Es innegable que la llegada de la IA es uno de los desafíos más grandes a abordar por la humanidad en el futuro inminente. Los leves atisbos que esta tecnología ha mostrado en un breve espacio de tiempo ya han abierto suficientes debates y retos, por no hablar de rechazos, en nuestra sociedad. La ciencia ficción ya no es algo lejano, sino apremiante, y como suele pasar con casi todos los grandes avances tecnológicos, nos ha cogido por sorpresa. Una de estas grandes dudas, sin embargo, no es nueva, sino que nos la venimos formulando desde hace décadas, si no siglos. Con el incremento sintiente de lo tecnológico, ¿cómo vamos a poder definir la humanidad?
Esa duda existencialista, que viene a sumarse a las clásicas “¿quiénes somos?”, “¿a dónde vamos?” y “¿qué hacemos aquí?”, el cine y la literatura la han venido abordando de manera recurrente. Sólo en cines, pensemos en obras como Metrópolis, 2001. Una Odisea en el Espacio, Blade Runner o I.A. Inteligencia Artificial, por mencionar algunas de las más destacadas. Ahora, algunas de esas reflexiones han servido de base para Singular, segundo largometraje como director de Alberto Gastesi, con guion coescrito junto a Alex Merino, y que ha llegado a la gran pantalla después de su paso por festivales como Sitges o Isla Calavera.
Presentación de la proyección de Singular en el Festival Isla Calavera 2025. (c) Rommel Messia
Un drama íntimo con alma científica
Planteada más como un drama familiar, la película nos presenta a una pareja separada tras la muerte de su hijo años atrás y que ha gestionado de manera distinta el sentimiento de duelo. Durante su primera mitad, la película aborda aspectos como la culpa o el bloqueo emocional que impide a los protagonistas pasar página, al mismo tiempo que se adentra en conflictos filosóficos y éticos vinculados con los avances científicos. Las dinámicas de los tres personajes principales y el afinado guion convierten a esta primera mitad de la película en un drama sólido y repleto de aristas y reflexiones sugerentes y atractivas.
Llama la atención que, allí donde hemos querido priorizar lo biológico sobre lo sintético, siempre hemos querido enaltecer los aspectos más positivos de nuestra faceta emocional, como el amor o la solidaridad. En este caso, la cinta propone que el principal escollo a la hora de clonar nuestra humanidad por parte de la IA sea nuestros fallos, nuestra falibilidad, nuestra incapacidad para aceptar y superar nuestras infamias. Y es que, para un sistema que busca la perfección, el error humano es inaprensible.
La fuerza de las interpretaciones
Gran parte de las virtudes de la película radica también en su trío protagonista y la manera en que se complementan entre ellos, desde el valor introspectivo de la interpretación de Patricia López Arnaiz, la intensidad del personaje de Javier Rey, o el descubrimiento del rostro repleto de ambigüedades de Miguel Iriarte. Ellos aportan el componente de humanidad que defiende la película.
Cualquiera pensaría que, con ese planteamiento, ya las fichas de dominó están colocadas y que sólo les quedaría a los guionistas resolver la trama manteniendo el mismo nivel de coherencia e inteligencia mostrado en todo el primer bloque de la película. Sin embargo, lejos de acomodarse, Gastesi y Merino apuestan por dar un nuevo giro de trama que sitúa a la película en un escenario diferente y rompe las expectativas del espectador.
Ambición narrativa y sus riesgos
Esto puede ser al mismo tiempo la principal virtud de la película, pero también su mayor hándicap. Desde aquí aplaudimos la valentía de los autores por querer llevar sus postulados más allá, por romper con el confort del guion y buscar un mayor desafío como creadores y hacia el espectador. Sin embargo, reconocido esto, en nuestra opinión, este doble salto mortal no resulta tan redondo como la primera mitad de la película. Las ambiciones argumentales y narrativas resultan un tanto confusas, con un clímax que termina de revertir el tono de la película, abriendo demasiado el espectro. Esto afecta también al propio ritmo de la película.
Singular, como su título indica, es una película que evita caer en los caminos trillados de la ciencia ficción, aunque su esfuerzo por diferenciarse no sea tan redondo como aspiraba. Aún así, con sus defectos, sigue siendo una propuesta atractiva, diferente, profunda y con un cuidado trabajo formal e interpretativo.
Cada una de las diferentes visiones cinematográficas de The Body Snatchers de Jack Finney tratan de expresar una metáfora o una parábola acerca de los reales peligros de la alienación colectiva, de la incomunicación humana, así como de ciertas paranoias conspirativas a propósito de la conversión de la población del planeta en seres gélidos, sin emociones ni sentimientos, sin dolor, sin amor y sin inquietudes. También se erigen en una oportunidad de oro para poner en evidencia y denunciar auténticas “vergüenzas históricas”, como la célebre “caza de brujas” o la persecución del comunismo emprendida en Hollywood a partir de 1947 por parte del Comité de Actividades Antiamericanas presidido por el Senador McCarthy. La persecución del referido comité se vio “complementada” por la delación practicada por parte de algunos cineastas como Edward Dmytryk o Elia Kazan. En definitiva, aquello que hicieron los “nuevos ricos” de Hollywood para “conservar sus piscinas”, en palabras de Orson Welles.
