Cuando Scream debutó el 20 de diciembre de 1996, pocos imaginaban que una película lanzada en temporada navideña recaudaría mundialmente 173 millones de dólares...
El entusiasmo de Veronica Cartwright por el cine es, sencillamente, ejemplar. Resulta evidente que acude al cine con regularidad, mencionando aquellas salas de cine...
Prolífico escritor, sobre todo, de literatura criminal, Donald E. Westlake no puede quejarse de su suerte a la hora de ser adaptado al cine. No sólo sus novelas han sido múltiples veces versionadas en la gran pantalla, sino que, además, de algunas de ellas han salido varias obras maestras del séptimo arte, y un buen puñado de excelentes películas como A Quemarropa, Un Diamante al Rojo Vivo, Los Timadores o Arcadia. Esta última, dirigida por Costa-Gavras en 2005, parte de The Ax, la misma novela que la nueva película del director surcoreano Park Chan-wook, No Hay Otra Opción.
Precisamente como muestra de esta buena fortuna de Westlake, aquí tenemos una obra que ha caído en manos de dos extraordinarios cineastas, quienes, pese a partir del mismo material de base, han conseguido ofrecer dos películas excelentes, pero muy diferentes entre sí.
Park Chan-wook y la violencia como lenguaje
La violencia es un tema recurrente en el cine de Park Chan-wook y, aunque no le había adaptado directamente hasta la fecha, también podemos arriesgarnos a decir que el universo de Westlake ya le era muy cercano. Al fin y al cabo, por ejemplo, hay muchos elementos de la novela A Quemarropaen Oldboy. Eso sí, No Hay Otra Opciónes muy diferente a Oldboyy también se aleja bastante de la novela original en la que se basa.
Del thriller feroz a la comedia negra
La base es la misma que en la versión de Westlake, donde un hombre perdía su trabajo después de muchos años dedicados a la empresa y, tras una infructífera búsqueda de empleo, decidía empezar a deshacerse de la competencia para poder llegar a su trabajo ideal. Chan-wook traslada esta historia no sólo al contexto de la Corea del Sur actual, sino, sobre todo, a las características de su universo cinematográfico.
El humor de Hitchcock y Scorsese como influencias
En 1969, Alfred Hitchcock fue invitado al National Film Theatre y allí una espectadora le preguntó por qué, con el sentido del humor que tenía, no había dirigido comedias y él respondió “pero todas las películas que he hecho son comedias”. Hitchcock es, sin duda, una de las referencias fundamentales en el cine de Park Chan-wook, como también lo es Martin Scorsese. El cineasta coreano ha bebido mucho de la gramática de estos dos maestros, especialmente en lo que se refiere a la escenificación de la violencia y la manera de usar la cámara para involucrar al espectador en la acción. No Hay Otra Opciónes un buen ejemplo de cómo también ha heredado de Hitchcock su sentido de la ironía y del humor negro.
Por regla general, situamos a Park Chan-wook en el género del thriller o incluso del terror, con una impronta de violencia estilizada, pero también incómoda y brutal. Esto, al igual que con el cine del director de Psicosis, hace que el componente de humor quede muchas veces eclipsado por el salvajismo de las imágenes. En esta película, el cineasta ha querido invertir los roles y que la parodia y el humor queden por encima del descarnado discurso de la película.
Con otro tono, No Hay Otra Opción podría ser una cruda historia de supervivencia, también podría ser un retrato despiadado de los efectos colaterales del capitalismo feroz de nuestra sociedad; sin embargo, Chan-wook ha preferido endulzarnos la píldora convirtiendo la novela de Donald Westlake en una comedia absurda con la que dejar en evidencia la civilización superficial, deshumanizadora y materialista en la que nos hemos convertido.
Man-su, el hombre que pierde su lugar en el mundo
El protagonista, acomodado en un paraíso burgués, de repente se convierte en un fracasado, incapaz de mantener el nivel de vida para su familia, y cuyo valor como persona y su prestigio social quedan cercenados al ser incapaz de conseguir un nuevo trabajo. Pero es que lo mismo sucede con los competidores que pretende quitarse de en medio y con el resto de los personajes. Todos representan una farsa que se queda en evidencia, como el traje nuevo del emperador, cuando el principal motor de la sociedad, la economía, se paraliza.
