Tres mil años esperándote (título de estreno en España de Three Thousand Years of Longing) tendrá su estreno exclusivo en cines el próximo 2 de septiembre de 2022. La película se presentará mundialmente esta semana en la Sección Oficial (fuera de concurso) de la 75ª edición del Festival de Cannes.
La nueva película de George Miller (Mad Max: Furia en la carretera) está protagonizada por Idris Elba (El escuadrón suicida) y Tilda Swinton (ganadora del Oscar por su papel en Michael Clayton) y nos presenta una historia repleta de fantasía, aventuras y romance.
Sinopsis de TRES MIL AÑOS ESPERÁNDOTE
La Dra. en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad.
En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado. Finalmente, ella se deja persuadir y pedirá un deseo que les sorprenderá a ambos.
Tras maravillar a crítica y público con Mad Max: Furia en la carreteraen 2015, George Miller nos presenta su esperado nuevo proyecto: el drama fantástico Tres mil años esperándote.
George Miller es un reputado director y guionista australiano ganador de un Premio Oscar en 2007 a la mejor película de animación. Debutó en 1979 con la película de acción distópica Mad Max – Salvajes de autopista, protagonizada por Mel Gibson, a la que siguieron Mad Max 2, el guerrero de la carreteraen 1981 y Mad Max, más allá de la cúpula del trueno en 1985. Entre su filmografía se encuentran joyas del cine fantástico como Las brujas de Eastwick(1987), dramas como El aceite de la vida(1992) y éxitos del cine infantil como Babe: el cerdito en la ciudad (1998) y Happy Feet: Rompiendo el hielo (2007).
La sala Theatre Palais Croissette situada en la calle R. F. Amouretti, perpendicular a la avenida principal del Festival, junto al JW Marriot Casino Des Princes, albergaba ayer 18 de mayo, un encuentro particularmente interesante.
Cierto es que el 18 de mayo alrededor de las 15.30 horas el foco estaba en el epicentro del Festival. Tom Cruise comparecía en la pasarela delante del Grand Théâtre Lumière y luego iba a la sala Debussy para un encuentro rueda de prensa, con parte del equipo de filmación de Top Gun: Maverick(EEUU, 2022) (la coprotagonista Jennifer Connelly, el productor Jerry Bruckheimer y el realizador Joseph Kosinski arroparon al actor). Cruise comparecía acompañado igualmente de uno de sus hombres de confianza: Christopher McQuarrie, guionista y realizador de las más recientes Misiones Imposibles, estando ambos inmersos en la actualizada en la filmación de la misión número 8, que se filma de manera continuada a la 7. Sin embargo, la realizadora y guionista oriunda de Florida, Kelly Reichardt, albergaba unas reflexiones que constituyeron auténticos tesoros para el cinéfilo atento.
En la sala Theatre Palais Croissette, como decimos, pudo verse desde las 13.30 horas, Meek’s Cutoff (EEUU, 2010), primero de los dos westerns de su autora, o de sus dos particulares relecturas del universo western. El otro es First Cow (EEUU, 2020), una de las más fascinantes películas del cine estadounidense reciente, en opinión de quien esto escribe. Al pase del filme siguió un encuentro de casi hora y media con la realizadora.
Kelly Reichardt habló de su trayectoria, mencionando su relación profesional con el guionista Jonathan Raymond, que también es escritor. El debate se centralizó básicamente, según las preguntas que se le formulaban, en el filme que se acababa de proyectar. Eso sí, con alguna fuga hacia Old Joy (EEUU, 2006), o Certain Women (EEUU, 2016), de la que se emitió un extracto durante la entrevista o la también mencionada First Cow.
Encuentro con Kelly Reichardt en Cannes 2022.
MEEK’S CUTOFF
La autora relata que el filme de 2010 transcurre en 1845, un período histórico donde América (EEUU) iba y venía, es decir, estaba en construcción. Trató de remarcar el proceso de alguien que vive de una manera más o menos confortable en el este del país, y se adentra en el Oeste, un mundo sin colonizar donde los peligros acechan en cada esquina. La idea de personajes femeninos en medio de la toma de decisiones, donde los hombres tratan de hacer valer su poder, le interesaba particularmente. La realizadora deja claro que para ella era importante realizar una suerte de alegoría del mandato de George Bush Jr. y la guerra de Irak, todavía reciente en aquel momento (Barak Obama ascendió al poder en 2008) con ciertas situaciones vividas en el filme.
Un rasgo común de los filmes de la realizadora es cómo se detiene en los detalles cotidianos y en los gestos de los actores realizando tales labores. Así, los personajes se retratan cruzando el río, abordando las actividades diarias, con especial detención en las actitudes, confrontando la capacidad de decisión con las dudas en medio de lo que parece una sacudida del cielo y la tierra debatiéndose. El peligro, en muchas ocasiones, no viene de ataques que provocan situaciones espectaculares, sino de la propia desolación y aislamiento.
