La Asociación Cultural Charlas de Cine celebra este mes de febrero su tradicional Ciclo Cine y Ciencia, una cita anual que combina la divulgación científica y el séptimo arte, en colaboración con la Real Academia Canaria de Ciencias. Las proyecciones y charlas tendrán lugar en Multicines Tenerife, en La Laguna.
El programa arranca este jueves 5 de febrero con la proyección del documental La ciencia de las mujeres de África, dirigido por Begoña Piña y Pedro Mambrú, seguida de un coloquio con Carina Soledad González y Jezabel Molina, respectivamente directora y secretaria del Instituto Universitario de Estudios de las Mujeres de la ULL. Este evento será de entrada gratuita para el alumnado de la ULL que presente su carné universitario en taquilla.
La siguiente cita será el jueves 12 de febrero, con la ponencia titulada Del 10 al 1: la Física en el cine, una propuesta divulgativa que explorará cómo la gran pantalla ha abordado los principios fundamentales de la física a lo largo de la historia del cine.
Como cierre del ciclo, el viernes 27 de febrero, se proyectará Interstellar(2014), de Christopher Nolan, película que servirá de punto de partida para una charla sobre su trasfondo científico y su interpretación de los viajes espaciales y el tiempo.
El ciclo Cine y Ciencia está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, Multicines Tenerife, la Real Academia Canaria de Ciencias, el Aula de Cine y el Aula Cultural de Divulgación Científica de la Universidad de La Laguna. Colaboran la Fundación Mujeres por África, Culturamanía Magazine, Charlas de Cine Radio, TUMBAABIERTA.COM, Cajasiete, el Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera y Juan Antonio Ribas Ediciones Digitales.
Cartel del ciclo Cine y Ciencia de Charlas de Cine
No sabemos si por el mileniarismo o por una cuestión de modas, pero el mundo del videojuego tuvo un auge de títulos de terror en la década de los 90 que marcaría una escuela de la que a día de hoy seguimos viendo sus frutos. Títulos como Alone in the Dark, House of the Dead, Resident Evil o Silent Hill invadieron nuestra imaginación con un catálogo de criaturas y atmósferas inquietantes. La narrativa de los juegos, su vocación cinematográfica y el salto evolutivo de la parte gráfica, además del impactante diseño de criaturas invertiría el rol inspirador y, pronto, con el inicio del nuevo siglo, muchas películas beberían directa o indirectamente de estos hallazgos.
El desafío de adaptar el videojuego al cine
Es cierto que, pese a sus vasos comunicantes, seguimos hablando de dos medios muy diferentes, algo que ha afectado, sobre todo, a las dificultades para adaptar los videojuegos al cine de manera fidedigna, pero ajustándose a la gramática cinematográfica. El impulso de la infografía en el cine ha facilitado muchas cosas, pero todavía encontramos fricciones a la hora de trasladar a la gran pantalla lo experimentado frente al monitor.
Mientras, el que era el hermano pequeño ha ido creciendo, la inversión en el sector de los videojuegos es cada vez mayor y, como industria, hace tiempo que dejó de ser vista con superioridad por parte del cine o la televisión.
El retorno de Christophe Gans a Silent Hill
Puestos a hacer balance, en el ranking de las mejores películas que hayan adaptado un videojuego, Silent Hill, dirigida por Christophe Gans en 2006, sigue siendo valorada como una de las más afortunadas. Veinte años más tarde, el propio Gans ha decidido regresar al videojuego de Konami, adaptando ni más ni menos que Silent Hill 2, una obra maestra dentro del género de videojuegos de terror.
Return to Silent Hillbusca contentar a los fans del videojuego. Aunque hay cambios en el argumento general, hay un notable esfuerzo por mantener la atmósfera y el catálogo de criaturas presentados en 2001. Y ese es precisamente uno de los principales hándicaps de la película, que lo consigue.
Hay dos elementos básicos que parece haber olvidado el director Christophe Gans. El primero es que la narrativa de un videojuego, por muy pretendidamente cinematográfica que fuera, no es lo mismo que la narrativa de una película. La saturación de planos aberrantes en la planificación produce en el espectador un efecto anestesiante, de modo que deja de tener esa finalidad incómoda, inquietante, que se pretendía. Es cierto que incluso en la textura de la imagen tenemos esa sensación de ver un videojuego, pero esta forma de contar la historia acaba resultando cargante. Lo mismo sucede con los diálogos o las interpretaciones tan afectadas. Son elementos que en el contexto interactivo del juego pueden funcionar, pero no en la sala de cine, donde hace falta otra fluidez y otro naturalismo.