Por su discurso social y su humor absurdo, habrá quien relacione la película con Parásitos, prestigioso título firmado por Bong Joon Ho, otro de los grandes nombres del cine en Corea, pero estamos ante una película muy diferente.
No hay otra opción, de Park Chan-wook.
Barroquismo visual y precisión quirúrgica en la puesta en escena
En el reparto destaca un polifacético Lee Byung-hun, actor al que estamos acostumbrados a ver en papeles más glamurosos y carismáticos, pero aquí se le ve disfrutar de un personaje que es todo lo contrario, un hombre gris, aburrido, torpe en todos los sentidos. Man-su es una persona cuya seña de identidad es su posición laboral y que, tras perder su trabajo, cae en un pozo de inseguridad e inutilidad, un lastre en su propia vida y en la de su familia.
Park Chan-wook escenifica todo esto con precisión quirúrgica, gracias a la forma en la que retrata el paulatino desgaste de la casa familiar, cómo envuelve al espectador en la narración jugando con una puesta en escena barroca y desafiante, o el extraordinario juego de la luz y el cromatismo que le configura a la imagen la dirección de fotografía de Kim Woo-hyung.
Park Chan-wook reafirma su reinado en el Nuevo Cine Coreano
Integrante de la ola de Nuevo Cine Coreano que él mismo impulsó allá por 2003 con Oldboy, Park Chan-wook sigue revalidando con No Hay Otra Opción su posición como cineasta líder de este movimiento y como uno de los cineastas más interesantes del panorama cinematográfico actual.
Paramount Pictures y Spyglass Media Group presentan un nuevo vídeo detrás de las cámaras de Scream 7, en el que Neve Campbell e Isabel May adelantan detalles sobre la relación entre Sidney Prescott y su hija Tatum, uno de los ejes emocionales de esta esperada secuela.
En el clip, ambas actrices reflexionan sobre cómo el pasado de Sidney vuelve para atormentarlas, mientras el creador, director y coguionista Kevin Williamson revela cómo esta historia cierra el círculo de la saga con un enfoque más íntimo y emocional.
El vídeo llega acompañado del lanzamiento del videoclip de la canción original “Rearranging Scars”, interpretada por Sueco.
Scream 7se estrena exclusivamente en cines este 27 de febrero, con Neve Campbell, Courteney Cox e Isabel May al frente del reparto.
En esta nueva entrega de la saga, un nuevo asesino Ghostface irrumpe en el tranquilo pueblo donde Sidney Prescott (Neve Campbell) ha construido una nueva vida. Sus peores miedos se hacen realidad cuando su hija (Isabel May) se convierte en el siguiente objetivo. Decidida a proteger a su familia, Sidney deberá enfrentarse a los horrores de su pasado para poner fin a la masacre de una vez por todas.
Scream 7
Creador de Ramboy pionero del thriller moderno, David Morrell es uno de esos nombres cuya influencia en la cultura popular excede con mucho la fama de sus libros individuales. Su debut, First Blood(1972), dio origen no solo a la película Acorralado(1982), sino a toda la franquicia cinematográfica de John Rambo, con Sylvester Stallone encarnando al veterano traumatizado que Morrell había imaginado con un tono mucho más trágico y ambiguo. A partir de ahí, el autor canadiense estadounidense ha firmado más de una treintena de novelas, traducidas a unas treinta lenguas, moviéndose entre el thriller de acción, el espionaje, el terror y la ficción histórica.
Espías, huérfanos y padres manipuladores
Entre sus títulos más influyentes se encuentra The Brotherhood of the Rose (1984), una novela de espionaje sobre dos huérfanos moldeados por un manipulador jefe de la CIA para convertirse en asesinos de élite, que acabarían rebelándose contra su “padre” adoptivo. El libro fue adaptado en 1989 como miniserie de dos episodios para NBC, protagonizada por Peter Strauss, David Morse y Robert Mitchum, logrando ser el telefilme más visto de la temporada 1988-89.