Cuenta la realizadora como al terminar de filmar este western, se percata de que el mismo carece de un final, probablemente en términos más convencionales. Comparte dicha circunstancia con el también guionista y realizador Todd Haynes y éste le deja claro que al filme le conviene, es decir, que es algo positivo no tener un final específico.
Se le comentó a la directora cómo, a diferencia del periodista del western de John Ford, El Hombre que mató a Liberty Valance(The Man Who Shot Liberty Valance, EEUU, 1962), que decía que cuando tienes la realidad y la leyenda imprimas la leyenda, que es más bonito de ver, ella prefiere lo contrario. Kelly Reinhardt respondió que, efectivamente, sus films van en contraste con esa idea, pues para ella la verdad es mejor, más auténtica. Si se tiene en cuenta la proliferación de la “leyenda” en su país, marcado por la esclavitud, el racismo, etc. las leyendas conllevan vinculados ciertos peligros, que potencian la enorme batalla ideológica que impera actualmente en su país. Puedes ser activista o terrorista según ante quien estés hablando.
La realizadora llamó también la atención sobre el placer que le supone las adaptaciones de obras literarias, como punto de partida para otorgar su visión a las historias, expandiéndolas, así como a la hora de proporcionarles material a los actores para que compongan sus personajes. Para Reichhardt, probablemente el placer por partir de relatos cortos o novelas, proviene del confeso miedo a la página en blanco de todo guionista.
Reichardt disfruta mucho igualmente con el proceso de montaje, que es donde se terminan de perfilar los filmes. La especial detención en los rostros, los lugares de tránsito, el específico lugar donde va la música, y donde no. Para ella es muy importante tener el control del montaje final, pues cualquier defecto que pueda tener el filme, puede arreglarse con el corte apropiado.
Cuando se le pregunta por su manera de dirigir a los actores y actrices, la realizadora deja claro que cada actor/actriz tiene su manera de afrontar el trabajo. “…Diferentes personas necesitan cosas diferentes…”, proclama.
Encuentro con Kelly Reichardt en Cannes 2022.
FIRST COW
La directora confiesa haberse sentido más libre al acometer First Cow que cuando realizó Meek’s Cutoff, por la sencilla razón de que, al transcurrir la primera en 1820, poca imagen hay de aquellos años. “…Al no haber una realidad impresa, me sentí más libre para filmar…” deja claro la realizadora. La segunda, ambientada 25 años después, contiene una realidad mucho más impresa: la de las caravanas, los nativos americanos, etc. Una realidad, en definitiva, de la que sí que se ha dejado constancia en algunas fotografías de la época, o en diarios de colonos que se vieron publicados, etc.
Kelly Reichardt confiesa disfrutar mucho con las secuencias de suspense o los largos parlamentos que cultivan otros realizadores (los hermanos Coen, etc.), pero que ella prefiere entregarse a un realismo y naturalismo a la hora de contar sus historias. La cineasta “…se siente perdida” ante las frases largas, y los diálogos copiosos que ocupan muchas páginas. El lenguaje del cine es lo suficiente rico como para mostrar lo que se necesita para contar las historias. Esta idea preside bastante el cine de la realizadora, que presenta Showing Up (EEUU, 2022) en competición en el festival, filme protagonizado por la actriz fetiche de Reichardt, Michelle Williams.
Carrosse D’Or para Kelly Reichardt
Kelly Reichardt recibe en la presente edición del Festival de Cannes 2022 la Carrosse D’Or que otorga la Societé des Realisateurs (SRF), un premio inspirado en el homónimo filme de Jean Renoir que premia “Las cualidades innovadoras del trabajo de un cineasta, su coraje, y su intransigencia en la puesta en escena y la producción”. Un galardón que previamente a Reichardt han recibido directoras como Naomi Kawase, Agnés Vardá o Jane Campion, desde su creación en el año 2002.
Diamond Films presenta nuevo avance del esperado thriller de acción Juego de asesinos, con Gerard Butler en el papel del legendario Bob Viddick, un temido sicario. Se trata de un adelanto del encuentro entre Butler y Frank Grillo, quien interpreta a Teddy Murretto, un estafador que va esquivando la muerte. Juego de asesinos se estrena en cines españoles este viernes 20 de mayo.