A la referida persecución del comunismo en Hollywood, podemos añadir las dictaduras florecientes en países latinoamericanos y africanos durante los años 60 y 70 del siglo XX y que sirvieron de coartada a los diferentes mandatos estadounidenses para derrocar gobiernos.
Podemos identificar igualmente, en tercer lugar, algunas advertencias sobre los peligros del auge del militarismo, propio de diversas épocas y lugares, como el despliegue estadounidense sobre Vietnam en los referidos años 60 y 70 para frenar el avance del comunismo. La pretendida política internacional de Ronald Reagan en los años 80 con Latinoamérica, por ejemplo, o las dos guerras del golfo, la primera a comienzos de los 90 y la segunda en el nuevo milenio, bajo los respectivos mandatos presidenciales de George Bush Sr. y George Bush Jr. parecen latir de fondo bajo las distintas adaptaciones.
DIFERENTES REFLEJOS EN LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD
De alguna manera, todas estas inquietudes universales cristalizan, como decimos, a lo largo de las diversas épocas en las que se han ido estrenando las distintas adaptaciones realizadas de la prosa del escritor oriundo de Milwaukee, Wisconsin, Jack Finney. Cineastas tan diferentes entre sí como Don Siegel, Philip Kaufman, Abel Ferrara y Oliver Hirschbiegel, han gozado de óptimas oportunidades para interrogarse acerca del destino de la humanidad.
La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956)
En las soberbias imágenes de la primera de las versiones, La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion Of The Body Snatchers, EE. UU., 1956), puede palparse ese ambiente de delación. Hasta tal punto es así que este filme y otros como Solo ante el peligro(High Noon, EE. UU. 1952) de Fred Zinnemann, permanecen históricamente como alegorías del macartismo.
Por otra parte, esta primera versión, rodada en tan solo 20 días, con un presupuesto de supervivencia, pero con una pericia técnica asombrosa y un texto muy bien armado, obra del guionista Daniel Mainwaring, se erige en una ejemplar cápsula narrativa de apenas 76 minutos. Pese a su prólogo y epílogo, claramente impostados desde producción, el metraje transcurre como un relámpago, constituyendo un prodigioso ejemplo del rico y variado camino emprendido en el género de ciencia ficción de la década de los años 50 del siglo XX por parte el cine estadounidense.
La invasión de los ladrones de cuerpos, versión 1956, deviene igualmente en un muestrario de la solvencia de un realizador, Don Siegel, destinado a crear obras relevantes en el cine americano en general en las décadas venideras. Secuencias como el descubrimiento del protagonista de que su amada se ha convertido en un ser invasor del espacio, o el primer contacto de los protagonistas con las vainas espaciales en el invernadero y el escalofriante proceso de sustitución y fabricación del clon del cuerpo humano, poseen mucha fuerza visual.
The Body Snatchers (Abel Ferrara, 1993).
La acción en la versión dirigida por Abel Ferrara, Los secuestradores de cuerpos(The Body Snatchers, EE. UU. 1993), figura anclada al espacio geográfico de una base militar. En este irregular filme, los invasores del espacio revelan un plan de invadir Estados Unidos mediante el sometimiento previo de las diferentes bases militares ubicadas a lo largo de la geografía estadounidense. En esta ocasión se pone el foco en la paranoia de la reducida población de la ciudadela militar, donde el insomnio y la inquietud de unos personajes respecto a la deriva de otros, va tomando terrible forma, sin prisa, pero sin pausa, en los términos que ya conocemos.
Abel Ferrara y la invasión desde dentro
Basada igualmente en el relato de Finney, esta vez adaptada de un modo más libre, la versión de Ferrara fue concebida en sus inicios por gente con reconocido talento y solvencia en el género fantástico, como son Larry Cohen o Stuart Gordon. Si atendemos al orden de los créditos del guion, deducimos claramente que la historia y la idea general de ubicación de una base militar, recayó en el referido Larry Cohen, en crédito contributivo compartido con Raymond Cistheri.
Por otra parte, siempre según los créditos aparecidos en pantalla, el primer tratamiento del script fue suscrito a cuatro manos entre los expertos en el cine de terror Stuart Gordon y Dennis Paoli (la expresión “&” entre ambos nombres, alude, según las reglas del gremio de guionistas al trabajo en equipo). Ambos ya habían escrito juntos la brillante Re-Animator (EE. UU. 1985), vista igualmente en la 9º edición del Isla Calavera. El texto resultante de esa colaboración, fue rescrito para la versión definitiva por Nicholas St. John, guionista predilecto del realizador Abel Ferrara. La personalidad del realizador italoamericano prácticamente asegura su intervención en esa reescritura final.