El Londres oscuro de Thomas De Quincey
Morrell también ha cultivado con éxito el thriller histórico con la trilogía de Thomas De Quincey, inaugurada por Murder as a Fine Art(2013). Ambientadas en el Londres victoriano, estas novelas mezclan crímenes reales del siglo XIX —como las masacres de Ratcliffe Highway o los intentos de asesinato contra la reina Victoria— con la figura del ensayista y opiómano Thomas De Quincey, a quien Morrell convierte en una suerte de proto perfilador criminal que colabora con Scotland Yard. Murder as a Fine Artestá en proceso de adaptación televisiva de la mano de A Higher Standard y Harris Films, con el guionista Zack Stentz (X Men: First Class, Thor) como responsable de la serie, lo que confirma el interés constante de la pantalla por el universo morrelliano.
El horror de Allanadores
En el terreno del terror, una de las obras más celebradas de Morrell es Creepers(2005), editada en España como Allanadores, que le valió el reconocimiento de la Horror Writers Association y consolidó su prestigio dentro del horror contemporáneo. La novela sigue a un grupo de exploradores urbanos y a un periodista del New York Times que se introducen de noche en el decadente Hotel Parangon, en la costa de Jersey, un edificio art déco abandonado y próximo a la demolición, cargado de secretos, trampas y violencia. Aunque el planteamiento coquetea con los códigos de casa encantada, el libro se mantiene en un registro de thriller de suspense muy físico y realista, donde el auténtico horror nace de la brutalidad humana y del propio laberinto arquitectónico.
Exploradores urbanos irrumpen en un hotel abandonado en Do Not Enter, nueva adaptación al cine del creador de Rambo.
Do Not Enter: del thriller físico al survival sobrenatural
Dos décadas después de su publicación, Allanadoresllega por fin a la pantalla bajo el título Do Not Enter, en una producción de Lionsgate y Suretone Pictures que abraza de forma más explícita el terror sobrenatural. Dirigida por Marc Klasfeld, veterano director de videoclips para artistas como Beyoncé, Katy Perry, Wiz Khalifa y Prince, la película traslada el punto de vista a un grupo de jóvenes exploradores urbanos que retransmiten en directo sus incursiones para ganar seguidores.
El Paragon sigue siendo el escenario central, pero el filme introduce ritos ocultistas, apariciones y criaturas diseñadas para el lucimiento físico del actor español Javier Botet, Premio Leyenda del Fantástico del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera en 2024, desplazando el tono hacia el survival sobrenatural. El reparto lo completan Jake Manley (The Order), Adeline Rudolph (Hellboy: El hombre retorcido), Francesca Reale (Stranger Things), Laurence O’Fuarain (The Witcher: El origen de la sangre) y Nicholas Hamilton (It), entre otros.
Estreno y nueva etapa del universo Morrell
Tras una larga gestación y una campaña de trailers iniciada en verano de 2025, Lionsgate ha fijado el estreno de Do Not Enter en Estados Unidos para el próximo 20 de marzo, en un lanzamiento que combina salas limitadas con estreno digital y VOD en el mercado norteamericano.
Do Not Enter se presenta como un nuevo capítulo en la larga relación entre la obra de Morrell y las pantallas, ahora desplazando su universo al territorio del horror urbano y del streaming, pero manteniendo constantes sus obsesiones: personajes marcados, espacios cargados de memoria y una violencia que, incluso cuando adquiere tintes sobrenaturales, nace de las zonas más oscuras del ser humano.
Johannes Roberts lleva 25 años desarrollando de manera discreta una carrera cinematográfica apoyada sobre todo en una conciencia de fantástico de serie B. No se trata sólo de los presupuestos que maneja, sino que sus películas representan ese espíritu desprejuiciado y de divertimento, sin ínfulas de autor ni excusas sociales de fondo. No decimos que esto haga sus películas mejores o peores, pero sí marca una hoja de ruta. No pretende redefinir el género, pero sí ofrecer a sus espectadores productos realizados con artesanía y eficacia.
