalidad, aquí se van sucediendo personajes que entran y salen sin dejar huella en el espectador (¿Realmente era necesario convocar a Norman Reedus para eso?). Incluso a otros con más desarrollo como los interpretados por Anjelica Huston o Gabriel Byrne se les podía haber sacado mayor partido.

Y llegamos al gancho de la película. La aparición de John Wick en la cinta. Obviamente, como paso de testigo y como efecto llamada a los fans de la saga, la participación de Keanu Reeves era una necesidad comercial. El problema llega cuando sitúas a los dos personajes frente a frente. Por mucho que se empodere al personaje de Eve, el otro sigue siendo Baba Yaga, y las habilidades de ambos no se pueden equiparar (a pesar de que queda en evidencia de que la forma física de Ana de Armas en esta película es muy superior a la de Keanu Reeves). Tampoco hay una justificación dramática. De esta manera, la tan anunciada aparición de John Wick, en nuestra opinión, lejos de aportar a la película, desluce y se convierte en un componente metido con calzador e innecesario.

Keanu Reeves es John Wick en Ballerina. Foto: Larry D. Horricks
Keanu Reeves es John Wick en Ballerina. Foto: Larry D. Horricks

LA CARNE EN EL ASADOR

Pese a todo, Ballerina tiene muchos elementos a poner en valor. Es verdad que, como spin of, se queda en un puesto de hermana menor y, pese a los esfuerzos, los remiendos efectuados en postproducción quedan patentes. Sin embargo, como película es entretenida y espectacular, Ana de Armas se deja la piel en el papel, y la acción luce de maravilla, especialmente en todo el extenso clímax final.

Jason está de vuelta: Todo un universo para celebrar los 45 años de VIERNES 13

Este año se cumple el 45º aniversario de uno de los grandes iconos del cine de terror y el subgénero slasher, el personaje Jason Voorhees de la saga Viernes 13, efeméride que ha impulsado la creación de la marca “Jason Universe” y está dando lugar a numerosas celebraciones alrededor del mundo.

El legendario maestro de los efectos de maquillaje Greg Nicotero ha colaborado en el rediseño del mito que conformará este Universo Jason. En palabras del presidente de la compañía que cuenta con los derechos de la franquicia, Horror, Inc., Rob Barsamian, “nos esforzamos por mantener la esencia, mientras continuamos avanzando hacia el futuro con una apariencia y sensación definidas que llevan a Jason a su próximo capítulo”.

Nicotero trabajó con la nueva máscara de Jason, de 13 agujeros, y han diseñado un look de cuerpo completo, que recuerda al clásico, con su machete, “su arma preferida”.

El nuevo universo multiplataforma tendrá su gran debut en la próxima serie precuela Crystal Lake, protagonizada por Linda Cardellini (Freaks and Geeks), como Pamela Vorhees, y William Catlett (Territorio Lovecraft). Pero todo apunta a un regreso a la gran pantalla, videojuegos, experiencias inmersivas en parques temáticos, coleccionables y otros soportes, en asociación con la agencia de licencias Striker Entertainment.

Crystal Lake

Mientras tanto, la serie Crystal Lake, originalmente anunciada por Peacock y A24 en 2022 se encuentra en preproducción para su rodaje en New Jersey, con Brad Caleb Kane (Welcome to Derry) como showrunner, creador, guionista y productor ejecutivo para NBC. El rodaje está previsto que se desarrolle desde este mes de junio hasta octubre, en localizaciones de North Jersey, Hope y Blairstown, así como en el campamento de Hardwick No-Be-Bo-Sco.

El Jason Universe pretende rendir homenaje al legado del popular personaje y atraer tanto a los fans de la saga, como a nuevas generaciones de amantes del terror.
Una cita importante para celebrar Viernes 13 será la 58ª edición del Festival de Sitges, que tendrá lugar del 9 al 19 de octubre, donde se reconocerá la trayectoria de Sean S. Cunningham, visionario creador de la legendaria película que se convirtió en una de las sagas más influyentes del género slasher. Con el estreno de la primera película en 1980, S. Cunnigham asentó las bases de una nueva corriente de cine de terror adolescente, convirtiendo el miedo en un fenómeno de masas para toda una generación.

Con más de una decena de secuelas, un remake firmado por Marcus Nispel (Premio Isla Calavera de Honor 2024), un cross over con Freddy Krueger, adaptación a cómics y videojuegos, Sean S. Cunnigham ha influido en cineastas de todo el mundo y ha dejado una huella imborrable en el imaginario popular. El cineasta recibirá en Sitges el Premio Máquina del Tiempo en reconocimiento a su carrera, en la que también destacan otras películas como House (1985) y sus secuelas, que consolidaron su reputación como productor de referencia en el género.

Además, este viernes 13 de junio se celebraba en el Museo Autry de Los Ángeles un gran evento con motivo de este 45º aniversario, con la proyección de la primera película y la presencia de Cunningham.

Rediseño del personaje de Jason Voorhees creado para su universo multiplataforma.
Rediseño del personaje de Jason Voorhees creado para su universo multiplataforma.

La música del cine italiano ‘De Fellini a Tornatore’ suena en FIMUCITÉ

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) celebra este sábado, 14 de junio, en el marco de su 19ª edición sendos conciertos en las islas de Tenerife y El Hierro, de entrada libre y gratuita. La Banda Municipal de Música de Santa Cruz de Tenerife protagonizará el concierto ‘De Fellini a Tornatore: La música del cine italiano’, en la Plaza del Príncipe de la capital tinerfeña, mientras que en el Cine de Frontera tendrá lugar el recital ‘Percusionistas de la gran pantalla’, de la mano de una formación de alumnos de esta especialidad del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife.