Como el filme de Siegel, el de Ferrara está narrado en pasado por el personaje central, interpretado por Kevin McCarthy en el filme de 1956 y por una jovencísima Gabrielle Anwar en el de 1993. Esta última versión, paradójicamente producida por Robert H. Solo, productor, igualmente, de la versión de Kaufman, probablemente fracasa porque, ni Ferrara, ni su guionista más habitual, fuesen las personas más indicadas para ilustrar una historia de un género tan codificado como la ciencia ficción y el terror. Téngase en cuenta que ambos venían de escribir y filmar una obra magistral, inclasificable, psicótica y enfermiza, sobre corrupción policial, religión y redención, con aparición de Cristo incluida, o la violación de una monja sobre el altar de una iglesia. Hablamos de la obra maestra Teniente corrupto(Bad Lieutenant, EE. UU. 1992), protagonizada por un Harvey Keitel en el mejor papel de toda su carrera. St. John y Ferrara navegan creativamente por otros derroteros más complejos y grises que aquellos tibiamente plasmados en el filme de 1993.
Y es una lástima, porque la tercera de las versiones, construida en unos parámetros de serie B, pese a producción de Warner Bros. partía de una idea interesante, poco afortunada en su plasmación en imágenes. El filme atesora un par de secuencias de cierto impacto, como la protagonizada por Meg Tilly en la piel de Carol Malone. Es el instante en el que delata a su hijastra, a su hijo y a su esposo, convertida ya en un ser inerte, sin emociones servidor de la colectividad invasora.
El otro instante certero pertenece a Forest Whitaker, en el papel del Doctor Collins, el médico del puesto militar. Su personaje que lleva detectando algo muy extraño y viene adoptando una posición aparentemente “conspiranóica”, decide suicidarse antes de claudicar, rodeado de invasores. Más allá de estos instantes de cierto brillo, la deriva de los protagonistas, Marti Malone (Gabrielle Anwar) y el soldado Tim Young (Billy Wirth), deviene en absolutamente inconsistente y despierta muy poco interés. Es como si el filme fuese dirigido por una criatura surgida de una vaina venida del espacio, en una deriva insulsa, sin alma ni vida, sin pasión ni sentimientos.
The Body Snatchers (Abel Ferrara, 1993).
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LAS VAINAS DEL ESPACIO QUE INVADIERON SAN FRANCISCO EN 1978. EL FARO QUE AÚN NOS GUÍA EN 2025
En el seno de la novena edición del Isla Calavera, Festival de Cine Fantástico de Canarias, Ciudad De La Laguna, el domingo 9 de noviembre de 2025 tuvo lugar un evento muy especial: la emisión en la sala 17 de Multicines Tenerife de La invasión de los ultracuerpos (Invasion Of The Body Snatchers, EE. UU. 1978) dirigida por Philip Kaufman. La presencia de una gran dama del cine, convirtió el evento en una jornada irrepetible. Entre aplausos y vítores, la actriz Veronica Cartwright, que permaneció en la sala después de la presentación y durante la proyección, expresó, en una posterior conversación con ella, lo maravillosamente bien que se erige y permanece el filme tanto tiempo después.
1. IDEAS INTRODUCTORIAS. UNA CONVERSACIÓN CON VERONICA CARTWRIGHT SOBRE EL FILME DE 1978
El visionado en la gran pantalla de este soberbio filme constituye la excusa perfecta para reflexionar sobre sus múltiples capas y lecturas, acerca de sus no menos importantes contribuciones a la historia del cine en general, o sus aportes al género de ciencia ficción en particular. Las distintas aproximaciones por parte de la industria de Hollywood a esta singular historia, en diferentes períodos históricos, revela importantes conclusiones igualmente. Como no, también sus aportes, que no son pocos, para la comprensión del complejo mundo en el que vivimos, deben ser examinados y valorados. Todas estas circunstancias otorgan al filme de 1978 una pátina o revestimiento de candente actualidad, así como un enorme e intacto poder de fascinación.
La invasión de los ultracuerposse erige, en opinión de este humilde cronista, en la más compleja y redonda de las versiones existentes de esta historia de la invasión de las vainas del espacio para suplantar los cuerpos humanos, primando la raza sobre el individuo, que han surgido en la pantalla adaptando las ideas evocadas en papel desde la mente del novelista estadounidense Jack Finney.
Veronica Cartwright en el Evento Especial La invasión de los ultracuerpos en Isla Calavera 2025. (c) Rommel Messia
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LAS VAINAS DEL ESPACIO QUE INVADIERON SAN FRANCISCO EN 1978. EL FARO QUE AÚN NOS GUÍA EN 2025
Este sábado, 13 de diciembre, Walker Scobell, Leah Sava Jeffries, Aryan Simhadri, Daniel Diemer, Charlie Bushnell y Dior Goodjohn han presentado la segunda temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpoen el evento fan de Madrid. Inspirados por El mar de los monstruos, el segundo libro de la exitosa serie de Rick Riordan, los invitados y el reparto se enfrentaron a la ira del monstruo Cila en la alfombra azul océano del Teatro Calderón. Los primeros dos episodios de la segunda temporada ya están disponibles en Disney+, con un nuevo episodio cada miércoles.
El autor y productor ejecutivo, Rick Riordan ha acudido al evento junto con los productores ejecutivos Dan Shotz, Jon Steinberg y Craig Silverstein también pasaron por la alfombra azul, completando así una mañana repleta de estrellas.