La película está dirigida por Joe Carnahan (Ases calientes) y protagonizada por Gerard Butler (Greenland: El último refugio, 300), en el papel de un asesino a sueldo llamado Bob Viddick. Este thriller de acción claustrofóbico es la primera colaboración entre Butler y Carnahan, que definen la película como un western neofeminista de los 70 con un poco de noir. El interés de Butler en Juego de asesinos se remonta a 2015, cuando leyó por primera vez los primeros borradores del guion, en el que se desarrolla un juego de caza del gato y el ratón entre un estafador y un asesino a sueldo que ha sido enviado para acabar con él.
Completan el reparto Frank Grillo (Infierno blanco, Capitán América: El Soldado de Invierno) interpretando a Teddy Murretto, un estafador en peligro de muerte, y Alexis Louder (La guerra del mañana, Watchmen), la novata policía con una sed de justicia insaciable.
Sinopsis de JUEGO DE ASESINOS
Una comisaría de policía de un pequeño pueblo se convierte en el campo de batalla entre un asesino a sueldo profesional (Gerard Butler), una inteligente policía novata (Alexis Louder) y un estafador (Frank Grillo), que busca refugio tras las rejas sin ningún otro lugar al que huir.
Uno de los acontecimientos más emblemáticos del mundo del cine transcurre en la idílica costa azul. La edición 75 de un festival que con sus más y sus menos lleva a buen ritmo programando edición tras edición desde 1946, comienza con un cielo despejado en un día podría decirse de verano. Un sol que ya se percibe en plenitud desde antes de las 6 de la mañana, dispuesto a iluminar sin restricciones el bullicioso camino hacia La Croisette. Los habitantes de Cannes, y de lugares periféricos, están contentos de que este año sea una edición “sin pandemia”. Dispuestos, por tanto, a dejar atrás la extraña sensación del pasado año de 2021, de ser un festival en medio de una situación sanitaria mucho más complicada y adversa.
Desde mi emplazamiento en Avenida Lèrins veo nacer el paseo marítimo portuario, en la playa Roosevelt, al comienzo del Port Palm Beach. Playas de agua cristalina y arena dorada al pie mismo de la carretera, un puerto plagado de yates y demás embarcaciones de recreo atracadas, con algún crucero cuyos pasajeros tienen un pase de medio día para visitar la ciudad. Peatones que simplemente pasean, tratando de convivir con los ciclistas y patines, como en todas las grandes ciudades, se abren paso. Cafeterías, heladerías, ejecutivos, deportistas, personal de limpieza municipal… en todas partes parece transmitirse cierto optimismo e ilusión.
El majestuoso paseo marítimo que se erige imponente desde la entrada al puerto marítimo hasta la mismísima Croissette, con la île Sainte-Marguerite al frente, dan enseguida paso al mundo del cine: carpas, banderas enormes hileras de gentes haciendo cola, bien para obtener sus acreditaciones, o para ir accediendo a los interiores de las salas, periodistas de todas las lenguas y países hablan en sus respectivos idiomas ante sus cámaras delante del sensorround (como si fuese la mismísima Torre de Babel) narrando a sus televidentes las delicias del evento.
Cannes 2022.
En el Palacio del Festival y de Congresos de Cannes, imponente, majestuoso, ondea el póster del festival con el motivo de este año a todo trapo, que puedes comprar a buen tamaño en la tienda oficial, como si fuese la bandera izada de una fragata. Jim Carrey en el filme de Peter Weir, El Show de Truman (The Truman Show, EEUU, 1998), en aquella arrebatadora secuencia final donde el bote del joven protagonista, tras superar la tormenta creada llega al final del plató del estudio que alberga el “show” sobre su vida.
Sube las escaleras que a lo lejos se confunden con el cielo y algunas nubes, y aporrea la puerta que conduce al mundo exterior, a punto de escuchar la última tentativa de Krystof (Ed Harris), el creador, el “Dios” que decide sobre su vida y destino, desde el nacimiento (de acuerdo con los índices de audiencia), para que el joven no abandone el estudio de Burbank hacia la incertidumbre de la vida cotidiana dejando atrás una vida narrada y grabada desde el nacimiento, minuto a minuto, concebida como un entretenimiento de masas.
Parece como si los organizadores del festival pidiesen a los “Dioses” que este año no hubiese ninguna controversia bacteriológica, ninguna adversidad para poder celebrar sin restricciones los acontecimientos cinematográficos que se avecinan. Las restricciones han cesado casi por completo, como en todas partes (salvo donde siguen la política de Covid cero) y simplemente se invita al lavado de manos con dispensadores de geles por todas partes, y la mascarilla es obligatoria en los transportes públicos. La voluntad de cada uno de cara a portar la mascarilla en cada momento, reina en esta emblemática celebración. El chófer que me traía del aeropuerto de Niza el 16 por la tarde-noche, me comentaba que este año sin pandemia el Festival iba a volver a ser el de siempre.