Bajo la dirección de Juan Antonio Domínguez Martín, el sábado a partir de las 19:00 horas, la Banda Municipal de Música, que atesora un impresionante legado histórico de 123 años, ofrecerá un concierto dedicado a la temática de esta edición de FIMUCITÉ, “Italia, su historia y cultura”, ofreciendo un plan ideal para disfrutar en familia al aire libre. El programa incluye obras representativas del repertorio cinematográfico italiano, compuestas por autores tan célebres como Ennio Morricone (Cinema Paradiso, Por un puñado de dólares, La Misión), Nicola Piovani (La vida es bella) o Nino Rota (El Padrino, Amarcord).

Percusionistas de la gran pantalla

El concierto del grupo de percusión del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife, con la dirección de Emilio Díaz, dará comienzo a las 20:00 horas en el Cine de Frontera. El programa, que se enmarca en las acciones formativas y educativas de FIMUCITÉ, brindará bandas sonoras de películas tan populares como Misión Imposible, Alladin, las de la saga de Indiana Jones y otros grandes clásicos de la música para el cine.

Percusionistas de la gran pantalla’ plantea un juego interactivo y lúdico para hacer partícipe al público más joven, con la participación de Moisés Évora de la Rosa como narrador. El ensemble está formado por los alumnos Guillermo Almeida, Aruna Beuster, Aday Bravo, Camila Brito, Néstor García, Óscar García, Alberto Hernández, Miguel Mira, Gabriel Vélez, Ethan Aricoma, Emilio Díaz, Jorge Mira, Guillermo Monreal, Romarey Cabrera (piano) y Lamberto David Torres Colmenares (violín).

Percusionistas de la gran pantalla.
Percusionistas de la gran pantalla.

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), referente mundial en su género, creado y dirigido por el compositor y director de orquesta Diego Navarro, celebra desde el 7 de junio hasta el 12 de julio su decimonovena edición, con el apoyo como máximo patrocinador del Cabildo de Tenerife y Turismo de Tenerife, el Gobierno de Canarias a través del Instituto Canario de Desarrollo Cultural, los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna y el Organismo Autónomo de Actividades Musicales de La Laguna. Asimismo, FIMUCITÉ agradece la implicación de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Auditorio de Tenerife, así como de otros colaboradores públicos y privados, entre los que se encuentran Mutua Tinerfeña, Distrito Centro-Ifara del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Fundación DISA, Emmasa, Domingo Alonso y AUDI como coche oficial del festival, Fundación SGAE y Fundación CajaCanarias. Grupo Plató del Atlántico, Fundación Diario de Avisos, RTVE, Televisión Canaria y SoundTrackFest, participan como principales media partners.

ISLA CALAVERA, en el top mundial de festivales de cine fantástico y de terror de Dread Central

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera vuelve a estar en la lista de mejores festivales de género del planeta, según el top 90 anunciado por la publicación especializada Dread Central. Un panel formado por más de 30 expertos destacados de la industria ha determinado la lista en la que el Festival Isla Calavera ha sido definido como “estrella en ascenso en la escena del género en España”. “Isla Calavera destaca por acoger grandes figuras internacionales y una programación de primer nivel, con una mezcla genial de tributos a películas clásicas y nuevas voces, todo en una impresionante ubicación en una isla que hace que la experiencia sea aún más especial”.

El Festival Isla Calavera, que ya había entrado en la lista de Dread Central en 2022, se codea así con los más prestigiosos y populares certámenes internacionales y con una trayectoria histórica y consolidada como el Fantasia International Film Festival de Montreal, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges o el Festival Internacional de Cine de Toronto, a través de su sección Midnight Madness & Strange Cuts.

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera celebrará su novena edición del 7 al 16 de noviembre de 2025 en Tenerife y en el mes de julio ofrecerá su primer evento prefestival en Multicines Tenerife, su sede de proyecciones. Isla Calavera nace en 2017 y en sus ocho primeros años de trayectoria ha logrado una importante repercusión internacional y está considerado como uno de los encuentros de cine fantástico más relevantes del país, gracias al firme patrocinio y la visión del Ayuntamiento de La Laguna, a través de su concejalía de Cultura, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Gobierno de Canarias y la ayuda del Cabildo de Tenerife y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, entre otras entidades públicas y privadas.

PREDATOR: Próximos movimientos

Hay que estar pendiente de Predator: Badlands (EE. UU. 2025), que se estrena el 7 de noviembre de 2025. Como Predator: La Presa, Predator: Badlands está escrita por Patrick Aison y ambientada en gran parte en el planeta natal de los depredadores. Este filme, también dirigido por Dan Trachtenberg, es el tercero que acomete, y constituye el séptimo título de la saga. Es posible que satisfaga a esos fans que han pedido un filme en el que el Predator adquiera protagonismo y triunfe al final del filme.

La excusa es la expulsión de la criatura protagonista, Dek (el especialista Dimitrius Schuster-Koloamtangui) de su clan y la alianza con una joven interpretada por Elle Fanning, con quien iniciará un viaje plagado de aventuras trepidantes. Es posible que Dek haya incurrido en algún deshonor fruto del férreo Códice Yautja. Se ha diseñado para la ocasión todo un lenguaje para la raza cazadora, que ya se apunta en el segmento final de Killer of Killers. Tan arduo trabajo se ha llevado a cabo por parte de los lingüistas que diseñaron la lengua na’vi para las criaturas de la saga Avatar. Por otra parte, se rumorea que la empresa Weyland Yutani, esa corporación implacable que ansía a los Aliens para su división de armas biológicas, está implicada de alguna manera en los acontecimientos. Todo un “rompe reglas” el Sr. Trachtenberg.