La proyección del tercer episodio de la serie estuvo precedida por una presentación a cargo del reparto principal, el autor y el presentador, David Moreno, que dieron la bienvenida al público a un viaje inolvidable: «Estoy muy feliz de estar en España, en Madrid por primera vez, para celebrar el estreno de la nueva temporada con vosotros», aseguró Rick Riordan.
Charlie Bushnell, Aryan Simhadri, Leah Jeffries, Walker Scobel, Dior Goodjohn y Daniel Diemer presentan Percy Jackson Y Los Dioses Del Olimpo en Madrid. (Foto de David Benito/Getty Images for Disney+)
«Yo creo que mi vida no ha cambiado demasiado hasta que vengo a eventos como este y me doy cuenta del impacto que está teniendo la serie», dijo Walker Scobell, el joven actor estadounidense que da vida a Percy Jackson en la serie. «Tener a Rick Riordan en el set fue una de las mejores cosas que podrías tener en un rodaje. Poder realizar tu mejor trabajo frente a la persona que te creó también es, a veces, aterrador», dijo Leah Jeffries, quien interpreta a Annabeth.
Walker Scobell es Percy Jackson en la serie de Disney+.
El mar de los monstruos
En esta segunda temporada, después de que la frontera protectora del Campamento Mestizo es vulnerada, Percy Jackson se embarca en una odisea épica en el Mar de los Monstruos en busca de su mejor amigo Grover y de la única cosa que puede salvar el campamento: el Vellocino de Oro. Con la ayuda de Annabeth, Clarisse y su recién descubierto hermanastro cíclope Tyson, la supervivencia de Percy es crucial en la lucha para detener a Luke, el Titán Kronos y su inminente plan para destruir el Campamento Mestizo y, en última instancia, el Olimpo.
La segunda temporada está protagonizada por Walker Scobell (Percy Jackson), Leah Sava Jeffries (Annabeth Chase), Aryan Simhadri (Grover Underwood), Charlie Bushnell (Luke Castellan), Dior Goodjohn (Clarisse La Rue) y Daniel Diemer (Tyson), junto con un elenco repleto de estrellas invitadas, entre las que se incluyen Lin-Manuel Miranda, Jason Mantzoukas, Glynn Turman, Timothy Simons, Virginia Kull, Courtney B. Vance, Andra Day, Adam Copeland, Sandra Bernhard, Margaret Cho, Kristen Schaal, Tamara Smart, Rosemarie DeWitt, Toby Stephens, entre otros.
Percy Jackson se embarca en una odisea épica en el Mar de los Monstruos en busca de su mejor amigo Grover.
Creada por Rick Riordan y Jonathan E. Steinberg, la segunda temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo cuenta con Steinberg y Dan Shotz como productores ejecutivos, junto con Rick Riordan, Rebecca Riordan, Craig Silverstein, Ellen Goldsmith-Vein de The Gotham Group, Bert Salke, Jeremy Bell y D.J Golderg de The Gotham Group, James Bobin, Jim Rowe, Albert Kim, Jason Ensler y Sarah Watson.
Además, a partir del 10 de diciembre, los fans podrán disfrutar de contenido exclusivo de la segunda temporada con el podcast oficial de Percy Jackson y los dioses del Olimpo, que ofrece acceso al detrás de cámaras de la serie. Los episodios del podcast estarán disponibles para ver en Disney+ y habrá un nuevo episodio del podcast disponible coincidiendo con el estreno de cada nuevo episodio de la serie.
La tercera temporada se encuentra actualmente en producción en Vancouver.
Desde que en 2019 estrenara Puñales por la Espalda, las aventuras de Benoit Blanc han pasado a convertirse en una cita obligada para los amantes del misterio, del whodunit y del formato detectivesco al estilo Agatha Christie. Para Rian Johnson, la primera entrega se convirtió en un oasis creativo después de su controvertido paso por Star Wars con Star Wars: Los Últimos Jedi; sin embargo, lo cierto es que el cineasta ya había establecido las bases en su filmografía para convertirse en el nuevo baluarte del cine detectivesco.
Su debut con Bricken 2005 ya había avalado su capacidad para renovar el género, sin apartarse de sus estructuras básicas. Le seguirían Los Hermanos Bloom o la fantástica Looper. A día de hoy, entre las entregas cinematográficas de Puñales por la Espalda y el formato televisivo de Poker Face, nadie puede negarle a Johnson su posición de Rey del Misterio moderno.
El renacer del género detectivesco moderno
Puñales por la Espalda. De Entre los Muertosmantiene las constantes de las dos entregas anteriores, reforzando la presencia de Benoit Blanc como moderno Hércules Poirot. La estructura es clara, una primera parte de exposición de personajes y la trama principal, un segundo bloque con la incorporación de Blanc a la historia y su investigación, y un clímax final con la rocambolesca solución del crimen. Es cierto que, en esta ocasión, ese primer bloque introductorio es más extenso de lo habitual, alargando el metraje hasta las dos horas y veinticinco minutos, convirtiendo a esta tercera parte en la más larga de las tres películas y dilatando la llegada del personaje de Benoit Blanc. Sin embargo, esto, que podría ser un lastre para la película, evita inteligentemente dañar el desarrollo de la película.