Gala de apertura
La gala de apertura es el pistoletazo de salida del festival. La primera tarde del festival se proyectaron las tres horas y cuarenta minutos del filme de Jean Eustache, La Madre y la Puta(La Maman et La Putain, Francia, 1973), en la Sala Debussy.
Pero la glamurosa gran proyección del día, tuvo lugar después de la Gala de apertura. El más reciente filme de Michael Hazanavicius: Coupez!(Final Cut, Francia, 2022), el remake del filme japonés de temática zombie, One Cut of The Dead (Japón, 2017), de Shin’ichirô Ueda, donde un rodaje de un filme sobre muertos vivientes se ve interrumpido por una horda zombies real.
Proyecciones en la playa, en Cannes 2022.
Proyecciones en la playa
Las proyecciones en la playa comenzaron también el 17 con el filme de Peter Weir protagonizado por un maravilloso Jim Carrey. Weir es sin duda un minucioso analista del ser humano y de la técnica cinematográfica. Un cineasta preocupado porque las imágenes narren más que las palabras, por el empleo de la música como motor de ideas y sugerencias, y por contar historias que narran profundos dilemas que sacuden la existencia del ser humano. En definitiva, es el artífice de unas imágenes plagadas de personajes desubicados, que tratan de encontrar su lugar en un mundo cada vez más complejo.
Probablemente del mismo modo que le ocurre como realizador en estos últimos años de cambio e incertidumbre. Tan solo 14 películas albergan una filmografía fascinante e insólita, cuyo único eslabón, por el momento es Camino a la Libertad(The Way Back, EEUU, 2010). El Show de Trumanpudo verse la noche de pistoletazo de salida del Festival de cine más famoso del mundo en un marco incomparable.
Proyección de El show de Truman, en Cannes 2022.
A la presentación por parte del director del Festival, Thierry Fremaux, remarcando la idea de que el cine en la playa sea una manera de conectar con el público del Festival, siguió el pase del filme, que cautivó a la audiencia sentada en tumbonas ante la estupenda pantalla ubicada en la costa. La ola de aplausos cuando Truman decide salir del estudio y despedirse del público haciendo inútiles los esfuerzos del creador del programa, es sin duda digna de mención, por como recorrió, como si de sonido sensorround se tratase, la ubicación del público de atrás hacia adelante.
Manuel García de Mesa, enviado especial de Tumbaabierta.com a Cannes 2022.
En 1996, veía la luz el primer videojuego de la saga de survival horror Resident Evil, desarrollado por Capcom y creado por Shinji Mikami. La historia parte de la propagación, por error o intencionada, de un peligroso virus diseñado por la Corporación Umbrella que al infectar a los humanos los transforma en una especie de zombis monstruosos.
Veintiséis años después, la franquicia transmedia suma más de treinta ediciones jugables, además de cómics, novelas, figuras de acción y otros coleccionables, siete largometrajes de acción real, además de otras tres películas y una serie de animación, Infinite Darkness, que se estrenaba en 2021. Pero este universo aún puede dar más de sí y la prueba está en una nueva serie de inminente estreno en Netflix.
La versión live action para la pequeña pantalla de Resident Evilfue anunciada en 2020, pero los retrasos debidos a la pandemia llevaron la producción al primer semestre de 2021. Nada menos que dos prometedores avances se desvelaban esta misma semana. Por un lado, la historia está ambientada en un idílico presente en New Racoon City y sigue a las hermanas gemelas Jade y Billie, quienes descubren que su padre, Albert Wesker, oculta secretos oscuros que podrían destruir el mundo. A través de flashforwards, el relato traslada al espectador a un postapocalíptico y peligroso Londres, año 2036, cuando el virus T de Umbrella se ha extendido por todo el mundo, mutando a más de seis mil millones de seres vivos, mientras unos 15 millones de humanos, entre los que se encuentra Jade, sobreviven como refugiados.
El objetivo del showrunner, escritor y productor ejecutivo Andrew Dabb (responsable de la serie de terror y fantasía Sobrenatural), y la plataforma parece determinado a alcanzar a un público amplio, que busque contenidos de acción y terror, además de los incontables seguidores de Resident Evilque verán como la serie es fiel y da respuesta a toda la mitología desarrollada en los videojuegos. De este modo, se alejan de la exitosa propuesta cinematográfica de Paul W. S. Anderson y Screem Gems que, aunque adapta tramas y personajes ideados por Capcom, no sigue la cronología de los videojuegos.