Alien vs Predators

Pendientes igualmente de las palabras de Fede Álvarez, acerca de ese deseo de codirección con Trachtenberg de un nuevo encuentro Aliens Vs Predators (AVP). Se despiertan estos días todo tipo de especulaciones. De producirse el ajuste de cuentas entre ambas criaturas, cosa que ocurrirá más pronto que tarde, seguramente tardará un poco. Álvarez tiene el visto para una secuela de Alien: Romulus (EE. UU., 2024), y Tratchenberg también tiene pendiente una continuación autorizada de Prey.

Teniendo en cuenta el mal sabor de boca de los dos mestizajes firmados por Paul W. S. Anderson y los hermanos Strouse, que se lo piensen un poco, sin duda será beneficioso para los fans de las sagas. Finalmente, este 2025 es igualmente el año de irrupción de esa serie que esperamos en modo cuenta atrás. Alien: Planeta Tierra (Alien: Earth, EE. UU., 2025), cuyo showrunner es Noah Hawley, como es bien sabido, irrumpirá en plataformas a partir del 13 de agosto de 2025. Promete caos alienígena en nuestro patio trasero. La novedad de los xenomorfos en La Tierra no es tal, si recordamos los mencionados crossovers AVP, ambientados, el primero en la Antártica y el segundo en una población remota de Colorado, EE. UU. Pero ya se sabe, la saga Aliens Vs Predators “se da de bruces” con las cronologías e hitos de las sagas originales de las que emana.

Un poco de irreverencia, todo hay que decirlo, es bienvenida cuando se trata de satisfacer ciertos “frikismos”, así como enriquecer los distintos universos. Resulta, en definitiva, todo un proceso fascinante y prometedor, plagado de expectativas, rumorología y especulaciones, que revelan las ilusiones de los fans del mundo entero. Comprobar cómo los nuevos creadores apelan al subconsciente, fantasías y anhelos de los viejos fans, y lo hacen sin complejos, despertando nuestras pasiones más juveniles, hermanado ese interés con el de conquistar a las nuevas almas y convertir a los más jóvenes en longevos fans.

Me parece igualmente formidable, y toda una señal de respeto y consideración, la conservación de los nombres de los artífices originarios y honorarios de la saga. Es de recibo que figuren entre los créditos, entre los creadores de este formidable renacimiento, los nombres de Jim y John Thomas, guionistas del filme con el que empezó todo con los cazadores del espacio, Predator.

No menos relevante es la mención del nonagenario y legendario productor Lawrence Gordon en todos y cada uno de los filmes de la saga Predator. Aparece como productor ejecutivo y con el rótulo: “A Lawrence Gordon Production”. Es más, el instituto donde transcurre la mayor parte de la mencionada The Predator posee el nada casual nombre de Lawrence A. Gordon High School. El productor oriundo de Luisiana comenzó su andadura profesional en los años 60 del siglo XX de la mano de la mítica productora independiente American International Pictures.

En los años 80, entre otros méritos, produjo el primer filme de la saga, Predator y dio el visto bueno, lanzando la producción de Aliens el regreso (Aliens, EE. UU., 1986) de James Cameron, atascada como estaba en la cuadriculada mentalidad de la cúpula de 20th Century Fox de entonces. Mismo motivo de celebración, en opinión de este humilde cronista, el nombre del octogenario escritor, productor y realizador Walter Hill en cada uno de los eslabones de la cadena de películas y series del xenomorfo y su cruce con los cazadores siderales. El talento de Hill es de muy relevante participación en los procesos creativos de la saga de Alien, tal y como el tiempo ha ido demostrando. De igual modo ocurre en todos los filmes y series de televisión que según se mire expanden y enriquecen o redundan sin calado alguno el universo Star Wars. El nombre de George Lucas debe de estar y figurar expresamente en todos y cada uno de los créditos. Sin duda los tres cineastas, Gordon, Walter Hill y Lucas, se han ganado con creces su derecho.

PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS: Cartoons, mitos y epopeyas históricas en torno al Predator y a la caza

1. ESCUDO, ESPADA Y BALA: DE LA IMAGEN REAL A LA VINETA
2. DAN TRATCHENBERG Y LA SAGA PREDATOR
3. PRÓXIMOS MOVIMIENTOS

TerrorMolins 2025 reivindica el legado del J-Horror en el 25 aniversario de JU-ON

En el año 2000, el cineasta japonés Takashi Shimizu presentaba Ju-on, primera entrega de una emblemática y prolífica saga cinematográfica. Este año se celebra el 25 aniversario de su estreno y el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2025 se suma a la conmemoración dedicando esta edición al J-Horror —terror japonés—, que tanto marcó la entrada al nuevo milenio.

En este género, el folclore japonés y la tecnología moderna (cintas de vídeo, teléfonos y ordenadores) se daban la mano. Este cine apostaba por la atmósfera y el malestar psicológico, con fantasmas como el onryō —figuras femeninas del más allá en busca de venganza— convertidos en iconos muy populares. A pesar de los presupuestos ajustados, el J-Horror genera inquietud aún hoy día, gracias a una estética depurada, su simbolismo, el ritmo pausado y la capacidad de hablarnos de la absurdidad de la vida moderna a través de traumas, historias de soledad y terror existencial.

Ju-On, de Takashi Shimizu.
Ju-On, de Takashi Shimizu.

J-Horror, más allá del susto

El leitmotiv que acompañará esta 44ª edición del festival, que tendrá lugar del 7 al 16 de noviembre, con el Teatro de La Peni como sede principal, será J-Horror, más allá del susto.