Return to Silent Hill
Segundo error: una mirada anacrónica
El segundo aspecto perjudicial es que, en esa persecución de la fidelidad, Gans olvida que han pasado 25 años desde la presentación del videojuego. Hay una sensación anacrónica continua en la película, que está plagada de elementos estéticos y narrativos propios de principios del siglo XXI, pero que, a día de hoy, resultan demodé. Todo resulta muy de su tiempo, salvo que su tiempo no es 2026, sino 2001.
Es cierto que hay elementos reseñables, como el estupendo rediseño de las criaturas a cargo de un veterano como Patrick Tatopoulos, uno de los diseñadores de criaturas clave del cine fantástico del siglo XXI; sin embargo, la factura digital en pantalla de estas criaturas resulta muy pobre, debido a la falta de un presupuesto acorde a las necesidades. Por otro lado, mientras que en la película de 2006 Gans contaba con una actriz competente, hoy bastante olvidada, como Radha Mitchell, aquí la historia recae en los endebles hombros de Jeremy Irvine y Hannah Emily Anderson y su patente falta de química en pantalla.
Un nuevo tropiezo entre cine y videojuego
Esto convierte a Return to Silent Hillen una película fallida a todos los niveles y un nuevo escollo en la consecución de ese matrimonio de conveniencia entre los sectores del cine y los videojuegos.
Tras más de una década en el purgatorio del desarrollo cinematográfico, con diversos retrasos por distintos motivos, el remake de Los Inmortales(Highlander) finalmente ha iniciado su rodaje en Escocia. Chad Stahelski, el arquitecto detrás del fenómeno John Wick, se propone resucitar la franquicia que conquistó las salas de cine en 1986, armado con Henry Cavill, ya recuperado de su lesión durante los ensayos de preproducción, el “gladiador” ganador del Óscar Russell Crowe y un presupuesto de 165 millones de dólares de la mano de United Artists y Amazon MGM Studios que promete transformar la mitología de los guerreros inmortales para la audiencia contemporánea.
La decisión de confiar en Stahelski no es casual. Su dominio de la coreografía de acción en la saga de Keanu Reeves lo posiciona como el director ideal para resolver un dilema que ha perseguido a Highlanderdurante cuatro décadas: cómo presentar combates con espadas que trasciendan el melodrama para alcanzar la poesía del movimiento.
Henry Cavill y Russell Crowe, duelistas de leyenda
Henry Cavill, quien lleva años pidiendo un papel de acción cinematográficamente puro tras su experiencia en The Witcher, es un fan confeso de la mitología de Highlandery mostraba su felicidad al desvelar las primeras imágenes de la nueva película en sus redes sociales, donde aparece caracterizado como Connor MacLeod. Russell Crowe será Juan Sánchez-Villalobos Ramírez, el espadachín que Sean Connery “inmortalizó” en 1986, dotando al mentor que ha observado siglos de guerra entre los condenados a la eternidad de su incontestable presencia. Jeremy Irons encarna el líder de una nueva interpretación de The Watchers, un concepto rescatado de la serie de televisión, como villanos que quieren robar la inmortalidad.
Un viaje de quinientos años
Mientras la original saltaba entre la Escocia del siglo XVI y el Nueva York de los ochenta, este remake abarca 500 años de narrativa, extendiéndose desde las tierras altas medievales hasta un Nueva York y un Hong Kong futuristas. Este ambicioso ajuste promete expandir la mitología más allá de sus confines europeos.
El elenco cuenta también con tres actores que coincidieron anteriormente en Guardianes de la Galaxia(2014): Dave Bautista, como Kurgan, Djimon Hounsou como un inmortal africano, y Karen Gillan, como Heather. También participará el luchador escocés Drew McIntyre como Angus MacLeod; y Marisa Abela, la actriz que fue Amy Winehouse en el biopic Back to Black, entre otros.
En lugar de un reinicio simple, Chad Stahelski ha conceptualizado la película como una precuela para The Gathering (la Reunión), el evento mitológico donde los inmortales convergen. Esto resuelve elegantemente el problema que destruyó las secuelas: cómo justificar la existencia de más inmortales cuando el tagline proclama «solo puede haber uno». Al configurar esta película como una progresión hacia un conflicto mayor, Stahelski deja espacio para una trilogía potencial sin socavar la lógica interna de la franquicia.