Terror animal en el festival de Sitges
Primate, película que pudimos ver en la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña Sitges, no es el colmo de la originalidad. No es la primera vez que vemos a un simio homicida en la gran pantalla y películas sobre personajes sitiados por animales infectados son casi un subgénero en sí mismas (un, dos, tres, responda otra vez, Cujo).
El argumento de la película tampoco pretende sorprender por su originalidad o su complejidad (un grupo de adolescentes queda atrapado en una casa con un mono infectado de rabia).
El perfil de los personajes tampoco es que sea nada del otro mundo, ni las interpretaciones de un reparto mayoritariamente femenino nada del otro jueves. Si acaso, nos quedamos con la labor del actor bajo el disfraz de chimpancé, Miguel Torres Umba, por la estupenda fisicidad del rol.
Pinceladas emocionales bajo la piel del terror
Hay algún componente curioso a la hora de generar un cierto componente emocional, como es la gestión del duelo por la madre muerta, el papel del chimpancé como asidero emocional que mantiene unida a la familia ante la pérdida, o la humanización del primate a través de sus habilidades lingüísticas, y su regreso a un estado primitivo cuando queda infectado por la rabia. Sin embargo, Roberts evita explorar todo esto. Lo usa como pinceladas para dar un barniz emocional a la historia, pero rápidamente pasa a la acción y se concentra en crear un relato de tensión y violencia.
Primate, de Johannes Roberts. (c) Paramount Pictures
Eficacia narrativa y espíritu práctico
La puesta en escena es eficaz y dinámica, directa al grano, con un buen control del ritmo y la tensión de cada secuencia. El montaje es una herramienta fundamental en todo esto. La música, aunque efectiva a la hora de generar tensión, sí nos resulta machacona y repetitiva. Manteniendo su espíritu de serie B (24 millones de dólares de presupuesto), la cinta no cuenta con grandes efectos, pero sí sabe sacar provecho de la necesidad. Lo más complejo era conseguir que el chimpancé fuera creíble y amenazador, sin tirar de animales adiestrados, ni de efectos digitales, que encarecerían y harían más complicada la película.
El traje de simio, unido a la labor de fotografía y montaje para camuflarlo lo máximo posible, cumple con su función, al mismo tiempo que Roberts hace suya una vieja máxima de la serie B, esconder a la criatura lo máximo posible.
Violencia y gore sin concesiones
Una de las cosas más llamativas de la película, a favor para los fans del género, es su inesperado nivel de violencia y gore. Aunque está protagonizada por personajes adolescentes, y sigue el esquema habitual de esas películas de terror juveniles que tanto proliferan, frente a ellas, Roberts opta por no suavizar la crudeza de las imágenes, sino todo lo contrario. Ya desde el prólogo, le deja claro al espectador que esta no es la típica película de terror comercial adolescente. La contundencia del mensaje del director la pudimos confirmar in situ en la sala, con las exclamaciones de sorpresa en el público ante la primera secuencia gore de la cinta.
Primatees, por lo tanto, un goloso producto de entretenimiento para un público que busque terror de la vieja escuela, con buenos efectos prácticos, una trama sencilla y directa, y sin aspiraciones de trascendencia. ¿Poco original y con una temática muy vista? Sí, pero tampoco pretende presumir de lo contrario. Además, ¿quién se resiste a repetir cuando ya hemos probado ese bombón que tanto nos gusta?
Una de las cintas de terror más esperadas de 2026 reinventa el mito de la momia, apostando por el miedo sobrenatural y la atmósfera antes que por el gran espectáculo de acción. Con el apoyo de productoras clave del género como Blumhouse y Atomic Monster, el director irlandés Lee Cronin busca devolver a la criatura su lado más inquietante y perturbador dentro del cine de terror contemporáneo. Su propuesta se aleja del enfoque puramente aventurero y se acerca más al horror íntimo, emocional y físico que ya había explorado en trabajos anteriores.