Así, comienza la cuenta atrás para el inicio del TerrorMolins 2025 con este texto:

“En los años 90 había reinado el slasher desacomplejado y un punto paródico de Chucky, Scream, I Still Know What You Did Last Summer… Pero la entrada al nuevo milenio coincidió con el boom del J-Horror, una bocanada de aire fresco que revitalizó el género con películas (y videojuegos) en los que fantasmas vengativos asustaban al personal. Ju-on y Ju-on 2 son del año 2000 y se distribuyeron directamente en vídeo, pero su éxito boca a boca permitió a Takashi Shimizu rodar dos años después, con más medios, Ju-on: The Grudge, más secuela que remake.

La terrible historia tiene su origen en una casa de Tokio, cuando Takeo Saeki, convencido de que su esposa le es infiel, la asesina brutalmente y hace lo mismo con su hijo Toshio (y con el gato). En Ju-on encontramos la temática clásica de casa encantada (personaje central del filme) y un fantasma vengativo o onryō. La mayoría de los onryō son mujeres que habían sido maltratadas en vida por sus padres, maridos o amantes y tienen una apariencia inconfundible con raíces en el teatro Kabuki: cabellos negros despeinados y larguísimos, maquillaje ultrapálido y quimono blanco de luto. Según la creencia popular, cuando alguien muere víctima de la ira engendra una maldición que se instala en los lugares por donde se movía y donde murió. Si entras en uno de estos lugares o contactas con alguien maldito, serás víctima y pasarás a propagarla como si fuera un virus.

Dos años antes, Sadako saliendo del televisor en Ringu (Hideo Nakata, 1998) había puesto el J-Horror en el mapa, con el arquetipo del fantasma del pozo y el simbolismo del agua estancada asociada a la muerte, que también encontraremos en Dark Water (Hideo Nakata, 2002). Cineastas de culto como el prolífico Takashi Miike se subieron al carro con Chakushin ari (Llamada perdida) en 2003, donde repetía los efectivos clichés del subgénero, lejos de la densa e inclasificable Ôdishon (Audition) con la que nos maravilló en 1999 (ambas las pudimos disfrutar en TerrorMolins).

En los últimos años, la fiebre por el J-Horror parece haberse apaciguado, después de jugosos crossovers como Sadako vs. Kayako (2016), que mezcla sin complejos las mitologías de Ringu y Ju-on. Pero, por ejemplo, el año pasado Kôji Shiraishi firmó House of Sayuri, también con casa encantada, y en 2022 se estrenó Kisaragi Station, de Jirô Nagae, sobre una estación de tren maldita. ¡Agárrate fuerte a la butaca, la chica de rostro blanquísimo y melena negra interminable puede aparecer cuando menos te lo esperes!”n

Convocatoria de proyecto para la producción de un cortometraje en lengua catalana

Entre las novedades y sorpresas que prepara TerrorMolins 2025, el festival anuncia una convocatoria de estreno este año, siguiendo la tendencia y empeño del festival en potenciar a los y las creadoras de cine de terror en el ámbito y la lengua catalana.

Se trata de un concurso abierto a cineastas, productoras, escuelas de cine…, cuyo ganador se hará con un premio en metálico de 5.000 € para producir un cortometraje de terror en catalán.

Esta acción tiene el objetivo de visibilizar, reforzar el talento local y dar apoyo a la creación y producción cinematográfica en lengua catalana. Los proyectos presentados se compartirán en el marco del festival ante un jurado que otorgará el premio. La película terminada se mostrará en la siguiente edición del festival. Esta convocatoria está abierta hasta el 23 de septiembre de 2025.

Dan Tratchenberg y la saga PREDATOR

Dan Trachtenberg, que después de una carrera dirigiendo anuncios comerciales, algunos cortometrajes, y episodios de series como Black Mirror (Reino Unido, 2011-), debutó en el largometraje con un filme estupendo llamado Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane, EE. UU., 2016), dentro de la franquicia abierta por J.J. Abrams con su invasión de criaturas extraterrestres Monstruoso (Cloverfield, EE. UU., 2008), de Matt Reeves.

En la actualidad, el realizador oriundo de Pensilvania está centrado en la saga Predator, para la cual ha dirigido ya tres filmes. Predator: Killer of Killers está codirigido por el creador de efectos especiales Josh Wassung. Las otras dos, de imagen real, son conducidas exclusivamente por Tratchenberg.

Este cineasta está transportando a la saga de los depredadores hacia otras épocas y hacia otras sensibilidades, trascendiendo de los héroes musculados de los 80, del que hacía gala el filme original, Predator (EE. UU., 1987), de John McTiernan, y de las guerras por el control del tráfico de drogas de fondo del segundo filme de la saga, Predator 2 (EE. UU., 1990), dirigido por Stephen Hopkins.

Predators

Las aproximaciones al universo Predator de aquél, navegan sobre una cartografía trasgresora, apuntada en los dos decepcionantes episodios de la saga Aliens Vs. Predator, y apuntalada adecuadamente por Nimrod Antal en la estupenda Predators (EE. UU., 2010), tardía secuela, directa del filme original y todo un guiño a éste, pero con una perspectiva diferente. Transcurriendo en un entorno selvático y muy caluroso, como el filme del gran John McTiernan, realmente la acción de Predators estaba ubicada en un planeta que sirve de coto de caza particular para las criaturas cazadoras alienígenas, al que trasladan a un puñado de “tipos duros” (cuya galería incluye a Adrian Brody, Topher Grace, Walton Goggins o Alice Braga, entre otros) como si una trasposición de una temporada de Supervivientes se tratase, para cazarlos en dicho entorno hostil.