Un equipo técnico a la altura del mito
La dirección de fotografía de Dan Laustsen, maestro de texturas atmosféricas, y una partitura de Tyler Bates que incorpora elementos de la icónica banda sonora de Queen, completan un equipo técnico que sugiere una apuesta seria.
Henry Cavill retoma el personaje que Christopher Lambert convirtió en inmortal.
Las primeras imágenes de Cavill reveladas esta semana muestran una estética que evita la fantasía tradicional: chaquetas vanguardistas, arquitectura urbana futurista, una sensibilidad noir cyberpunk que contrasta con la ingenuidad visual del original.
El mayor riesgo radica en complacer los fans de la franquicia, apasionados pero exigentes, que veneran el original y esperan el remake con ansias, pero podrían decepcionarse fácilmente.
¿Una nueva era para Highlander?
En 2027 o 2028, sabremos si los nuevos Inmortales realmente pueden trascender la maldición de sus secuelas fallidas, o si simplemente será otro capítulo en una saga que no ha logrado evolucionar.
Mattel acaba de aterrizar en España con una propuesta que va a hacer felices a más de uno: sets de construcción para adultos que mezclan la pasión por los coches con el placer de montar bloques. La nueva marca Mattel Brick Shop se une a Hot Wheels para traernos tres líneas exclusivas pensadas para fans del motor y el coleccionismo.
En un año que marca un antes y un después para la animación europea, 3Doubles Producciones y Sumendi Uhartea anuncian su participación en la primera edición de los EFM Animation Days, que tendrá lugar del 12 al 14 de febrero en el marco del Festival Internacional de Cine de Berlín. Esta nueva y ambiciosa colaboración entre la Berlinale y el Festival de Annecy crea un espacio dedicado exclusivamente al contenido animado dentro del European Film Market (EFM).
Bajo la dirección del cineasta Paul Urkijo, conocido por su maestría en el género fantástico con títulos como Gauao Irati, Ages of Madness: The Howling of the Jinn será presentado por Darío Sánchez, CEO de 3Doubles Producciones, el viernes 13 de febrero a las 9:00h dentro del prestigioso Annecy Animation Showcase. Este evento conecta proyectos en desarrollo con los distribuidores, agentes de ventas e inversores más influyentes del mundo.
Ages of Madness: The Howling of the Jinn
Un hito para la animación de adultos
Ages of Madness: The Howling of the Jinn es un largometraje de 80 minutos basado en el universo de H.P. Lovecraft. Producida por Darío Sánchez, la película utiliza una estructura de «muñeca rusa» para narrar cuatro historias que atraviesan la historia humana, desde una abadía medieval en el siglo XII hasta el Tokio actual, unidas por el
siniestro hilo conductor del Necronomicón. «La animación es el único medio capaz de hacer justicia al universo evocador y perverso de Lovecraft«, afirma Darío Sánchez. «Buscamos ofrecer un horror sofisticado para audiencias adultas que el cine de imagen real difícilmente puede alcanzar».
Este ambicioso proyecto es posible gracias al sólido apoyo institucional del Cabildo de Tenerife, el Gobierno Vasco y la Diputación de Bizkaia, subrayando la importancia de la colaboración interregional en la producción de animación de alto nivel en España.
Sobre 3Doubles Producciones
Fundada en 2017 y con sede en Santa Cruz de Tenerife, 3Doubles Producciones es un estudio de animación 3D líder en Europa y uno de los que ha experimentado un crecimiento más rápido en el sector. Este logro es fruto de una combinación de producción de alta calidad y la ventaja competitiva de su ubicación en las Islas Canarias. Con un equipo en crecimiento de más de 200 profesionales, el estudio se especializa en servicios de producción integral y coproducciones de largometrajes y series de televisión. Su portfolio incluye el film nominado al Goya Inspector Sun y la maldición de la viuda negra(2022), SuperKlaus(nominado al Goya 2025) y los largometrajes ya finalizados Heidi: El rescate del lincey Norbert (nominado al Goya 2026) entre otros. Actualmente, el estudio está en producción de importantes títulos internacionales como Gungoy Flamingo Flamenco.
Sobre Sumendi Uhartea
Estudio de animación con sede en Bizkaia y vinculado a 3Doubles Producciones. Centrado en la innovación y narrativas excepcionales, sus proyectos recientes incluyen Heidi, Katamotzaren erreskatea(2025), Lasai, Zeus! y KooKoo Corral(seleccionado en Cartoon Forum 2025). Su labor es fundamental en el ecosistema de animación del País Vasco.