De estreno en abril
La película, titulada internacionalmente Lee Cronin’s The Mummy, tiene previsto su estreno en cines el próximo 17 de abril, con distribución a cargo de Warner Bros. Pictures en Estados Unidos. El propio Cronin firma tanto el guion como la dirección, consolidando así su salto al territorio de los grandes monstruos tras el éxito de Posesión infernal: El despertar (2023), donde ya demostraba un gusto particular por el horror visceral y el deterioro familiar. En la producción confluyen dos nombres fundamentales del terror moderno, Jason Blum y James Wan, que suman fuerzas a través de sus compañías, junto a la productora del director, Doppelgängers, lo que sitúa este título en el centro del mapa del fantástico para este año.
El reparto está encabezado por Jack Reynor y la española Laia Costa, acompañados por May Calamawy, Verónica Falcón y la joven Natalie Grace, en un elenco que combina intérpretes vinculados al género con actores de fuerte presencia dramática. Cronin ha subrayado la importancia de contar con intérpretes de origen egipcio y de dar espacio a la lengua árabe en pantalla, buscando una mayor autenticidad cultural y un respeto más profundo por el contexto histórico y espiritual del mito de la momia. El primer teaser, lanzado a comienzos de 2026, ha dejado entrever un tono oscuro, opresivo y orientado claramente al terror adulto.
Trama familiar y de posesión
En lugar de repetir el esquema del aventurero enfrentado a una momia todopoderosa, Cronin sitúa la historia en el entorno íntimo de una familia marcada por la desaparición de una niña en el desierto. Ocho años después, la hija regresa sin explicación, y lo que en un primer momento se vive como un milagro comienza a desvelarse como una pesadilla que amenaza con destruirlos desde dentro. El padre descubre que Katie está poseída por el espíritu de una antigua momia egipcia y que esa presencia empieza a extenderse a su otro hijo, lo que le obliga a contemplar la posibilidad de realizar un ritual mortal para salvarlos, aun a costa de convertirse él mismo en un monstruo. La película se mueve así entre el terror de posesiones y el horror psicológico, con temas como la culpa, el duelo no resuelto y el sacrificio extremo que un padre está dispuesto a asumir por sus hijos.
Horror íntimo y herético
Cronin ha comentado que le interesa explorar los aspectos más oscuros y menos documentados de la momificación, alejándose de la versión “oficial” para imaginar usos siniestros y casi heréticos de esas ceremonias. La momia deja de ser el típico cuerpo vendado que se levanta de su tumba para convertirse en una fuerza invasiva que contamina el hogar, los cuerpos y las emociones de los personajes, algo que conecta con la sensibilidad del director por el body horror y la desintegración de los vínculos afectivos. En ese sentido, la película se inscribe en la larga tradición cinematográfica de La momia, inaugurada en 1932 con la cinta protagonizada por Boris Karloff, en la que el sacerdote Imhotep regresaba a la vida para reencontrarse con su amor perdido, y continuada por las versiones británicas de Hammer y, más tarde, por las aventuras espectaculares encabezadas por Brendan Fraser y Rachel Weisz.
Sin embargo, Cronin se aleja conscientemente de estas iteraciones dominadas por el espectáculo y promete “algo muy antiguo y espeluznante”, centrado en recuperar la dimensión genuinamente terrorífica de la momia como figura maldita.
La Momia de Lee Cronin
Este jueves 12 de febrero, Multicines Tenerife acoge la sesión «Del 10 al 1: La Física en el Cine», una actividad lúdica dentro del ciclo «Cine y Ciencia» organizado este mes por la Asociación Cultural Charlas de Cine y la Real Academia Canaria de Ciencias
La ponencia comienza a las 19:00 h y está dirigida por Daniel Alonso Ramírez, catedrático de Física Aplicada en la Universidad de La Laguna (ULL) y presidente de la Real Academia Canaria de Ciencias.
Se trata de la tercera edición de esta actividad, en la que se someterá al escrutinio científico 10 secuencias de películas populares; una propuesta divulgativa que explora cómo el cine ha representado principios físicos fundamentales.
El ciclo cerrará el próximo 27 de febrero con la proyección de Interstellarde Christopher Nolan y un cine fórum tras la película.
Colaboran entidades como Charlas de Cine Radio, Culturamanía Magazine, TumbaAbierta.com, Aula de Cine de la ULL, Fundación Diario de Avisos e Isla Calavera Festival.