Predators exploraba hábilmente novedosas posibilidades, e introduce elementos de interés, como la terrible jauría de sabuesos monstruosos lanzados contra los personajes humanos, en un guiño a una secuencia similar en el filme La Presa (Southern Comfort, EE. UU. 1981), de Walter Hill. Por no mencionar a esos depredadores que se hallan en un estadio superior, que cazan, aniquilan y guardan como trofeo a miembros de su propia especie.

The Predator

Más acorde probablemente con los tiempos actuales y navegando en los inevitables mares de cierta «corrección política», Trachtenberg sacó a la saga de la mediocridad que supuso The Predator (EE. UU., 2018), toda una indignidad, no solo para la franquicia. También lo es para el talento de Shane Black, guionista y director ciertamente aclamado, que escribió este engendro con Fred Dekker en un tono no alejado de sus decepcionantes “pandillas alucinantes”. La baza de Black y Dekker era llevar a un guerrero del espacio exterior, mejorado con el ADN de otras especies, a un instituto estadounidense donde una profesora de ciencias ayuda a un grupo de militares a tratar de neutralizarlo. Vivir para ver.

Predator: La Presa

En Predator: La Presa (Prey, EE. UU., 2022), el revival de la saga, pese a cierta suavidad en el tono, y a no lograr siempre la suspensión de la incredulidad, hay que reconocerle a Trachtenberg que está contribuyendo notablemente a la creación, o consolidación, según se mire, de una mitología atemporal y que lo hace de una manera muy bien hilvanada a nivel narrativo.

Predator: La Presa no deja de constituir el enfrentamiento de una joven india y su perro con ayuda de algún “palito”, con el sofisticado, tecnológico, poderoso e implacable cazador sideral. Tratchenberg y su guionista Patrick Aison nos permitieron viajar al siglo XVIII a territorio de indios americanos y colonos franceses con la mencionada quinta película de la saga. El filme de 2022, definitivamente, posee un atractivo tono aventurero, que recordaba a la magnífica película de aventuras de Marcus Nispel, El Guía del Desfiladero (Pathfinder, EE. UU., 2007), que mezclaba vikingos conquistadores con indios americanos en el Manhattan del siglo X, aprovechando la extrapolación de la historia de una leyenda noruega que había sido adaptada por ese país, en una especie de western medieval, como fue la espléndida El Guía del Desfiladero (Pathfinder, Noruega, 1987), de Nils Gaup.

En fin, los componentes que sustentaban el filme de 2022, devienen definitivamente en estimulantes pese a ciertos inconvenientes fruto de las modas actuales. Y el plano final de Predator: Killer of Killers conecta inequívocamente los dos filmes dirigidos por Dan Trachtenberg.

Predator: Killer of Killers. (c) Disney+
Predator: Killer of Killers. (c) Disney+

PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS: Cartoons, mitos y epopeyas históricas en torno al Predator y a la caza

1. ESCUDO, ESPADA Y BALA: DE LA IMAGEN REAL A LA VINETA
2. DAN TRATCHENBERG Y LA SAGA PREDATOR
3. PRÓXIMOS MOVIMIENTOS

PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS: Cartoons, mitos y epopeyas históricas en torno al Predator y a la caza

Predator: Asesino de Asesinos (Predator: Killer of Killers, EE. UU. 2025), título sensacional que, como se nos deja claro en el rótulo inicial, constituye el resumen de la filosofía del Yautja, el código que rige el honor de los depredadores, pues su cultura pivota en torno a la caza, más concretamente a la de piezas dignas de ser cazadas, que se traduce en la imperiosa necesidad de además de vencerlas, empleando reglas de nobleza extrema (descartar piezas débiles, desarmadas, de poca capacidad de respuesta, despojarse de la máscara, de las armas propias y acabar con su presa lo más cerca de ella que sea posible, etc.) y finalmente, obtener su estructura ósea (principalmente cráneo y columna vertebral) como trofeos que definen la grandeza del batidor sideral.

1. ESCUDO, ESPADA Y BALA: DE LA IMAGEN REAL A LA VIÑETA

La cita inicial del Códice Yautja al inicio del filme de 2025 que nos ocupa, reza literalmente del siguiente modo: “Surca las estrellas en busca de las presas más poderosas. Serán tus trofeos. Conviértete en asesino de asesinos”.

En esta línea, el “Asesino de asesinos” puede ser también la pieza de caza más codiciada. Ya desde el comienzo, el primer filme de animación de la saga constituye la prueba palpable de que los fans de criaturas monstruosas, cazadoras o parasitarias, pero siempre míticas a estas alturas, estamos de enhorabuena. Siempre que encontremos la mirada adecuada y permitamos aflorar a ese niño que todos llevamos dentro, encontraremos en este prodigioso filme de animación, una cartografía que nos (tele) transporta al más explosivo y desprejuiciado entretenimiento.

Este filme de animación, disponible en plataforma desde el 6 de junio de 2025, francamente deviene en muy disfrutable a diferentes niveles. Es comiquero. Sí, parece que estás leyendo un tebeo de la saga Predator, más que viendo un filme, ya que deviene en un producto absolutamente desprejuiciado, extravagante, exagerado, trepidante, muy bien pensado, que desarrolla sus giros y malabarismos, sin complejos ni ataduras, sin la necesidad de cumplir algunos cánones imperantes en el cine comercial, como el marco de cierto “realismo” inflexible, o reglas de corrección política.