BIENVENIDOS A RACOON CITY
Por otro lado, la última versión para cines de Resident Evil, Bienvenidos a Racoon City, escrita y dirigida por Johannes Roberts, llegaba a las salas el pasado noviembre para volver a los orígenes de la franquicia dejando atrás al elenco que lideraba Milla Jovovich en el rol de Alice y otros habituales como Ali Larter, como Claire Redfield, o Shawn Roberts, precisamente como Albert Wesker. Kaya Scodelario, habitual en producciones fantásticas como Infierno bajo el agua o El corredor del laberinto protagonizaba este reboot en el papel de Claire, junto a Robbie Amell (The Babysitter), como su hermano Chris Redfield.
NEW RACOON CITY
La nueva serie de ocho episodios, cuyo piloto lleva por título Bienvenidos a New Racoon City, cuenta con Tamara Smart y Siena Agudong como las jóvenes hermanas Wesker; Ella Balinska (Los Ángeles de Charlie) en la piel de la Jade del futuro; Lance Riddick (John Wick), como su padre, uno de los grandes villanos de la franquicia; y Turlough Convery (Saint Maud), entre otros.
Resident Evil, la serie, llegará a Netflix justo en dos meses, el próximo 14 de julio, ya con las vistas puestas en una segunda temporada.
Póster de Resident Evil, nueva serie que verá la luz muy pronto en Netflix.
Este viernes 13 de mayo se estrena exclusivamente en cines en España Ojos de fuego (Firestarter), la nueva adaptación del clásico homónimo de Stephen King. La película, producida por Blumhouse (estudio responsable de éxitos como Déjame salir y El hombre invisible), está dirigida por Keith Thomas (The Vigil) y cuenta con un guion escrito por Scott Teems (guionista de la reciente Halloween Kills).
El thriller de terror Ojos de fuego está protagonizado por Zac Efron (El gran showman), Ryan KieraArmstrong (American Horror Story) y Sydney Lemmon (Fear the Walking Dead) y narra la historia de una niña con extraordinarios poderes piroquinéticos que deberá luchar por mantener a su familia a salvo.
La versión cinematográfica de 1984 fue protagonizada por Drew Barrymore, David Keith y George C. Scott, bajo la dirección de Mark L. Lester.
Sinopsis de OJOS DE FUEGO
Andy (Zac Efron) y Vicky (Sydney Lemmon) llevan más de una década huyendo en un desesperado intento de esconder a su hija Charlie (Ryan Kiera Armstrong) de una oscura agencia estadounidense empeñada en aprovechar su increíble don para convertir el fuego en un arma de destrucción masiva.
Andy enseñó a Charlie cómo dominar su extraño poder, desencadenado normalmente por la ira o el dolor. Pero cuando Charlie cumple 11 años, el fuego es cada vez más difícil de controlar. Después de que un incidente inesperado revele la ubicación de la familia, un misterioso operario (Michael Greyeyes, Wild Indian) sale en busca de Charlie para hacerse con ella de una vez por todas. Pero Charlie tiene otros planes.
Coprotagonizada por Kurtwood Smith (Amityville: El despertar), John Beasley (Anarchy: La noche de las bestias) y Gloria Reuben (Lincoln). La música de Ojos de fuego es del legendario John Carpenter (Halloween, Christine, La niebla) y de los cocompositores de la franquicia Halloween, Cody Carpenter y Daniel Davies.
Los productores son Jason Blum (Halloween, El hombre invisible), para Blumhouse, y el oscarizado Akiva Goldsman (Soy leyenda, Constantine), para Weed Road Pictures. La producción ejecutiva corre a cargo de Ryan Turek, Gregory Lessans, Scott Teems, Martha De Laurentiis, J.D. Lifshitz y Raphael Margules.
Ya tiene póster y fecha de estreno la esperada nueva película dirigida por Oriol Paulo, versión cinematográfica de la novela de Torcuato Luca de TenaLos renglones torcidos de Dios, cuyo proyecto fue anunciado en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 2020. El próximo 7 de octubre llegará a los cines el largometraje basado en una de las obras más relevantes de la literatura española, publicada en 1979, un clásico que sigue atrayendo a nuevos lectores.
La historia de una investigadora privada que se interna de forma voluntaria en un hospital psiquiátrico siguiendo la pista de un caso en el que está trabajando ha sido adaptada por el propio Oriol Paulo junto al dramaturgo y guionista Guillem Clua, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2020. Repiten tándem, tras coescribir la reciente miniserie de éxito El inocenteque protagonizaron Mario Casas, Aura Garrido, Alexandra Jiménez, José Coronado y Juana Acosta para Netflix.
Bárbara Lennie centra el cartel caracterizada como la enigmática Alice Gould, y le acompañan en el reparto Eduard Fernández, como el director del sanatorio, Samuel Alvar; Loreto Mauleón, Javier Beltrán, Pablo Derqui, Fede Aguado y Adelfa Calvo, entre otros. Ya en 1983, se realizó en México una primera adaptación dirigida por Tulio Demicheli que contó con Luca de Tena en la escritura de guion.