Netflix desvela el tráiler y nuevas imágenes de Cortafuego, el nuevo thriller psicológico dirigido por David Victori (Sky Rojo, No matarás), que llegará a la plataforma el próximo 20 de febrero. La película apuesta por una alta tensión narrativa y un dilema moral sin salida, con una carrera contrarreloj que pone a prueba a sus personajes en un entorno cada vez más hostil.
La editorial Sial-Pigmalión anuncia el lanzamiento de Mis 100 años de cine. Memorias, la esperada autobiografía del legendario actor estadounidense Jack Taylor, Premio Isla Calavera de Honor 2017, que este año celebra una trayectoria artística que abarca prácticamente un siglo de historia del cine.
Hay historias que nacen de las preguntas más incómodas que uno puede hacerse frente al espejo a las tres de la madrugada. Para el guionista Owen Egerton, esa pregunta no fue abstracta ni metafísica, sino terroríficamente literal: «¿Y si lo que me persigue no es un fantasma cualquiera, sino mi propia muerte futura?». De esa semilla, regada con el miedo a la inevitabilidad del final, brotó Whistle: El Silbido del Mal, la cinta que traerá de vuelta a Corin Hardy (La monja) a las salas de cine el próximo 20 de marzo.
El regreso de Corin Hardy al terror más artesanal
El director británico, un artesano visual criado entre los monstruos de Ray Harryhausen y la sangre sintética del slasher ochentero, ha encontrado en esta premisa el vehículo perfecto para desplegar su particular imaginería macabra. La historia arranca con el hallazgo accidental de un antiguo silbato azteca de la muerte por parte de un grupo de estudiantes inadaptados, un tropo clásico del género que aquí se retuerce hacia algo mucho más existencial. Al soplar el artefacto, no despiertan a un demonio ancestral ni abren una puerta al infierno, sino que activan un mecanismo fatal: invocan a sus propias muertes. No son espectros genéricos, son proyecciones físicas de su propio deceso viniendo a reclamar lo que es suyo por derecho.
Un elenco joven para una historia sobre el destino
Para dar vida a esta pesadilla, Hardy ha reclutado a un elenco que funciona como un auténtico «quién es quién» del talento joven actual. Dafne Keen, que ya demostró tener un magnetismo salvaje en Logany recientemente en Deadpool y Lobezno, encarna a Chrys, un personaje construido desde lo visual en estrecha colaboración con el director. A su lado, Sophie Nélisse (Yellowjackets) interpreta a Ellie, el contrapunto emocional necesario en una historia que, según su protagonista, tiene ecos de un Romeo y Julieta perverso donde la atracción y el peligro bailan al mismo compás. El reparto se completa con rostros conocidos como Sky Yang, Percy Hynes White y el incombustible Nick Frost, quien aporta esa necesaria válvula de escape humorística encarnando al señor Craven, un profesor de historia que quizás sabe más de lo que cuenta.
El sonido como instrumento del terror
Pero más allá de los nombres propios, el verdadero protagonista es el sonido. Hardy, obsesivo con la atmósfera auditiva, ha convertido el silbido del artefacto en una sentencia de muerte sonora. Inspirado en silbatos reales documentados por la arqueología y la propia National Geographic, el diseño de sonido de la película promete ser una experiencia en sí misma, sosteniendo la mitad del peso del terror narrativo. «El cincuenta por ciento del miedo está en el diseño de sonido», asegura el director, quien también se encargó de crear playlists específicas para rodar cada escena, sumergiendo a los actores en un estado mental concreto antes incluso de que las cámaras empezaran a grabar.
Efectos prácticos y horror tangible
Visualmente, la película se aleja del CGI excesivo para abrazar la tangibilidad de los efectos prácticos. Cada muerte en pantalla ha sido diseñada como una set piece única, buscando no solo asustar, sino dejar una marca en la retina del espectador. En un panorama saturado de sustos digitales, Whistleapuesta por la fisicidad del horror, por muertes que duelen y monstruos que parecen respirar el mismo aire que sus víctimas. Es el terror entendido como artesanía, una vuelta a los orígenes para contar una historia sobre el destino inevitable que nos espera a todos, solo que esta vez, tiene un sonido propio y viene corriendo hacia nosotros.