Cartel del ciclo Cine y Ciencia de Charlas de Cine
Send Help es una de esas películas que corremos el riesgo de ver cada vez menos en una pantalla de cine. No es una superproducción (presupuesto aproximado de 40 millones de dólares), no está basada en alguna licencia previa tipo videojuego o cómic. Aunque cuenta con dos actores conocidos, ninguno es una gran estrella. El hecho de que fuera una producción prevista inicialmente por Sony para lanzar directamente en plataformas confirma que se sale del esquema que los grandes estudios buscan para estrenar en cines.
El regreso del Raimi más libre
Se trata de la primera película dirigida por Sam Raimi, basada un guion original, desde que estrenó en 2009 Arrástrame al Infierno y, como ésta, supone un gozoso reencuentro del espectador con el Raimi primigenio.
Send Helpcombina varios elementos. Por un lado, es una película de supervivencia, con no pocos guiños satíricos a Náufrago de Robert Zemeckis. Es una película de empoderamiento femenino, con protagonista que se impone a los abusos de un jefe egocéntrico y misógino. Es una crítica al capitalismo y al corporativismo feroz de la sociedad actual. Y, por si todo esto no fuera poco, se guarda alguna bofetada virulenta a la proliferación de realities televisivos en nuestra cultura actual.
Dylan O’brien y Rachel Mc Adams en Send Help de 20th Century Studios.
Rachel McAdams brilla en un duelo interpretativo
La cinta se apoya en el protagonismo casi absoluto de sus dos actores principales. Rachel McAdams es la indiscutible reina de la función y, una vez, vuelve a dejar patente que es una de las actrices más infravaloradas del panorama cinematográfico hollywoodiense actual. Basta con ver cómo es capaz de desarrollar la doble curva de crecimiento que tiene su personaje a lo largo de todo el metraje, dándole entidad, sin perder el componente caricaturesco del mismo. Por su parte, Dylan O’Brien consigue ser atractivamente odioso en su papel, pero otorgando al personaje sus capas de fragilidad e inseguridad.
Sin embargo, más allá de la excelente labor de los actores, la película es, ante todo, un verdadero ejercicio de estilo por parte de Raimi. Recuperamos al Raimi virtuoso, que maneja la cámara con precisión, jugando con los movimientos de cámara, con la perspectiva, incluso jugando a romper la narrativa para dar mayor énfasis a la acción y descolocar al espectador. Habría quien pudiera pensar, especialmente tras sus últimos trabajos como director, que Raimi, al igual que otros directores veteranos, con la madurez, había perdido ese toque que le había hecho tan especial al principio de su carrera. Nada más lejos de la realidad.
Humor negro, gore y ritmo impecable
Con esta película regresa también el sentido del humor macabro del cineasta y su gusto por el gore más desbordante y grumoso; llevando la truculencia un paso más allá de lo que esperamos de la película. Y lo más importante, ante una película con tantos giros, a la que le resbala tanto mantener la credibilidad del espectador, Raimi consigue que la historia funcione como un reloj y que cada elemento sorpresivo de la trama pille por sorpresa a la audiencia en el momento previsto.
A la película podemos achacarle cierta carencia en lo que se refiere a los efectos visuales digitales (40 millones de presupuesto tampoco dan para demasiado en una producción estadounidense).
Además, aunque funciona y tiene cierta personalidad en la película, la música de Danny Elfman nos ha parecido plana y facilona, especialmente en una película que daba tanto pie para lucimiento a un compositor tan macabro como él.
Un regreso que rompe esquemas
Tal vez haya quien etiquete a este película como un Sam Raimi menor, por las limitaciones de su presupuesto, por estar alejada de las grandes ligas donde el cineasta se desenvolvía a principios de los 2000; sin embargo, en nuestra opinión, este regreso de Raimi a producciones más pequeñas, menos ambiciosas, pero donde poder volver a sacar su faceta más gamberra y frívola, nos parece una espléndida noticia para el cine.