Primeros trabajos de Oriol Paulo
Oriol Paulo despuntó como coguionista del thriller Los ojos de Julia (2010), producida por Guillermo del Toro con Belén Rueda en el doble papel de una mujer y su hermana gemela, fallecida en extrañas circunstancias. Dos años más tarde dirigía a la actriz en El cuerpo, con la que fue nominado a la mejor dirección novel en los Premios Goya. En 2016 firma el guion de Secuestrode Mar Targarona, y en 2017 escribe y dirige Contratiempo, la historia de Adrián Dorian, un empresario acusado de un asesinato del que se declara inocente, con Mario Casas, Bárbara Lennie, Ana Wagener y José Coronado.
Su tercer largometraje llegaba en 2018, Durante la tormenta, en la que una interferencia entre dos tiempos provoca que Vera, una madre felizmente casada, salve la vida de un chico que vivió en su casa 25 años antes. Las consecuencias de su acción provocan una reacción en cadena que hace que despierte en una nueva realidad dónde su hija nunca ha nacido. Adriana Ugarte, Chino Darín, Javier Gutiérrez y Álvaro Morte daban vida a sus personajes, y entre las colaboraciones especiales en el reparto figuraban nuevamente nombres como Belén Rueda y Ana Wagener.
Detrás de este proyecto se encuentran Atresmedia Cine, Nostromo Pictures, Warner Bros. Pictures España y Filmayer, en la producción de la cuarta película de Oriol Paulo, cuya trayectoria está marcada por thrillers de gran éxito del cine español, tanto de crítica como de recaudación. La adaptación de ‘Los renglones torcidos de Dios’ supone un gran reto para el cineasta, en un juego de pistas en el que nada es lo que parece y en el que la protagonista pasa de detective a sospechosa y se pondrá en duda su propia cordura.
Robert Eggers ha comentado que su intención original no era tanto recuperar la historia del príncipe Amleth, sino adentrarse cinematográficamente en la cosmología y ofrecer una representación fidedigna y documentada de los antiguos pueblos nórdicos, sus costumbres y sus creencias. Al final, el mejor instrumento que encontró para ello fue con esta leyenda que se ambienta en el siglo X y que su primer relato canónico data del siglo XII, escrito por Saxo Grammaticus en su Gesta Danorum. Esa historia llegaría cinco siglos más tarde a manos de William Shakespeare, quien se inspiraría en ella para su obra magna, Hamlet.
NARRATIVA MÍTICA
La película de Eggers afronta dos retos fundamentales, establecidos por el propio cineasta. Por un lado, ofrecer al espectador una nueva versión de esta historia que se diferencie de la ampliamente conocida, pero manteniendo elementos reconocibles de la misma; y por otro lado, en su afán historicista, traducir en lenguaje cinematográfico las estructuras y el lenguaje de los antiguos relatos de tradición oral. En este sentido, podemos decir que ambos objetivos se cumplen sobradamente.
Hay algo en la puesta en escena de Eggers, en ese carácter metafísico de su narrativa, que nos traslada a la lectura de los Eddas del siglo XIII, relatos de herencia de la Edad de Hierro como el Mabinogion o la poesía épica de Homero. Eggers se desentiende de muchas estructuras desarrolladas por la narrativa moderna en cuanto a trasmitir al espectador un relato más detallado o verosímil.
En El Hombre del Norte hay elementos míticos, determinando la evolución de la historia y justificando el desarrollo de la trama, que a ojos actuales pueden parecer escasos de asideros explicativos o de lógica narrativa, pero que son perfectamente coherentes con la forma de transmitir los mitos en los orígenes de la literatura.
El Hombre del Norte es una película con una narrativa anacrónica, no porque apele a estilos cinematográficos de décadas pretéritas, sino porque su sentido de la dramaturgia nos traslada a una forma de narrativa que entronca con los orígenes de la cuentística oral, aspecto en el que sin duda jugó un papel determinante la labor en guion del escritor Sjón.
En comparación con el Amleth de Saxo Grammaticus o el Hamlet de Shakespeare, el protagonista de El Hombre del Norte es mucho más primario y violento. Eggers rescata componentes de la tradición nórdica, como el valor divino como psicopompos de los cuervos o la transformación del protagonista en uno de aquellos guerreros voraces berserkers.
Al mismo tiempo, Eggers da una lectura rabiosa de algunos de los elementos icónicos de la leyenda y la relectura que Shakespeare hizo de la misma, destacando de manera muy importante el papel del Reina Gudrún, espléndidamente interpretada por Nicole Kidman.