Whistle: El silbido del mal. (c) BETA FICTION SPAIN
Mattel ha decidido sincronizar relojes. Aprovechando la tracción viral del primer tráiler de la nueva película de Masters del Universo —que ya domina las tendencias en YouTube—, la compañía ha presentado hoy Masters of the Universe® Chronicles™. No se trata de un lanzamiento rutinario, sino de una maniobra clara para captar al coleccionista exigente de cara al estreno en cines del 5 de junio de 2026.
La propuesta de Chroniclesse aleja del juguete de gran consumo para centrarse en el segmento premium. La firma apuesta por diseños que replican con fidelidad la estética de la película live-action, ofreciendo acabados detallados y una articulación compleja. Es un movimiento lógico: el público objetivo de esta franquicia ha madurado y busca piezas que funcionen como réplicas de exhibición, no solo como figuras de juego.
Una actualización para un mito de 50 años
El reto es considerable. Masters del Universo revolucionó el mercado en los 80 al fusionar fantasía heroica y ciencia ficción, creando iconos instantáneos como He-Man y Skeletor. Cinco décadas después, la visión de Travis Knight para Mattel Studios y Amazon MGM Studios pretende actualizar ese legado sin perder su esencia.
El elenco, encabezado por Nicholas Galitzine (He-Man), Camila Mendes (Teela), Idris Elba (Man-At-Arms) y Jared Leto (Skeletor), sugiere una producción de gran envergadura. En este contexto, la línea Chroniclesactúa como el puente tangible entre el diseño clásico y la nueva dirección artística de la película, mucho más moderna y audaz. Cada figura ha sido esculpida para reflejar esta evolución visual, respetando el ADN de los personajes pero adaptándolos a los estándares del cine actual.
La colección inicial incluye:
He-Man: Diseño fiel al de la película con la Espada del Poder y manos intercambiables.
Skeletor: El icónico villano con su Báculo del Caos.
Man-At-Arms: Completamente articulado con su característica maza y bláster
Tri-Klops: La amenaza de ojos cibernéticos con accesorio bláster
TrapJaw: La amenaza mecánica con su brazo de gancho
Teela: Articulación de lujo con múltiples armas y cabezas intercambiables
Evil-Lyn: Articulación mejorada con su báculo mágico
BattleCat: La bestia, tal como se ve en la pantalla, incluye una armadura extraíble
Desde el punto de vista técnico, la propuesta es ambiciosa. Mattel ha dotado a cada pieza de 30 puntos de articulación, un estándar que busca satisfacer la demanda de posabilidad extrema del coleccionista actual. A esto se suman accesorios de acabado premium y un trabajo de esculpido centrado en capturar la verosimilitud física del reparto, buscando ese difícil equilibrio entre el homenaje al legado histórico de la marca y la nueva identidad visual del cine.
La estrategia de distribución también tiene fecha marcada: el despliegue comercial comenzará el próximo 25 de abril de 2026. El lanzamiento se adelantará más de un mes al estreno en salas para calentar motores, planteando un goteo constante de novedades que se extenderá durante todo el año. El objetivo de la compañía es claro: mantener viva la conversación y la fiebre por Eternia mucho más allá de la semana de estreno.
Con este movimiento, Mattel reafirma su liderazgo en el sector, demostrando una vez más —como ya ha hecho con marcas como Barbieo Hot Wheels— su capacidad para convertir el juguete tradicional en un fenómeno transmedia global.
El regreso de Danny Boyle y Alex Garland a su saga de infectados después de 28 Semanas Despuésse dilató, pero el resultado está siendo reconfortante. Ambiciosamente concebida como trilogía, esta nueva etapa de la saga también ha querido delegar las labores de dirección de su segundo capítulo en manos de alguien ajeno. Si en la segunda entrega el elegido fue el tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo, en esta ocasión, la escogida ha sido Nia Dacosta, quien, de esta manera, ha podido resarcirse de la mala experiencia y la nefasta recepción de su incursión en el Universo Cinematográfico Marvel con The Marvels.
Continuidad inmediata
Si en el caso de 28 Semanas Despuésse desligaba la trama y los personajes de lo sucedido en la primera entrega, en esta ocasión, nos encontramos con una continuación de 28 años despuésinmediata, retomando a los personajes principales escasos momentos después del cierre de la película anterior. A falta de ver la tercera entrega, que llegará a las carteleras en 2027 y volverá a estar dirigida por Danny Boyle, todo parece apuntar a que el resultado final va a ser una única trama repartida a lo largo de las tres películas, con el personaje de Spike como hilo conductor.