Send Help (c) 20th Century Studios
Pocas fechas resultan tan sugerentes para los amantes del cine de terror como un viernes 13, y este año tenemos varios. En concreto, el viernes 13 de marzo trae una cita perfecta con el género: el estreno del inquietante thriller psicológico Habitación Nº13 (Hemmet), el nuevo trabajo del director sueco Mattias J. Skoglund. Una propuesta que combina terror atmosférico, drama familiar y una profunda exploración de la culpa.
Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Sitges, en el marco de la sección Noves Visions, y en el Fancine de Málaga, el filme promete convertirse en una de las sorpresas del género en 2026. Basada en la novela de Mats Strandberg —autor de la célebre trilogía El Círculo—, la historia traslada al espectador a un terreno donde lo sobrenatural y lo emocional se confunden, y donde el peso del pasado resulta imposible de dejar atrás.
Un terror íntimo y emocional
El propio Skoglund ha explicado que la lectura de la novela de Strandberg fue el detonante de la película: una obra de terror psicológico tan perturbadora como profundamente humana. En ella, el horror surge tanto de las presencias invisibles como de los traumas no resueltos.
Ambientada en la Suecia contemporánea, Habitación Nº13se aleja del susto fácil para adentrarse en un relato sobre la memoria, la pérdida y la redención, donde lo paranormal actúa como metáfora del dolor familiar.
Sinopsis de HABITACIÓN Nº13
Joel (Philip Oros) vuelve a la casa de su infancia para cuidar a su madre (Anki Lidén), que ha sufrido un ictus del que logra recuperarse… aunque ya no parece ser la misma. Joel sospecha que algo la acompaña desde “el otro lado”.
Según el director, Habitación Nº13 es “la historia de un hijo que intenta salvar a su madre de una posible posesión, pero también de alguien que lucha por no perderse a sí mismo en el proceso”.
Reparto y equipo
El elenco principal incluye a Philip Oros, Gizem Erdogan, Anki Lidén, Bengt CW Carlsson, Malin Levanon y Ayan Ahmed, entre otros.
La dirección de fotografía corre a cargo de Malin LQ, con montaje de Linda Jildmalm y música del islandés Tóti Guðnason, responsable de la banda sonora de Lamb(2021).
Producida por [sic] film, Three Brothers y Compass Films, Habitación Nº13 es una coproducción entre Suecia, Estonia e Islandia, rodada en la isla de Gotland.
Habitación Nº13
Universal Pictures presenta un avance exclusivo de El día de la revelación, la nueva película de Steven Spielberg, que llegará a los cines el 12 de junio de 2026.
Sinopsis de EL DÍA DE LA REVELACIÓN:
Si descubrieras que no estamos solos, si alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a siete mil millones de personas. Llega… EL DÍA DE LA REVELACIÓN.
Un reparto de lujo encabezado por Emily Blunt y Josh O’Connor
Creada y dirigida por Steven Spielberg, esta película se presenta como un nuevo y original evento cinematográfico, protagonizado por la ganadora de dos Premios del Sindicato de Actores y nominada al Oscar Emily Blunt (Oppenheimer, Un lugar tranquilo), el ganador de un Emmy y un Globo de Oro Josh O’Connor (Rivales, The Crown), el oscarizado Colin Firth (El discurso del rey, la saga Kingsman), Eve Hewson (Hermanas hasta la muerte, La pareja perfecta) y Colman Domingo (Las vidas de Sing Sing, The Running Man), nominado en dos ocasiones al Oscar.
El día de la revelación, basada en una historia de Spielberg, cuenta con un guion de David Koepp, cuyo trabajo previo con el legendario director incluye los guiones de Parque Jurásico, El mundo perdido: Jurassic Park, La guerra de los mundos e Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. En conjunto, estos títulos han recaudado más de 3.000 millones de dólares en todo el mundo. Koepp también es responsable del guion de Jurassic World: El renacer, estrenada en 2025.
La película está producida por Kristie Macosko Krieger (Los Fabelman, West Side Story), nominada en cinco ocasiones al Oscar, y por el propio Spielberg para Amblin Entertainment. Los productores ejecutivos son Adam Somner y Chris Brigham.