Pese a ese jugueteo con Shakespeare, también da una entidad propia y muy diferente a los personajes. Por ejemplo, poco de Ofelia encontramos en el papel de Olga (Anya Taylor-Joy), e incluso podemos apreciar una curiosa interreferencialidad con otras obras incluso del propio Shakespeare (Gudrún tiene mucho de Gertrudis, pero también de Lady Macbeth). Resulta llamativo cómo el cineasta coquetea con lo fantástico, pero dejando siempre la puerta abierta a una interpretación realista, basada en el estado psicológico del protagonista (de los pocos aspectos donde el director se deja llevar por una mirada actual).
VALHALLA
Con La Brujay El Faro, dos películas conceptualmente desbordantes, pero modestas en lo presupuestario, Roger Eggers había demostrado que su punto fuerte es su habilidad para crear imágenes desasosegantes y de una gran plasticidad. Su gusto por los primerísimos planos, casi rozando con la ruptura de la cuarta pared, pero también por los grandes cuadros generales se repite en esta película, donde ha vuelto a contar con la magnífica colaboración del director de fotografía Jarin Blaschke.
El Hombre del Norte es una película visualmente fascinante. A esto se suma la excelente partitura musical de Robin Carolan y Sebastian Gainsborough, donde recurren a sonoridades tribales que dan aún más una atmósfera asfixiante y ominosa a la película. En lo que se refiere a la puesta en escena, se trata de una película más ambiciosa y ampulosa que las anteriores, con momentos que requieren de un nivel de producción mucho más costoso, como el ataque berserker a la aldea o el enfrentamiento a las faldas del volcán.
Es cierto que, como conjunto, El Faro nos sigue pareciendo la mejor película de Eggers, pero también es cierto que El Hombre del Norte es una película mucho más compleja en todos los sentidos, por lo que los desafíos a cumplir eran mucho más altos.
RELATO JUNTO A LA HOGUERA
Despiadada, brutal, visualmente agresiva no pretende en ningún momento hacer una lectura contemporánea de la Edad de los Vikingos, sino trasladar al espectador actual a aquellos tiempos descarnados y regidos por la mitología y la magia. Como relectura del mito, El Hombre del Norte lleva la violencia intrafamiliar a extremos bárbaros y, como narración audiovisual, nos devuelve a la época en la que los relatos se plasmaban en el fuego de la hoguera. Quien espere encontrar aquí el equivalente cinematográfico de la serie Vikingos, está equivocado. Eggers nos devuelve a un estrato más atávico.
Este viernes 6 de mayo aterriza, solo en cines, Doctor Strange en el multiverso de la locura, la nueva propuesta de Marvel Studios dirigida por Sam Raimi, que ha vendido más de 160.000 entradas en preventa. Está protagonizada por Benedict Cumberbatch (El poder del perro, Doctor Strange), Chiwetel Ejiofor (Infinite), Elizabeth Olsen (Bruja Escarlata y Visión, Vengadores: Endgame de Marvel Studios), Benedict Wong (Géminis), Xochitl Gomez (El club de las Canguro), Sheila Atim (Herida), Adam Hugill (La guardia), con Michael Stühlbarg (Un tipo serio) y Rachel McAdams (Sherlock Holmes).
Con este 28º capítulo, el Universo Cinematográfico de Marvel amplía sus límites como nunca y presenta un viaje a lo desconocido con el Doctor Strange, quien con ayuda de aliados místicos atraviesa las peligrosas realidades alternativas del multiverso para enfrentarse a un misterioso adversario.
La película está dirigida por Sam Raimi y Kevin Feige es el productor. Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Eric Hauserman Carroll, Scott Derrickson y Jamie Christopher actúan como productores ejecutivos, con Mitch Bell y Richie Palmer como coproductores. El guion es obra de Michael Waldron, que recientemente fue guionista principal y productor ejecutivo de la serie Lokide Marvel Studios para Disney+.
Raimi y Marvel Studios reunieron una impresionante lista de profesionales para la película como el director de fotografía John Mathieson (Gladiator), el diseñador de producción Charles Wood (Vengadores: EndgameyViuda negrade Marvel Studios), el diseñador de vestuario Graham Churchyard (el próximo estreno Batgirl), los montadores Bob Murawski (trilogía de Spider-Man) y Tia Nolan (Patrulla Trueno), el supervisor de efectos visuales ganador de un Oscar Janek Sirrs (Spider-Man: Lejos de casa), el supervisor de efectos especiales Chris Corbould (El caballero oscuro) y el compositor Danny Elfman (Spider-Man).