Killer of Killers

Killer of Killers simplemente se preocupa por erigirse en un crisol sangriento e implacable a lo largo de tres historias que convergen en su segmento final (que sería una cuarta historia), dejando al espectador, como todo buen carrusel de este tipo, en un cliffhanger (un “continuará” como un planeta de grande y evidente) que hace prever que estaremos ante un espectáculo seriado (no hay que ser Sherlock Holmes), plagado de futuras entregas episódicas, dependiendo de la aceptación de esta aproximación a la mitología Predator.

Si lo que apetece es indagar en diferentes pasos por el Planeta Tierra a lo largo de nuestra Historia por parte de la criatura cazadora más implacable, cosa que ya intuíamos por algunos detalles sembrados en los anteriores filmes, la película constituye el entretenimiento ideal ¡83 minutazos de pura diversión! 2025 es el año que marca el turno de presenciar el filme animado que nos ocupa, escrito por Micho Robert Rutare (cuyos antecedentes vinculados a saga Sharknado, por ejemplo, explica muchas fugas a la violencia y el toque serie b). El sexto filme de la saga, nos muestra al depredador de cacería entre guerreros vikingos en el siglo IX, en el Japón del Siglo XVII y en el Pacífico en los años cuarenta del siglo XX.

Predator: Killer of Killers. (c) Disney+
Predator: Killer of Killers. (c) Disney+

El Escudo

El primer segmento, titulado El Escudo, se ocupa de las venganzas de la reina vikinga y saqueadora Einar (voz de Lindsay LaVanchy, de adulta, y de Cherami Leigh en el flashback, cuando es una joven), guerrera implacable, así como los ritos de aprendizaje de su hijo Anders (Damien Haas), a quien se le lleva a la guerra para que se haga un hombre. Las ansias de cruzar al Valhalla, lo que les convierte en guerreros despiadados sin nada que perder pues la muerte es la ansiada gloria, está muy presente en la narración.

Resulta difícil no pensar en Beowulf (EE. UU. 2007), de Robert Zemeckis, también un filme de animación, también con una criatura monstruosa entre vikingos. El enfrentamiento entre Einar y el depredador, en el hielo, bajo el agua helada, o, como ocurre en el referido film de Zemeckis, en el interior de una cabaña, la lucha entre el monstruo cazador y la implacable reina, mientras los hombres de ésta y sus enemigos caen como moscas conecta los dos filmes, que parten, todo hay que decirlo, de estéticas y soluciones visuales bien diferentes.

Un referente adicional en esta órbita lo constituye el espléndido filme de aventuras Outlander (EE. UU. 2008), dirigido y coescrito por Howard McCain. En él un astronauta terrestre, se estrella con su nave espacial en la antigua Noruega, en el siglo VIII, trayendo consigo una criatura monstruosa, el Morween, dispuesta a vengar con sangre humana vikinga la extinción de su especie, creando el caos entre los vikingos pobladores de esa zona de La Tierra. Jim Caviezel, John Hurt, Danny Huston y Ron Perlman componían los principales pivotes humanos.

Predator: Killer of Killers. (c) Disney+
Predator: Killer of Killers. (c) Disney+

La Espada

En La Espada, la segunda crónica, que transcurre en el Siglo XVIII, la criatura espacial aparece entre ninjas y Samuráis, con una trama de rivalidad entre dos hermanos, Kenji (voz de Louis Ozawa Changchien), y Kiyoshi (también doblado por Ozawa Changchien) con la línea sucesoria de fondo, separados por las tradiciones y sus personalidades, pero definitivamente unidos en la lucha contra una criatura incomprensible e implacable. Hubo un rumor de que habría un filme entero del depredador en el Japón Feudal.

El segmento deja claro que, o fue realmente un rumor el que se extendió en 2024, o que, finalmente desde los estudios 20th Century Studios descartaron hacer dicho filme, para incluir el tratamiento feudal en el país del sol naciente exclusivamente como una de las tres historias en el filme que nos ocupa. Si nos hallamos ante esta segunda opción, la decisión sin duda ha sido la correcta, en opinión de este humilde cronista.

Predator: Killer of Killers. (c) Disney+
Predator: Killer of Killers. (c) Disney+

La Bala

Finalmente, La Bala, la tercera de las historias de Predator: Killer of Killers, tiene como protagonista a John J. Torres (voz de Rick González) y tiene lugar en el Océano Pacífico en plena II GM, apareciendo una nave y tecnología extraterrestre, y un depredador con un solo ojo, al modo de bucanero espacial, en plenos duelos aéreos entre cazas estadounidenses y japoneses.

En este episodio, destacamos la voz del actor Michael Biehn, que dobla al personaje del comandante Vandy, mentor de Torres. Biehn pasa de este modo a acompañar a Bill Paxton, en erigirse en otro marine de Aliens el regreso, que recala en alguno de los filmes sobre el alienígena cazador.

Un mestizaje, en definitiva, que conduce a este modélico filme por el territorio más Pulp de la saga, con unos resultados, aunque irregulares (la historia vikinga es con creces la superior), decididamente fascinante.

El último segmento de los poco más de 80 minutos de metraje se reserva para un encuentro de los supervivientes de las tres historias que, en su respectiva línea temporal, lograron derrotar a un cazador espacial. Los tres personajes son sometidos a crio sueño y desubicados en tiempo y lugar, para ser conducidos a un planeta-Coliseum, donde se reúnen los Predators para presenciar combates a vida o muerte entre luchadores de élite y donde liberan a algunas bestias implacables, ávidas de caza y muerte.

Para complicar la situación de los tres supervivientes, cada uno de ellos tiene un collar explosivo en su cuello que se activa remotamente. Todo un guiño a aquel filme de ciencia ficción de los 90 llamado Peligrosamente unidos (Wedlock, EE. UU., 1991), dirigido por Lewis Teague, protagonizado por Rutger Hauer, Mimi Rogers, Joan Chen y James Remar.