Spielberg, el director más taquillero de la historia
Steven Spielberg es uno de los cineastas más exitosos e influyentes de la industria. Consagrado como el director más taquillero de toda la historia, ha estado al frente de auténticos fenómenos cinematográficos como Tiburón, E.T. el extraterrestre, la saga Indiana Jones y Parque Jurásico.
Además de haber recibido incontables reconocimientos y galardones, es el ganador de tres Oscar, incluido el de Mejor Director y Mejor Película por La lista de Schindler, que recibió un total de siete estatuillas, y el de Mejor Director por Salvar al soldado Ryan. Su película más reciente, Los Fabelman, se estrenó en 2022 de la mano de Universal y cosechó siete nominaciones al Oscar, entre ellas a Mejor Dirección, Mejor Guion Original, Mejor Actriz y Mejor Película.
Más de un siglo después de que un hipnotizador y su sonámbulo sembraran el terror en una pequeña ciudad alemana, El gabinete del doctor Caligarivuelve a abrir sus puertas. El clásico expresionista de 1920, uno de los primeros largometrajes de terror de la historia, tendrá una nueva versión titulada Doctor Caligari’s Cabinet of Wonders, con Michael Shannon al frente del reparto y tras las cámaras el tándem creativo formado por los hermanos John Erick y Drew Dowdle.
Dirigida originalmente por Robert Wiene, la película alemana narraba la llegada del misterioso doctor Caligari a una feria de provincias, acompañado de Cesare, un hombre que duerme eternamente y solo despierta para cumplir las órdenes de su amo. A partir de ahí, una serie de asesinatos convierte el lugar en un escenario de pesadilla. El filme se rodó con decorados pintados, perspectivas imposibles y sombras afiladas, creando un mundo deformado que rompía con cualquier intento de realismo.
Un universo deformado e hipnótico
Ese universo retorcido fue una de las cumbres del expresionismo alemán, movimiento que, tras la Primera Guerra Mundial, canalizó en imágenes el miedo, la inestabilidad política y la ansiedad colectiva de una sociedad derrotada. En el filme, la angustia se traduce en diagonales agresivas, ventanas oblicuas y calles que parecen devorar a los personajes. Su puesta en escena influyó de manera decisiva en otros títulos esenciales como Nosferatu(1922) de F.W. Murnau o Metrópolis(1927) de Fritz Lang, y décadas más tarde su juego de luces y sombras reaparecería en el cine negro estadounidense.
La nueva película, Doctor Caligari’s Cabinet of Wonders, se presenta como una actualización de esa pesadilla expresionista para el público contemporáneo. De acuerdo con la información adelantada en exclusiva en Variety, será un “horror psicológico retorcido y alucinante” en el que el doctor Caligari vuelve a ser un mesmerista itinerante que recorre pueblos con un sonámbulo bajo su control, dejando tras de sí una estela de crímenes sangrientos.
John Erick Dowdle, especialista en el terror psicológico
En la dirección estará John Erick Dowdle, cineasta estadounidense especializado en terror y thrillers de alta tensión. Su nombre está ligado a títulos como The Poughkeepsie Tapes (2007), falso documental sobre un asesino en serie; Quarantine (2008), remake estadounidense de [REC] de Paco Plazay Jaume Balagueró; La trampa del mal(2010), basada en una historia de M. Night Shyamalan; o Así en la Tierra como en el Infierno(2014), ambientada en las catacumbas de París. También ha dirigido las miniseries Wacoy Waco: The Aftermath, donde ya trabajó con Michael Shannon.
Michael Shannon, el nuevo doctor Caligari
Nominado al Oscar por Revolutionary Road (2008) y Animales nocturnos (2016), y habitual de personajes intensos y perturbadores, Shannon ha dejado huella en títulos como El hombre de acero (2013) o La forma del agua (2018). Su gran altura, su físico anguloso y su capacidad para transmitir amenaza contenida lo convierten en el candidato perfecto para reencarnar a Caligari.
Michael Shannon en El hombre de acero
Con la producción prevista para arrancar en junio y su presencia en el European Film Market de Berlín, el proyecto se suma a la actual ola de revisiones de mitos del terror mudo, pero con una ventaja evidente: parte de una película cuya modernidad formal y temática sigue intacta.