Desde el lunes hasta el jueves 28 de abril, se ha vuelto a celebrar en el emblemático hotel y casino Caesars Palace de Las Vegas, que tantas veces ha sido inmortalizado en el cine en títulos como Iron Man, Ocean’s Eleveno la apocalíptica 2012de Roland Emmerich, una nueva edición de la CinemaCon. Se trata de la mayor y más importante convención de la industria cinematográfica mundial, que abrió sus puertas en 2011 y cada año atrae asistentes de más de 80 países ávidos por descubrir las próximas novedades del mundo del entretenimiento.
Walt Disney Studios presenta
La presentación de Walt Disney Studios y sus sellos Pixar, Marvel y 20th Century Studios ha sido una de las más esperadas. En este evento se desvelaron nuevos detalles sobre la secuela de la épica cinta de ciencia ficción de 2009 de James Cameron, que llegará a los cines en diciembre y que llevará por título: Avatar: The Way of Water. Otro de los grandes hits fue el adelanto de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, nuevo episodio de la Fase 4 del Universo Cinematográfico Marvel que continúa la historia tras Spider-Man: No way homey que se estrena este viernes 6 de mayo.
Presentación en CinePresentación en CinemaCon 2022 de Avatar: The Way of WaterPresentación en CinemaCon 2022 de Avatar: The Way of WatermaCon 2022 de Avatar: The Way of Water
Los asistentes al evento también pudieron ver en primicia las primeras imágenes de Black Panther 2, dirigida por Ryan Coogler, un proyecto que ha sufrido numerosos retrasos en su producción que comenzaron con la fatídica noticia del fallecimiento del actor Chadwick Boseman, que daba vida al rey de Wakanda.
Además, se mostraron nuevas imágenes de Lightyear, el spin-off de la saga Toy Story, que sigue los primeros pasos de Buzz en el Comando Estelar y debutará en cines el 17 de junio. También se presentaron los primeros seis minutos de Bob’s Burgers: La película, primer largometraje basado en la popular serie de animación cuyo estreno en Estados Unidos está previsto para el 27 de mayo.
Anticipos de Universal
Universal reveló un nuevo tráiler de Jurassic World: Dominion, de estreno el 10 de junio, en el que aparece el Giganotosaurus, que anteriormente ha formado parte de los videojuegos de la franquicia y ahora hará su gran aparición en la saga cinematográfica, junto a Chris Pratt, Bryce Dallas Howard y los protagonistas de Jurassic Park, Sam Neill, Laura Dern y Jeff Goldblum.
Los estudios también presentaron el primer tráiler de Beast, el survival horror protagonizado por Idris Elba y Sharlto Copley, de estreno en agosto. Asimismo, se mostraron adelantos de dos títulos que aterrizarán en enero de 2023: la nueva colaboración con Blumhouse, el thriller de terror y robots M3gancoescrito por Akela Cooper y James Wan; y de Last Voyage of the Demeter, de André Øvredal, basada en uno de los capítulos de Drácula, de Bram Stoker.
Póster de ‘M3gan’, la nueva propuesta de terror de la factoría de James Wan.
Junto a Focus Features, Universal Pictures presentó avances de Halloween Ends, con la presencia de Jamie Lee Curtis y ¡Nop!. Jordan Peele presentó un nuevo tráiler, que no se difundirá hasta dentro de un par de semanas de su película, en cines a partir del 22 de julio.
Jamie Lee Curtis en CinemaCon 2022.
Warner Bros.
Warner Bros. confirmó la segunda entrega de la película de terror La Monja, que a partir de un presupuesto de 22 millones de dólares recaudó más de 365 a nivel global tras su estreno en 2018. Estará dirigida por Michael Chaves, responsable de La lloronay la tercera entrega de Expediente Warren, Obligado por el demonio, y escrita por la mencionada Akela Cooper, coguionista de Maligno, de James Wan. La actriz Bonnie Aarons repetirá en el rol principal.
Warner también sorprendió con un teaser de Wonka, la nueva adaptación musical de la obra de Roald Dahl Charlie y la fábrica de chocolate, que no se estrenará hasta diciembre de 2023 con Timothée Chalamet en el papel principal de un reparto colosal en el que también destacan Sally Hawkins, Rowan Atkinson y Olivia Colman, entre otros.
Otros títulos que dieron la nota en la Cinemacon fueron las cuartas entregas de las películas de acción John Wick y Los mercenarios, a través de sendos primeros pósters. Tras numerosos aplazamientos, el cuarto episodio de la de Keanu Reeves llegará a la gran pantalla el 24 de marzo de 2023, mientras que, bajo el lema “morirán cuando hayan muerto”, los “prescindibles” liderados por Jason Statham volverán en una fecha sin determinar, posiblemente también el próximo año.