Una estructura clásica para un héroe moderno
El secreto es un guion magníficamente escrito, con fastuosos personajes, interpretados con carisma por un reparto coral de espléndidos actores. El tour de forcé entre los dos Josh, O’Connor y Brolin, es extraordinario. Si bien lo extravagante del personaje del Monseñor Jefferson Wicks lo convierte en uno de los elementos atractivos del espectáculo, O’Connor consigue aportar una gran humanidad y cercanía al Padre Jud Duplenticy.
El elenco de secundarios liderados por una nunca lo suficientemente reconocida Glenn Close hace que la trama, más allá de la figura de Benoit Blanc, se sostenga sólida por sí misma.
El equilibrio entre humor, ironía, suspense y dramatismo es notable, como lo es también la cuidada puesta en escena de Rian Johnson, potenciada por una magistral dirección de fotografía de Steve Yedlin. Es cierto que el peso de la duración se hace notar en el conjunto, pero ello no implica en absoluto desajustes importantes de ritmo en la narración. El montaje está perfectamente afinado y la trama y los personajes logran mantener en todo momento la fascinación del espectador.
La mejor entrega de la saga
En este sentido, nuestra impresión es que nos encontramos ante la mejor entrega de la saga, no sólo por contar con un guion superior a los anteriores, sino por la exquisita labor de artesanía que supone el conjunto de la película, donde lo moderno y lo clásico adquieren un equilibrio perfecto.
La figura del Conde Drácula no cesa de fascinar a creadores y audiencias. El monstruo ideado por Bram Stoker en 1897 continúa siendo un manantial inagotable de inspiración, capaz de regenerarse, adaptándose a los miedos, sensibilidades y lenguajes expresivos de nuestro tiempo. Desde la novela epistolar que revolucionó la literatura de terror hasta las pantallas contemporáneas, pasando por los escenarios teatrales más audaces, el vampiro de Rumanía se reinventa perpetuamente, demostrando que algunos arquetipos trascienden el tiempo para convertirse en mitos vivos.
Del clásico gótico al escenario contemporáneo
Mientras la versión cinematográfica del aclamado cineasta francés Luc Besson (El Quinto elemento) de la novela de Stoker sigue proyectándose en las salas españolas, en el West End londinense se prepara otro acontecimiento extraordinario en la vida perpetua de Drácula. Cynthia Erivo, la actriz ganadora de premios Emmy, Tony y Grammy y tres veces nominada al Óscar, también actualmente en cartelera protagonizando la secuela de Wicked, volverá a los escenarios en 2026 con una adaptación radicalmente distinta del mismo material literario.
A diferencia del reciente acercamiento cinematográfico tradicional de Besson, la producción teatral de Kip Williams presenta un formato híbrido y revolucionario denominado «cine-teatro». En esta adaptación, que se representará en el Teatro Noël Coward de Londres desde el 4 de febrero hasta el 31 de mayo, Cynthia Erivo interpretará los 23 personajes que habitan la novela de Stoker. Esto incluye al Conde Drácula, Jonathan Harker, Mina Murray, Lucy Westenra, el Profesor Van Helsing y Renfield, entre otros.
Mitología en mutación
La obra combina teatro en vivo, video pregrabado y actuación en directo para crear una experiencia inmersiva sin precedentes. Se trata de una empresa artística de proporciones épicas que representa una exploración completamente distinta del mismo universo narrativo. Así, mientras Besson ha optado por la lujuria visual, la composición cinemática y la amplitud de un elenco encabezado por Caleb Landry Jones, Christoph Walz y Zoë Bleu, la versión teatral de Kip Williams y Cynthia Erivo abraza el minimalismo, la capacidad transformadora del cuerpo y la voz de una actriz, y la intimidad radical de una conexión en vivo entre intérprete y público.
Erivo fue contactada para participar durante la gira promocional de la primera parte de Wicked, y antes de comprometerse formalmente con el proyecto, la actriz llevó a cabo una exhaustiva investigación visionando la versión original de la Sydney Theatre Company, donde la actriz australiana Zahra Newman había realizado la proeza interpretativa de encarnar los múltiples roles también bajo la dirección de Williams.
Con Drácula, Kip Williams completa su ambiciosa trilogía gótica de adaptaciones teatrales de clásicos de la literatura de terror, junto a El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Robert Louis Stevenson, y El retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde, con su ingenioso juego de espejos y proyecciones y la magistral interpretación de Sarah Snook, que pudo presenciar en vivo Erivo en Broadway.
El equipo creativo que rodea la producción de Dráculaincluye al compositor Clemence Williams, quien ha creado una canción original que Cynthia Erivo interpretará hacia el final de la obra, reforzando el impacto emocional del clímax narrativo. Aunque la producción no es un musical en sentido convencional, la banda sonora que acompaña la experiencia teatral presenta una mezcla ecléctica de música clásica, contemporánea y clubera, creando un contrapunto sonoro que potencia la ruptura temporal y estética de la adaptación.
Un clásico que nunca envejece
La persistencia del vampiro de Transilvania en la cultura contemporánea sugiere que Drácula es, en última instancia, un personaje inmortal que continúa alimentándose del imaginario colectivo, regenerándose con cada nuevo creador que lo reclama, transformándose, pero nunca desapareciendo realmente.