Por esto, la elección de Dacosta, a priori, podía resultar más arriesgada. Si Fresnadillo podía tener más margen de maniobra para desarrollar una secuela que funcionara de manera independiente, Dacosta no sólo se encontraba ante el reto de estar más constreñida a nivel argumental, sino también en lo referente a puesta en escena, al tratarse de un tramo de historia que debe mantener una continuidad estilística con lo anterior y lo que ofrecerá de nuevo Boyle a continuación. Aún así, sin distanciarse del patrón establecido, consigue ofrecer una película que se siente también muy propia.
28 años después. El templo de los huesos. (c) Sony Pictures Entertainment
Los infectados como reflejo de la humanidad
Desde los tiempos de George Romero, es habitual en el cine de zombis/ infectados que estos sean más bien un catalizador de un discurso sobre la propia humanidad y, especialmente, el egoísmo y la violencia que anida en la necesidad de supervivencia. 28 Años Después. El Templo de los Huesosno es una excepción a esto. Es más, frente a la película anterior, aquí, salvo por la presencia del personaje de Sansón, los infectados tienen escasa presencia.
Curiosamente, la película parece más bien un crossover de dos figuras más tradicionales del cine de terror. Toda la trama del Dr. Kelson y Sansón parece una relectura un tanto psicodélica del Frankensteinde Mary Shelley, con el médico buscando una cura a la infección a través de la gigantesca figura del Alpha. Por otro lado, la figura de Jimmy y sus Dedos nos puede recordar más a la figura del vampiro con su cohorte de esbirros, algo enfatizado con la presencia de Jack O’Connell, quien ya en 2025 diera vida a uno de los mejores villanos cinematográficos del año con Los Pecadores. Otro referente en este ineludible en este sentido es también el Alex y sus drugos de La Naranja Mecánica.
28 años después. El templo de los huesos. (c) Sony Pictures Entertainment
Nuevos villanos para un mundo desolado
Sir Jimmy Crystal tiene todos los ingredientes para retomar el testigo del Remmick de Ryan Coogler. En la cinta de Danny Boyle, la presentación del personaje en los últimos minutos de metraje parecía apuntar a una versión cani del Rey Arturo, con sus caballeros en patinete; sin embargo, en la película de Dacosta, el perfil cambia, con una mirada más brutal y deshumanizada.
Ralph Fiennes y Jack O’Connell son los reyes indiscutibles de la función, especialmente en el enloquecido clímax final. El nexo de unión es Spike, personaje protagonista de la película anterior y que aquí pasa a un segundo plano, más como testigo (y por lo tanto marcando la mirada del espectador) que como agente de la acción.
28 años después. El templo de los huesos. (c) Sony Pictures Entertainment
Estilo visual y tono narrativo
Como decíamos al principio, la puesta en escena de Nia Dacosta continúa con la estética planteada por Danny Boyle en la película anterior, enfatizando el valor tribal tanto de la civilización postinfección como de los propios infectados. Sin embargo, Dacosta está menos interesada en los juegos visuales y de formato tan queridos por Boyle y su narrativa es más tradicional, al mismo tiempo que, sobre todo en la presentación de Jimmy y los Dedos, la violencia llega a ser más cruda y explícita incluso que en la película anterior.
La música como elemento de identidad
Como en la entrega anterior, aquí la música juega también un papel relevante. Recuperación del tema principal de la saga compuesto por John Murphy en los créditos finales, aquí la descripción tribal de esta sociedad en cuarentena queda reflejada por una partitura primitiva de Hildur Guðnadóttir, quien viene a sustituir, aunque de manera más discreta al Murphy de las dos primeras entregas y a la banda escocesa Young Fathers de la película anterior. Es en el apartado de música preexistente e intradiegética que la película da más énfasis, con el uso de canciones de Duran Duran y, sobre todo, Iron Maiden en el clímax final.
Un nuevo hito del cine de infectados
El resultado es una película espléndida, que mantiene muy bien el listón con respecto a la saga y la entrega anterior, ligeramente inferior a ésta en nuestra opinión, pero que no sólo tiene todos los ingredientes para convertirse en una de las película de género fantástico de este 2026, sino que también afianza la posición de la saga creada en 2002 como una de las más sobresalientes aportaciones al género de zombis/ infectados.