Los tres personajes del filme animado, pertenecientes a diferentes segmentos temporales, costumbres y lenguas, encuentran, sobre la marcha y en una situación extrema, la manera de unirse y trabajar juntos frente a la pesadilla común. Esta idea de colaboración de tres humanos de diferentes razas, geografías y lenguas por un bien común, no puede dejar de entenderse en clave de una llamada de atención a la humanidad en los tiempos compulsos actuales donde tiranías que creíamos superadas se abren camino, donde la polarización, la manipulación ideológica y de la información, así como ciertas pretensiones de unidad de pensamiento, complican una libertad que “habíamos dada por garantizada”, como bien proclamó Robert De Niro en su modélico discurso en el Festival de Cannes 2025 al recibir su Palma de Oro honorífica de la mano de Leonardo DiCaprio. Los humanos, divididos por sus “temas” e idiosincrasias, y rencillas muchas veces absurdas y ridículas, deben superar las desavenencias y aliarse.

En esta línea reivindicativa, el filme va en una línea modélica que están emprendiendo ciertos filmes y series de televisión actuales de una manera metafórica. Es destacable el prodigioso episodio 8 de la segunda temporada de la serie Andor (EE. UU., 2025), de la franquicia Star Wars. La serie como es sabido, gira en torno al personaje de Cassian Andor interpretado por Diego Luna, y que conocimos en el filme Star Wars: Rogue One: una historia de Star Wars (Rogue One: A Star Wars Story, EE. UU. 2016), de Gareth Edwards. Llamamos la atención de la mencionada segunda temporada y el referido episodio 8, titulado ¿Quién eres tú? (T2-E8: Who are you?, EE. UU. 2025), dirigido por Janus Metz. Recordemos que el showrunner de la serie es el prestigioso guionista Tony Gilroy (continuando su labor encomendada en el mencionado filme de 2016).

Asistimos en dicho episodio al proceso a tiempo real de manipulación de los medios de comunicación afines al imperio, para camuflar la inminente expoliación de recursos naturales, como encubierto punto de partida para perpetrar la masacre y colonización del Planeta Ghorman, que resuena en la leyenda del universo Star Wars, por parte de las dictatoriales tropas del Imperio. La carga de las tropas imperiales y de los implacables robots K-2, transcurre en un momento de incremento de la tensión, paralelamente a una manifestación pacífica de los ciudadanos Ghormanianos. El desfile pacífico se convierte en una masacre y devastación por parte de las tropas de represión imperiales.

La masacre es acompañada y seguida de abrumadoras campañas de manipulación informativa por parte de los medios de comunicación claramente afines al Imperio de lo ocurrido. Cualquier guerra siempre lo es de información igualmente. La primera víctima de la guerra, definitivamente, es la verdad, como rezaba magníficamente el slogan publicitario del filme Bajo el fuego (Under Fire, EE. UU., 1983), de Roger Spottiswoode. La masacre se convierte en la excusa perfecta para la pretendida normalización de la actuación represora.

Estas advertencias de autoritarismo incipiente, constituyen motivos de reflexión para los demócratas en el mundo de hoy, otorgando focos de interés en las nuevas fórmulas de sagas míticas. Aunque seamos conscientes, no deja de agradecerse el subrayado, dadas las actuales circunstancias que trascienden la geopolítica. Ahí están la guerra de Ucrania, el genocidio israelí en la franja de Gaza, la manipulación (des) informativa del presidente Donald Trump y sus medios y campañas afines, la polarización de la vida política en general en los países, especialmente preocupante en España. Las imágenes audiovisuales, en definitiva, no pueden vivir y multiplicarse aisladas del mundo actual.

Predator: Killer of Killers. (c) Disney+
Predator: Killer of Killers. (c) Disney+

PREDATOR: ASESINO DE ASESINOS: Cartoons, mitos y epopeyas históricas en torno al Predator y a la caza

1. ESCUDO, ESPADA Y BALA: DE LA IMAGEN REAL A LA VINETA
2. DAN TRATCHENBERG Y LA SAGA PREDATOR
3. PRÓXIMOS MOVIMIENTOS

CAOSTICA anuncia palmarés de su 23ª edición

La 23ª edición del Festival Internacional de Cortos y Videoclips Caostica, llega a su fin tras una intensa semana de programación, del 2 al 8 de junio, en Bilborock.

Los integrantes del jurado formado por la artista, cineasta y directora del Festival Zinegoak Alaitz Arenzana, el guionista y presidente de la Asociación de guionistas de Euskal Herria Aitor Eneriz y la directora Alba Lozano otorgaron cuatro de los premios principales:

­Premio Videozinema

Le Dérapage (Aurélien Laplace). 15 min. Francia. Esta mañana, Paul Sérédat, político en campaña para la reelección, lo oye en la radio: ha cometido un desliz. ¡Y, al parecer, no es pequeño! Entra en pánico: ¿qué demonios ha dicho para merecer semejante revuelo mediático?­­

Mención especial Videozinema para: Urtajo (Miguel Ángel Marqués). 10 min. España

Premio Gaztea Mejor Videoclip
Noraezean EZEZEZ (Unai Madariaga, Eneko Ajangiz). 4 min. Euskadi. Iratxe, una dealer de un colirio un tanto incierto, se dedica a pasear las calles vendiendo lo suyo. Los Ezezez lo prueban para descubrir qué pasa.­
Mención Especial Videoclip: DragasLapkričio dvidešimtosios orkestras (Robertas Nevecka). 5 min. Lituania.
­
Premio Animación

On hold (Delia Hess). 7 min. Suiza. Una joven está atrapada en la cola de espera de una línea telefónica directa… un cortometraje episódico surrealista sobre los absurdos de la vida urbana y el sentimiento de estancamiento paralizante.