Cynthia Erivo será Drácula en el teatro, pero también el resto de personajes de la novela de Bram Stoker.
El diccionario de la Real Academia define ‘monstruosidad’ como: “Desorden grave en la proporción que deben tener las cosas, según lo natural o regular”. Es el consenso social lo que define al monstruo antes de convertirse en la turba que lo destierra o lo destruye.
Desde su primera película, Crudo, Julia Ducournau ha reflexionado sobre el concepto de ‘monstruosidad’ desde una mirada periférica. Sin negar la naturaleza violenta, asocial, del monstruo, también ha reflexionado sobre el estigma que acarrea, el desprecio social y el rechazo hacia todo lo que es diferente o que cuestiona el status quo. Con su tercera película, Alpha, Ducournau nos sitúa en una tierra de nadie, a medio camino entre la distopía incierta y la metáfora del pasado.
Película inaugural de la 58ª edición del Festival de Sitges, Alpha nos habla de dos enfermedades, una pandemia que afecta al individuo y el pánico colectivo que afecta a la sociedad. Es una película que habla de lo humano de cuidar de nuestros enfermos y lo inhumano de segregarlos, hacinarlos y abandonarlos a su destino. La cineasta prescinde de marcadores temporales de cualquier tipo, así que, como espectadores, entramos en la película sin saber exactamente dónde o cuándo nos está situando. Como en sus películas anteriores, Ducournau prefiere contar su historia desde lo metafórico y lo metafísico, sin anclajes en una realidad que podamos reconocer. Los protagonistas viven en una sociedad marcada por la muerte y la enfermedad, rodeados de una ventisca y una calima constante, que da a su realidad una tonalidad grisácea, enfermiza, mortuoria.
Enfermedad, miedo y deshumanización
En el epicentro de la historia tenemos la relación familiar de una niña con su madre y su tío, la primera sanitaria y exhausta por una extraña pandemia que convierte a las personas en figuras de mármol; el segundo, sentenciado por esta misma enfermedad, pero perseverante a no dejarse vencer por la muerte. La mirada inocente de Alpha, interpretada por Mélissa Boros, marca también la perspectiva del espectador, al mismo tiempo que su propio despertar sexual se ve marcado por el miedo a la pandemia y el estigma de tener un familiar afectado. Es sólo cuando el espectador empatiza con esa incomprensión ante el rechazo de la protagonista que la directora, de manera magistral, libera las últimas piezas que hacen falta para recomponer el puzle y dar sentido a toda la carga simbólica y las propias incongruencias del relato.
Una mirada íntima desde la inocencia
Aunque bien podría valer para hablar de la reciente pandemia del COVID y el dolor de los familiares que no se pudieron despedir de sus fallecidos, hacinados en hospitales saturados; lo cierto es que la película va más atrás en el tiempo y se convierte en un doloroso y emotivo recuerdo de la pandemia del sida en los años 90. La forma en que Ducournau construye todo su discurso, lo sintetiza en el dolor de tres personajes y lo escenifica con claves de cine de terror es magistral. El trabajo de los tres actores principales es magnífico, con un Tamar Rahim a la cabeza que ofrece una interpretación brutal, descarnada y terriblemente emocional. Golshifteh Farahani construye a su personaje de otra manera, desde la contención y el silencio de un conocimiento que no quiere compartir por no generar más dolor a su entorno. Finalmente, tenemos a Mélissa Boros, que lleva gran peso de la película, y que protagoniza con su rostro, uno de los finales más bellos, dolorosos y crudos del cine moderno.
Después de dos películas tan histriónicas como Crudoy Titane, Julia Ducournau ofrece con Alphasu película más redonda y madura, manteniendo algunas de las claves de su cine, al igual que su querencia por el componente fantástico como metáfora social, pero firmando una obra menos extravagante y más reflexiva.
Este viernes 5 de diciembre, se estrena, exclusivamente en cines, Five Nights at Freddy’s 2, la esperada secuela del éxito internacional que se convirtió en un fenómeno global entre los fans del icónico videojuego y recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo. La cinta está dirigida de nuevo por Emma Tammi y protagonizada por Josh Hutcherson, Elizabeth Lail y Piper Rubio, quienes regresan para dar vida a sus personajes en una entrega más oscura y cargada de suspenso.
Five Nights at Freddy’s 2 (c) Universal Pictures
Sinopsis FIVE NIGHTS AT FREDDY’S 2:
No se han quedado donde Freddy’s.
En 2023, Five Nights at Freddy’s, el fenómeno de terror producido por Blumhouse, basado en el exitoso videojuego creado por Scott Cawthon, se convirtió en la película de terror con mayor recaudación de todo el año.
Está a punto de empezar un nuevo capítulo de horror animatrónico.
Con guion de Scott Cawthon, ha transcurrido un año desde que fuimos testigo de la pesadilla sobrenatural en la pizzería de Freddy Fazbear. La historia de lo que ocurrió allí ha ido adquiriendo la talla de leyenda local, e incluso ha dado pie al primer “Faszfest”.
El exguarda de seguridad Mike (Josh Hutcherson) y la agente de policía Vanessa (Elizabeth Lail) han ocultado la verdad a Abby (Piper Rubio), la hermana de 11 años de Mike, acerca del destino de sus amigos animatrónicos.