Mención especial Animación: Buffet Paraíso (Santi Amézqueta, Héctor Zafra). 8 min. España.

­Premio ECPV: Mejor Corto español

Las Chicas (Laura Obradors). 16 min. España. Verano de 2005. Mientras Daddy Yankee y Estopa suenan en todas las emisoras, María, Ester y Violeta pasan otro verano más en el camping, matando el tiempo entre la Súper Pop, Calippos de fresa y el cloro de la piscina. El incipiente interés que ejercen sobre ellas los chicos deja a María completamente obsesionada con Rubén, pero cuando este y su pandilla humillan a las chicas, en su interior florece un instinto hasta ahora desconocido que marcará sus vidas para siempre.

Caostica 23.
Caostica 23.

La Asociación Caostica otorgó el premio a la mejor obra Bizarra así como al mejor trabajo en euskera:

Premio Bizarro

RataTigre Balsámico (Iván López Núñez). 3 min. España. La ciudad se estremecía con la noticia: otro cadáver había sido hallado en un lúgubre W.C., el tercero en una sucesión de muertes violentas y desconcertantes. El inspector P. Taladro y su ayudante, el doctor Toni, se sumergían en una turbia investigación. Sin saber que, en lo profundo de las cloacas, algo pequeño, sucio y peludo los estaba esperando…

Mención especial Bizarra: Siluro, la bestia del Ebro (Jordi Romero). 13 min. España.

­EHU Kultura Caostica a la mejor obra en euskera

Egunon Guda Dantza (Imanol Muro). 4 min. Euskadi. Bajo la mirada estricta de su exigente jefe, un grupo de jóvenes azafatos, contratados en una lujuriosa empresa de subastas, ve cómo lo inesperado desencadena una serie de acontecimientos que nadie habría anticipado.

LO QUE VIENE TENERIFE anuncia parte de su programa, que contará con la presencia de Carmen Machi y Pilar Castro, entre otros

El festival de cine y series Lo Que Viene, organizado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE) del 8 al 11 de julio en Tenerife, estrenará la serie original de HBO Furia, creada por Félix Sabroso para HBO Max, y con Candela Peña, Carmen Machi, Cecilia Roth, Pilar Castro y Nathalie Poza en su reparto.

La mayor parte de actividades de Lo que viene se celebrarán en el Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y Félix Sabroso, Carmen Machi y Pilar Castro estarán en la isla para presentar la serie.

Furia es una serie de ocho episodios de 30 minutos, producida por Alberto Carullo, Antonio Trashorras, David Ocaña y José María Caro por parte de HBO Max, y Santi Botello y Tedy Villalba Jr. por parte de Mandarina. Se trata de un retrato contemporáneo de cinco personajes femeninos dispuestas a todo ante situaciones límite como extorsión, opresión, engaño, exclusión o manipulación en un único universo compartido articulado alrededor de cinco conflictos que se desarrollarán como un efecto mariposa, uno como consecuencia del otro. Así hasta llegar a catarsis compartidas. Un retrato caleidoscópico del momento social actual con altas dosis de ironía y humor.

Parecido a un asesinato

En la sección de Presentaciones, Sunrise Pictures nos avanzará, además de otros contenidos, las primeras imágenes de Parecido a un asesinato, la próxima película de Antonio Hernández, protagonizada por Blanca Suárez y Eduardo Noriega.

Nakamura Films ofrecerá los primeros detalles de la próxima adaptación del cómic de Paco Roca El abismo del olvido, por Álex Montoya. La Filmahora ofrecerá los primeros detalles de la nueva película de Jota Linares; y Jaibo Producciones (Alicante) avanzará imágenes de Balearic, coescrita por Ion De Sosa y Chema García Ibarra.

Emergency Exit, la última película de Marisa Paredes

Lo Que Viene prestará especial atención a la producción canaria de la mano de El Viaje Films que presentará, entre otras novedades, las primeras imágenes de Emergency Exit, la última película de Marisa Paredes dirigida por Lluís Miñarro y rodada en Tenerife y La Gomera, y que servirán de homenaje a la gran actriz, recientemente desaparecida.

Mesas Redondas

También se analizará el estado del sector dentro de la sección Mesas Redondas. Una de ellas estará dedicada al impacto de la inteligencia artificial en el audiovisual, con la experiencia de Francisco Asensi, experto en innovación digital y profesor de The Core; Irene Luzán, CEO y técnico 3D en Shu Digital; Alberto González Pulido, experto en Propiedad Intelectual; y un representante de ALMA guionistas.

Encuentros

Junto a las Premieres, la otra sección abierta al público es la de Encuentros. Ya está confirmada, entre otras, la presencia de la actriz Malena Alterio, Premio Feroz 2024 a la mejor actriz protagonista de una película por Que nadie duerma.

Lo Que Viene Tenerife

Lo Que Viene Tenerife es mucho más que un festival al uso: es un encuentro entre la prensa especializada en cine y series y destacados agentes de la industria audiovisual. Una oportunidad única, en un ambiente distendido, de debatir sobre los principales temas de actualidad y mostrar un avance de los grandes estrenos antes de que lleguen a las pantallas de cine o de televisión. Todo ello sin olvidar el preestreno de películas y series en primicia para el público local.

Todos los materiales, detalles y novedades pueden seguirse en la web del Festival loqueviene.es y en las redes sociales de los Premios Feroz.