Pero cuando Abby decide reconectar con Freddy, Bonnie, Chica y Foxy, desatará una serie de acontecimientos aterradores que revelarán oscuros secretos sobre el verdadero origen de Freddy’s, desencadenando un horror que llevaba décadas escondido y olvidado.
Matthew Lillard en Five Nights at Freddy’s 2 (c) Universal Pictures
Regresan al reparto de Five Nights at Freddy’s 2Theodus Crane, como Jeremiah, y el legendario Matthew Lillard, como William Afton. Los nuevos personajes están interpretados por Freddy Carter (las series Sombra y hueso, Pennyworth), Wayne Knight (Jurassic Park, la serie Seinfeld), Mckenna Grace (la franquicia Los Cazafantasmas, Annabelle vuelve a casa) y el icono del cine de terror Skeet Ulrich (la serie Riverdale). Así, vuelven a coincidir en la pantalla Matthew Lillard y Skeet Ulrich, tras Scream: Vigila quién llama.
Producen la película el fundador y director ejecutivo de Blumhouse, Jason Blum, y Scott Cawthon, que ya produjeron la primera película. La dirección ejecutiva corre a cargo de la directora Emma Tammi, Beatriz Sequeira, Christopher Warner, Russell Binder y Marc Mostman.
La primera entrega de Freddy’s alcanzó los 80 millones de dólares el fin de semana de su estreno en 2023, batiendo todos los récords, y recaudó casi 300 millones de dólares en todo el mundo.
Aunque la figura del vampiro no la creó Bram Stoker, sí fue él quien, en 1897, le dio a su principal representante, el Conde Drácula. Desde entonces, el personaje no sólo ha mantenido su posición, sino que también ha sido adaptado en múltiples ocasiones y a múltiples formatos. Cada nueva versión cinematográfica nos llegaba abanderando la proclama de ser la adaptación más fiel de la novela original, algo que, como sucede también con Frankenstein o El Moderno Prometeode Mary Shelley, es bastante cuestionable. La versión más reciente que ha llegado a nuestras pantallas ha sido la dirigida por Luc Besson y que, antes de su llegada al circuito comercial, también pudimos ver en la novena edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera.
Lo primero que hay que tener en cuenta es que aquí Besson no pretende, más bien se libera, de la presión de ofrecer una adaptación fiel. Al igual que hiciera el guion de James V. Hart para la versión de Francis Ford Coppola, este nuevo Dráculareconvierte la novela en una historia de amor más allá del tiempo y que conecta la figura literaria con la figura histórica que sirvió de inspiración a Stoker. Al igual que Coppola, Besson bebe también de múltiples fuentes a la hora de construir su película, aunque si bien las referencias del cineasta francés derivan hacia territorios distintos del director italoamericano.
Liberado de la lealtad a la novela, Besson lleva la historia a su terreno, con sus propias obsesiones y recursos narrativos y visuales. Desde el principio de su carrera, Besson ha evidenciado el peso del lenguaje del cómic en su puesta en escena y aquí vuelve a ofrecer una planificación pensada más en viñetas que en planos y secuencias. El valor desbordantemente enfático de la narrativa del cineasta es uno de esos primeros elementos que hará que la apreciación del público fluctúe de un espectador a otro.
Drácula de Luc Besson
ESTÉTICA OPERÍSTICA Y EXCESOS VISUALES
Este Dráculaevidencia también a nivel estético un componente operístico que redunda en lo desproporcionado de la propuesta visual. Lo ampuloso del diseño de vestuario, lo remarcado de los colores, lo barroco de la planificación y los movimientos de cámara, la presencia continua de la música de Danny Elfman, con un valor tan protagónico, casi transforma la película en un musical sin canciones, pero donde muchos de los movimientos de los personajes ejecutan una marcada coreografía.
Es cierto que la huella de la película de 1992 es innegable, no por nada se ha convertido en uno de los referentes estéticos ineludibles del cine fantástico de los últimos 30 años. Sin embargo, al igual que sucede con la novela de Stoker, Besson sabe desvincularse de la alargada sombra de Coppola, introduciendo sus propias aportaciones argumentales (la idea del elixir del amor) y da un carácter muy diferente, más impulsivo y belicoso a su conde. Más allá del componente aguerrido del prólogo, heredado de Coppola, pero ejecutado de manera distinta, este Drácula no tiene problema en demostrar su formación militar en otras etapas de la película.
Es probable que hasta ahora no imagináramos a Caleb Landry Jones como un candidato a interpretar al conde (más allá de haber participado en otra cinta de vampiros en el pasado, Byzantium de Neil Jordan); sin embargo, tras su poderosa interpretación en la anterior película de Besson, Dogman, aquí queda claro que la química entre actor y director es muy fecunda. Jones tiene la responsabilidad no sólo de asumir todos los excesos del Dráculade Besson, sino también de soportar con su interpretación todas las otras exuberancias de la película, convirtiéndose en el pilar absoluto de la historia.
Drácula de Luc Besson
REPARTO DESIGUAL Y COHERENCIA EXCESIVA
Menos destacado nos parece el resto del reparto. Zoë Bleu Sidel resulta reseñable en su doble papel de Elisabeta/ Mina, pero (como ya sucedía en el Frankensteinde Guillermo del Toro) Christoph Waltz nos parece que se limita a repetir su habitual abanico de recursos ante un personaje que no tiene tampoco un gran desarrollo. El resto del reparto resulta meramente correcto.
Aceptado el juego de Besson, siguen existiendo elementos que funcionan en su exceso y otros que pueden resultar ridículos, como el ejército de gárgolas de Drácula, con un acabado digital deficiente y que recuerdan más al Jorobado de Notre Dame de Disney, que a lo que podríamos exigir a una película de terror, más aún cuando descubrimos qué son realmente estas gárgolas.
Dráculade Luc Besson es una obra ampulosamente adornada, visualmente desbordante, exageradamente desproporcionada, que se atreve a lidiar con lo ridículo en su búsqueda de lo sublime, cayendo más en lo primero que en lo segundo. Sin embargo, una vez entramos en el juego de Besson no podemos negar su coherencia interna, la valentía de su propuesta y lo inesperado de sus resultados, lejos de ser una nueva adaptación al uso de Stoker o un reciclaje de Coppola, como nos parecía indicar su tráiler comercial.
Patricia Cornwell revolucionó el thriller criminal en 1990 con Postmortem, novela que dio vida a una médica forense capaz de convertir la ciencia forense en protagonista absoluta. Décadas después de búsqueda para llevarla a la pantalla, aquel personaje que ha vendido más de 120 millones de ejemplares llega a Prime Video con Nicole Kidman en el papel de Kay Scarpetta y Jamie Lee Curtis como su hermana Dorothy.
Primeras imágenes de Scarpetta. Prime Video
El personaje que cambió el thriller
Scarpetta revolucionó la ficción criminal como una profesional brillante y meticulosa capaz de reconstruir la verdad desde los cadáveres, en una época dominada por el procedimiento policial tradicional. Postmortemganó en un solo año los premios Edgar, Creasey, Anthony y Macavity, convirtiéndose en la piedra angular de una saga que actualmente comprende 29 novelas (la más reciente, Sharp Force, publicada el pasado mes de octubre). En 1999, el personaje recibió el Premio Sherlock al mejor detective creado por un escritor estadounidense.
Patricia Cornwell ha reconocido similitudes entre ella y su creación —ambas nacidas en Miami con relaciones tensas con sus padres—, pero la inspiración profesional provino de la doctora Marcella Farinelli Fierro, anatomopatóloga con quien la autora coincidió durante sus años en el Instituto Anatómico Forense de Virginia. Esa experiencia directa con autopsias otorgó a Cornwell el rigor científico que distingue su obra.
El obstinado camino hacia la adaptación
Durante décadas, Kay Scarpetta fue uno de los personajes más codiciados —y más esquivos— para el cine y la televisión. En 2009, Fox adquirió los derechos de la saga con Angelina Jolie como protagonista prevista, en un ambicioso proyecto que intentaba crear una franquicia similar a la de Jason Bourne. Sin embargo, esa adaptación nunca llegó a materializarse.
Por su parte, Nicole Kidman ha perseguido este proyecto durante casi dos décadas. Según ha confesado, «unirme con la formidable Jamie Lee Curtis, Prime Video, Jason Blum y David Gordon Green en la versión de Liz Sarnoff de sus emocionantes y épicos libros me parece algo que tenía que ser».
Una producción de prestigio
Scarpettase estrenará el 11 de marzo de 2026 en más de 240 países, con ocho episodios producidos por Amazon MGM Studios y Blumhouse Television. La serie está desarrollada por la guionista nominada al Emmy Liz Sarnoff (Perdidos, Barry), quien ejerce como showrunner, mientras que Gordon Green (trilogía de Halloween) dirige cinco episodios.
La estructura narrativa explora dos líneas temporales: en los años 90, Kay asume su cargo como directora de Medicina Forense mientras enfrenta las primeras grietas profesionales; en la actualidad, regresa a su ciudad natal para asumir su antiguo cargo investigando un brutal asesinato que reabre heridas olvidadas. Su relación con la hermana se convierte en el eje emocional más complejo, definido por resentimientos y secretos acumulados.
Un elenco de primer nivel
Junto a Nicole Kidman y Jamie Lee Curtis, el reparto incluye a Bobby Cannavale (ganador de dos Premios Emmy, por Boardwalk Empire y Will & Grace) como el detective Pete Marino, Simon Baker (protagonista de El Mentalista) como el perfilador del FBI Benton Wesley, y Ariana DeBose (premio Óscar por su interpretación de Anita en la película West Side Storyde 2021) como Lucy Watson, la virtuosa tecnológica sobrina de Kay. Las versiones jóvenes de los personajes corren a cargo de Rosy McEwen, Amanda Righetti, Jake Cannavale y Hunter Parrish.
Patricia Cornwell participa como productora ejecutiva a través de P&S Projects, mientras que Nicole Kidman y Jamie Lee Curtis también producen la serie. Pronto, la forense que aprendió a hablar por los muertos, finalmente conquistará las pantallas.
